Booklet 121 x 120 mm

Trio D’Ante

Astor Piazzolla ∙ Enrique Arbós

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Guitar Sonatas

Astor Piazzolla (1921–1992)Cuatro Estaciones Porteñas 1 (I) Primavera Porteña 4:222 (II) Verano Porteño 7:40 3 (III) Otoño Porteño 5:30 4 (IV) Invierno Porteño 6:35

5 Oblivión 4:106 Milonga del Ángel 6:417 La Muerte del Ángel 3:25 8 Le Grand Tango 11:50

Enrique Fernández Arbós (1863–1939) Tres piezas originales al estilo español op.1 9 (I) Bolero 4:36bl (II) Habanera 6:29bm (III) Seguidillas gitanas 6:10

Arrangements: José Bragato (1- 5, 7), Trio D’Ante (6, 8)

Trio D’Ante Donka Angatcheva Klavier

Valya Dervenska Violine

Teodora Miteva Violoncello

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Musikalische Spurensuche in Iberien und Iberoamerika

Musikland Argentinien? In Mitteleuropa eine eher ungewöhnliche Assoziation. Innerhalb der Breite, die auch das argentinische Musikleben aufweist, sind es primär drei Persönlichkeiten des 20. Jahr­hunderts, die der seit 1816 unabhängigen süd­amerikanischen Republik auch musikalisch inter­national ein Gesicht gaben: Alberto Ginastera, Carlos Gardel und Astor Piazzolla. Gilt Ginastera (1916–1983) mit seinem von Klavierwerken bis zu Opern reichenden Œuvre als der namhafteste argentinische Komponist, so war Gardel (1887 oder 1890 bis 1935) als Sänger und Komponist der populärste Vertreter des argentinischen Tangos („Tango Argentino“). In Astor Piazzolla (1921–1992) – später herausragend als Bando­neon­Spieler, Komponist und Begründer des „Tango Nuevo“ – verbinden sich auf eindrucks­volle Weise die drei: Trotz der Tangoleidenschaft seines Vaters mehr vom Jazz und der Musik Bachs angezogen, kam es immerhin zu einer markanten Begegnung mit Gardel, spielte Piazzolla doch als Neunjähriger in dem Film „El día que me quieras“ 1930 neben diesem eine kleine Rolle als Zeitungsjunge. Zehn Jahre später schließlich war es Alberto Ginastera, bei dem Piazzolla seinen Kompositionsunterricht erhielt.

Hatte er seine Kindheit vor allem in New York verbracht, so lebte Piazzolla ab 1937 mit seiner Familie wieder in Buenos Aires, wo eine Aufführung des Tango­Ensembles von Elvino

Vardaro zu einem Schlüsselerlebnis für ihn wurde. Begeistert von dieser Form der Musik­darbietung ging er nun mit höchstem Einsatz seinen schon zuvor begonnenen Bandoneon­Studien nach, und bereits 1939 wurde er Mit­glied des Orchesters von Aníbal Troilo, damals einem der prominentesten Bandoneonisten und Bandleader. In jene Zeit fallen auch einige seiner frühen eigenen Arrangements. Dies genügte ihm aber nicht, er wollte eine profunde fachliche Ausbildung. Auf Anraten des Pianisten Arthur Rubinstein begann er bei Ginastera zu studie­ren. Ginastera wiederum riet ihm, seine Sym­phonie Buenos Aires bei einem internationalen Kompositionswettbewerb einzureichen. Piazzol­la gewann damit ein Europastipendium, das er zu einem Studienaufenthalt bei Nadia Boulanger in Paris nutzte. Dass er neben seiner Orchester­ und Kammermusik auch Tangos komponiert hatte, verschwieg er seiner Lehrerin zunächst: „In Wahrheit schämte ich mich, ihr zu sagen, dass ich Tangomusiker war, dass ich in Bordel­len und Kabaretts von Buenos Aires gearbeitet hatte. Tangomusiker war ein schmutziges Wort im Argentinien meiner Jugend.“ Piazzolla schil­dert weiter, wie Boulanger ihn – die individuelle Handschrift in seinen Partituren vermissend – aufforderte, seinem Herkunftsland gemäß einen Tango am Klavier zu improvisieren und an­schließend feststellte, dass sich darin der wahre Piazzolla gezeigt habe.

Durch diese Erkenntnis in seinem Selbst­bewusstsein gestärkt, trachtete Piazzolla nach seiner Rückkehr nach Argentinien ab Mitte der

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1950er­Jahre, künftig das klassische Element und die Tango­Tradition in seiner Musik orga­nisch zu verknüpfen, wobei das wesentliche Charakteristikum seiner Arbeit eine vom „Tango Argentino“ abweichende Erneuerung des Tangos ist. Piazzollas Tango ist nicht mehr ein Tanz­stück, sondern primär für den Zuhörer gedacht. Harmonisch bereichert er das Genre um Mittel des Jazz und klassischer Komponisten des 20.  Jahrhunderts wie Bartók und Strawinsky, und auch eine den aktuellen spieltechnischen Möglichkeiten entsprechende Gestaltung der einzelnen Instrumentalstimmen trägt zum „neuen Klang“ bei. Der eigentliche Instrumentalklang (vor allem durch die Verwendung des typischen Tango­Instruments Bandoneon) und das cha­rakteristische rhythmische Element des Tangos bleiben aber auch beim „Tango Nuevo“ er­halten. Dennoch brachten seine Neuerungen Piazzolla anfänglich sogar vehemente Anfein­dun gen seitens damaliger „Tango­Puristen“. Mit seinen mehr als 300 Tangos, seinen zahlreichen Filmmusiken und seiner „klassischen“ Konzert­ und Bühnenmusik – darunter auch der Tango­Oper „María de Buenos Aires“ – errang er jedoch schließlich enorme Popularität und höchste internationale Anerkennung. Die Zeit der argen­tinischen Militärdiktatur 1976–1983 verbrachte Piazzolla vor allem in Italien, er kehrte aber wäh­rend dieser Zeit und danach immer wieder nach Buenos Aires zurück, wo er nach längerem ge­sundheitlichen Leiden am 4. Juli 1992 verstarb.

So populär der Name Piazzolla im mittel­euro päischen Musikgeschehen heute ist, so

wenig kennt man Enrique Fernández Arbós (1863–1939). Er teilt das Schicksal jener Kom­ponisten, die außerhalb ihrer Heimat vor allem durch die Bearbeitung eines einzelnen Werkes eines Kollegen Bekanntheit erlangten: Seine Orchesterfassung von fünf Stücken aus dem Klavierzyklus „Iberia“ seines Landsmanns Isaac Albéniz konnte dank ihrer Klangpracht und souveränen Instrumentenbehandlung weltweit re üs sie ren. Weit weniger Glück hatte Arbós hin­gegen hinsichtlich der dauerhaften Verankerung seiner eigenen Kompositionen im internationa­len Repertoire, was sich erstaunlich ausnimmt, betrachtet man den Lebensweg des Spaniers: Am 24. Dezember 1863 in Madrid geboren, stu­dierte er zunächst am Konservatorium seiner Heimatstadt Violine bei Jésus Monasterio, dann in Brüssel bei Henri Vieuxtemps und in Berlin bei Joseph Joachim. Dort ging er auch Kompo­sitionsstudien bei Heinrich von Herzogenberg nach. In den folgenden Jahren wirkte er als Konzertmeister bei den Berliner Philharmoni­kern, beim Boston Symphony Orchestra, in Glasgow und in Winnipeg, wobei er daneben auch eine beachtliche Solistenkarriere ent­wickelte. Er unterrichtete am Madrider Konser­vatorium und in Hamburg, ehe er 1894 Profes­sor für Geige am Londoner Royal College of Music wurde, wo er bis 1916 tätig blieb. 1904 wurde er zum Chefdirigenten des Orquesta Sinfónica de Madrid berufen, eine Stellung, die er bis zu seinem Tod 35 Jahre lang innehatte. Aus dieser Funktion heraus galt er als einer der prominentesten spanischen Dirigenten des

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ersten Drittels des 20. Jahrhunderts. In der letz­ten Phase seines Lebens erblindet, zog sich Arbós schließlich nach und nach in sein Haus im baskischen Fuenterrabia zurück. Er starb dort am 2. Juni 1939, zwei Monate nach Ende des spanischen Bürgerkriegs.

Trotz seiner intensiven Tätigkeiten als repro­duzierender Künstler war Arbós auch auf schöpferischem Gebiet durchaus rege. Neben einer Zarzuela (der spanischen Form der Ope­rette) mit dem Titel El centro de la tierra („Der Mittelpunkt der Erde“) und der erwähnten Or­chestersuite nach Albéniz schrieb er einige wei­tere Werke für Orchester (Pequeña suite espa-ñola, Tres piezas für Violine und Orchester), Solo stücke für Violine, Kammermusik sowie Lieder (Seis rimas de Gustavo Adolfo Bécquer op.  3, Cuatro canciones para la marquesa de Bolaños op. 4). Anhaltende Popularität erzielte dank seiner spieltechnisch dankbaren Anlage und seiner vitalen Melodien und Rhythmen sein Opus 1, das Klaviertrio Tres piezas originales al estilo español. Diese „drei originalen Stücke im spanischen Stil“ wurden schon von Arbós selbst oft vereinfacht auch als „Drei spanische Tänze“ oder „Spanisches Trio“ bezeichnet. Sie stammen aus den späten 1880er­Jahren, als diese Art der Verarbeitung bzw. Stilisierung re­gionaler Tanzmusik in der Kunstmusik beson­ders beliebt war – man denke nur an Brahms’ „Ungarische Tänze“ oder Dvořáks „Slawische Tänze“ (diese Reihe ließe sich bis ins spätere 20. Jahrhundert für beinahe jede Nation fortset­zen). Für Arbós, der damals noch in Deutsch­

land wirkte, war ein Stück dieser Art zweifellos auch eine sympathische Visitenkarte, um im Ausland seine spanische Herkunft zu unter­streichen. In seinen Memoiren weist er auf die häufigen Gespräche mit dem Dirigenten Hans von Bülow über klassische spanische Musik hin, und mit Bülow spielte er auch immer wieder einzelne der Triosätze. Der Titel unterstreicht nachdrücklich, dass es sich bei den drei Sätzen um Arbós’ eigene Erfindung handelt, das heißt keine Rückgriffe auf bereits bestehende Volks­melodien, sondern Nachempfindungen der­selben.

Das erste der drei Stücke ist ein Bolero, bei dem zunächst die Violine die energische Füh­rung übernimmt, während im Mittelteil dem Klavier die tragende Rolle zufällt. Durch den gleichmäßigen Begleitrhythmus ergibt sich von den ersten Takten an das für den Bolero kenn­zeichnende unaufhaltsame Vorwärtsdrängen, das nur vor der Reprise kurz innehält, ehe dort nochmals die prägnante Themenvorstellung der Exposition in den Vordergrund tritt und mit einer kurzen, quasi absingenden Coda den Satz beschließt. Nicht minder prägnant ist die nach­folgende Habanera, die mit ihren Synkopierun­gen und Punktierungen ebenfalls für typisch „spanisches“ rhythmisches Flair sorgt, das für diese Tanzform nicht nur in Bizets Oper „Carmen“ so kennzeichnend ist. Auch in diesem zweiten Satz sorgt ein Mittelteil für neue Akzente, in den abermals das Klavier wieder spezifische neue Elemente – vor allem hinsichtlich einer ge­schärften Chromatisierung – einbringt. Der

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beschließende dritte Tanzsatz, Seguidillas gita-nas (Zigeuner­Seguidillas), geht auf eine Vers­form der spanischen Dichtung des 16.  und 17. Jahrhunderts zurück. In der Folge wurde die Seguidilla zu einem vor allem in der Provinz Kastilien beheimateten populären Tanzlied in lebhaftem Dreiertakt. Wie auch in den beiden vorangegangen Sätzen erschließt sich von Beginn an das mitreißende, typisch spanische Kolorit mit seinen in Vitalität und pure Lebens­freude eingebetteten lyrischen Melodiebögen. Als Dirigent für eine Reihe von Sommer­konzerten in Santander eingeladen, erstellte Arbós aus Zeitmangel für neue Kompositionen 1890 Orchesterfassungen des Bolero und der Seguidillas gitanas, von denen jedoch das Manuskript der letzteren verschollen ist, sodass nur der Bolero heute auch in einer effektvollen Fassung für Symphonieorchester vorliegt.

Christian Heindl

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Musical Search for Clues in Iberia and Ibero-America

Argentina as a land of music? In Central Europe, this is rather an unusual association. Within the breadth also evinced by musical life in Argentina, there are primarily three personalities of the 20th century that have given a musically international face to the South American republic, indepen­dent since 1816: Alberto Ginastera, Carlos Gardel and Astor Piazzolla. Whereas Ginastera (1916–1983) is regarded as the most famous Argentinian composer, with an oeuvre extend­ing from piano pieces to operas, as a singer and composer, Gardel (1887 or 1890 until 1935) was the most popular representative of the Argentin­ian tango (Tango Argentino). The three of them are impressively combined in Astor Piazzolla (1921–1992) – later pre­eminent as a bandoneón player, composer and founder of the Tango Nuevo. More attracted by jazz and Bach’s mu­sic, despite his father’s passion for the tango, Piazzolla had a striking encounter with Gardel, as, at the age of nine, he played a minor role beside Gardel as a newspaper boy in the film El día que me quieras in 1930. Ten years later, fi­nally, it was Alberto Ginastera from whom Piazzolla received composition classes.

Although he had spent his childhood mainly in New York, after 1937 Piazzolla again lived with his family in Buenos Aires, where a perfor­mance by Elvino Vardaro’s tango company be­came a salient experience for him. Thrilled by this form of musical presentation, he now con­

tinued his bandoneón studies with the utmost vigour and in 1939 already became a member of the orchestra of Aníbal Troilo, one of the most prominent bandoneón players and bandleaders at the time. Some of his own early arrange­ments were also composed at this time. But this was not sufficient; he wanted an in­depth, spe­cialist training. On the advice of the pianist Ar­thur Rubinstein he began to study with Ginas­tera. Ginastera, in turn, advised him to submit his symphony Buenos Aires to an international composition competition. This way Piazzolla won a scholarship to Europe, which he used for a study visit to Nadia Boulanger in Paris. He concealed the fact that he had also composed tangos besides his orchestral and chamber music from his teacher for the time being: ‘In reality, I was ashamed to tell her that I was a tango musician and that I had worked in the brothels and cabarets of Buenos Aires. Tango musician was a dirty word in the Argentina of my youth’. Piazzolla goes on to depict how Boulanger – missing his own individual hand­writing in his scores – called on him to improvise a tango on the piano, as was the custom in his country of origin, and then noticed that the genuine Piazzolla had manifested himself.

His self­confidence strengthened by this insight, after his return to Argentina in the mid­1950s Piazzolla in the future sought organically to link the classical element and the tango tradi­tion in his music, the major feature of which is a renewal of the tango deviating from the Tango Argentino. Piazzolla’s tango is no longer a

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dance piece, but primarily intended for the listen­er. In terms of harmony, he enriched the genre with the devices of 20th­century classical com­posers such as Bartók and Stravinsky, and a shaping of the individual instrumental parts in keeping with the technical possibilities of the time also contributes to the ‘new sound’. How­ever, the real instrumental sound (particularly by using the typical tango instrument, the ban­doneón) and the characteristic rhythmic ele­ment of the tango are preserved in the Tango Nuevo. Nevertheless, Piazzolla’s innovations initially earned him virulent hostility on the part of the ‘tango purists’ of the time. However, with his more than 300 tangos, numerous film scores and his ‘classical’ concert and stage music – including the tango opera María de Buenos Aires – he finally achieved enormous popularity and the highest international accolade. Piazzolla spent the years of the Argentinian Junta largely in Italy, but during and after this time he kept returning to Buenos Aires, where he died on 4 July 1992 following a lengthy illness.

As popular as the name of Piazzolla is in the Central European music scene today, as little known is that of Enrique Fernández Arbós (1863–1939). He shares the fate of those com­posers that have become famous outside their homelands mainly by arranging a single work by a colleague. His orchestral arrangement of five pieces from the piano cycle Iberia by his compa­triot Isaac Albéniz became a worldwide success thanks to its magnificent sound and sovereign treatment of instruments. On the other hand,

Arbós had much less fortune as regards the permanent anchoring of his own compositions in the international repertoire, which seems aston­ishing when the Spaniard’s biography is taken into consideration. Born in Madrid on 24 Decem­ber 1863, he initially studied violin with Jésus Monasterio at the conservatoire of his native city, then with Henri Vieuxtemps in Brussels and with Joseph Joachim in Berlin. In Berlin, he also studied composition with Heinrich von Herzogen­berg. In the subsequent years, he worked as a concertmaster with the Berlin Philharmonic, the Boston Symphony Orchestra, in Glasgow and in Winnipeg and at the same time developed a re­markable career as a soloist. He taught at the Madrid Conservatoire and in Hamburg before becoming professor for violin at the London Royal College of Music in 1894, where he worked until 1916. In 1904, he was appointed principal conductor of the Orquesta Sinfónica de Madrid, a post he held for 35 years until his death. In this function, he was considered one of the most prominent Spanish conductors of the first third of the 20th century. Blind towards the end of his life, Arbós finally gradually withdrew to his house in Fuenterrabia in the Basque country. He died there on 2 June 1939, two days after the end of the Spanish Civil War.

Despite his intensive work as a reproducing artist, Arbós was also highly active in the field of creativity. Apart from a zarzuela (the Spanish form of operetta) entitled El centro de la tierra (The Centre of the Earth) and the above­men­tioned orchestra suite after Albéniz, he wrote a

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number of other works for orchestra (Pequeña suite española, Tres piezas for Violin and Or­chestra), solo pieces for violin, chamber music and songs (Seis rimas de Gustavo Adolfo Béc-quer op. 3, Cuatro canciones para la marquesa de Bolaños op. 4). Thanks to its technically ac­commodating composition and its vigourous melodies and rhythms, his opus 1, the piano trio Tres piezas originales al estilo español achieved lasting popularity. These ‘three original pieces in the Spanish manner’ were often simplified by Arbós himself to ‘Three Spanish Dances’ or ‘Spanish Trio’. They originate from the late 1880s, when this type of arrangement or stylization of regional dance music was highly popular in artistic music – just think of Brahms’ Hungarian Dances or Dvořák’s Slavonic Dances (this series could be continued for practically any nation until into the late 20th century). For Arbós, who was working in Germany at the time, a piece of this kind was undoubtedly a pleasant visiting card to stress his Spanish origins abroad. In his memoirs he refers to the frequent conversations with the conductor Hans von Bülow about Spanish classical music, and he repeatedly played some of the trio movements with Bülow. The title emphasizes emphatically that the three movements are Arbós’ own com­positions, i.e. that they are not a recourse to existing folk melodies, but emulations of such.

The first of the three pieces is a Bolero, in which the violin initially takes the energetic lead, whilst the piano takes the leading part in the central section. From the very first bars, the

even, accompanying rhythm produces the irre­sistible pressing forward movement character­istic of the Bolero, which only pauses briefly be­fore the recapitulation, before the succinct theme of the exposition once again comes to the fore and concludes the movement with a short, final coda. The ensuing Habanera is no less concise, and with its syncopations and dotted notes also caters for ‘Spanish’ rhythmic flair, which is not only so typical of this dance form in Bizet’s opera Carmen. In this second movement, too, a central section sets new ac­cents, into which the piano again introduces specific new elements – especially in terms of a sharper chromatization. The concluding third dance movement Seguidillas gitanas, (Gypsy Seguidillas), goes back to a verse form in Span­ish poetry of the 16th and 17th centuries. Subse­quently, the Seguidilla became a popular dance song in lively triple time which was mainly root­ed in the province of Castile. As in the previous two movements, from the very outset the stir­ring, typically Spanish atmosphere unfolds with its lyrical melodic arches embedded in vitality and pure zest for life. Invited to Santander as the conductor of a series of summer concerts in 1890, due to lack of time to write new composi­tions Arbós made orchestral versions of the Bolero and the Seguidillas, of which the manu­script of the latter has become lost, so that only the Bolero exists today in an effective arrange­ment for symphony orchestra.

Christian Heindltranslated by Ian Mansfield

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En búsqueda de las huellas musica les en España y Iberoamérica

País musical Argentina? – En Europa Central es una asociación poco común. Entre la gran va­riedad que constituye la vida musical en Argen­tina se destacan tres personalidades en el siglo XX, que le dieron una reputación musical impor­tante a nivel internacional. Se trata de Alberto Ginastera, Carlos Gardel y Astor Piazzolla. Si Ginastera (1916­1983) destaca como el com­positor más famoso de Argentina con sus obras para piano, sus óperas y su gran varie­dad de composiciones, Carlos Gardel (1887 o 1890­1935) sobresale como cantante y com­positor de obras populares como el Tango Argentino. En Astor Piazzolla (1921­1992), un bandoneonista excepcional, compositor y fun­dador del „Tango Nuevo“ se funden los tres estilos en manera impresionante. Aparte de la pasión de su padre por el tango, que lo escu­chaba día y noche, Piazzolla sin embargo fué atraido e influenciado por el Jazz y la música de Bach.

En 1934, a los nueve años tuvo un encuen­tro muy relevante con Carlos Gardel, cuando Gardel lo invitó a participar en la película que rodaba en aquellos tiempos: „El día que me quieras“ y el actuó como un joven vendedor de periódicos.

Diez años mas tarde Alberto Ginastera le dió sus primeras clases de composición a Piazzolla. Su infancia la pasó sobre todo en Nueva York hasta que en 1937 su familia regresó a Buenos

Aires. Una experiencia muy marcante fue un concierto de la banda Elvino Vardaro. Esta se transformó en una experiencia clave para Piazzolla. Entusiasmado por esa forma de mú­sica Piazzolla volvió a seguír sus estudios de bandoneón con mucho afán y en 1939 pudo in­gresar como miembro de la orquesta de Aníbal Troilo, quién en sus tiempos fuese el mejor ban­deonista y líder musical en Buenos Aires. En esa época Piazzolla empezó a componer sus primeros arreglos. Fue Arturo Rubinstein, el famoso pianista, quién le recomendó profundi­zar su formación musical y le aconsejó tomar clases con Alberto Ginastera, lo cual hizo.

Ginastera le aconsejó enviar su sinfonía „Buenos Aires“ a un concurso internacional de composición. Al ser ganador consiguió una beca para continuar sus estudios en Paris con Nadia Boulanger. A más de sus composiciones para orquesta y música de cámara, Piazzolla se sentía sobre todo compositor y músico de tan­gos, esto último le daba verguenza de revelar a su profesora. “En mi juventud ser músico de tango significaba algo sucio, porque uno tocaba en burdeles y cabarets”, nos confesó Piazzolla y siguía contando como Boulanger le obligó a improvisar un tango, porque ella echa­ba de menos las raíces argentinas en sus com­posiciones. Boulanger se dió cuenta que el verdadero Piazzolla se mostraba allí y le animó seguir adelante con el elemento del tango en sus composiciones.

Más seguro de sí mismo, Piazzolla regresó al Argentina a mediados de los años cincuenta y

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empezó a mezclar los elementos de las dos tra­diciónes: la del tango con la de la música clásica, aquel aspecto tan característico de su música.

Piazzolla desarrolló el „Tango Nuevo“, que no es un tango para bailar sino mas bien para escuchar. Piazzolla enriqueció armoniosamen­te este genero con partes del Jazz y de las composiciones clásicas del siglo XX como las de Bartók y Stravinsky, incluyendo las posibili­dades actuales de la técnica de los distintos instrumentos y añadiendo los instrumentos típi­cos del tango como el bandoneón, más su ritmo especifico. Piazzolla crea así el tipico so­nido del „Tango Nuevo“. Al principio, sus inno­vaciones en el tango fueron muy criticados por los tangueros de la „Guardia Vieja“.

Con sus 300 tangos, composiciones musi­cal para el cine, sus conciertos clásicos y sus composiciones para el teatro, entre ellas la opera de tango „María de Buenos Aires“ tuvo mucho éxito no solo en Argentina, sino también a nivel mundial.

Durante la dictadura militar, entre los años 1976­1983, Piazzolla se traslada a Italia viajan­do regularmente a Buenos Aires, donde muere el 4 de Julio de 1992.

Mientras el nombre Piazzolla se ha vuelto muy popular en Europa Central, casi nadie co­noce a Enrique Fernández Arbós (1863­1939). El comparte el destino de aquellos composito­res, quienes fuera de su patria, no son conoci­dos más que por sus adaptaciones y orquesta­ciones de obras de sus colegas famosos. Fernández Arbós saltó a la popularidad súbita

con la orquestación del ciclo para piano „Iberia“ de su compatriota Isaac Albéniz.

Tuvo menos éxito con sus propias composi­ciones, a pesar de su gran carrera como músico. Nacido el 24 de Diciembre de 1863 en Madrid, empezó su formación musical en el Conserva­torio de Madrid con el violinista Jesús de Monasterio, luego en Bruselas con Henri Vieux­temps y en Berlin con Joseph Joachim. Es allí donde empiezó a tomar clases de composición con Heinrich von Herzogenberg.

En los años siguientes se afincó en esta últi­ma ciudad y debutó con la Orquesta Filarmónica de Berlin como concertino, con la Orquesta Sinfónica de Boston, en Glasgow y Winnipeg y desarrolla una carrera significante también como solista.

En los Conservatorios de Madrid y de Hamburgo se destacó como docente y en 1894 fue nombrado profesor de violín del Royal College of Music en Londres, dejó Londres en 1916, cuando fue llamado a ocupar la cátedra de violín del Conservatorio de Madrid. En 1904 fue nombrado primer titular de la Orquesta Sinfónica de Madrid y ocupó ese puesto du­rante 35 años hasta su muerte. En esa función adquirió fama internacional y durante la prime­ra parte del siglo XX fue el director de orquesta español mas famoso. En los últimos años de su vida Fernández Arbós pierdó la vista y se re­tiró de la vida pública para vivir en la ciudad basca Fuenterrabia. Murió allí el 2 de Junio de 1939, a los dos meses depués de terminar la Guerra Civil.

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Aún trabajando excesivamente como artista reproductivo, nunca dejó su labor creativa.

Aparte de una Zarzuela con titutlo El centro de la tierra y la nombrada Suite para orquesta de Albéniz, compuso varias obras para orques­ta (Pequeña suite española, Tres piezas para violín y orquesta), piezas para violín solo, músi­ca de cámara como también varios Lieder (Seis rimas de Gustavo Adolfo Bécquer op.3, Cuatro canciones para la marquesa de Bola-ños op.4).

El éxito más grande y continuo logró con su opus 1, el Trio para piano y cuerdas Tres piezas originales al estilo español, gracias a su melo­día y ritmo vital.

Esas composiciones también se conocen como „Tres danzas españolas“ o „Trio español“. Esas piezas fueron escritas en los años 1880 y esa manera de tratar y estilizar música de baile folclórica y añadirla a la música clásica estuvo muy de moda en aquella época, como lo hizo también Brahms con sus „Danzas húngaras” y Dvořák con sus „Danzas eslavas” (esa serie se continuó produciendo hasta finales del siglo XX en todas las naciones). Para Arbós esas piezas fueron una referencia simpática a su patria y en sus memorias nos cuenta de las conversacio­nes numerosas con Hans von Bülow sobre la música clásica española. Se sabe que con él tocó con frecuencia alguna que otra pieza del trio.

El título de la obra acentúa que estos tres movimientos son la invención del propio Arbós y que no son melodías folclóricas existentes,

mas bien una creación en el estilo de la música tipica folclórica.

El primer movimiento es un Bolero, en el que el violín manda, mientras que la parte cen­tral es dominada por el piano. A causa del per­petuo ritmo monótono en el acompañamiento, se va notando en los primeros compáses el es­tímulo permanente que caracteriza el bolero, uniquamente en la repetición por un breve ins­tante hasta recuperar nuevamente el tema afir­mativo en la exposición antes de terminar la coda corta y melodiosa.

La Habanera, movimiento siguiente, desta­ca su típico ritmo español a través de las sínco­pas y puntillos, que se puede apreciar también en la danza de la ópera Carmen de Bizet.

También en el segundo movimiento se pue­den observar nuevos acentos dados por el pia­no a través de un cromatismo puntiagudo.

El movimiento final Seguidillas gitanas tiene su orígen en la forma de verso de la poesía es­pañola del siglo XVI y XVII. En continuación la seguidilla se transforma en una canción de dan­za popular en la provincia de Castilla por su agitado compás ternario.

Al igual que en los dos movimientos anterio­res nos revelan las piezas desde un comiezo el tipico colorido español con su vitalidad y alegría contagiosa, incorporadas en los arcos líricos y melodiosos de la música.

Como director de orquesta y por falta de tiempo, Arbós se dedicó a componer en 1890 versiones para orquesta del Bolero y de las Se-guidillas gitanas, el manuscrito de las Seguidillas

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gitanas se ha extraviado y nos ha quedado úni­camente el Bolero en la versión sensacional para orquesta.

Christian Heindltraducido por Gabriela Haffner

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Trio D’Ante

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Das Trio D’Ante entstand während des Studiums bei Prof. Heinz Medjimorec (Haydn­Trio Wien) und Yuri Smirnov (Brahms­Trio Wien) im Jahr 2003. Schon im Oktober 2005 wurde es als ein­ziges Wiener Klaviertrio zur Gastteil nahme an der European Chamber Music Academy nomi­niert. Meisterkurse und der häufige künstleri­sche Austausch mit bedeutenden Pädagogen wie Hatto Beyerle, Christoph Richter, Johannes Meissl, Avedis Kouyoumdjian, Erich Höbarth und Heinrich Schiff bereicherten nachhaltig die Spielerfahrung des Ensembles.

Von der österreichischen Zeitschrift WOMAN wurde das Trio als „Durchstarterinnen 2005“ gewürdigt.

Das Ensemble entfaltete mit vielen Auftritten in Bulgarien, Belgien, Frankreich, Griechenland, Deutschland, Österreich, der Schweiz, Spanien sowie Ecuador eine rege Konzerttätigkeit. 2006 debütierte es im Wiener Musikverein und gab Konzerte im Wiener Alten Rathaus, im österrei­chischen Parlament in Wien, im Brucknerhaus Linz, führte in der Casa de la Musica in Quito, Ecuador, Beethovens Tripelkonzert unter der Leitung von Patrizio Aizaga auf – und hatte da­mit bei Publikum wie Kritik großen Erfolg.

Beim Internationalen Kammermusik­Wett­bewerb 2007 in Thessaloniki, Griechenland, errang das Trio D’Ante den ersten Preis.

2008/09 gab das Trio im Rahmen der Jeunesse mehrere Konzerte in größeren österreichischen Städten.

Trio D’Ante ist langjähriges Mitglied von Yehudi Menuhins Organisation „Live Music Now“.

Im Juli 2009 wurden die drei Musikerinnen in das Queen Elisabeth College in Brüssel aufgenommen, wo sie beim Artemis Quartett studieren.

Sie konzertieren in bedeutenden Musik­zentren und bei wichtigen Festivals in Europa, darunter Fundación Carlos de Amberes in Madrid, Sala María Cristina – Sociedad Filarmó­nica de Málaga, Apollonia Festival in Bulgarien, Festival de Radio France et Montpellier mit Live­Mitschnitt und Sendung europaweit, Festival de Musique de Menton, Frankreich, Chopin Festi­val in Flagey, Belgien, und im Brüsseler Palais des Beaux­Arts.

„Erfrischend und leidenschaftlich“, „mit be-achtlicher Präzision“, „mit immens berührender Klanggebung und leitend am Cello, mit klarem Strich an der Violine und quirlig am Klavier“ (Kronenzeitung).

„Ein perlender Wirbelwind am Klavier, eine wendige, feine Geigerin und eine wunderbare Entdeckung am Cello“ (Tiroler Tageszeitung).

www.triodante.com

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The Trio D’Ante was founded during studies under Prof. Heinz Medjimorec (Haydn Trio, Vienna) and Yuri Smirnov (Brahms Trio Wien) in 2003. In October 2005, it was nominated as the only Viennese piano trio to go on a study visit to the European Chamber Music Academy. Mas­ter classes and the frequent artistic exchange with important teachers such as Hatto Beyerle, Christoph Richter, Johannes Meissl, Avedis Kouyoumdjian, Erich Höbarth and Heinrich Schiff have permanently enriched the ensemble’s playing experience.

The Austrian magazine WOMAN praised the trio as ‘shooting stars of 2005’.

The ensemble has had a successful concert career with many performances in Bulgaria, Belgium, France, Greece, Germany, Austria, Switzerland, Spain and Ecuador. In 2006, it held its debut in the Vienna Musikverein and then played in Vienna’s Old City Hall, in the Austrian parliament in Vienna, in the Bruckner House in Linz and in the Casa de la Musica in Quito, Ecuador, performing Beethoven’s Triple Con­certo under the direction of Patrizio Aizaga. Both the audience and reviewers were enthusi­astic.

The Trio D’Ante was awarded the first prize at the International Chamber Music Competi­tions in Thessaloniki, Greece, in 2007.

In 2008/09, the trio held several concerts in major Austrian cities under the auspices of ‘Jeunesse’.

The Trio D’Ante is a long­standing member of Yehudi Menuhin’s organization ‘Live Music Now’.

In July 2009, the three musicians were ac­cepted by Queen Elisabeth College in Brussels, where they study with the Artemis Quartet.

They have performed concerts in important musical centres and at major festivals in Eu­rope, including Fundación Carlos de Amberes in Madrid, Sala María Cristina – Sociedad Filar­mónica de Málaga, Apollonia Festival in Bulgar­ia, Festival de Radio France and Montpellier with live recording and broadcast throughout Europe, Festival de Musique de Menton, France, Chopin Festival in Flagey, Belgium, and in the Palais des Beaux­Arts in Brussels.

‘Refreshing and passionate’, ‘with remark-able precision’, ‘with an immensely moving sound, the cello leading, the violin with clean strokes and the piano lively’ (Kronenzeitung).

‘A bubbling whirlwind at the piano, a versa-tile and sensitive violinist and a wonderful discovery at the cello’ (Tiroler Tageszeitung).

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El Trio D’Ante fué fundado en 2003 durante los estudios en Viena con Heinz Medjimorec (miembro del Haydn­Trio Viena) y con Yuri Smirnov (miembro del Brahms­Trio Viena).

Dos anõs más tarde recibió el nombramien­to para participar como único trio vienés al European Chamber Music Academy.

Clases magestrales con famosos músicos como Hatto Beyerle, Christoph Richter, Johan­nes Meissl, Avedis Kouyoumdjian, Erich Höbarth y Heinrich Schiff completaron la formación músical del Trio D’Ante.

El Trio D’Ante tocó varios conciertos en Bulgaria, Bélgica, Francia, Grecia, Alemania, Suiza, Austria, España y Ecuador. En Quito recitó junto a la Orquesta Sinfónica de Quito bajo la direcciòn de Patricio Aizaga el concierto triple de Beethoven, más unos conciertos de música de cámara.

2006 debutó en la sala de concierto más famosa de Viena, el Musikverein, aparte de numerosas otras ciudades.

2007 el Trio D’Ante ganó el primer premio en el Concurso Internacional en Thessaloniki.

2008 fué contratado por la „Jeunesse“ para dar varias giras por Austria. El Trio D’Ante reci­bió una beca por la fundación Yehudi Menuhin Live Music Now y 2009 fué nombrado para completar sus estudios en el Queen Elisabeth College en Bruselas con el famoso Quarteto Artemis.

Trio D’Ante recibe invitaciones para tocar en centros musicales y festivales como: Fundación Carlos de Amberes/Madrid, Sala de Maria

Cristina – Sociedad Filarmónica de Málaga, Apollonia Festival en Bulgaria, Festival Radio France et Montpellier, Festival de Menton, Chopin Festival en Flaney y al Palais des Beaux­Arts en Bruselas.

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Donka Angatcheva wurde in Plovdiv, Bulgarien, geboren. Im Alter von zehn Jahren begann sie ihre Karriere als Solistin der Plovdiver Philhar­monie. Noch während ihrer Ausbildung bei Prof. Milena Mollova (Schülerin von Emil Gilels) er­rang sie den ersten Preis beim Dimitar Nenov Wettbewerb für junge Pianisten in Bulgarien und den zweiten Preis beim internationalen Wettbewerb in Salerno, Italien. Ab 1998 Klavier­studium an der Universität für Musik und dar­stellende Kunst Wien in der Klasse von Prof. Heinz Medjimorec (Haydn Trio, Wien); erfolg­reicher Abschluss 2004.

Donka Angatcheva ist Preisträgerin etlicher weiterer Wettbewerbe: zwei erste Preise bei den Internationalen Kammermusikwettbewerben in Thessaloniki, Griechenland, 2007 mit dem Trio D’Ante und 2003 mit dem Duo Dynamic, mit dem sie 2005 auch den dritten Preis beim Brahms­Wettbewerb gewann. Zu dieser Zeit war sie Mitglied von Yehudi Menuhins Organisa­tion „Live Music Now“ und gewann ein Stipen­dium der Schweizer Stiftung Thyll­Dürr.

2002 erschien – unterstützt vom französi­schen Konzern Global Private Equity – Donka Angatchevas erste CD mit Werken von Chopin und wurde in Paris präsentiert. Seit Jahren gibt sie Solorezitals für die Schweizer Fondation Aeschlimann. Und sie wurde zum Gesicht der Werbekampagne für Steinway in Österreich. Donka Angatcheva konzertiert weltweit als Solistin und Kammermusikerin. Ihr Repertoire umfasst sowohl die klassische als auch die moderne Klavierliteratur.

Donka Angatcheva was born in Plovdiv, Bul­garia. At the age of ten she began her career as a soloist with the Plovdiv Philharmonic. Already during her training under Prof. Milena Mollova (a pupil of Emil Gilels) she won the first prize at the Dimitar Nenov Competition for young pianists in Bulgaria and the second prize at the interna­tional competition in Salerno, Italy. After 1998, she studied the piano at the University of Music and the Performing Arts in Vienna in Prof. Heinz Medjimorec’s class (Haydn Trio, Vienna); she successfully completed her studies in 2004.

Donka Angatcheva is the prize winner of several more competitions: two first prizes at the International Chamber Music Competitions in Thessaloniki, Greece, with the Trio D’Ante in 2007, and with the Duo Dynamic in 2003, with whom she also won the third prize at the Brahms Competition in 2005. At the time, she was a member of Yehudi Menuhin’s organiza­tion ‘Live Music Now’ and was awarded a scholarship by the Swiss Thyll­Dürr Foundation.

In 2002, with the support of the French con­cern Global Private Equity, Donka Angatcheva’s first CD appeared with works by Chopin and was presented in Paris. She has been perform­ing solo recitals for the Swiss Aeschlimann Foundation for years. She also became the face of Steinway’s advertising campaign in Austria.

Donka Angatcheva performs concerts worldwide as a soloist and chamber musician. Her repertoire consists of both classical and modern piano literature.

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Donka Angatcheva nació en Plovdiv, Bulgaria. Ofreció su primer recital como solista con la Or­questa Filarmónica de Plovdiv, a los diez anõs. Mientras estaba todavía estudiando con Milena Mollova (discípula de Emil Gilels), ganó el primer premio en el concurso Dimitar Nenov en Bulga­ria y en el concurso internacional de Salerno/Italia. En 1998 Donka Angatcheva se transladó a Viena para continuar sus estudios en la Uni­versidad de Música de Viena con Heinz Medji­morec, donde terminó en 2004.

Ha obtenido varios premios, incluyendo dos veces el Concurso Internacional de Música de Cámara en Thessaloniki (2003 Duo Dynamic y 2007 Trio D’Ante) y en 2005 el Concurso Johan­nes Brahms.

Le han sido otorgadas varias becas: funda­ción Thyll­Dürr y la asosiación Live Music Now, fundada por Yehudi Menuhin.

Grabó su primer CD con obras de Chopin con ayuda de la firma francesa Global Private Equity que fue presentado en Paris.

Hace unos años que da recitales por la fun­dación suiza Aeschlimann.

La famosa casa Steinway, productora de los mejores pianos del mundo, la nombró como protagonista para la campaña publicitaria en Austria.

Donka Angatcheva da conciertos en el mundo entero como solista y con grupos de música de cámara.

Su repertorio no solo contiene música clásica sino tambien música moderna.

Donka Angatcheva

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Valya Dervenska wurde in Ruse, Bulgarien, ge­boren. Im Alter von fünf Jahren begann sie an der Musikschule in Sofia mit dem Violinspiel. An der Staatlichen Bulgarischen Musikakademie in Sofia wurde sie von den Professoren Yosif Radio nov und Angel Stankov unterrichtet und setzte ihre Ausbildung in der Klasse von Prof. Michael Frischenschlager an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien fort, die sie 2008 erfolgreich abschloss. Mit Vladimir Spiva­kov in Zürich und unter Prof. Erich Gruenberg an der Royal Academy of Music in London run­dete sie ihre Studien ab. Derzeit vertieft Valya Dervenska ihre Studien an der Chapelle Musi­cale Reine Elisabeth in Brüssel in der Violin­klasse von Prof. Augustin Dumay.

Die Künstlerin tritt regelmäßig mit den wich­tigsten bulgarischen Symphonieorchestern so­wie mit bedeutenden Klangkörpern von Belgrad, Breslau, Sendai u. a. auf. Sie arbeitete dabei mit Dirigenten wie Justus Frantz, Jan Latham­Koenig, Lutz Köhler, Martin Kerschbaum, Plamen Djou­roff, Vassil Kazandjiev und Emil Tabakov zu­sammen. Valya Dervenska wird zu Solorezitals, Kammermusikauftritten und Orchesterkonzerten bei Festivals und Konzerten in Europa, Kanada, Südamerika, China und Japan eingeladen und hat eine Reihe von Auf nahmen für die Staatliche Bulgarische Rund funkanstalt eingespielt.

Sie ist erste Preisträgerin bei den internatio­nalen Wettbewerben George Enescu in Rumä­nien 1999, Concertino Praga, Tschechien 1999, Jeunesses Musicales, Belgrad 2001, und Stefanie Hohl, Wien 2006. Darüber hinaus ist Valya

Dervenska Laureatin des internationalen Wett­bewerbs in Sendai, Japan 2004, und des inter­nationalen Wettbewerbs Pancho Wladigeroff in Bulgarien 1999.

Im Jahr 2007 war sie Gast kon zert meisterin des Philharmonischen Orchesters von Santiago de Chile.

Durch freundliche Leihgabe von Prof. Frischen schlager spielt Valya Dervenska ein Instrument des Turiner Geigenbauers Jofredus Cappa (1644–1717).

Valya Dervenska was born in Ruse, Bulgaria. At the age of five, she began playing the violin at the music school in Sofia. At the Bulgarian State Music Academy in Sofia, she was taught by Pro­fessors Yosif Radionov und Angel Stankov and continued her training in Prof. Michael Frischen­schlager’s class at the University of Music and the Performing Arts in Vienna, which she suc­cessfully completed in 2008. She rounded off her studies with Vladimir Spivakov in Zürich and under Prof. Erich Gruenberg at the Royal Acad­emy of Music in London. At the moment, Valya Dervenska is taking advanced studies in Prof. Augustin Dumay’s violin class at the Chapelle Musicale Reine Elisabeth in Brussels.

The artist regularly performs with the most important Bulgarian symphony orchestras as well as with major orchestras in Belgrade, Wrocław and Sendai etc. She has worked to­gether with conductors such as Justus Frantz, Jan Latham­Koenig, Lutz Köhler, Martin Kersch­

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baum, Plamen Djouroff, Vassil Kazandjiev, and Emil Tabakov. Valya Dervenska is invited to solo recitals, chamber music performances and or­chestral concerts in Europe, Canada, South America, China and Japan and has made a se­ries of recordings for Bulgarian State Radio.

She was awarded the first prize at the George Enescu International Competition in Romania in 1999, the Concertino Praga, Czech Republic in 1999, the ‘Jeunesses Musicales’ in Belgrade in 2001 and Stefanie Hohl in Vienna in 2006. In addition, Valya Dervenska was a laure­ate of the International Competition in Sendai, Japan, in 2004 and of the Pancho Wladigeroff International Competition in Bulgaria in 1999.

In 2007, Ms. Dervenska was visiting con­certmaster of the Philharmonic Orchestra of Santiago de Chile.

By courtesy of Prof. Frischenschlager, Valya Dervenska plays an instrument constructed by the Turin violin maker Jofredus Cappa (1644–1717).

Valya Dervenska nació en Ruse, Bulgaria, co­menzó a estudiar el violín a los cinco años en la Academia de Música en Sofia y sus profesores fueron Angel Stankov y Yosif Radionov.

Luego se transladó a Viena para seguir sus estudios en la Universidad de Música de Viena con Michael Frischenschlager, completando los estudios en Zurich con Vladimir Spivakov y en Londres en la Royal Academy of Music con Erich Gruenberg.

Valya Dervenska

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Actualmente está profundizando sus estu­dios en la Chapelle Musicale Reine Elisabeth en Bruselas con Augustin Dumay.

Valya Dervenska actuó y actua regularmen­te junto a las principales orquestas bajo directo­res como Justus Frantz, Jan Latham Koenig, Lutz Köhler, Martin Kerschbaum, Plamen Djouroff, Vassil Kazandjiev, Emil Tabakov.

Valya Dervenska está invitada regularmente para dar recitales como solista, tocar música de cámara y conciertos con orquesta en los festivales en Europa, Canadá, America Latina, China y Japón y ha hecho varias grabaciones con la Orquesta de la Radio Búlgara.

Ganadora de varios concursos de violín tales como: „Georges Enescu“ en Rumanía 1999, „Concertino Praga“ 1999, „Jeunesse musicale“ Serbia 2001, „Stefanie Hohl“ Viena 2006, “Con­curso Sendai”, Japón 2004 y „Pancho Wladige­roff“ Bulgaria 1999.

En 2007 fué la violinista principal de la Orquesta Filarmónica de Santiago de Chile.

Valya Dervenska toca un instrumento de Jofredus Cappa (1644­1717).

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Teodora Miteva wurde in Ruse, Bulgarien, ge­boren und begann im Alter von vier Jahren, bei ihrer Mutter Geige zu lernen. Doch ein Jahr spä­ter entdeckte sie ihre Liebe zum Cello. Mit 18 debütierte sie in ihrer Heimatstadt als Solistin mit Edouard Lalos Cellokonzert. Später studier­te sie an der Wiener Musikuniversität in der Vio­loncelloklasse von Prof. Valentin Erben (Alban Berg Quartett) und schloss mit Erfolg ab. Sie wurde Solistin mehrerer Orchester, darunter Or­questa Sinfónica de Salta (Argentinien), Orches­tra Estivo di Cervo (Italien), Orquesta Filarmónica de Quito (Ecuador). Im Rahmen des Haydn­Jahres spielte sie im Brahmssaal und im Goldenen Saal des Wiener Musikvereins unter der Leitung von Christian Schultz bzw. András Deák Haydns Cellokonzert in C­Dur.

Teodora Miteva nahm an vielen Meister­kursen mit den bekanntesten Cellisten unserer Zeit teil, so bei Mstislav Rostropovich, David Geringas, Svetoslav Popov, Tobias Kühne, Harvey Shapiro, Arto Noras und Miklós Perényi. Als Solistin trat sie bei den Wiener Festwochen, in der City Hall Hong Kong, beim Bourglinster Festival in Luxemburg, beim Aaron Copland Festival und bei vielen anderen Konzertzyklen auf. Sie ist erste Preisträgerin des nationalen Vio lon cello wettbewerbes in Bulgarien und – mit dem Klaviertrio D’Ante – erste Preisträgerin des internationalen Kammermusikwettbewerbes in Thessaloniki, Griechenland. Teodora Miteva war in etlichen anderen Wettbewerben Laurea­tin und erspielte sich Stipendien des Herbert von Karajan Centrums und der Alban Berg

Teodora Miteva

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Stiftung. Mit Peter Schmidl, dem Soloklarinet­tisten der Wiener Philharmoniker, nahm sie für das Label Naxos Klarinettentrios von Beethoven und Brahms auf. Teodora Miteva spielt ein Violoncello von Honoré Derazay, Paris 1860.

Teodora Miteva was born in Ruse, Bulgaria, and began learning the violin from her mother at the age of four. But a year later she discovered her love for the cello. At the age of 18 she held her debut in her home town as a soloist with Edouard Lalo’s Cello Concerto. Later she stud­ied in Prof. Valentin Erben’s (Alban Berg Quar­tet) cello class at the Vienna University of Music and successfully completed the course. She has been a soloist in several orchestras, includ­ing Orquesta Sinfónica de Salta (Argentina), Orchestra Estivo di Cervo (Italy), Orquesta Filar­mónica de Quito (Ecuador). During the Haydn year she played Haydn’s Cello Concerto in C major in the Brahms Hall and the Golden Hall of Vienna Musikverein under the baton of Christian Schultz and András Deák.

Teodora Miteva has taken part in many master classes with the most prominent cellists of our time, including Mstislav Rostropovich, David Geringas, Svetoslav Popov, Tobias Kühne, Har­vey Shapiro, Arto Noras and Miklós Perényi. She has performed as a soloist at the Vienna Festival, in the City Hall Hong Kong, at the Bourglinster Festival in Luxembourg, at the Aaron Copland Festival and many other concert cycles. She was awarded the first prize at the

national cello competition in Bulgaria and – with the piano Trio D’Ante – the first prize of the Inter­national Chamber Music Competitions in Thes­saloniki, Greece. Teodora Miteva was a laureate in many other competitions and was awarded scholarships by the Herbert von Karajan Centre and the Alban Berg Foundation. With Peter Schmidl, the solo clarinetist of the Vienna Phil­harmonic, she recorded clarinet trios by Beethoven and Brahms for the Naxos label. Teodora Miteva plays a cello made by Honoré Derazay, Paris, in 1860.

Teodora Miteva nació en Ruse, Bulgaria, y em­pezó sus estudios musicales a los cuatro años con a su madre, que fué violinista. Un año más tarde Teodora descubrió el violonchelo y debutó como solista a los 18 años con el concierto para violonchelo de Lalo.

Continuó sus estudios en la Universidad de Música de Viena con Valentin Erben, el vio­lonchelista del famoso Quarteto Alban Berg. Visitó clases magistrales con Mstislav Rostro­povich, David Geringas, Svetoslav Popov, Tobias Kühne, Harvey Shapiro, Arto Noras y Miklós Perenyi.

Ha actuado como solista con varias or­questas como la Orquesta Sinfónica de Salta, Orchestra Estivo di Cervo, Orquesta Filarmónica de Quito.

Durante el festival de Haydn tocó el concierto para violonchelo de Joseph Haydn en Do mayor en el Musik verein, sede de la Orquesta Filarmó­

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nica de Viena bajo la dirección de Christian Schultz y András Deák.

Como solista ha participado en el Festival de Viena, Bourglinster Festival en Luxemburgo, Aaron Copland Festival y muchos más.

Ha sido galardonada con varios premios: fué la primera en recibir el Primer Premio del Concurso Nacional de Bulgaria y del Concurso Internacional de Thessaloniki con música de cámara con su Trio D’Ante.

Con el clarinetista Peter Schmidl, miembro de la Filarmònica de Viena, ha grabado un CD con música de Beethoven y Brahms.Teodora Miteva toca un violonchelo francés del 1860.

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Besonderer Dank an /Special thanks to / Agradecimiento especial

Heinz Aeschlimann Foundation – Kunstzentrum art-st-urban, Schweiz

Ing. Ludwig Hrabovszky, Wien

Honorarkonsul KR Prof. Heinz L. Schinner, Wien

Brick-5, Verein zur Förderung der medialen Kunst und Technik, 1150 Wien

Firma Obrygas S. L., 29004 Malaga, Spanien

PDV Records, 1090 Wien

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Gramola 98873

Gramola Inlay-Card 151 x 118 mm - INNENPerforation = 6,5 mm von links u. rechts

Gramola Inlay-Card 151 x 118 mm - AUSSENPerforation = 6,5 mm von links u. rechts

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Trio D’Ante Donka Angatcheva piano / Klavier / pianoValya Dervenska violin / Violine / violínTeodora Miteva violoncello / Violoncello / violonchelo

Recorded April 20 & 21, 2010, at Franz Liszt Zentrum, Raiding, Burgenland Producer: Richard Winter Recording Producers, Balance Engineer & Digital Editing: Philipp Treiber, Volker Werner Editor: Dr. Hans Zeppelzauer Graphic Design: Mario Simon-Hoor, studio ms Photography: Julia Wesely Made in Germany

Astor Piazzolla (1921–1992)Cuatro Estaciones Porteñas 1 (I) Primavera Porteña 4:222 (II) Verano Porteño 7:40 3 (III) Otoño Porteño 5:30 4 (IV) Invierno Porteño 6:35

5 Oblivión 4:106 Milonga del Ángel 6:417 La Muerte del Ángel 3:25 8 Le Grand Tango 11:50

Enrique Fernández Arbós (1863–1939) Tres piezas originales al estilo español op.1 9 (I) Bolero 4:36bl (II) Habanera 6:29bm (III) Seguidillas gitanas 6:10

Arrangements: José Bragato (1- 5, 7), Trio D’Ante (6, 8)

„Ungebremste Emotion, alte Schule, junge Sprache“ (Zeitschrift der Gesellschaft der Musikfreunde, Wien)