Amelia Stein Attilio Fiumarella David Catá Kirstin Barnes Jeff DePonte Paul Cary Goldberg Marydorsey Wanless Suzie Blake Iain Sarjeant Jane Alynn

MAGAZINE 504

AMELIA STEIN 4

ATTILIO FIUMARELLA 17

DAVID CATÁ 27

KIRSTIN BARNES 36

JEFF DEPONTE 40

PAUL CARY GOLDBERG 53

MARYDORSEY WANLESS 60

SUZIE BLAKE 74

IAIN SARJEANT 86

JANE ALYNN 96

The images published in this magazine are copyrighted to their corresponding creators.

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I was getting ready to write a little editorial for the new

issue when I saw the news on Facebook.

I grew up with Charlie Hebdo. I’ve never been a fan and I

Didn’t buy it regularly, but in some way I was always kind

of reassured Charlie being around. I’d read it and check

the cartoons and think: “Man, how can they get away with

this?”. Well, they didn’t, in the end.

We need irreverence in the world. We need to be

remembered that respect is never an entitlement.

Belonging to a religious group, being a famous person

or a statesperson, earning a lot of money, working for a

prestigious company or a governmental body, none of

this is not enough to be granted respect and is certainly

not enough to be safe from criticism and satire. Respect

is a gift, respect is something one earns through one’s

actions.

We have never published anything controversial in the

magazine. It’s not because of some political idea, we

simply never had the opportunity. But maybe is is time

now for square photographers to get sharper.

Christophe Dillinger, January 2015

Je me préparais à écrire un petit éditorial pour le nouveau

numéro quand j’ai lu la nouvelle sur Facebook.

J’ai grandi avec Charlie Hebdo. Oh, je n’ai jamais été un

fan inconditionnel, et je ne l’achetais pas régulièrement,

mais d’une certaine façon ça me rassurait que Charlie

soit là. De temps à autre je le lisais en me disant : « Mais

comment font-ils pour que ça passe ? ». Eh bien, en

définitive ça n’est plus passé.

Nous avons besoin d’insolence. Il nous faut nous rappeler

que le respect n’est jamais un dû. Appartenir à un groupe

religieux, être une personnalité connue ou un chef d’État,

gagner un tas d’argent, travailler pour une entreprise

prestigieuse ou pour le gouvernement, rien de tout ça ne

donne automatiquement droit au respect, et rien de tout

ça ne nous met à l’abri de la critique ou de la dérision. Le

respect n’est pas un dû mais un cadeau, c’est quelque

chose que l’on gagne au travers de nos actions.

Nous n’avons jamais publié d’artistes controversés.

Non pas à cause d’une certaine politique, mais bien

parce qu’on n’en a jamais eu l’opportunité. Maintenant

il serait peut-être temps que les photographes au carré

deviennent plus incisifs.

Je suis CharlieI am Charlie

AMELIA STEIN 4

ATTILIO FIUMARELLA 17

DAVID CATÁ 27

KIRSTIN BARNES 36

JEFF DEPONTE 40

PAUL CARY GOLDBERG 53

MARYDORSEY WANLESS 60

SUZIE BLAKE 74

IAIN SARJEANT 86

JANE ALYNN 96

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Amelia Stein

Now in retrospect that pain of grief at their loss was so

very deep, with time it has somehow mellowed, my own

years running ahead that brings me to face my own

limitations also.

Ordinary objects from life, imbued with a sense of the

person to whom they once belonged.

Words to express the emotions of the loss of both

Parents. To put into the written word the emotions that

found themselves expressed in a handful of dark images

of their possessions taken 15 years ago now. Small

personal objects, the clock from the kitchen, two dancing

figurines that dance in the dark of my photograph as if

fading into the darkness of the inky black sorrow of the

image. In the back of his tidy wardrobe, I find an old pair

of his handmade shoes.

As I found myself finally alone in our home, with all

their possessions still in their familiar places, as part

of the grieving process, it was a time also to prepare

the house to be sold, their possessions to be dispersed,

some kept and treasured, others to be given away. The

most ordinary of things, a wooden spoon and spatula for

cooking slipped into my utensils in my own home.

I brought items back to my home and randomly they

were photographed as part of the farewell homage of the

life lived together of two very kind elderly people and my

good fortune to have been their only child, their daughter.

Loss and memorywww.ameliastein.com

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Amelia Stein

bonne fortune d’avoir été leur seul enfant, leur fille.

Maintenant, avec le recul, cette douleur profonde de leur

perte s’est avec le temps en quelque sorte adoucie, mes

propres années qui s’accumulent m’amènent à faire face

à mes propres limites.

Voici des objets ordinaires de vie, imprégnés par l’âme de

la personne à qui ils ont appartenus.

Des mots pour exprimer les émotions liées à la perte des

deux parents. Pour mettre sur papier les émotions qui

se sont trouvées exprimées dans une poignée d’images

sombres prises il y a maintenant 15 ans. Les objets

personnels, l’horloge de la cuisine, deux figurines qui

dansent dans l’obscurité de ma photographie comme si

elles se fondaient dans l’obscurité d’encre de la tristesse.

Dans le dos de sa garde-robe bien rangée je trouve une

vieille paire de ses chaussures fait main.

Alors que je me trouvais enfin seule dans notre maison,

avec tous leurs biens encore bien à leurs places, dans le

cadre du processus de deuil, il me fallait aussi préparer

la maison à la vente, leurs biens à être dispersés,

certains conservés précieusement, d’autres destinés à

être donnés. Le plus ordinaire des choses, une spatule et

une cuillère en bois glissées parmi les ustensiles de ma

propre cuisine.

J’ai apporté ces objets chez moi et je les ai

photographiés au hasard, comme un hommage, un adieu

à la vie conjointe de ces deux personnes âgées et à ma

Loss and memorywww.ameliastein.com

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Attilio Fiumarella

One of the first public facilities built in Balsall Heath was the

Moseley Road Baths. Constructed in two stages, the first being

the construction of the Free Library, the baths were designed

by William Hale & Son and opened their doors on October 30,

1907. There were restrictions to access, as was common at

the time, and three different entrances attest to that: one for

first class men, another for second class men and a third for

women. Its unique architecture and gathering purpose made it

the icon of the neighbourhood.

After several years of decline, one of the two swimming pools

has been refurbished, restoring its old lustre. Sadly, the Gala

pool is still left to degradation. The Birmingham City Council

intends to close the Baths permanently in 2015, following the

opening of a new sports facility.

This body of work aims to outline the loss of this valuable

heritage and also to strengthen the relationship between the

pool and its people.“The swimmers” were immortalized in

an atmosphere inspired by the butterfly and its cocoon. This

temporary skin provides the butterfly with enough energy for a

new life. In the same way, in this imaginary world, the users are

gripping the swimming pool’s essence, keeping the heritage

alive.

«The Swimmers» was funded through a bursary granted by

Some Cities.

The swimmers

www.attiliofiumarella.com

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Attilio Fiumarella

Une des premières installations publiques construites à Balsall

Heath fut les bains de Moseley Road. Bâtis en deux étapes,

la première étant la construction de la Free Library, les bains

furent conçus par William Hale & Fils, et ouvrirent leurs portes

le 30 Octobre 1907. L’accès y était restreint, comme il était

courant à l’époque, et trois entrées différentes en attestent :

une pour les hommes de première classe, une autre pour les

hommes de deuxième classe, et un troisième pour les femmes.

Son architecture unique et son objectif communautaire en

firent une icône du voisinage. Après plusieurs années de

déclin, l’une des deux piscines a été rénovée et son lustre

ancien restauré. Malheureusement, la piscine de Gala est

toujours en proie à la dégradation. Le conseil municipal

de Birmingham a l’intention de fermer les Bains de façon

permanente en 2015, suite à l’ouverture d’un nouveau centre

sportif.

Ce travail vise à décrire la perte de ce patrimoine précieux et

aussi à renforcer la relation entre la piscine et de son public.

«Les nageurs» ont été immortalisés dans une atmosphère

inspirée du papillon et de son cocon. Cette peau temporaire

fournit au papillon assez d’énergie pour une nouvelle vie. De

la même façon, dans ce monde imaginaire, les utilisateurs

saisissent l’essence de la piscine et en gardent le patrimoine

vivant.

« The Swimmers» est un projet qui a pu être mené à bien grâce

à une bourse de Some Cities.

The swimmerswww.attiliofiumarella.com

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Attilio Fiumarella

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David CatáLet me fly

We are as ephemeral as the wind and we fly like it. We

disappear, leaving only a trace, a seed that memory

keeps alive.

With a frustrated sigh I try to let you fly, I try to let you go,

but you come back to me, the pain of an unrepeatable

past.

Nous sommes aussi éphémères que le vent et nous

volons comme lui. Nous disparaissons, laissant

seulement une trace, une graine que seule la mémoire

maintient en vie.

Avec un soupir de frustration j’essaie de te faire t’envoler,

j’essaie de te laisser partir, mais tu reviens à moi, la

douleur d’un passé irremplaçable.

www.scan.cat/en/tl-david-cata

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Kirstin Barnes

In a world full of objectification, what does it mean to

be judged? This piece of work examines the relation-

ship between the audience and the artist, the woman

and the misogynist. Every Inch of Me is meticulously

photographed, exact inch size images of the entirety of

my body. By giving the whole of my body on my terms,

dehumanising myself, is it still possible to objectify me?

Am I now in control?

I have turned this work into a multi-sensory, one on

one experience, an installation film with sound and an

invitation to hold all of me in your hand. The experience

could be seen to make the participants uncomfortable, to

reverse the embarrassment, the power, the uneasiness

of being completely naked in front of someone. Can you

ever know me by seeing all of me?

Kirstin Barnes is our latest artist in residence.

Dans un monde enclin à l’objectivation, que signifie être

jugé ? Ce travail examine la relation entre le public et

l’artiste, la femme et le misogyne. « Every Inch of Me »

est méticuleusement photographié, ce sont des images

exactes de la taille d’un pouce de la totalité de mon

corps. En donnant à l’ensemble de mon corps selon mes

propres conditions, me déshumanisant moi-même, est-il

encore possible de me transformer en objet ? Suis-je

maintenant au contrôle de moi-même ?

J’ai transformé ce travail en un film multi-sensoriel,

une expérience intime, une installation sonore avec à la

clef une invitation, celle de tenir tout de moi dans votre

main. L’expérience pourrait rendre les participants mal à

l’aise, pour inverser l’embarras, la puissance, le malaise

d’être complètement nu devant quelqu’un. Pourrez-vous

vraiment me connaître en ayant vu tout de moi ?

Kirstin Barnes est notre dernière artiste en résidence.

Every inch of me

www.kirstinbarnesphotography.com

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Kirstin Barnes

Kirstin’s work is a one inch wide video. Please click here

to view it.

Le travail de Kirstin est une vidéo d’un pouce de coté et

peux etre visualisé ici.

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Jeff DePonte

I didn’t choose street photography— it chose me.

During a 2012 vacation in Tokyo, my shooting style

evolved from that of a timid traveler to that of a

documentarian, and I was hooked. Later that year, while

on a documentary film shoot in Phnom Penh, I spent my

free time photo walking, and it all came together for me. I

know now that I am compelled to create images of people

in their environment.

People of other cultures and their everyday lives

fascinate me. I want to share my observations of life,

take you inside a world utterly different from your

own. The act of shooting on the street helps me see

the extraordinary in the ordinary, helps me to more

completely experience a place.

It’s all about the human condition, running into a culture

that’s so different from your own and wanting to share

that. I’m passionate about documentary photography.

I strive to capture the spontaneous, un-selfconscious

actions of people in their everyday lives. While I consider

much of my work street photography, some street

purists might not. That’s fine with me— if the image

moves you in some way, labels don’t matter.

One camera, one lens, black and white, square. In

September of 2014, before I left for Phnom Penh, I

decided on the general form of the work. The images were

all composed in square format, not cropped after the

fact. Oh, and my camera is dead quiet. The subject rarely

knows that I made an image, and I work very close to my

subjects. Fuji is the new Leica.

Experiencing a place as poor as Cambodia will make you

question the things you take for granted back home in

your own comfort zone. Photography can help make us

question what is normal and routine, while depicting an

ingenuity and resourcefulness that are universal.

Phnom Penh

digitalfilm.co

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Jeff DePonte

Je n’ai pas choisi la photographie de rue, c’est elle qui

m’a choisi. Au cours de vacances à Tokyo en 2012, mon

style de prise de vue a évolué rapidement, passant de

voyageur timide à documentariste, et je suis devenu ac-

cro. Plus tard dans la même année, tandis que j’assistais

au tournage d’un documentaire à Phnom Penh, j’ai passé

mon temps libre à marcher et à prendre des photos et

tout est devenu clair. Je sais maintenant que mon rôle

en tant que photographe, c’est de faire des images d’indi-

vidus dans leur environnement.

Les habitants d’autres cultures et leur vie quotidienne

me fascinent. Je veux partager mes observations à

propos de leur manière de vivre et vous emmener dans

un monde tout à fait différent du du vôtre. Le fait de pho-

tographier dans la rue me permet de voir l’extraordinaire

dans l’ordinaire, m’aide à vivre plus pleinement un lieu.

Il s’agit de parler de la condition humaine au sein d’une

culture radicalement différente de la sienne et de vouloir

le partager. Je suis passionné par la photographie

documentaire. Je m’efforce de capturer les actions

spontanées, non posées, de personnes dans leur vie

quotidienne. Je considère mon travail comme étant de

la photographie de rue, mais certains puristes ne seront

peut-être pas d’accord avec moi. Cela ne me dérange pas.

Si d’une certaine façon ces images plaisent et émeuvent,

leur étiquette ne compte pas.

Un appareil photo, un objectif, du noir et blanc, carré. En

Septembre 2014, avant mon départ pour Phnom Penh,

j’avais décidé de la forme générale de mon travail. Les

images ont toutes été composées en format carré, pas

recadrée après coup. Oh, et mon appareil photo est tout

à fait silencieux. Le sujet sait rarement que j’ai fait une

photo et je travaille très près de mes sujets. Les Fuji sont

les nouveaux Leica.

Faire l’expérience d’un endroit pauvre comme l’est le

Cambodge nous fait remettre en question les choses que

l’on prend comme acquises chez soi, dans notre zone

de confort. La photographie peut aider à nous interroger

sur ce qui est normal et routinier, tout en illustrant une

ingéniosité et une débrouillardise universelles.

Phnom Penh

digitalfilm.co

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Paul Cary GoldbergIn my solitude

www.paulcarygoldberg.com

When I purchased a digital camera in 2009 I abandoned

my studio work for five years and focused on

documentary photography. In 2013 a friend and fellow

artist pressured me to return to the still life genre. I was

reluctant, fearful of repeating old work. Yet I knew she

was right - it was important for me to go back into my

studio.

Returning to a contemplative studio process was

difficult. I was self-conscious, clumsy, stiff and timid.

I was never one who pre-conceived images. For me it

is always a process of discovery. But this time I was

floundering, directionless, not even knowing what

to photograph. My film came back from the lab with

strong composition and lighting elements yet it meant

nothing to me. This continued for quite some time. I was

deeply frustrated and dissatisfied and I was becoming

increasingly pessimistic.

Then somehow I saw layers. Literally. The surfaces of

wood, slate and marble which had been lingering in my

studio for years, began to pile one upon the other. This

meant something - viscerally and visually. The objects

assembled. Fruit, flowers, pods, seeds, nuts, onions,

garlic, bread and velvet found their places on the stage

and relationships between them began to emerge.

Still Life. Nature Morte. Bodegón. Vanitas. Memento

Mori. I was back in the solitude of my studio, where

photography is such sweet sorrow.

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Paul Cary GoldbergIn my solitude

www.paulcarygoldberg.com

Quand j’ai acheté un appareil photo numérique en 2009,

j’ai abandonné mon travail en studio pendant cinq ans

et me suis concentré sur la photographie documentaire.

En 2013, une amie artiste fit pression sur moi pour que

je revienne au genre de la nature morte. J’étais réticent,

craignant de me répéter. Pourtant, je savais qu’elle avait

raison – il était important pour moi de revenir dans mon

studio.

Retourner à un processus contemplatif fut difficile. Je

me sentais complexé, maladroit, rigide et timide. Je n’ai

jamais été quelqu’un qui préconçoit ses images. Pour

moi, c’est plutôt toujours un processus de découverte.

Mais cette fois, je pataugeais, sans direction, ne sachant

même pas ce qu’il fallait photographier. Mes pellicules

me revenaient du laboratoire avec des images aux

éléments de composition et d’éclairage forts mais qui

ne voulaient rien dire pour moi. Cela a continué pendant

un certain temps. J’étais été profondément frustré et

mécontent et de plus en plus pessimiste.

Puis je me suis mis à voir des surfaces. Littéralement.

Les surfaces de bois, d’ardoise et de marbre qui avaient

perduré dans mon studio pendant des années, ont

commencé à s’empiler les unes sur les autres. Elles

avaient du sens - viscéralement et visuellement. Les

objets s’assemblèrent. Fruits, fleurs, gousses, graines,

noix, oignons, ail, pain et velours trouvèrent leur place

sur la scène et les relations entre eux commencèrent

à émerger. Still Life. Nature Morte. Bodegón. Vanitas.

Memento Mori. J’étais de retour dans la solitude de mon

studio, où la photographie est un chagrin si doux.

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Marydorsey WanlessTravelling the Back Roads

www.marydorseywanless.com

The work exhibited in “Traveling the Back Roads” is about

place: the Kansas prairie and its history, its architecture,

its geography, its elements. The land here is characte-

rized both by the predictable as well as the unexpected.

One never knows what one will find around the curve

ahead or over the next hill: soaring vultures, pastures of

wildflowers, or an old school house.

I go to the prairie for inspiration; it calls me back again

and again. I love the elements created by weather: sun,

wind, snow, fog, rain, mist, storms, clouds, calm, wet

dry cold hot, humidity, temperature. I love to see great

distances, to fill my camera lens with sky. I love to hear

the birds and coyotes, to smell the burns, to feel the wind

against my face.

I moved to Kansas in 1981, thinking it was just a short

stop along my journey through life. Thirty-three years

later, I have come full circle and embraced Kansas as

my home. Now I have an art studio at the end of a gravel

road in rural Onaga, where I live and enjoy the sea-

sons and natural life of the area, where my senses are

constantly alive and stimulated, and where I can soak up

the vistas of the prairie and the forever skies.

The work exhibited in “Traveling the Back Roads” is a

collection of my impressions of rural Kansas. It too is a

juxtaposition, as is the prairie: the modern vs. the old,

digital vs. handmade.

I feel that both types of photographic techniques tell the

stories of the area equally well. The man-made altera-

tions of the prairie are constantly worn down by the

unforgiving weather of Kansas. I have used my iphone

camera and some digital “apps” to create black and

white square images of sights along the back roads. The

tintype metallic look of the photographs references the

harsh climatic elements, as well as the rich history of the

area.

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Marydorsey Wanless

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Marydorsey WanlessTravelling the Back Roads

Le sujet du travail exposé dans « Travelling the Back

Roads », c’est le lieu même : la prairie du Kansas et son

histoire, son architecture, sa géographie, ses éléments.

Ce lieu est à la fois prévisible et inattendu. On ne sait

jamais ce qu’on va trouver au détour de la route ou au

delà de la prochaine colline : l’essor des vautours, les

champs de fleurs sauvages, ou une vieille école.

Je traverse la prairie à la recherche d’inspiration ; elle

m’appelle encore et encore. J’aime les formes créés par

les conditions météorologiques: le soleil, le vent, la neige,

le brouillard, la pluie, la brume, les orages, les nuages,

le calme, froid / sec / humide / chaud, l’ humidité, la

température. J’aime être confrontée à cette immensité,

à remplir de ciel l’objectif de mon appareil. J’aime écouter

les oiseaux et les coyotes, sentir l’odeur de l’écobuage,

sentir le vent sur mon visage.

Je ai déménagé au Kansas en 1981, pensant que c’était

juste une courte étape dans le long voyage qu’est ma

vie. Trente-trois ans plus tard, j’ai bouclé la boucle et

reconnu le Kansas comme étant mon foyer. Maintenant,

j’ai un studio au bout d’un chemin de gravier dans la

campagne de l’Onaga, où je réside et où j’apprécie les

saisons et la vie naturelle de la région, où mes sens sont

constamment stimulés et en éveil et où je peux profiter

du spectacle de la prairies et du ciel qui n’en finit pas.

Le travail exposé dans « Travelling the Back Roads

» est une collection de mes impressions du Kansas

rural. C’est aussi une juxtaposition, tout comme l’est

la prairie : le nouveau et l’ancien, le numérique et le

fait main. Je pense que les deux types de techniques

photographiques racontent l’histoire de la région aussi

bien l’une que l’autre.

Les altérations artificielles de la prairie sont

constamment érodées par le temps impitoyable du

Kansas. J’ai utilisé mon iPhone et des « apps » afin de

créer des images numériques, carrées et en noir & blanc

d’endroits le long des routes de campagne. Le rendu

métallique et simulant la ferrotypie des photographie fait

référence à la rudesse du climat autant qu’à la richesse

historique de la région.

www.marydorseywanless.com

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You are, or you know a poor rectangular photographer who would you like to try their hand at the square format and be published in the magazine? If so, the Square Res-idencies program is just what you need. It is free, it last three to six months and is open to all, regardless of age, gender or nationality (or indeed photographic gear).

Here’s what you need to do:

Gather some of your work and some info about yourself. Put together a proposal, highlighting your visual project and why you think the square format would fit.Email the lot to editor@squaremag.org

What you’ll get:

On-going assessment and feedback on your project from members of the Square Magazine team (email, phone and Skype).Academic help if needed (for instance art history and contextual studies).A slot in the magazine at the end of the residency.Promotion of the project via social networks and the magazine’s website.

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Suzie Blake

www.prettychicken.com

Lost memories

” Lost Memories” is a series of large-scale photographic

works exploring the relationship between human beings and

their environment, past, present and future. The works are an

accumulation of over 15 years worth of film photography stills

shot around the world. Using both analogue and digital, and

incorporating various techniques including cross processing,

double exposure, expired film and digital image processing.

Through my images the abject of our private lives is fused with

the beauty of public places, and vice versa. I explore human

behavior in both the public and private realm and also consider

voyeurism; our obsession with knowing what others are

doing or what they have done. Within all of this I also consider

environmental issues as a wider contextual feature. How our

actions affect the environment and the impact our relatively

small doings make on a larger scale.

« Lost Memories » est une série de travaux

photographiques à grande échelle qui explorent la

relation entre les êtres humains et leur environnement,

passé, présent et avenir. Ces travaux sont une

accumulation de 15 ans de clichés de par le monde, qui

intègrent diverses techniques et médias y compris le

traitement croisé, la double exposition, les films périmés

et le traitement numérique de l’image.

A travers mes images le côté abject de nos vies privées

est fusionnée avec la beauté des lieux publics et

inversement. J’explore le comportement humain à la

fois dans le domaine public et privé et prends aussi en

compte le concept de voyeurisme : notre obsession

à savoir ce que les autres font ou ce qu’ils ont fait. Au

travers de tout cela, je tiens aussi compte des problèmes

environnementaux dans une problématique contextuelle

plus large. Comment nos actions affectent-elles

l’environnement et quel impact nos efforts personnels

ont-ils à une plus grande échelle.

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Vous êtes, ou vous connaissez quelqu’un qui est un pauvre photographe qui se débat avec le rectangle et qui aimerait essayer le format carré et etre publié dans le mag-azine ? Le tout nouveau programme de résidence d’artistes peut vous aider. C’est gratuit, ça dure de 3 à 6 mois et c’est ouvert à tous, quelque soit votre âge, votre sexe ou votre nationalité.

Ce qu’il nous faut :

Rassemblez des extraits de vos travaux et quelques info sur vous-mêmes.Mettez sur pied une proposition, mettant en lumière votre projet visuel et les raisons pour lesquels vous pensez que le format carré serait approprié.Envoyez le tout à editor@squaremag.org

Ce que vous pouvez espérer de nous :

Une évaluation et un retour sur votre projet d’un des membres de l’équipe de Square Magazine (mail, téléphone ou Skype).Une aide académique si necéssaire (par exemple en histoire de l’art ou en études contextuelles).Un article dans le magazine à la fin de la résidence.La promotion de votre travail via les réseaux sociaux et notre site web.

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Cette série explore l’effet de l’hiver sur le paysage - une

transformation soudaine du quotidien et du familier.

Chaque chute de neige fraîche crée un éventail de

formes aléatoires et de détails - certaines simples,

d’autres complexes et chaotiques. Ce monde audacieux,

graphique et visuellement stimulant est rendu encore

plus attrayant de par sa nature éphémère : ces

compositions ont souvent disparu passé 10h du matin,

puis le vent les détruisent.

Je travaille près de chez moi, mon but est de créer des

images pensives, méditatives, reflétant le processus lent

et mesuré de la création, souvent seul dans un paysage

blanc et silencieux.

This series explores winter’s effect on the landscape - a

sudden transformation of the everyday and familiar.

Each fresh snowfall brings an array of random shapes

and details – some simple, some complex and chaotic.

This bold, graphic and visually stimulating world is made

even more appealing by its transient nature: these

compositions have often vanished by 10am, after the

sun and wind have had their effect.

Working close to home, my aim is to make thoughtful,

meditative images – reflecting the slow and measured

process of creating them, often alone in a silent, white

landscape.

Iain SarjeantWinter abstracts

www.iainsarjeant.co.uk

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Jane Alynn

” Interior” reflects my interest in liminal spaces,

landscapes in transition, thresholds, those zones of

in-betweenness, places that Kandinsky spoke of as

“pregnant with possibilities.” The photographs

in this series were made within an empty gallery, which

I inhabited for a couple of weeks between exhibitions.

My aim was to explore the simplified space, making

light and the space itself the primary subject matter. I

was curious how the white walls would reflect highlights

and shadows, how light-shafts of the afternoon sun or

subdued light on a foggy morning would articulate the

space. The resulting images are compositions of pure

abstraction. They become quiet metaphors for the way

the outer eye serves the inner.

« Interior » reflète mon intérêt pour les espaces

liminaires, les paysages en transition, les seuils, les

zones d’entre-deux, que Kandinsky décrit comme étant

« enceinte de possibilités ». Les photographies de cette

série ont été faites au sein d’une galerie vide que j’ai

habitée durant 15 jours entre 2 expositions.. Mon but

était d’explorer l’espace simplifié, faisant de la lumière

et de l’espace lui-même les sujets primaires de mon

travail. J’étais curieuse de voir comment les murs blancs

reflètent les lumières et ombres, comment les barres de

lumiere du soleil d’après-midi ou la lumière tamisée d’un

matin brumeux font s’articuler l’espace. Les images qui

en résultent sont des compositions purement abstraites.

Elles deviennent de calmes métaphores par le biais de

l’œil extérieur desservant l’œil intérieur.

Interior

www.janealynn.com

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The Square Team◆ Rédacteur en chef : Christophe Dillinger

www.cdillinger.co.uk

◆ Direction artistique : Yves Bigot

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