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Arts and Crafts
El movimiento Arts and Crafts (literalmente, Artes y oficios) fue una escuela artísticaque surgió en Inglaterra a mediados del siglo XIX y se desarrolló en el Reino Unido y
en los Estados Unidos durante los últimos años del siglo XIX y en los comienzos delsiglo XX. Inspirado por la obra de John Ruskin, tuvo una segunda generacion alrededorde 1880 y 1900.
El Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de William Morris, artesano,impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin, hombre polifacético quese ocupó de la recuperación de las artes y oficios medievales, renegando de lasnacientes formas de producción en masa. Aparte de William Morris, sus principalesimpulsores fueron Charles Robert Ashbee, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane,Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor Buckland, Charles Rennie Mackintosh, Christopher Dresser, Edwin Lutyens, Ernest Gimson, Gustav Stickley y los artistas del
movimiento prerrafaelita.
El movimiento revaloró, en plena época victoriana, los oficios medievales, con lo cualreivindicó la primacía del ser humano sobre la máquina, con la filosofía de utilizar latecnología industrial al servicio del hombre: potenciando la creatividad y el arte frente ala producción en serie. Se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas, yconstituyó sobre todo un arte decorativo.
Se trató de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia sobre laarquitectura, las artes decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas, e inclusoen el diseño de jardines.
En los Estados Unidos se usan las denominaciones Arts and Crafts movement , American
Craftsman o estilo Craftsman para referirse al estilo arquitectónico y decorativo quepredominó entre los períodos del Art Nouveau (el modernismo) y el art decó, es decir,aproximadamente entre 1910 y 1925. Sostenía que cada objeto debería tener o retomaralgo del pasado, pero dándole un sentido elegante.
El artesano se vuelve operario o artista.
"Arts and Crafts" (Artes y Oficios). Reacción contra el estilo victoriano.
El movimiento Arts and Crafts surgió en las últimas décadas del siglo XIX comoreacción contra el primer estilo industrial, que se había desarrollado en Inglaterra a lolargo de esa centuria. El llamado estilo victoriano.
Se dice que cuando los visitantes de la Feria Universal de 1851 llegaban al CrystalPalace de Londres, además de asombrarse por los avances técnicos, se sorprendían porel mal gusto de todo lo que se fabricaba en masa. De manera que la idea de progresoindustrial comenzó a mezclarse con la intuición de que era necesaria una reacción quedevolviera a los objetos de la vida cotidiana una cierta dimensión estética, queacompañase a las funciones naturales para las que eran fabricados. Esa reacción sedenominó Arts and Crafts, Artes y Oficios, ya que pretendió elevar la dignidad social y
estética del diseño y de todas las artes aplicadas, integrándolas en un entornoarquitectónico armonioso y bello.
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Primeras propuestas.Aunque la mayor parte de los ciudadanos ingleses del XIX permanecían apáticos osatisfechos con el nivel estético alcanzado por su poderosa industria, las reacciones alrecargado estilo dominante en la época se iniciaron a finales de la década de 1840. A
este respecto hay que destacar la obra de Henry Cole, que editó el Journal of Design andManufactures desde 1847.Dos años después, en 1849, apareció la obra de John Ruskin, Las siete lámparas de laarquitectura, una de las obras fundamentales de la crítica de arte del siglo XIX, que yaen 1843 había comenzado a publicar una serie sobre Pintores contemporáneos, y que en1851-53 publicaría Las piedras de Venecia.
Desde el punto de vista de la acción el Arts & Crafts experimentó un empuje importanteen 1861 cuando William Morris fundó la empresa Morris, Marshall, Faulkner andCompany, conocida generalmente como Morris and Company.
En 1890 Morris fundó la Kelmscott Press, una imprenta artesanal de la que salierontiradas reducidas de algunos de los libros impresos más cuidadosamente producidos detoda la historia, y que fue capaz de ejercer una poderosa influencia sobre las grandeseditoriales comerciales durante varias décadas.
Principios del Arts & Crafts Entre las ideas más características del Arts and Crafts se encuentran principiosfilosóficos, éticos y políticos, tanto como estéticos. Destacamos los más importantes:
Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía. El diseño de los objetosútiles es considerado una necesidad funcional y moral.
Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de laobra que realiza, fragmentado sus tareas.
Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura (con elneogótico) como en las artes aplicadas.
Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño. Unaidea que sería recogida por el racionalismo de principios del siglo XX.
Propuesta de agrupación de los artesanos en guildas y talleres, siguiendo elmodelo medieval de trabajo colectivo.
Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista ypara el cliente.
El art nouveau (arte nuevo) es un movimiento artístico que surge a fines del siglo XIXy se proyecta hasta las primeras décadas del siglo XX. Generalmente se expresa en laarquitectura y en el diseño
Se podría afirmar que es un estilo decorativo desarrollado durante la Belle époque enEuropa y Estados Unidos. Toma su nombre a raiz de una exposición que realiza Munchen la galería parisina " La maison del Art Nouveau", diseñada por Siegfrid Bing (1838-1905), aunque se conoce con distintos nombres según los países: modernismo enEspaña, Jugendstil en Alemania, Sezession (en Austria), Liberty en Inglaterra, Florealeen Italia, modernisme o Estilo modernista en Cataluña
etc. Recurría a líneas sinuosas y composiciones asimétricas. Los motivos más frecuenteseran flores, hojas y la figura femenina. Se aplicó al diseño de interiores, joyas, forja,
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vidrio, cerámica, telas y, sobre todo, a la ilustración, que alcanzó gran popularidadgracias al invento de la litografía.
Una de las características principales del Art Nouveau es que se adapta a lascircunstancias de la vida moderna, por lo que se halla intimamente ligado a la
producción industrial, desarrollándose en dos vertientes: la arquitectura y el diseñográfico.
Características generales del Art Nouveau:
Se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época. Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de
estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.)en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevosiglo.
Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la
xilografía, el cartelismo, la impresión... Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a
una economía de medios que las dota de singular belleza, se alejan de lafiguración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrial
Las únicas conexiones estilísticas que se le pueden encontrar son las delPrerrafaelismo del último Romanticismo inglés, y el Movimiento llamado Artesy Oficios. A su extraordinaria difusión contribuyó lo agradable y fácil de sulectura, ayudada por el inicio de la revista ilustrada y las exposicionesinternacionales, dos hechos que aparecen en la década de 1890.
¿Qué es el Art Nouveau? El Art Nouveau (Traducido al Castellano como el “Arte Nuevo” y conocido
como el Modernismo) se define como una corriente artística que surge a finalesdel siglo XIX (1890), acabando a principios del siguiente siglo (sobre el 1914,principio de la 1ª guerra mundial). Precedida del movimiento “Arts&Crafts”, de
origen Inglés, el nombre le vino dado a raíz de una exposición del pintor EduardMunch en París, en el año 1896, la cual llevaba el mismo nombre.
El Art Nouveau se caracteriza por su seguimiento en busca de la identidad de lourbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo y se necesitaban nuevastécnicas para impresionar al público.
Se puede entender como un estilo completamente nuevo en su época que secaracteriza por estar ligado a las artesanías aunque, generalmente, el Art
Nouveau se expresa en la arquitectura, en el diseño de interiores, cartelespublicitarios, vidrio, cerámica, telas e ilustraciones de libros. Características del Art Nouveau. -Uso de la forma: Sin duda, su característica más importante. Las formas
estilísticas en el Art Nouveau son estilizadas y ondulantes; jamás se usaban laslíneas rectas. Las mujeres, por ejemplo, se pintan altas, delgadas y con el pelo enmovimiento.
-Concepto visual: Se trata del uso de flores y plantas para dar la idea delmovimiento en la naturaleza; En algunas ocasiones, se utilizan insectos comomariposas y arañas para dar más dinámica a la forma. También se usaron lasolas del mar para crear movimiento.
-La utilización mágica del color: Se usan, de preferencia, el contraste entre elcolor negro y los tonos pastel. Otro de sus usos era la utilización del amarillo o
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el azul para acentuar las formas. Gracias a este movimiento, el color se comenzóa introducir con fuerza en la arquitectura.
-Belleza decorativa: La influencia de la revolución industrial estimuló a lagente a que quisiera tener Art Nouveau en su casa. Los artistas de éstemovimiento comenzaron a crear motivos basados en la decoración de casas y
objetos fantasiosos, que resultaron ser un éxito rotundo.
Behrens Peter (1868-1940) Arquitecto, diseñador industrial y gráfico nacido en Alemania. Inició su carrera
como grafista, a partir de 1900 comenzó a practicar también la arquitectura.Behrens evolucionó muy pronto del Art Nouveau hacia un estilo geométrico yaustero, que con el tiempo se impondría como el arquetipo de la arquitecturaindustrial. Buscó mejorar la calidad del arte industrial local.
Se lo considera un antecedente del funcionalismo, concebía la idea de un arte
total (uno de los conceptos del Art Nouveau). La simplificación de susrealizaciones responden plenamente a las exigencias de la época.
Behrens trabajó en el campo editorial para la editorial de Frankurt Insel Verlag,en el diseño de la marca editorial y algunas cubiertas de libro.
Desarrolló una considerable cantidad de proyectos de arquitectura y diseño deinteriores, en 1907 comenzó a trabajar como director artístico de la AllgemeineElektricitaets Gesellschaft, AEG (Sociedad General de Electricidad), empresapara la que diseñó una gran cantidad de productos, algunas fábricas e incluso lasviviendas de sus trabajadores. Finalmente la empresa decide contratar a Behrenspara la planificación y el desarrollo de una nueva línea de electrodomésticos.Además se encargó de diseñar la imagen corporativa de la AEG, tantoarquitectura como diseño industrial.
Prácticamente al mismo tiempo que empezó a trabajar en la AEG, se crea en
1907 el Deutscher Werkbund, que reflejaría las ideas de Behrens y dondetambién trabajó; el Werkbund sería una fuerte referencia ideológica para LaBauhaus.
Behrens fue un pionero en la implantación arquitectónica de nuevos materiales ytécnicas constructivas. En su estudio trabajaron tres jóvenes que más tarde seconvirtieron en los maestros del movimiento moderno: Walter Gropius, Ludwig
Mies van der Rohe y Le Corbusier.
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Deutscher Werkbund
La Deutscher Werkbund (DWB) era una asociación mixta de arquitectos, artistas eindustriales, fundada en 1907 en Múnich, por Hermann Muthesius. Fue una
organización importante en la historia de la Arquitectura moderna, del diseño modernoy precursora de la Bauhaus.
Centenario de la deutscher Werkbund.
El Werkbund más que un movimiento artístico era una acción sufragada por el estadopara integrar los oficios tradicionales con las técnicas industriales de producción en
masa a fin de poner a Alemania en un lugar competitivo con otras potencias tales comoGran Bretaña o los Estados Unidos. Su lema era "Vom Sofakissen zum Städtebau"(desde los cojines de los sofás a la construcción de ciudades) indica su amplio abanicode intereses.
Buscaba una nueva expresión artística en la era de la máquina, con una componenteimportante de teoría, como todos los movimientos de principios del siglo XX. Entreestos, tres claves hacen destacar estéticamente a este movimiento: por un lado separar laestética de la calidad material, frente a las ideas anteriores que las vinculaban; por otrolado, imponer la normalización del formato DIN; y finalmente, la adopción de la formaabstracta como base estética del diseño industrial, sustituyendo al ornamento.
Lo que antes se veía como una restricción es ahora una virtud, especialmente a partir de1914, cuando la necesidad militar hace que cada vez más la producción industrial sigaestos estándares. La Bauhaus tomaría esta base, permitiendo el nacimiento de lafabricación modular. Se pensó en la posibilidad de fabricar edificios en serie.
Existió en una primera etapa hasta 1934, sufriendo una pausa en sus actividades en1918, por los costes en la industria debido a la primera guerra mundial, y se volvió arestablecer después de la segunda guerra mundial en 1950.
Otros arquitectos afiliados al proyecto incluyen a Heinrich Tessenow y al belga Henryvan de Velde. El Werkbund comisionó a van de Velde la construcción de un teatro parala exhibición de 1914 en Colonia, que fue un momento álgido de su historia antes de laprimera guerra mundial. Este teatro fue su mejor trabajo, pero que solo estuvo en pie unaño al ser destruido en la guerra. Van de Velde tuvo de dejar Alemania por serciudadano de un país enemigo. Hay que destacar que, durante la exhibición de 1914 enColonia, se evidenció la clara disidencia entre el sector más individualista (encabezadopor van de Velde) y el sector más funcionalista (encabezado por Muthesius).
Walter Gropius decidió reconducir las artes a la arquitectura fundando la Bauhaus enWeimar en 1919.
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Hermann Muthesius se inspiró en el movimiento inglés "Artes y Oficios" preconizadopor William Morris. Aunque tras una conferencia que generó gran polémica porcondenar el historicismo del arte prusiano, se vio impelido a fundarlo sobre la base desus viajes a Inglaterra donde conoció y se vio ampliamente influido por William Morris y su movimiento, el Arts & Crafts. Se distanciaba de este al admitir la utilización de la
máquina y del proceso industrial. Esta asociación se dividía en dos partes: unaencargada de la producción del diseño (producción mecánica en masa) y en lapreservación de la expresión artística industrial.
La Werkbund manifestaba un interés tan amplio por la industria que se confió a PeterBehrens la tarea de proyectar publicaciones, logotipos, lámparas, escaleras eléctricas,fábricas, conjuntos de habitaciones para obreros, tiendas y publicidad para la AEG. LaWerkbund trabajaba ya en el dominio de diseño industrial. Se veían en las páginas delos anuarios de la Werkbund reproducciones de fábricas, de muebles, de lámparas, delocomotoras del Maffeiwerke de Múnich, ferrocarriles eléctricos, buques,reproducciones del avión de Rumper, puentes de hormigón armado, puentes colgantes
de acero, etc.
BAHAUS
Al finalizar la Primera Guerra Mundial, el Káiser abdicó y se formó una república conla capital en Weimar, la cual tuvo que negociar la paz con sus enemigos de fuera y dedentro.
Y los alemanes que estaban en los campos de batalla confiados en su superioridadmoral, volvieron de ellos vencidos y traicionados.
En el caos del mundo existía en alemán la esperanza de que pudiera crearse un nuevoorden por medio de un arte nuevo. Y es hay donde W. Gropius llamó a la unificación delas artes, pero había la ausencia de una república alemana convincente.
La Bauhaus, que significa en Aleman "Casa de la Construcción" fue fundada por WalterGropius en 1919 en Weimar después de la primera guerra mundial, es la unión deEscuela Ducal de Artesanía y la Escuela Ducal Superior de Artes Plásticas.
W. Gropius sostenía que el artista y el Arquitecto deben ser también artesanos, en losprimeros años la enseñanza estaba constituida por un curso preparatorio de seis mesesdedicado a prácticas de taller con diversos materiales: piedra, madera, metal, barro,vidrio, colorantes y tejidos, juntamente con nociones de dibujo y modelado, era haydonde los estudiantes debían manifestar que material le resultaba más atrayente y parasería una mejor facilidad de trabajo.
Para 1923 la Escuela era muy conocida, piden que construya una obra y decidenconstruir una casa familiar, de planta cuadrada, en la que varias habitaciones pequeñasse agrupaban alrededor de una mayor, esta obra recibió mucho elegíos por una grancantidad de críticos.
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Pero eso no impidió la oposición de los conservadores los obligará a clausurarla, porqueera considerada por muchos como de carácter socialista.
De está manera en abril de 1925 se disolvió la escuela. Pero ahora bien esto no detuvo aesta escuela y gracias a su reconocimiento logro seguir su labor pero esta vez en la
ciudad de Dessau.
Es allí en donde se construyo el edificio de la escuela, un muy revolucionario ymodernista, el cual contaba con tres edificios en forma de "L" cada uno. Es aquí dondela Escuela alcanza su mayor reconocimiento.
En 1928 Gropius deja de dirigir la Escuela, por recomendación del propio Gropius, lesucedió el arquitecto suizo Hannes Meyer, el cual lo hizo hasta 1930, luego continuoMies van der Rohe. Luego en mil 1932 la Escuela es mudada a Berlín, en donde escerrada por los nazis en 1933.
Luego del cierre de la Escuela Alemania continuo en la crisis política que vivía desdealguno años, crisis que se empeoro con el inicio la Segunda Guerra Mundial.
Aun después que la Escuela cerró todas sus enseñanzas siguieron en pie.
La Escuela sentó las bases de la arquitectura moderna, mediante todos los cátalos ypublicaciones que muestran los productos como: sillas, camas, armarios de cocinas,prototipos de kioscos publicitarios, lámparas y tejidos con dibujos abstractos, loscatálogos eran vendidos a las a las industrias.
Las nuevas tipografía creada por Herbert Bayer unas letras más pequeñas que las usadasnormalmente.
Entre los profesores que estuvieron con la Escuela se destacan: Walter Gropius, losarquitectos Mies van der Rohe y Marcel Breuer; los artistas Lászlo Moholy-Nagy,Gyorgy Kepes y Josef Albers; reconocidos pintores como Paul Klee y WassilyKandinsky; y la tejedora Anni Albers. Y el pintor y lipógrafo Herbert Bayer.
La Bauhaus reflejaba una estética funcional donde las líneas rectas y la geometría másestricta hallaban su lugar.
En la arquitectura se caracterizó por la ausencia de ornamentación en los diseños,incluso en las fachadas, así como por la armonía entre la función y los medios artísticosy técnicos de elaboración. En 1925 el estilo se tornó aún más funcional e hizo mayorhincapié en la expresión de la belleza y conveniencia de los materiales básicos sinningún tipo de adorno.
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La producción de libros fue más bien monótona, ya que no se hicieron diseños alrespecto. En cambio, en el diseño de carteles, periódicos, y otros impresos ocasionales,se genera un gran avance a partir de la experimentación.
La tipografía de la Bauhaus se impuso una nueva apariencia a partir de las de la
exposiciones de la escuela. Esta se basaba en los grabados de De Stijl y elconstructivismo ruso, estos anunciaban la reivindicación de la modernidad. Negro,blanco y rojo eran los colores principales. Lo que era significativo para el contenido sedestacaba o se subrayaba. La página impresa ya no era simétrica, sino compuesta enequilibrio asimétrico; bloques, bandas y líneas eran ineludibles. Moholy-Nagy, un granconocedor de la vanguardia constructivista, fue quien la introdujo en la Bauhaus, dandoel impulso decisivo a la nueva tipografía.
os antecedentes de la BAUHAUS se remontan al siglo XIX. Comienzan con las devastadoras consecuencias quela creciente industrialización, primero en Inglaterra y mas tarde también en Alemania, tuvo en las condicionesde vida y en la producción de los artesanos la clase obrera.El progreso tecnológico trajo consigo un cambio en las estructuras sociales, amplios sectores de la población seproletarizaron. Pero, de este modo se pudo racionalizar y abaratar la producción de bienes. Inglaterra se alzóen le siglo XIX como la potencia industrial mas prominente de Europa. En las grandes exposiciones universales,que desde 1851 exhibían los adelantos técnicos y culturales de las naciones, los ingleses estuvieron a la cabezahasta bien entrados los noventas, siendo losindiscutibles vencedores.Al mismo tiempo, los ingleses habían reformado,ya desde los años cincuenta, los procesoseducativos para artesanos las Academias. Losalumnos tenían que diseñar por si mismos enlugar de copiar modelos dados. Mientras elmovimiento de talleres de "Morris" representabaalgo así como una utopía realizada, fuertesintereses económicos respaldaban la reformaeducativa. Inglaterra quería mantener suliderazgo en el campo de las artes y oficios. En losaños siguientes se fundaron numerosos "gremiosde artesanos", que con frecuencia eran, además de gremios, comunas.
Lograr una cultura del pueblo y para el pueblo se convirtió en aquellos tiempos en el desafío de casi todos losmovimientos culturales innovadores y apadrinó también la fundación de la Bauhaus.Pero hasta la década de los noventa no ganó terreno en Alemania un segundo empuje reformador, importadode Inglaterra a través de Bélgica. Con él se introdujo el JUGENDSTIL (modernismo), que dominaría EuropaDurante diez o quince años.
Fuente: líneas extraídas del libro "Bauhaus" Bauhaus archiv - Magdalena Droste
La Casa de la Construcción BAUHAUS, etimológicamente significa, Casa de Construcción, fué fundada en 1919, en Weimar (Alemania), porWalter Gropius, trasladada en 1925 a Dessau y disuelta en 1933 en Berlin. El espiritu y las enseñanzas de estainstitucion puede decirse se extendieron por todo el mundo.
En el MANIFIESTO de FUNDACIÓN de la Bauhaus se explicitaron ideas que alentaban y pretendían el retornoa la unidad perdida entre artesanía y arte, apuntando tanto a los aspectos más teóricos como a las implicanciassociales de esta vinculación. El camino utópico a transitar era el de volver a lograr la unidad de las bellas artes.Se veía como origen de muchos errores y desvíos la separación entre Pintura, Escultura y Arquitectura,posterior al Renacimiento y que sin embargo en la Edad Media formaban una unidad. Se convocaba a uniresfuerzos en busca de la Construcción de la Obra de Arte Total. La cual se expresa en la obra de arquitectura.
PRIMEROS AÑOS. Esta aventura comenzada en Weimar, tuvo en W.Gropius elpersonaje aglutinador y éste supo coordinar las variadas tendenciasideológicas, artísticas y religiosas, de los docentes. En la primeraetapa de la escuela fechable dede 1919 hasta 1923, predominó lavertiente de la vanguardia alemana expresionista.El primer maestro del curso preliminar, el suizo J. Itten, impulsó unaenseñanza basada en el expresionismo pictórico, en la meditación defilosofías y religiones orientales y en la pedagogía de "aprenderhaciendo".Esto era una flagrante oposición a la metodología apoyadabásicamente en cursos teóricos, imperantes en la época, en lapedagogía de la época.El plan de estudios original que luego se modificó, proponía una serie
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de talleres, semejantes al de una escuela de oficios, a realizar concluido el ciclo preliminar, donde lo distintivode cada uno era el trabajo usando un material base como ser: piedra, madera, cerámica, metales, tejidostextiles. También había talleres de tipografía, fotografía y murales.
ENTRE LA ARTESANÍA y la INDUSTRIA.La tensión entre la producción artesanal y el mundo de la industria siempre existió en la experiencia Bauhaus.Las tendencias del expresionismo fueron sustituidas a partir de 1923 por la imposición de otras ideasprovenientes de la vanguardia internacional de la época, como el Neoplasticismo holandés y el Constructivismo
Ruso.En este cambio es clave la sustitución de Itten por Lazlo Moholy Nagy, de origen húngaro. El cual buscó superarlo pictórico del enfoque expresionita por el énfasis en la experiencia de lo sistemático y el uso de los materialesy objetos seriados de posible uso industrial.El período de Weimar se termina con la crisis financiera de esta escuela estatal y tras largas y difícilesnegociaciones la escuela se muda a Dessau en 1925, inaugurando un edificio, diseñado especialmente, enhormigón armado y con ventanales en muro cortina, paradigma de la arquitectura moderna.
Art Decó.
Estilo propio de las artes decorativas desarrollado en el periodo de entreguerras, entre1920 y 1939 en Europa y América. Alcanzó su máximo esplendor en la ExposiciónInternacional de Artes Decorativas de París de 1925. Se caracteriza por la profusiónornamental, el lujo de los materiales y el frecuente recurso a motivos geométricos yvegetales.Como síntesis se puede decir que el Art Déco ante todo buscó la decoración por encimade la funcionalidad.
El término Art Déco, abarca un amplio abanico de ramas y especialidades del arte y laartesanía, las cuales se dieron cita en la Exposition Internationale de Arts Décoratifs et
Industriels Modernes de 1925 y que, posteriormente se conmemoró con unaretrospectiva celebrada en París el 16 marzo de 1966, bajo el título " Les Annes 25", enel Musée des Arts Décoratifs.
En 1912, Francia proyectó celebrar una Exposición Internacional que seinauguraría en 1915, en donde se expondrían los productos, adelantosindustriales y avances técnicos de todos los países. Sin embargo, comoconsecuencia de los acontecimientos que se desataron en 1914desencadenando la Primera Guerra Mundial, dicho evento tuvo queposponerse "sin edie". Una vez finalizado el conflicto en 1918, se
retomó dicha idea y se programó la inauguración de la citada Exposición, para 1922,pero los problemas financieros y de reconstrucción económica, pospusieron tal eventohasta 1925. Para ubicar esta magna muestra se pensó en el Grand Palais, el cual seacondicionó para tal ocasión, aunque por exigencias de participación, hubo deconstruirse un pabellón que albergara a los veintiún países participantes, siendo eldirector arquitectónico Charles Plumet.
Como artistas representantes del Déco, entre otros, debemos citar: Maurice Dufrene,Jean Dunand (1877-1942), André Groult (1884-1967), Pierre Chareau (1883-1959),Paul Follot, el polonés Joseph Czajkowski (1872-1947), soviético de KonstantinMelnikov (1890-1974).
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Característica generales del Art Déco que fueron utilizadas tanto en decoración, comoen arquitectura :
E el Art Déco se basa principalmente en la geometría imperante del cubo, laesfera y la línea recta, además de los imprescindibles zigzags.
Tratan de representar algunas abstracciones que muestran en la naturaleza, rayosluminosos radiantes, fluidos acuáticos, nubes ondulantes.. Representación faunística haciendo referencia a ciertas cualidades como la
velocidad y usan para ello gacelas, galgos, panteras palomas, garzas.. Representación de elementos fitomorfos se utilizan las flores, los cactus, las
palmeras, representados por medio de delineaciones geométricas. Utiliza imágenes de fuentes congelas de formas ascendentes. Utilización de nuevos materiales como la baquelita, el cromo y el plástico,
maderas nobles el ébano y el palisandro, pieles naturales de zapa, de tiburón y elcarey.
Se utilizan motivos de las culturas prehispanas de las culturas azteca, maya o
inca y motivos inspirados en los objetos de los descubrimientos arqueológicosde Egipto, mesopotamia, vikingo o de los pueblos africanos oindios.
En arquitectura, además de las formas geométricas, se recurre aremates terminados escalonadamente y con proas marítimas quesostienen mástiles que sirven como astas; arcos y puertasochavadas y lujosos materiales como el mármol, el granito y elaluminio consuman el aparato decorativo.
Se utiliza la figura humana de hombres gimnastas, obreros,habitantes de las urbes, luciendo el "look" de la época, junto a la de mujeresresueltas que participan en la producción económica, vistiendo una moda másatrevida, con el pelo corto a la "garzón" que fuman y participan en cócteles,denotando su liberación.
Para finalizar recogemos dos definiciones del Art Déco.
Alastair Duncan, en la Enciclopedia of Art Deco, recoge la siguiente definición: "No es fácil definir las principales características del Art Déco, porque el estilo atrajouna multitud de diversas y, con frecuencia, contradictorias influencias. Muchas de ellasvinieron de los estilos pictóricos de vanguardia de los tempranos años del siglo, como el
Cubismo, el Constructivismo Ruso y el Futurismo Italiano -abstracción, distorsión ysimplificación- todos evidentes en las artes vernáculas decorativas Art Deco. Pero estosno fueron todos: una examen del repertorio de motivos estandarizados del estilo talescomo -racimos de flores estilizadas, jóvenes doncellas, geométricos y ubicuos frutos-revelan influencias del mundo de la alta moda, de Egipto, el Oriente, la África tribal yde los Ballets Rusos de Diaghilev. A partir de 1925 el creciente impacto de la máquinapuede ser discernido en repetidas y superpuestas imágenes, o más tarde, en los treinta,por formas modernizadas derivadas de principios aerodinámicos. Todo esto resultó enuna elevada amalgama de complejas influencias artísticas, descritas desafiantemente poruna simple frase, el término Art Déco".
Fancy Susan Sternau en la obra Art Déco lo describe de la siguiente forma:
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"Desarrollado en París y más tarde fomentado en Hollywood como el estilo de lasestrellas, el Art Deco hizo la transición, en unos pocos años, de un primarío estilofrancés a un universalmente entendido símbolo del glamour. Art Deco, es unconveniente término usado para describir arte decorativo en el período entre las dosguerras mundiales, y refiere a un estilo que es clásico, simétrico y rectilíneo. Comomovimiento se desarrolló durante los años 1908 a 1912 y alcanzó un alto punto de 1925a 1935. Este estilo fue el producto de influencias tan diversas como el Art Nouveau,Cubismo, el Bauhaus y el arte de Egipto, el Oriente, "Africa y las Américas".
ESCUELA DE ULM
La Hochschule für Gestaltung escuchar▶? / i (HfG, Escuela Superior de Proyectación oEscuela de Ulm) fue una escuela universitaria de diseño radicada en Ulm, Alemania.
Fundada en 1953, entre otros, por Inge Aicher-Scholl, Otl Aicher y Max Bill, esteúltimo, primer rector de la escuela. La HfG ganó rápidamente el reconocimientointernacional. Durante su funcionamiento fueron investigados y puestos en prácticanuevos enfoques en el diseño, dentro de los departamentos de: Comunicación Visual,Diseño Industrial, Construcción, Informática, y más tarde de Cinematografía.
El edificio de la HfG fue diseñado por Max Bill y sigue siendo, hoy en día un edificioimportante y funcional dentro del campus de la Universidad de Ulm. La HfG fue una delas más progresistas instituciones de enseñanza del diseño y el diseño ambiental en las
décadas de los 50s y 60s, pionera en los estudios y del perfil profesional del diseñador de hoy en día.
La historia de la HfG se formó por medio de la innovación y el cambio, en consonanciacon la propia imagen de sí misma de escuela como una institución experimental. Estodio lugar a innumerables modificaciones en el contenido, la organización de las clases ya los continuos conflictos internos que influyeron en la decisión final del cierre de laHfG en 1968.1
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Historia
Póster de la HfG diseñado por Margarete Kögler en la clase de Otl Aicher.
[editar] Contexto histórico político y primeros años
Los años de posguerra, entre 1945 y 1952 en Alemania Occidental estuvieroncaracterizados por fuertes planes de reestructuración y financiamiento, como el PlanMarshall.
Los orígenes de la HfG se remontan a una iniciativa por parte de la "FundaciónHermanos Scholl". La fundación fue creada en 1950 por Inge y Grete Scholl enmemoria de sus hermanos Sophie y Hans Scholl, miembros del grupo de resistencia"Rosa Blanca", ejecutados en 1943 por el régimen Nazi.
En 1946 Inge Scholl, junto con Otl Aicher y un grupo de jóvenes intelectuales planteancrear una institución de enseñanza e investigación que vinculara la actividad creativacon la vida cotidiana y que tuviera como objetivo, colaborar en la reconstruccióncultural de una sociedad moralmente destruida por el nazismo y la segunda guerramundial. El proyecto se financió gracias al aporte de un millón de Marcos por parte deJohn McCloy, que Scholl consiguió para la fundación a través de los contactos que
poseía con Max Bill, Walter Gropius y los Estados Unidos; además recibió el apoyofinanciero por parte del Gobierno Federal, Local, de contribuciones privadas y de lasindustrias.2
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Reloj diseñado por Max Bill durante su paso por la HfG.
El 1 de abril de 1953, comenzó a funcionar la nueva institución universitaria con MaxBill, ex alumno de la Bauhaus, como rector. El 3 de agosto de ese mismo año, comenzóa funcionar en el edificio de la escuela secundaria pública de Ulm con un cuerpodocente integrado por Hans Gugelot, Otl Aicher, Tomás Maldonado, FriedrichVordemberge-Gildewart y Walter Zeischegg.2 Entre los profesores se encontrabanWalter Peterhans, Johannes Itten, y Helene Nonné-Schmidt.
La enseñanza estaba basada en un plan de estudios de cuatro años. El primer año estabadedicado al curso básico y luego se elegía una especialidad entre diseño de producto,comunicación visual, construcción, información (que duró hasta 1962) ycinematografía, que hasta 1961 perteneció al departamento de comunicación visual ydesde 1962 se independizó.
En 1953 comenzó a construirse el edificio, diseñado por Max Bill, cuya inauguración seprodujo el 2 de octubre de 1955. El edificio de la HfG fue uno de los primeros enAlemania, construidos en hormigón con estructura reforzada, con talleres espaciosos,dormitorios para estudiantes y una cafetería. Los interiores y el mobiliario eran flexibles
para el uso de la universidad. Hoy, las instalaciones siguen siendo parte de la facultadde Medicina de la Universidad de Ulm.
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[editar] Conflictos internos
Banqueta diseñada por Max Bill. Este versátil mobiliario de diseño funcional fue usado para
múltiples propósitos en los talleres de la HfG de Ulm.
En 1955 Max Bill renunció como rector, debido a los cambios en su cuerpo deldesarrollo académico y a las divergencias en la concepción didáctica de la escuela.Finalmente en 1957 abandonó la escuela, y Tomás Maldonado ocupó su lugar. Max Billfavoreció una enseñanza basada en la continuación del modelo expresionista de laBauhaus, basado en el modelo Arts and Crafts, en el cual el artista-diseñador tomaba unpapel importante en el desarrollo del producto como dador de forma. Otros docentes,
sobre todo los de cursos teóricos, buscaban hacer énfasis en la tecnología de losmateriales, en la teoría y los métodos de producción.
Entre estos se encontraba Tomás Maldonado, quien consideraba al diseño como unproceso sistematizable de manera científica y no intuitiva. Consideraba que el diseño noes un arte y el diseñador no es necesariamente un artista. Las consideraciones estéticas ya no eran la base conceptual del diseño. El profesional diseñador sería entonces un"Coordinador", con la responsabilidad de coordinar con un gran número deespecialistas, los requerimientos más variados de fabricación y del uso de productos .3 Bajo la conducción de Maldonado, la escuela abandonó las directrices de Max Bill ypropuso una nueva filosofía de la educación a partir de los fundamentos de un
"operacionalismo científico".
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Diseño de la identidad corporativa para Lufthansa.
La salida de Max Bill anunció una nueva fase: la creación de los "grupos de desarrollo"que se crearon específicamente para crear vínculos con la industria. Muchos de losdiseños resultantes entraron en producción de inmediato, entre los de mayor éxito
fueron los equipos de audio para la empresa Braun, la identidad corporativa de lacompañía aérea alemana Lufthansa occidental, y los trenes elevados para el ferrocarrilde Hamburgo. Estas comisiones industriales trajeron una riqueza de experiencia en laenseñanza e influyó decisivamente en la escuela y su reputación.
En el otoño de 1958 se celebró una gran exposición en la HfG. Cinco años después desu inauguración, la HfG se presentó al público en general, por primera vez, mostrandotanto los resultados del trabajo en los talleres como el trabajo de los profesores. Esemismo año también salió el primer número de la revista "ulm" de la HfG, que fuepublicado en alemán e inglés, hasta el cierre.
La enseñanza académica siguió evolucionando durante la década de 1960. Docentescomo el matemático Horst Rittel, el sociólogo Hanno Kesting, y el diseñador industrialBruce Archer se manifestaron a favor de una metodología basada estrictamente en lasoperaciones matemáticas y estudios analíticos, por ejemplo, sobre la ergonomía o elanálisis de negocio. Este cambio de dirección produjo conflictos internos. Otl Aicher,Hans Gugelot, Walter Zeischegg, y Tomás Maldonado se resistieron a este desarrollo yalegaron en cambio que el diseño tenía que ser algo más que un «método de análisis».
Taza que formaba parte de una vajilla apilable para hoteles diseñada por Hans Nick Roerichtpara su trabajo de tesis durante 1958 y 1959.
La consecuencia de este debate fue una gran exposición itinerante, que se mostróinicialmente en Ulm y Stuttgart en 1963, más tarde en la Neue Sammlung de Múnich yel Stedelijk Museum de Ámsterdam. El espectáculo presentó la labor que se habíacreado en las clases de la HfG. Además de las consecuencias fundamentales del debate,se introdujeron cambios en la constitución y la reintroducción de un solo rector ensustitución de la junta de gobernantes que dirigía la HfG desde la salida de Max Bill.
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[editar] Cierre de la HfG
Las disputas internas sobre la dirección de los planes de estudios, dieron lugar a unaoperación de prensa en 1963 para atacar contra la HfG. El parlamento de Baden-Wuerttemberg, debatió reiteradamente si la escuela merecía las subvenciones. Los
problemas eran cada vez más frecuentes. Luego de la afiliación de la HfG a la escuelade ingeniería, el precursor de la universidad, las subvenciones federales fueronsuprimidas y la situación financiera se volvió insostenible.
Al cesar las subvenciones, la fundación Hermanos Scholl comenzó a endeudarse.Durante 1968 algunos profesores fueron despedidos debido a la difícil situaciónfinanciera y el número de clases se vio reducido. En noviembre, el parlamento regionalvotó a favor para retirar toda la financiación, en consecuencia, la escuela fue cerrada enmedio de protestas a finales de ese mismo año.
Didáctica de la escuela
Esquema pedagógico de la HfG de Ulm. La escuela de diseño se caracterizó por formular un
esquema de enseñanza basado en el arte y la ciencia.
En los primeros años de funcionamiento, y con la dirección de Max Bill, la didáctica dela escuela estaba orientada según los principios de la Bauhaus, donde el diseñador teníaun perfil más artista que científico. A partir de las discrepancias con otros profesores ylos postulados de Tomás Maldonado, la escuela desvió su ideología hacia un terreno
más metodológico y estructurado. Esto trajo consigo una precisión del programa lectivoy del Curso Básico y con ello una introducción consolidada de las disciplinas teóricas.La nueva concepción dio paso al así llamado "modelo de ulm", que ha influidomundialmente la formación en diseño hasta la actualidad.
Según Gui Bonsiepe, "el proceso de pasar de una concepción precientífica, hacia unaconcepción científica del diseño no fue nada fácil, a veces incluso traumático, tanto paralos docentes como para los alumnos. Hay que recordar que la mayoría de los docentesde diseño tenían una experiencia artística. No eran científicos con una medallaacadémica, por lo menos no poseían una calificación formal. Su mérito era haberiniciado una aproximación entre diseño y ciencia".4 Los profesores que fueron llegando
más tarde, fomentaron la oposición entre ciencia y diseño, incluso subordinándolo a ésteúltimo. Mientras, se alimentaron los distintos conflictos internos que se sucedieron en la
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escuela, que por otra parte fueron los que según Gui Bonsiepe "pusieron sobre el tapeteesta problemática. Que ayudó a desmitificar el proceso proyectual y su enigmáticacreatividad".4
Legado
Hasta la fundación de la HfG de Ulm, no había ninguna sistematización del diseño. Laescuela fue pionera en la integración de la ciencia y el diseño, y de una pedagogía deldiseño basada en la ciencia: la reflexión sobre los problemas, los métodos de análisis yde síntesis, la elección y fundamentación de alternativas proyectuales, el acento en lasdisciplinas científicas y técnicas y una estrecha relación con la industria. Muchos de loscriterios desarrollados en Ulm son todavía válidos, sobre todo en el área de diseñotecnológico. Otros fueron poco prácticos y fueron superados.