Adriano Pedrosa and Jens Hoffmann appointed curators of the 12thInternational Istanbul Biennial | Adriano Pedrosa y Jens Hoffmanndesignados curadores de la XII Bienal Internacional de Estambul

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The 12th International Istanbul Biennial, organisedby the Istanbul Foundation for Culture and Arts, isset for 17 September–13 November 2011, under thecuratorship of Adriano Pedrosa and Jens Hoffmann.Pedrosa, born in 1965 in Rio de Janeiro, is an inde-pendent curator, editor and writer based in SãoPaulo. He has published in prestigious specializedmagazines such as Artforum (New York), Art Nexus(Bogota), Art+Text (Sydney), Tate etc (London), Exit(Madrid), and Frieze (London), among others. Hecurated F[r]icciones (with Ivo Mesquita, MuseoNacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, 2000),was adjunct curator and editor of publications ofthe XXIV São Paulo Biennial (1998), co-curator andco-editor of publications of the 27th São PauloBiennial (2006), curator of InSite_05, SanDiego/Tijuana (2005), curator of the 31st Panoramada Arte Brasileira (Museu de Arte Moderna de SãoPaulo, 2009), and artistic director of the 2nd TrienalPoli/Gráfica de San Juan (2009). He was a juror ofimportant awards. Pedrosa is on the editorial boardof The Exhibitionist: A Journal for ExhibitionMaking and is the founding director of ProgramaIndependente da Escola São Paulo—PIESP.Hoffmann, born in 1974 in San José, Costa Rica, is awriter and curator of exhibitions based in SanFrancisco, where he is the Director of the CCA WattisInstitute for Contemporary Arts. He has worked for anumber of art institutions including the Solomon R.Guggenheim Museum, New York; KIASMA–Museumfor Contemporary Art, Helsinki; KölnischerKunstverein, Cologne; The Hugh Lane Museum ofModern Art, Dublin; DIA Center for the Arts, NewYork, Kunstverein in Hamburg; Kunst-Werke, Berlin;Los Angeles Contemporary Exhibitions, Los Angeles;Kunst-Palast Museum, Düsseldorf, as well as forexhibitions such as Documenta X (1997), the 1stBerlin Biennial (1998), and the 9th Lyon Biennial(2007). He was the Director of Exhibitions at theInstitute of Contemporary Arts in London (2003–-2007) and co-curator of the 2nd Trienal Poli/Gráficade San Juan (2009). He is currently co-curating, withHarrell Fletcher, the 1st People’s Biennial, takingplace in five US museums in 2010. He is the found-ing editor of The Exhibitionist: A Journal onExhibition Making. The conceptual framework ofthe 12th International Istanbul Biennial will beannounced through a press conference to be heldin autumn 2010 by the curators; Adriano Pedrosaand Jens Hoffmann.www.iksv.org/bienal

La duodécima Bienal Internacional de Estambul,organizada por la Fundación de Estambul para laCultura y las Artes, se llevará a cabo entre el 17 deseptiembre y el 13 de noviembre de 2011, con lacuraduría de Adriano Pedrosa y Jens Hoffmann.Pedrosa, nacido en 1965 en Río de Janeiro, es uncurador independiente, editor y escritor, residente enSan Pablo. Ha publicado en prestigiosas revistasespecializadas, entre ellas Artforum (Nueva York), ArtNexus (Bogotá), Art+Text (Sydney), Tate etc(Londres), Exit (Madrid) y Frieze (Londres) y fue elcurador, conjuntamente con Ivo Mesquita, deF[r]icciones, presentada en el Museo Nacional Centrode Arte Reina Sofia, (Madrid, 2000); curador adjuntoy editor de publicaciones de la XXIV Bienal de SanPablo (1998), co-curador y co-editor de publicacionesde la XXVII Bienal de San Pablo (2006), y curador,entre otras importantes muestras, de InSite_05, SanDiego/Tijuana (2005), XXXI Panorama da ArteBrasileira (Museu de Arte Moderna de São Paulo,2009) así como director artístico de la SegundaTrienal Poli/Gráfica de San Juan (2009). Ha sido jura-do de importantes premios. Forma parte del consejoeditorial de The Exhibitionist: A Journal forExhibition Making y es director fundador delPrograma Independente da Escola São Paulo—PIESP.Hoffmann, nacido en 1974 en San José, Costa Rica, esun escritor y curador de exposiciones radicado en SanFrancisco, donde dirige el CCA Wattis Institute forContemporary Arts. Ha trabajado con numerosas ins-tituciones de arte, entre ellas el Museo Solomon R.Guggenheim de Nueva York; KIASMA–Museum forContemporary Art, de Helsinki; Museo KölnischerKunstverein, de Colonia; Hugh Lane Museum ofModern Art, de Dublin; DIA Center for the Arts, deNueva York; Kunstverein de Hamburgo; Kunst-Werke,de Berlín; Los Ángeles Contemporary Exhibitions, deLos Ángeles; Museum Kunst-Palast, de Düsseldorf.También ha sido asesor para las exposiciones deDocumenta X (1997), de la I Bienal de Berlín (1998), yla IX Bienal de Lyon (2007). Fue director de exposi-ciones del Instituto de Arte Contemporáneo de Londres(2003–-2007) y co-curador de la segunda TrienalPoli/Gráfica de San Juan (2009). Actualmente estácurando con Harrell Fletcher, la primera People’sBiennial, que se presentará en cinco museos deEstados Unidos en 2010. Es editor fundador de TheExhibitionist: A Journal on Exhibition Making.Pedrosa y Hoffmann anunciarán el marco concep-tual de la XII Bienal de Estambul en una conferen-cia de prensa que tendrá lugar en el otoño de 2010.www.iksv.org/bienal

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Mario García Torres at the Museo Reina SofíaMario García Torres en el Museo Reina Sofía

The Museo Reina Sofía presents the work of MarioGarcía Torres, shown for the first time at a Spanishinstitution. After more than three years of rigorousresearch, this Mexican artist living in Los Angelesuncovers a new era in the curious relationship thatsome artists have with history. In ¿Alguna vez hasvisto la nieve caer? García Torres uses slides in hisaudiovisual piece − created specifically for thisoccasion − to relay a largely unknown chapter inthe career of artist Alighiero Boetti and his OneHotel in Kabul.His gallery in London, White Cube, states: “MarioGarcía Torres approaches his work with a playful –and sometimes nostalgic – take on the history ofConceptual art, unlocking many of its forgotten nar-ratives to bring forth new ideas and meanings.Through his interventions, slide projections, filmsand installations, García Torres rethinks the traditionin a more personal way, animating events in recenthistory with a curiosity that is both critical and sen-sual. An archaeologist of cultural history, GarcíaTorres is developing an aesthetics of information”.Mario García Torres was born in 1975 in Monclova,Mexico and is now based in Los Angeles, California.He has exhibited in many group and solo exhibi-tions, including the Thyssen-Bornemisza ArtContemporary, Vienna; Kadist Art Foundation,Paris; Stedelijk Museum, Amsterdam; FrankfurterKunstverein, Frankfurt; Venice Biennial (2007),Musée d´Art Moderne de la Ville de Paris, TateModern, London (2007) and the Moscow Biennial.He was the recipient of the Cartier Award at theFrieze Art Fair (2007).

El Museo Reina Sofía presenta por primera vez enuna institución española la obra de Mario GarcíaTorres. Tras una rigurosa investigación de más detres años, este artista mexicano radicado en LosÁngeles descubre una nueva era en la curiosa rela-ción de algunos artistas con la historia. GarcíaTorres se sirve del formato de la diapositiva pararelatar en una pieza audiovisual creada específica-mente para la ocasión un capítulo poco conocidoen la carrera del también artista Alighiero Boetti ysu obra One Hotel, presentada en Kabul.White Cube, la galería que lo representa en Londres,se refiere a su obra en estos términos: “Mario GarcíaTorres se enfoca en su trabajo con un sentido lúdico– y a veces nostálgico − de la historia del arte con-ceptual, sacando a la luz muchas de sus narrativasolvidadas para brindar, a partir de éstas, nuevasideas y significados. A través de sus intervenciones,proyecciones de diapositivas, películas e instalacio-nes, García Torres se conecta con la tradición desdeuna perspectiva más personal, reviviendo sucesos dela historia reciente con una curiosidad que es tantocrítica como sensual. Como una suerte de arqueólo-go de la historia cultural, García Torres está desarro-llando una estética de la información”.Mario García Torres nació en 1975 en Monclova,México y reside actualmente en Los Ángeles,California. Ha exhibido en el Thyssen-BornemiszaArt Contemporary, de Viena; Kadist ArtFoundation, de París; Stedelijk Museum, deAmsterdam; Frankfurter Kunstverein, de Frankfurt;la Bienal de Venecia (2007), el Musée d´ArtModerne de la Ville de Paris, la Tate Modern, deLondres y la Bienal de Moscú. Recibió el PremioCartier en la feria Frieze de 2007.

Luis Cruz Azaceta in the NOMA by Miranda Lash*Luis Cruz Azaceta en el NOMA

Presented in NOMA’s white marbled Great Hall, theexhibition, Swimming to Havana, features ten newpaintings by Luis Cruz Azaceta, all from 2009. Thecombination of physical distance and decades-longU.S. travel and trade restrictions renders the idea ofswimming to and from the island nation insurmo-untable for any person to attempt alone.Nevertheless, it is a journey that has taken placecountless times in the minds of Cubans wishing toreach the United States, and Cuban immigrantsdreaming of returning home. In his suite of newpaintings, Azaceta invites viewers to undertake theirown imaginative journeys through his imagery.These paintings explore the idea of crossing over inmyriad ways: between abstraction and figuration,between geometric and organic forms, betweenCuban and American culture, and between the his-

El New Orleans Museum of Art, NOMA, presenta lamuestra de Luis Cruz Azaceta, Swimming toHavana I, compuesta por diez pinturas recientes,todas realizadas en 2009. La combinación entre ladistancia física y las largas décadas de restriccionesa los viajes y el intercambio comercial con EstadosUnidos hacen que la idea de nadar hacia y desde lanación isleña se convierta en un imposible paracualquiera que lo intente. Pese a ello, es un viajeque se ha llevado a cabo incontables veces en laimaginación de los cubanos que desean llegar aEstados Unidos o de los inmigrantes cubanos quesueñan con regresar al hogar. En esta serie de obrasrecientes, Azaceta invita al espectador a realizar supropio viaje mental a través de su imaginería. Estaspinturas exploran innumerables matices de la ideadel cruce de fronteras: entre la abstracción y la

¿Alguna vez has visto lanieve caer, 2010.Proyección de diapositivas.Diaporama, 80 diapositivas,audio. Duración 56’

Cuban American, born1942. Green Fugue, 2009Acrylic, charcoal, shellac oncanvas. Courtesy of theArtist and Arthur RogerGallery

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torically linked cities of New Orleans and Havana.The selection of works on view reflects the pendu-lum swing in Azaceta’s practice between abstractand representational art. The sense of displacement,of being lost in Azaceta’s world, relates in part to hispersonal history. Having had to straddle two cultu-res since fleeing to the United States in 1960,Azaceta is familiar with the feeling of dislocation.Likewise, having lived in Louisiana since 1992, hecan easily conjure memories of hurricane evacuati-ons, most recently Hurricanes Katrina and Gustav.Typical of Azaceta’s style, however, he cannot resistslicing through the gravity of his subject matter withelements of levity in many of his works. Despite hisfrequent use of self-portraiture, Azaceta is careful tonote that his figures represent all of humanity, notsolely himself. Since the 1970s Azaceta has usedself-portraiture as a vehicle for expressing universalelements of the human condition.*Curator of Modern and Contemporary Art, NewOrleans Museum of Art

figuración, entre lo geométrico y las formas orgá-nicas, entre la cultura americana y la cubana, yentre ciudades históricamente vinculadas comoNueva Orleáns y La Habana.La selección que presenta la muestra refleja la oscila-ción pendular entre el arte abstracto y el figurativo enla obra de Azaceta. En el mundo de Azaceta, el senti-do de desplazamiento, de encontrarse perdido, remiteen parte a su historia personal. Habiéndose visto forza-do a convivir con dos culturas desde su huida a EstadosUnidos en 1969, para Azaceta el sentimiento de des-plazamiento es algo familiar. De igual modo, habién-dose establecido en Louisiana desde 1992, puede evo-car fácilmente recuerdos de evacuaciones por huraca-nes, como las provocadas más recientemente porKatrina y Gustav. Sin embargo, como una característi-ca de su estilo, no puede evitar restarle gravedad a lostemas que trata, introduciendo elementos de ligereza enmuchas de sus obras. A pesar del frecuente uso delautorretrato en su trabajo, Azaceta es cuidadoso enlograr que sus figuras representen a toda la humanidady no sólo a sí mismo. Desde los setenta, ha utilizado elautorretrato como un vehículo de expresión de ele-mentos universales de la condición humana.*Curadora de Arte Moderno y Conetmporáneo, NewOrleans Museum of Art

Marta Minujin: MINUCODEs at the Americas SocietyMarta Minujin: MINUCODEs en la Americas Society

Marta Minujín: MINUCODE revisits an earlier projectby Argentine artist Marta Minujín, held in 1968 at theAmericas Society, then known as the Center for Inter-American Relations (CIAR). For the project, calledMINUCODE, Minujín collected social data through aseries of cocktail parties that were attended by peop-le who responded to a series of questionnaires theartist posted in the press. Drawing on methods used inhappenings and cinema verité, Minujín staged animmersive electronic environment in the CIAR galleryusing footage from the cocktail parties, installing aseries of light and sound shows created by selectedparty guests in an adjacent room. These shows wereconceived in collaboration with Tony Martin.Through original footage recently recovered and arc-hival documents,Marta Minujín: MINUCODEs, cura-ted by Gabriela Rangel and José Luis Blondet, and onexhibit from March 2 to April 3, 2010, illuminates theearly work of a fundamental voice of the neo-avant-garde scene in Latin America. Additional documen-tation on Circuit (1967) and Simultaneidad enSimultaneidad (1966) - a collaboration with AllanKaprow and Wolf Vostel, will also be on view.Among the public programs in conjunction with theexhibition, Americas Society will present a tour gal-lery with the artist and the curators on March 2. JudiRodenbeck and José Luis Blondet will offer a lectureon March 30 and there will be a panel discussion withAlexander Alberro, Carolee Schneemann and JenniSorkin, moderated by Gabriela Rangel on April 13.

Marta Minujín: MINUCODE retoma un proyecto que laartista presentó en 1968 en la sede de la Americas Society,entonces conocida como Center for Inter-AmericanRelations (CIAR). Para dicho proyecto, denominadoMinucode, Minujín recolectó datos de tipo social a través deuna serie de fiestas a las cuales asistieron personas que res-pondieron a una serie de cuestionarios que la artista habíapublicado en la prensa. Inspirándose en los métodos utili-zados en los happenings y en el cinéma vérité, Minujínorquestó una envolvente atmósfera electrónica en la galeríadel CIAR con el material fílmico original de dichas fiestas yuna serie de instalaciones de luz y sonido creadas por unaselección de invitados en una habitación contigua. Esosshows fueron concebidos en colaboraciónconTonyMartin.A través de originales fílmicos y documentos de archi-vo recientemente recuperados, Marta Minujín: MINU-CODE, curada por Gabriela Rangel y José Luis Blondety abierta al público del 2 de marzo al 3 de abril de2010, arroja luz sobre la obra del comienzo de la carre-ra de una de las voces fundamentales de la escena de lanueva vanguardia de Latinoamérica. La muestra tam-bién incluye documentación adicional sobre Circuit(1967) y Simultaneidad en Simultaneidad (1966), unacolaboración realizada con Allan Kaprow yWolf Vostel.Entre los programas públicos que se realizaránconjuntamente con la muestra, la Americas Societyofrecerá una visita guiada con la participación dela artista y los curadores el 2 de marzo. JudiRodenbeck y José Luis Blondet darán una charla el30 de marzo y el 13 de abril Gabriela Rangel mode-rará un panel con la participación de AlexanderAlberro, Carolee Schneemann y Jenni Sorkin.

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Joaquín Torres-García at The San Diego Museum of ArtJoaquín Torres-García en el San Diego Museum of Art

The San Diego Museum of Art announces the gro-undbreaking exhibition Joaquín Torres-García:Constructing Abstraction with Wood, the firstmajor U.S. exposition in nearly 40 years to focusexclusively on one of the most influential artistsfrom Latin America. A charismatic figure in theinternational art world, Joaquín Torres-García iscelebrated globally as a modernist painter, teacherand author. He has exhibited with the most famo-us artists of his time, including Antonio Gaudí,Pablo Picasso, Piet Mondrian, Theo van Doesburgand Marcel Duchamp. The San Diego Museum ofArt is the exclusive West Coast venue—and onlyone of two U.S. museums—for this exhibition,which was organized by The Menil Collection,Houston in association with the Museum of FineArts, Houston, and curated by Mari CarmenRamírez, the Wortham Curator of Latin AmericanArt at the Museum of Fine Arts, in collaborationwith Menil director Josef Helfenstein..Joaquín Torres-García: Constructing Abstractionwith Wood will be on exhibition from February 20through May 20, 2010, including more than 80wooden constructions, or maderas, largely datingfrom the 1920s to 1940s. The exhibition will beaccompanied by a fully illustrated catalogue (YaleUniversity Press) featuring essays by Mari CarmenRamírez, Cecilia de Torres, and Margit Rowell, aswell as a chronology and newly translated texts byJoaquín Torres-García.www.sdmart.org, Twitter @SDMA.

El San Diego Museum of Art anunció la apertura dela innovadora exposición Joaquín Torres-García:Constructing Abstraction with Wood, la mayormuestra de uno de los más influyentes artistas lati-noamericanos que haya tenido lugar en los últimoscuarenta años en Estados Unidos. Figura carismáti-ca en el mundo del arte internacional, JoaquínTorres-García es globalmente reconocido como unpintor modernista, profesor y autor. Expuso con losmás famosos artistas de su tiempo, entre éstosAntonio Gaudí, Pablo Picasso, Piet Mondrian, Theovan Doesburg y Marcel Duchamp. El San DiegoMuseum of Art será la sede exclusiva en la costaoeste − y uno de los únicos dos museos en EE. UU.− donde se presentará esta exposición itinerante,organizada por la Colección Menil, conjuntamentecon el Museum of Fine Arts, Houston y curada porMari Carmen Ramírez, la Curadora Wortham deArte Latinoamericano del Museum of Fine Arts,Houston, en colaboración con el director de lacolección Menil, Josef Helfenstein. .Joaquín Torres-García: Constructing Abstractionwith Wood continuará abierta al público hasta el 20de mayo de 2010 y se podrán apreciar más de 80construcciones en madera, muchas de las cualesdatan de las décadas de 1920 y 1940. La muestraestá acompañada de un catálogo completamenteilustrado (Yale University Press) e incluye ensayosde Mari Carmen Ramírez, Cecilia de Torres y MargitRowell, así como una cronología y textos nuncaantes traducidos de Joaquín Torres-García.www.sdmart.org, Twitter @SDMA.

Eduardo Stupia exhibits at the IVAMEduardo Stupia expone en el IVAM

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Constructivo con formas cur-vas (Construction withCurved Forms) 1931.Oil and nails on wood48.8 x 40.6 x 3.4 cm19-1/4 x 16 x 1-3/8 inchesPrivate Collection, Zurich

Paisaje, 2008.Te ́cnica mixta sobre tela.160 x 120 cm

Eduardo Stupía (Buenos Aires, 1951), has trustedthe spectators’ creativity and fantasy for years andhas led them to interpret lines, marks, spots andbrushstrokes. The exhibition at the IVAM compiles47 works, including drawings and paintings, fromthe period between 2008 and 2009. Together withthe exhibit the museum has edited a catalogue withthe reproductions of the works on display and textsby Francisco Calvo Serraller, Consuelo Ciscar,Fabian Lebenglik and the artist himself.All of Stupia’s works can be thought of and under-stood as a single big drawing or, rather, as a hugeorganism in which drawings have a function, areessential components, and are thoughts that thinkabout themselves as a result of a logic that goesback and forth from the material to the poetic level.As Stupia broadened his concept of drawing, hisworks became more uncertain and unsettling.In this exhibition, increasingly at the limit, the

Eduardo Stupía (Buenos Aires, 1951), ha confiado alo largo de los años en la creatividad y la fantasíadel espectador y lo ha inducido a interpretar líne-as, filigranas, manchas y pinceladas. La muestraque se presenta en el IVAM incluye 47 obras, entredibujos y pinturas, realizadas en 2008 y 2009. Conmotivo de la muestra se ha editado un catálogo quereproduce las obras expuestas y reúne textos deFrancisco Calvo Serraller, Consuelo Ciscar, FabianLebenglik y del propio artista.Toda la obra de Stupia se puede pensar y ver comoun único gran dibujo o, más bien, como un inmensoorganismo en el que los dibujos cumplen una fun-ción, constituyen una parte esencial de él y son pen-samientos que se piensan a sí mismos, como resulta-do de una lógica que va y viene de lo material a lopoético. A medida que fue ampliando el concepto dedibujo, su obra se tornó más incierta e inquietante.En esta exposición, cada vez más al límite, la rela-

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It is no coincidence that Maggio Printing Boutiqueshould have inaugurated its 2009 exhibitions witha show featuring the exquisite work of FabianaBarreda. The goal of this carefully designed newspace is to combine book printing and the produc-tion of high-quality paper with the exhibition ofvisual art by established Argentine artists. GraceBayala’s curatorial work privileges the work ofcontemporary artists whose background reveals apassion for art. Thus, Maggio’s impetus is in tunewith that of the artists convened, the first of whomhas been Fabiana Barreda.The two stories of the building located at 1390Arenales St., in Buenos Aires City, were the suitableand opportune place to host the work of an artistthat stands out for the singularity and synthesis ofher production, from its conceptual origin to itsfinish on matching supports of impeccable quality.Making an exegesis of certain projections of thisartist’s thinking, we would be in a position toaffirm that this new space was waiting for her.The characteristics of the space made it possible tofeature a photography installation together with animpressive exhibition of objects, complemented bya video exhibition presented on the ground floor.Three lines of work capable of sustaining theirautonomy harmonized in a co-existence that,throughout the exhibition, allowed the viewer toappreciate the power to create, evolving from apalpable architecture towards a cosmic one.

Nada casual es que Maggio Boutique de Impresióniniciara las exposiciones de arte del año 2009 conuna muestra de la exquisita obra de la artistaFabiana Barreda. Este nuevo espacio, construidocon esmerado diseño, se ha dispuesto a unir laimpresión de libros y papelería de alta calidad conel arte visual de consagrados artistas argentinos. Lacuraduría a cargo de Grace Bayala privilegia laobra de artistas contemporáneos cuya historiadeclara: pasión por el arte. De este modo, el ímpe-tu de Maggio, concuerda con los nombres de artis-tas convocados el primero de los cuales ha sido elde Fabiana Barreda.Las dos plantas del edificio, ubicado en Arenales 1390,en la ciudad de Buenos Aires, constituyen el sitio indi-cado y oportuno para recibir a una artista que se des-taca por la singularidad y síntesis de sus realizaciones,desde el origen conceptual hasta el remate realizado ensoportes acordes y de impecable calidad.Haciendo una exégesis de ciertas proyecciones delpensamiento de la artista estaríamos en condicionesde afirmar que este nuevo lugar la estaba esperando.Las características del espacio posibilitaron lamuestra de una instalación fotográfica sumada auna impactante exhibición de objetos al que se adi-cionó una proyección de video llevada a cabo enla planta inferior. Tres líneas de obra capaces desostener su autonomía armonizaron en una coexis-tencia que, a lo largo de la exhibición, han permi-tido observar el poder de crear desde una arquitec-tura palpable hacia una arquitectura cósmica.

Fabiana Barreda. “The Wall” Maggio Printing BoutiqueFabiana Barreda. “La Pared” Maggio Boutique de Impresión

Partial view of the galleryVista parcial de la galería.

relationship with the landscape is accidental andrhetorical: it is the relationship that survivesthrough gestures and consists of anomalous andtransfigured landscapes, which are perceived as analready lost footprint. These are landscapes aban-doned to their own fate, and they have given wayto a new repertoire in the last two or three years.In this way Stupía moves forward to a productiveperiod of instability, dissolution and more complex,free, personal and risky creative reformulation, bymeans of which he successfully explores the com-bination between optics and mechanics that privi-leges movement, materials and poetic intuition.

ción con el paisaje es casual y retórica: es la rela-ción que sobrevive en los gestos y que se ve refle-jada en paisajes anómalos y transfigurados, que seintuyen como una huella perdida. Son paisajesabandonados a su suerte, que en los últimos dos otres años han dado paso a un nuevo repertorio.Stupía avanza así hacia una productiva inestabili-dad, de disolución y reformulación compositiva máscompleja, más libre, más personal y más arriesgada,en la que se lanza hacia una feliz combinación entreóptica y mecánica donde se privilegian los movi-mientos, los materiales y las intuiciones poéticas.

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