. POP DESIGN

El Pop Art

El Pop es una manifestación occidental que ha ido creciendo bajo la sombra de las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. Norteamérica es el centro del programa, con lo cual se produce la americanización de la cultura de todo el mundo

Occidental, en especial la de Europa.

Muchas veces escuchamos este término y lo primero en lo que pensamos es en la cara de

Marilyn Monroe pintada por Andy Warhol. Pero el Pop Art es mucho más que eso. Es un movimiento cultural, no sólo artístico, que surgió en los años 60 y tiene mucho que ver con

el estado de una época. Como adjetivo de arte, Pop establece asociaciones con los diferentes

elementos superficiales de la sociedad. Los términos de los valores "hermoso, bueno, auténtico", se convierten en palabras huecas ante la creciente comercialización dentro de la

realidad social. Es decir que el espíritu consumista se instala para quedarse y esto se refleja en las artes. El Pop Art es una manifestación absolutamente occidental que nace en New

York y Londres y posteriormente conquista Europa, aunque los países del bloque comunista

apenas acceden a él.

El término Pop surge de la Expresión inglesa "popular" que se refiere a todo lo que tiene aceptación general. Los temas pictóricos del Pop Art están motivados por la vida diaria;

reflejan las realidades de una época en la que se define un sistema de vida que tiene como característica la masificación en todos los sentidos. El Pop equipara el arte para todo el

mundo; con él desaparece la idea de un tipo de arte elitista. La propaganda también tiene su lugar en este movimiento que plasma en sus obras las expresiones cotidianas como tomar

Coca Cola o leer cómics, coleccionar baratijas, comer hamburguesas, y todo lo que hace la

vida de todos los días. La conducta provocativa, la conmoción y la alteración de lo cotidiano, la ruptura de los tabúes y el final de la mojigatería forman parte de esta contracultura. Este

proceso puso en marcha la inversión de los valores en las relaciones humanas y cuestionó el tradicional reparto de papeles; la educación antiautoritaria, las nuevas estructuras

profesionales, la emancipación de la mujer y la liberación sexual, se desarrollaron a partir de

esta "revolución cultural". La revalorización de lo trivial se efectuó a muchos niveles.

E x p r e s i ó n P o p u l a r

Lo Kitsh y los souvenirs, las imágenes de la industria del consumo, los símbolos publicitarios,

los cómics y la literatura barata, no sólo se fueron convirtiendo en el contenido del arte y en temas de investigación, sino también en objetos coleccionados por los museos

La música y los textos de los Beatles y los Rolling Stones tradujeron en los años sesenta el

estado de ánimo, la euforia (high), la fuerza (power), las ansias y las realidades de la

juventud. Artistas como Peter Blake, Richard Hamilton y Andy Warhol diseñaron tapas para discos de grupos de música pop. Los medios de masas favorecieron la internalización de los

estilos y formas de expresión, así como la accesibilidad global de todas las marcas y todas las artes.

Peter Blake

Richard

Hamilton

v

Andy Warhol

El Pop es considerado un arte conceptual (los cuadros se convierten en cosas y las cosas en

cuadros), un movimiento estético y cultural que entiende que los hechos son lo más

importante.

Se trata de una generación que tiende a interpretar los objetos, las realidades, las condiciones y los sentimientos como "Facts". En el lenguaje coloquial americano se

generalizó una fórmula para cualquier situación: "That´s a fact" que quiere decir algo así

como "así son las cosas". el término "factualist" podría reemplazar al de Pop Art en la historia del arte, incluso los artistas no se asumían como Pop sino que se autodenominaban

factualist; el termino Pop se refería al movimiento cultural en general (aunque ha trascendido como abarcativo de todo, hasta de sus expresiones artísticas). No importa como

se valore esta situación, un hecho resulta evidente: el Pop Art tiene una nueva actualidad en

la recepción del arte, casi un renacimiento, y en las culturas más generalizadas están escalando el Neo Pop, la industria de las baratijas Pop, la publicidad Pop y los slogan

cotidianos ligados a ella. Evidentemente el Pop es uno de los movimientos de fin que define la segunda parte del siglo XX. Convive con otras expresiones, pero sigue vigente y se

reactualiza permanentemente. Una última frase digna de tenerse en cuenta: "Pop es todo" y "Todo es Pop".

C o n t e x t o

Fue a mediados de los años cincuenta cuando dos críticos británicos de arte propusieron el término “popular art” para referirse, no a una tendencia artística ya en boga, sino a un

conjunto creciente de imágenes y representaciones, surgidas en los nuevos ámbitos de la

publicidad, la televisión, el cine, los cómics y en general en los nuevos medios de comunicación, y que adquirían un papel cada vez más relevante en la cultura urbana de

masas de la época.

“Popular” no era, pues, ningún concepto que indicara un origen desde abajo, ligado

a la expresión y defensa crítica de los intereses de las clases populares, ni tampoco

nos remitía al concepto romántico de pueblo, como conjunto homogéneo que

comparte una lengua, una historia y una cultura propias, que le confieren su

singular identidad y sus preferencias estéticas.

La nueva cultura de masas que emerge en esa sociedad industrial urbana absorbe y refleja

con un mimetismo elocuente las nuevas formas adoptadas por el modo de producción que no

sólo produce masivamente objetos, para el consumo, sino que produce a su vez a las masas mismas, como consumidoras, generando así una dialéctica interna que pone en una relación

estrecha y casi lineal la creación de los objetos, que las masas producen para consumir, y a las masas, que consumen para que se pueda seguir produciendo.

Esta inédita interrelación da lugar al nacimiento de la nueva cultura de masas, fenómeno

histórico concreto de nuestra época, que se asienta directamente sobre la masiva capacidad de producción alcanzada por las sociedades industrializadas y la gigantesca masa de público

consumidores que crea.

El pop art no es sino una estetización de esas imágenes populares. Construye un lenguaje artístico nuevo, cimentado en técnicas muy ligadas a las de la misma producción industrial,

para elevar esas imágenes a la categoría de arte. Pero sin ellas, y sin la sociedad de consumo que las inspira, es incomprensible. Con razón, pues, algunos críticos han

considerado al pop art, que no por casualidad alcanzó, primero en Inglaterra, pero sobre todo en Estados Unidos como la super estructura artística que corresponde a las sociedades

más desarrolladas del capitalismo tardío. Este sello peculiar del pop art se manifiesta

implícitamente tanto en la temática más general y obvia de su repertorio de imágenes, como en los elementos más característicos de su lenguaje, de sus técnicas o de su actitud misma

ante la sociedad que representa.

La temática del arte pop es básicamente objetual e icónica. La vasta mirada que el mundo

del arte había desplegado hacia la naturaleza, la sociedad, el hombre, la mitología, la religión o el mundo de los sueños y las fantasías, es arrinconado aquí ostensiblemente para dar paso

a una glorificación estética de los nuevos objetos producidos por la industria, latas de sopa,

coca-cola, tazas, vasos, pistolas, máquinas..., extraídos del panorama de objetos de uso cotidiano que nos envuelven, e iconos coloreados o dibujos al estilo cómic de imágenes

populares de consumo masivo. El pop recupera así la tradición del arte figurativo, que había sido arrinconada por el triunfo de la abstracción pero su pretensión de enlazar con algunos

aspectos del surrealismo, sus famosos objetos inútiles, o los “ready-made” de Marcel Duchamp, por ejemplo, substraen un hecho esencial: la voluntad y el carácter crítico y

subversivo de los surrealistas que es sustituido ahora por una actitud neutral, objetiva,

cuando no directamente apologética. En cuanto a su lenguaje específico el pop art se caracteriza por la apropiación sin rubor de

las técnicas expresivas orientadas a la divulgación y el consumo, ya validadas por vehículos de comunicación de masas. Ello tiene consecuencias importantes en la construcción tanto de

imágenes como de objetos. La utilización de colores planos e intensos contribuye a la

simplificación y fácil identificación del objeto, propio de la comunicación visual de la

publicidad.

Marcel Duchamp ” “Ready-made” “Ready-made”

Lo mismo puede decirse del estilo claro y preciso del dibujo como configurador de la forma. Las enormes dimensiones que alcanzan a veces los cuadros y esculturas reproducen la

búsqueda de un efecto espectacular. Las series, tan frecuentes en los artistas pop, no son sino un reflejo de la producción masiva capitalista.

El artista pop no duda en explotar todos los mecanismos de producción de imágenes populares, ya sea la fotografía, la publicidad, el cine, el cartel, las revistas ilustradas, el

cómic, etc. En las obras mixtas estas fuentes se combinan y complementan. Esta peculiar

singularidad linguística del pop tiende a eliminar al máximo la expresividad subjetiva del autor y a fomentar una especie de objetividad intrínseca y despersonalización de la obra.

Por otro lado, este distanciamiento objetivista del pop va parejo a su aparente

neutralidad respecto a la sociedad. Para Roy Lichtenstein el pop art mira al mundo, parece

que acepta su medio ambiente, que no es bueno ni malo, sino diferente. Aceptar e ste mundo parece, en efecto, el estado de ánimo general del pop art frente a la realidad. "Mi obra -dice

Rauschenberg, quien más y mejor utilizó el collage como expresión de la nueva visión fragmentada de la realidad- nunca fue una protesta contra lo que estaba sucediendo".

El arte pop muestra la realidad existente -el capitalismo triunfante- sin un especial talante crítico, a veces con entusiasmo y a veces con ironía o escepticismo, a veces en serio y a

veces en broma, pero nunca -como lo hizo el surrealismo en los años treinta- tratando de

ponerse al servicio de una transformación de la vida y el mundo.

Roy Lichtenstein

Robert

Rauschenberg

LOS MÁS IMPORTANTES ARTISTAS POP :

ANDY WARHOL(1928-

1987). El más famoso de los artistas pop comenzó trabajando en el campo de la

publicidad comercial ilustrando famosas revistas como "Vogue". Practicó con éxito

la estampación de fotografías a través de la serigrafía, reproduciendo las conocidas

imágenes de la "Estatua de la libertad", "Marilyn Monroe", "las latas de sopa

Campbell" etc...

ANDY WARHOL es uno de los personajes más influyentes en la pintura de la segunda mitad

del siglo xx. Andy es considerado el fundador y la figura más relevante del llamado Pop Art. Continuó haciendo anuncios publicitarios e ilustraciones y para 1955 ya era el pintor

comercial más famoso de New York. En 1960 realiza su primera pintura basada en

personajes de Comic (como Popeye o Superman). Comenzó, también, a ser el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de gran formato, utilizándolas después como base de

sus pinturas al óleo o la tinta. Fué esta técnica la que le permitió producir una serie de

imagines repetitivas, con pequeñas variaciones, que comenzó en 1962 con el famoso bote de

sopas Campbell. Una curiosidad con respecto a sus pinturas y que poca gente conoce, es que, en sus creaciones tiene utilizado a parte de los componentes principales, cholate

fundido a la taza, mermelada de frambuesa, e incluso semen humano.

A finales de los 60's comienza a hacer cine. En 1965 comienza a trabajar en una banda de

rock llamada The Velvet Underground, formada por Lou Reedo y John Cale. Se le podría calificar como el mejor artísta gráfico del Pop Art.

Las pinturas de Warhol no contienen elementos homoeróticos o que hablen claramente de su

sexualidad. Esto fué algo que siempre evitó enfáticamente: renunció, pues, como muchos

otros artistas (David Hockney, por ejemplo) a valerse de su vida y de sus sentimientos como tema; en cambio su obra como director de cine tuvo el efecto contrario, pues pusieron en

entredicho la identidad sexual y el papel de cada sexo. Por ejemplo en Flesh nos cuenta la vida de un chapero que mantiene a su mujer e hijo con su trabajo sexual. Warhol fue

siempre una persona muy reservada respecto a su vida. Evitaba la comunicación directa y la

expresión de los sentimientos y emociones (como sus pinturas: planas y básicas). Su reacción hacia la gente, de desprecio por si mismo, seriedad calculada y una aparente

tolerancia hacia todo, sugiere una defensa completa ante un universo hostil y una renuncia e incapacidad para comprometerse.

El término “pop” fue acuñado en los años cincuenta para designar la emergencia de

la cultura popular en esa década. En 1952 se fundó INDEPENDENT GROUP en

Londres. Sus miembros, entre ellos los artistas Richard Hamilton (nacido en 1922),

el escultor Eduardo Paolozzi (nacido en 1924), el crítico de diseño Reyner Banham

(1920 – 1988) y los arquitectos Peter y Alison Smithson, fueron los primeros en

explorar la expansión de la cultura popular en Estados Unidos.

En los sesenta, otros artistas norteamericanos, como Andy Warhol (1928–1987),

Roy Lichtenstein (1923 – 1998) y Claes Oldenburg (nacido en 1929), empezaron a

inspirarse en los aspectos de “arte menor” de la vida contemporánea: publicidad,

embalaje, cómics y televisión. No es extraño que el pop empezara a manifestarse

en el diseño de objetos de uso cotidiano, ya que los diseñadores buscaban un

planteamiento con una base juvenil y menos serio que el buen diseño de los

cincuenta.

Jasper Johns (1930- )

El término “pop” fue acuñado en los años cincuenta para designar la emergencia de la cultura popular en esa década. En 1952 se fundó INDEPENDENT GROUP en Londres. Sus miembros, entre ellos los artistas Richard Hamilton (nacido en 1922), el escultor Eduardo Paolozzi (nacido en 1924), el crítico de diseño Reyner Banham (1920 – 1988) y los arquitectos Peter y Alison Smithson, fueron los primeros en explorar la expansión de la cultura popular en Estados Unidos.

El diseño pop tuvo una influencia de gran alcance y sentó uno de los cimientos del posmodernismo,

puesto que cuestionó los preceptos del buen diseño y, con ello, el movimiento moderno.

Roy Lichtenstein

Jasper Johns

A mediados de los años sesenta, se produce una crisis al diseño.

Movimiento POP

• Plástico

• Mercado joven, productos baratos y poca calidad

• Diseño radical

• Cuestiona los preceptos del buen diseño

“Úselo hoy, tírelo mañana”

Durante los años cincuenta dominó la estilización de los productos (en nombre de obsolescencia integrada para fomentar una mayor producción), lo cual proporcionó un término muy fértil a la actitud “úselo hoy, tírelo mañana” que impregnó la producción industrial de los años sesenta. La silla infantil BLOW de pvc de De Pas, D’Urbino Lomazzi, eran básicamente desechables y

encarnaban la extendida cultura de efímero.

silla infantil BLOW de pvc de De Pas, D’Urbino

Realizada en material plástico de pvc amarillo, transparente o rojo. Los jóvenes diseñadores que idearon esta pieza pretendeían romper con todas

las convenciones del mueble burgués y demostrar al mismo tiempo que el diseño era algo muy serio.

La firma Zanotta aceptó esta pieza que pasó a convertirse en un icono de los años 60.

Uno de esos elementos típicos de los años 60 fue la Blow Chair, diseñada en 1967 por Johnathan de

Pas, Donato Durbino, Paolo Lamazzi y Carlo Scolari. Está hecha de PVC transparente aunque posteriormente fue fabricada en múltiples colores,

siendo el amarillo uno de los más usuales. Los jóvenes diseñadores que hicieron esta silla querían

romper con el clasicismo del mueble burgués y hacer una silla divertida y versátil. Demostraron

que los jóvenes diseñadores tenían grandes ideas y convirtieron esta silla en un icono.

El aire es postmoderno Ínflate.

“Inflate” nace a fines de los 60’s con la silla Blow, ícono del diseño pop y primer mueble inflable

producido en serie. Una vez lanzado el soplido inicial, este tipo de productos continuó desarrollándose y

con mucho éxito. Barato, fácil de limpiar y brillante, colorido, juguetón, se deja estampar sin problemas.

En Inglaterra fue donde revivió. El responsable fue Nick Crosbie que, como estudiante de diseño

industrial, produjo prototipos pero sin el apoyo de las empresas, así decidió invertir en una máquina

selladora de pvc (plástico con el que se producen este tipo de objetos).

Lo mejor de Ínflate son sus estructuras auto portantes, más vinculadas a la arquitectura, donde se ven

resoluciones interesantes y, al aumentar las dimensiones, la falta de definición de la forma pierde peso. El

hit en esta área es la denominada oficina inflable, que se vende dentro de un balde.

Esta forma que adopta el diseño, tanto de objetos industriales como arquitectónicos, responde al

concepto de movilidad tan desarrollado en la arquitectura moderna.

Encontramos buena presentación, objetos “divertidos” aunque poco funcionales que generan una

atracción masiva. A pesar de que las estructuras espaciales tienen mayor riqueza formal y funcional,

estos otros parecen haber resuelto el problema de la tosquedad que brilla en los productos. Y lo mejor de

todo, crear un espacio etéreo.

La exitosa marca propone objetos industriales inflables, que van desde un portahuevos hasta una

enorme carpa.

Esta forma que adopta el diseño, tanto de objetos industriales como arquitectónicos, responde al

concepto de movilidad tan desarrollado en la arquitectura moderna.

Encontramos buena presentación, objetos “divertidos” aunque poco funcionales que generan una

atracción masiva.

Los años 60 ha sido la década más cool en cuanto a diseño se refiere, fueron diez años de inventos maravillosos como la minifalda, el Tupperware, los coches Mini... En decoración se marcaron grandes hitos y muchos de los diseños de entonces están muy cotizados ahora. Fue una decada con una explosión de creatividad increible y muchos de los fundamentos de entonces están de rabiosa actualidad ahora. La carrera espacial marcó el interiorismo y los muebles y objetos fueron

dotados de una forma espacial, futurista.

También lo hacían los cachivaches de corta vida, como los vestidos de papel, elogiados por su novedad en los numerosos suplementos a color y revistas de papel satinado que cada vez dependían más de la publicación de dichos artículos. Muchos artistas que usaban el lenguaje pop

elegían el plástico como material de trabajo.

Esta solución se llama Blow Sofá, y se trata de un sofá inflable que se compone de dos bolsas que forman un asiento y un respaldo. Ambas se apoyan en una estructura metálica y después se fijan rodeándolas con una correa y unas gomas.

En los años sesenta, las nuevas formas de plástico y de procesos de ajuste, como las molduras por inyección, eran cada vez más habituales y relativamente baratas. Los chillones colores de arco iris y las atrevidas formas asociadas al diseño pop barrieron los últimos vestigios de la austeridad de la posguerra y reflejaron el extendido optimismo de los sesenta, alentando por una prosperidad económica y una liberación sexual sin precedentes. Dado que el diseño pop iba dirigido a un mercado joven, los productos debían ser baratos y, a menudo, de poca calidad. No obstante, su prescindibilidad formaba parte de su atractivo, puesto que presentaban la antítesis de la

“intemporabilidad” de los clásicos modernos fomentados en los años cincuenta.

El diseño pop con sus asociaciones al antidiseño, contrarrestó el sobrio dictado dl movimiento moderno “menos es mas” y condujo directamente al diseño radical de los setenta. Se inspiraba en una gran variedad de fuentes (art nouveau, art decó, futurismo, surrealismo, pop art, psicodelia, misticismo oriental. Kitsch y space age) y recibió él estimulo del auge de los medios de comunicación globales. Con todo, la crisis del petróleo de comienzo de los setenta obligó a un enfoque más radical y el diseño pop fue sustituido por el Craft revival, por una parte y por el High Tech, por otra. El diseño pop tuvo una influencia de gran alcance y sentó uno de los cimientos del posmodernismo, puesto que cuestionó los proceptos del buen diseño y, con ello, el movimiento

moderno.

Realizado por Stiletto Studios, perteneciente al Antidiseño Alemán. Utilizan lo que encuentran a mano y lo que ha pasado la prueba del tiempo. No se preocupan por mejorar un producto, ni por su comercialización ni por su comodidad. Costumer`s rest nació en 1990, escogieron un objeto de uso diario (carrito de compras de supermercado) y modificaron su forma. Lleva con sigo una crítica social, ya que es un objeto con una clara representación del consumismo. Toman un objeto común y corriente y lo reinterpretan.

El diseño pop asociado al antidiseño, contrarrestó el sobrio dictado del movimiento moderno

“menos es mas” y condujo directamente al diseño radical de los setenta.

Se inspiraba en una gran variedad de fuentes (art nouveau, art decó, futurismo, surrealismo, pop art,

psicodelia, misticismo oriental. Kitsch y space age) y recibió él estimulo del auge de los medios de

comunicación globales.

Con todo, la crisis del petróleo de comienzo de los setenta obligó a un enfoque más radical y el

diseño pop fue sustituido por el Craft revival, por una parte y por el High Tech, por otra.

Craft revival. Los orígenes del craft revival se remontan a mediados el siglo XIX con la reivindicación de la conservación y la recuperación de la artesanía tradicional tras la industrialización sin p recedentes

de Gran Bretaña (art & craft).

Desde a mediados del siglo XX, cuando los procesos de fabricación ofrecían mayores posibilidades, el

diseño y la producción fueron distanciándose cada vez más y las técnicas artesanales terminaron

deteriorándose.

Para invertir esta tendencia John Makepeace y Wendell Castle, dos de las figuras más importantes del

Craft revival actual han conservado las técnicas artesanales para trabajar la madera a través de su

obra como diseñadores y sus escuelas de artesanía. Durante los años ochenta, el craft revival se

abrió paso estilísticamente con el posmodernismo, y algunos diseñadores como Fred Baier (nacido en

1949) combinaron el virtualismo técnico con formas extravagantes para crear objetos completamente

opuestos al “mobiliario para buenos ciudadanos” defendido por Morris y Ruskin.

Wendell Castle

John Makepeace

High Tech

El estilo High -Tech surgió en la arquitectura a mediada de los setenta, inspirada en el formalismo

geométrico del movimiento moderno y el diseño radical de Buckminster Fuller.

El High Tech es la corriente arquitectónica que se apoya en la Alta Tecnología para expresar su

imagen. Se refiere a los edificios que aplican las más avanzadas tecnologías en su construcción y

que las exponen y lucen como concepto estético.

Su utilitarismo contradecía los excesos del diseño pop. Liderado por arquitectos británicos como

Norman Foster, Richard Rogers y Michael Hopkins, que incorporaron elementos industriales sin adornos a

sus edificios, se introdujo en el interiorismo de los setenta.

Los interiores High – Tech empleaban equipos y accesorios utilitarios de uso industrial e institucional,

como carritos, suelos de goma, lámparas de pinza, estantes de cinc galvanizados y barras de andamio, y

combinaciones de colores primarios inspiradas en el De Stijl.

Buckminster Fuller

High Tech

Encuentra sus orígenes ideológicos en el Archigram. Llevando al extremo las teorías y el estilo de

sus predecesores (característica del nuevo movimiento).

La arquitectura futurista del Archigram utilizaba en sus extremos básicamente la misma tecnología

del acero, el vidrio y el concreto pero aplicadas de una manera diferente.

Centro Cultural Georges Pompidou Richard Rogers y Renzo Piano

La estructura, el esqueleto, se expone totalmente, y se desechan las paredes y las superficies

estéticamente pesadas.

La transparencia, muy presente en la arquitectura, se logra no sólo por medio del cristal, sino

también a través de otros recursos, como celosías de madera o de metal.

museo nacional de arte moderno - Paris

El edificio del Lloyds Bank, proyectado por Richard Rogers, se concluyó en 1986 y es un paradigma de la llamada arquitectura high-tech. Una de sus principales características es el empleo de elementos estructurales vistos, fabricados en acero (Londres

Domo geodesico

The Millennium Experience in London

Este estilo a fines de los setenta estaba decayendo y a comienzo de los ochenta fue finalmente

DESPLAZADO por el posmodernismo.

Higt Tech Significa, Alta tecnología y por ende la producción de elementos bajo el rótulo de Higt

Tech, incluidos los muebles, implica necesariamente el empleo de materiales de alta tecnología

transformados también a través de procesos de avanzada.

El segmento está muy relacionado con la capacidad industrial y desarrollo de materiales nuevos,

como pueden ser el hallazgo de un plástico de alta resistencia, que no cualquiera puede lograr, y

que aplicado en mobiliario hace el elemento High Tech.

Esto significa de paso que no estamos hablando de un estilo apuntando a las formas sino

más bien a un producto final reflejo de su proceso específico.

Con todo, la promoción del uso de componentes industriales inspiró a diseñadores británicos como Ron Arad y tom Dixon a la hora de crear a mediado de los ochenta, poéticos y originales diseños a

partir de materiales reciclados, como barras de andamios, asientos de coches y tapas metálicas.

Silla Lumbar

Una sofisticada silla ejecutiva que tiene muy en cuenta los detalles sin dejar de lado la comodidad y funcionalidad necesarias en los ambientes de la oficina moderna.

Reproduce la forma natural de la columna vertebral, asegurando el soporte lumbar y la

distribución apropiada del peso del cuerpo.

Ofrece una amplia variedad de opciones que se ajustan a las exigencias físicas y del entorno

laboral de cualquier persona.

Diseño Radical

Desde mediados de los sesenta, los diseñadores italianos se lanzaron a

"...una acción provocadora respecto al gusto dominante en el mercado de

los objetos de decoración". El diseño radical surgió en Italia a fines de los sesenta como reacción al buen diseño. Era similar al

antidiseño, pero más teórico, politizado y experimental, y pretendía alterar la percepción general de la

modernidad a través de propuestas y proyecciones utópicas.

Sus principales exponentes fueron los grupos de diseño y arquitectura SUPERSTUDIO, Alchimia,

ARCHIZOOM, UFO, GRUPPO STRUM, GRUPO 9999 y LIBIDARCH. Atacaban las nociones de lo que

constituía el “buen gusto” y cuestionaban la validez del racionalismo, de la tecnología avanzada,

y, ante todo, del consumismo.

Poéticos e irracionales a la vez, este tipo de diseño encarnaba la contracultura de fines de los años

sesenta pretendía destruir la hegemonía del lenguaje visual del movimiento moderno.

En 1973, miembros de varios grupos de diseño radical se reunieron en las oficinas de la revista Casabella, dirigida por Alejandro Mendini. La reunión dio como fruto la fundación de GLOBAL TOOLS en 1974, pero al cabo de un año, la escuela de arquitectura radical se disolvió y el debate sobre arquitectura y diseño radical perdió ímpetu. Al cuestionar el precepto del diseño, establecidos desde hacia tiempo, los diseñadores radicales como Andrea Branzi y Lapo Binazzi, asentaron los fundamentos teóricos para la evolución del posmodernismo a finales de los setenta y principios de

los ochenta.

FLOOR LAMP. ▪ "Gherpe" Design by Superstudio for Poltronova.1967.

Grupo Strumm 'Pratone' by derossi, ceretti, rosso manufacturer gufram italy, 1971

Superonda ARCHIZOOM

Superonda de Archizoom

(1966)

'mies' by archizoom

manufacturer poltronova

italy, 1969

Archizoom (1966) Archizoom

Andrea Branzi

Andrea Branzi Revers

Chair

Andrea Branzi e Archizoom

ANTIDISEÑO

Rechazando los preceptos racionales del movimiento moderno, el antidiseño pretende validar la

expresión creativa individual a través del diseño.

El antidiseño se convirtió en una fuerza de vanguardia a finales de los sesenta, cuando se formaron

varios grupos de diseño radical en Italia. Estos grupos consideraban que la modernidad ya no estaba

en sintonía con la vanguardia y que había dejado de ser una fuerza cultural impulsora, sometida a

los intereses industriales en la formula descaradamente comercial y consumista.

Radicalmente critico con la tecnología avanzada y el consumismo ya establecido en la sociedad, el

movimiento antidiseño defendía el diseño de evasión. Con sus provocadoras superestructuras intentaba

demostrar lo absurdo del racionalismo llevado al límite. La creación de la GLOBAL TOOLS en 1974, una

escuela de antiarquitectura y antidiseño, que buscaba nuevas técnicas no industriales para potenciar la

creación individual, marcó el fin de la etapa del antidiseño.

Nació a mediados de la década del 70, y se caracterizó por la utilización de materiales modernos, como plásticos de inyección. Partiendo de la tesis de que era preciso "liberar a la noción de diseño de todo vínculo disciplinar, atribuyéndole un valor absoluto y omnicomprensivo",

El antidiseño se convirtió en una fuerza de vanguardia a finales de los sesenta,

cuando se formaron varios grupos de diseño radical en Italia. Estos grupos

consideraban que la modernidad ya no estaba en sintonía con la vanguardia y que

había dejado de ser una fuerza cultural impulsora, sometida a los intereses

industriales en la estratagema descaradamente comercial y consumista.

Radicalmente critico con la tecnología avanzada y el consumismo ya establecido en

la sociedad, el movimiento antidiseño defendía el diseño de evasión. Con sus

provocadoras superestructuras intentaba demostrar lo absurdo del racionalismo

llevado al límite. La creación de la GLOBAL TOOLS en 1974, una escuela de

antiarquitectura y antidiseño, que buscaba nuevas técnicas no industriales para

potenciar la creación individual, marcó el fin de la etapa del antidiseño.

Mendini’s Mobile Infinito Series of 1981

STUDIO ALCHIMIA: Fundado en Milán en 1977 por el arquitecto

Alessandro Guerriero, el Studio tenía como objetivo ofrecer a los diseñadores una posibilidad de exponer

proyectos que no se habían destinado a la industria. Entre sus miembros se encontraban Alessandro

Mendini, Michele de Lucchi y Andrea Branzi.

Fue un impulso definitivo al movimiento radical italiano, que proponía un diseño caliente frente al diseño

frío del estilo Internacional.

Tomó la decoración y los objetos de la casa como excusas para celebrar la forma, para comunicar con

fuerza humor y, bienestar.

Los vanguardistas que podían permitirse ese lujo decoraban casas enteras con estos muebles

extravagantes, nada convencionales, plenos de una desbordante alegría infantil.

Sottsass y algunos diseñadores de su entorno consiguieron que el diseño italiano se convirtiera

en una especie de fuegos artificiales de ideas.

REPRESENTANTES

Alessandro Mendini

Diseñador creativo de objetos llenos de fascinación y emoción, considerado uno de los padres del

neomodernismo italiano, un provocador diseñador rico de inventiva.

Arquitecto y diseñador italiano, estudió arquitectura en el politécnico de Milán, doctorándose en

1959. Entre 1970 y 1976, redactor jefe de “Casabella”. Desde 1977 dirige la revista “Modo”;

paralelamente se integra a Studio Alquimia.

En una de estas exposiciones de Alchimia, Alessandro Mendini presentó en 1978- su silión Proust

y su sofá Kandissi, los primeros resultados de sus investigaciones sobre el kitsch y lo banal.

La multitud de manchas puntillistas que recubría su “Proust” se ha convertido en su marca

personal.

Alessandro Mendini dudaba de que fuera posible aún hacer un diseño moderno. Con su

re-diseño lleno de ironía, retorna los grandes productos clásicos de la historia del diseño.

Con banderitas y otros adornos les da una dimensión de kitsch. A su Mobile infinito le

negó una forma definitiva, al hacerlo modificable.

Michele de Lucchi:

Estudió Arquitectura en Florencia hasta 1975.

Después de trasladarse a Milán, tomó contacto

con Andirea Branzi, Alessandro Mendini y Ettore

Sottsass. Colaboró en el Studio Alchimia; desde

1981 es miembro del grupo Memphis.

Andrea Branzi

Estudió arquitectura en

Florencia Hasta 1966. Miembro fundador del grupo Archizoom , importante representante del diseño

radical. Trabajó para Alchimia y más tarde para Memphis. Para él el diseño debe cumplir ante todo una

función social y cultural. Pronuncia conferencias en todo el mundo.

“Los diseñadores radicales, no solo consiguieron imponerse ellos mismos, sino que estimularon a todo el

mundo del diseño, sacaron a la bella línea italiana del sopor de “bella durmiente en que había caído. Aún

cuando la industria del mueble echara dicterios sobre los productos “inútiles, feos, sin gusto”, por el

contrario, todos aprovecharon de ellos. Como una lluvia después de un largo periodo de sequía, comenzó

a florecer el diseño en todo el país o “explotó como una supernova”, como dijo Sottsass. Este

“llamamiento emocional” se extendió en todo el Diseño.”

POSTMODERNISMO

El posmodernismo surge a la emergencia del diseño pop y antidiseño. Durante la década del sesenta, se

discute el estado de todos los ámbitos de vida, incluso del diseño moderno.

Los primeros defensores del posmodernismo argumentaban que la adhesión al movimiento

moderno a la abstracción geométrica que negaba el ornamento y por tanto el simbolismo,

deshumanizaba y a la larga alienaba el diseño y la arquitectura

Diseñadores próximos al Studio Alchimia, como Alessandro Mendini y Ettore Sottsass, empezaron a

producir obras en el lenguaje posmoderno, con contenidos irónicos sobre el movimiento moderno a través

de la decoración aplicada.

Mas tarde, Memphis produjo monumentales y vistosos diseños “Neopop” que causaron gran conmoción

a nivel mundial. La obra de Memphis recibía una serie de influencias muy eclécticas y se burlaba

intencionalmente de la noción del “buen gusto” con laminados de plástico de motivos atrevidos y formas

estrafalarias. Memphis contribuyó significativamente a popularizar el antidiseño y, por tanto, a la

aceptación del posmodernismo como estilo internacional en los ochenta .

Los estilos posmodernos abrazaron el pluralismo cultural de la sociedad global contemporánea y

utilizaron un lenguaje de simbolismo compartido para trascender fronteras.

El carácter ecléctico del posmodernismo no solo refleja el dominio del individualismo sino también la

mayor fragmentación de la sociedad durante los años ochenta.

A finales de los ochenta el estilo se había diversificado más aun y engloba el, descontructivismo y

postindustrialismo.

En los noventa se motivó a los diseñadores a buscar enfoques menos expresivos y más racionales. EL

atractivo del posmodernismo empezó a desvanecerse. Las atractivas manifestaciones del antidiseño

de los ochenta han sido sustituidas por el silencioso minimalismo de los noventa, pero la influencia

del posmodernismo sigue viva, ya que al cuestionar el movimiento moderno ha causado una importante e

ininterrumpida revalorización de lo esencial en el diseño.

A mediados de los setenta, arquitectos americanos como Michael Graves empezaron a introducir motivos

decorativos en sus diseños, que a menudo hacían referencia a antiguos estilos decorativos y que solían

ser irónicos en su contenido.

Diseñadores próximos al Studio Alchimia, como Alessandro Mendini y Ettore Sottsass, empezaron a producir obras en el lenguaje posmoderno, con contenidos irónicos sobre el movimiento moderno a través de la decoración aplicada. Mas tarde, Memphis produjo monumentales y vistosos diseños “Neopop” que causaron gran conmoción a nivel mundial al ser expuestos por primera vez en 1981. La obra de Memphis recibía una serie de influencias muy eclécticas y se burlaba intencionalmente de la noción del “buen gusto” con laminados de plástico de motivos atrevidos y formas estrafalarias. Memphis contribuyó significativamente a popularizar el antidiseño y, por tanto, a la aceptación del posmodernismo como estilo internacional en los

ochenta.

Los estilos posmodernos abrazaron el pluralismo cultural de la sociedad global contemporánea y utilizaron un lenguaje de simbolismo compartido para trascender fronteras. Las formas y los motivos de “objetos simbólicos” no solo derivaron de objetos decorativos del pasado (clasicismo, art decó, constructivismo o de De stijl). A veces también hacían referencia al surrealismo, al kisch, y a la imaginaria informática. Alguno de los diseñadores mas destacados en (además de los ya mensionados) Mario Botta, Michele de Lucchi, Hans Hollien, Shiro Kuramata, Aldo Rossi, Peter Shire, George Sowden, Matheo Thun y Masadori Umeda. Sus atrevidos diseños para cerámica, tejidos joyas relojes, platería, mobiliario e iluminación se produjeron a escala limitada en empresas como Alessi, Artemide, poltronova y Sunar, entre otras.

Hans Hollein subrayó que, al rechazar el proceso industrial, los productos del posmodernismo serian invariablemente “asuntos de una elite” y que, como tal, presentaban el triunfo del capitalismo sobre la ideología social, base del movimiento moderno.

El carácter ecléctico del posmodernismo no solo refleja el dominio del individualismo sino también la mayor fragmentación de la sociedad durante los años ochenta. El Boom de la década, impulsado por los créditos, permitió que floreciera el antirracionalismo del posmodernismo. A finales de los ochenta el estilo se había diversificado más aun y engloba el Matt Blanck, descontructivismo y postindustrialismo. Sin embargo, la recepción de principio de los noventa motivó a los diseñadores a buscar enfoques menos expresivos y más racionales. EL atractivo del posmodernismo empezó a desvanecerse. Las atractivas manifestaciones del antidiseño de los ochenta han sido sustituidas por el silencioso minimalismo de los noventa, pero la influencia del posmodernismo sigue viva, ya que al cuestionar el movimiento moderno ha causado una importante

e ininterrumpida revalorización de lo esencial en el diseño.

La década de los ochenta se caracteriza por la eclosión de movimientos artísticos como la

transvanguardia italiana, el neoxpresionismo alemán, el New Spirit, los neo-románticos, etc.

Sin embargo, la crisis de interpretación artística es muy evidente, los artistas ya no proclaman

manifiestos y las vanguardias en el arte han desaparecido, por tanto se habla de crisis de la

modernidad y de un nuevo tiempo "el postmodernismo".

Esta nueva situación artística es corroborada por técnicos como D.Bell, A.Toffler, J.F.Lyotard y

los filósofos de la Escuela de Frankfurt y del llamado pensamiento negativo, todos proclaman la

crisis del sujeto y de la modernidad. A nivel artístico, los términos de cultura artística

postmoderna, pos vanguardia, parecen anunciar una nueva sensibilidad, acontecida por el fin

de la guerra fría, el derrumbamiento del régimen soviético, la caída del muro de Berlín (1989),

estos acontecimientos son el inicio de una nueva era, la era de la globalización y el

Neoliberalismo

El mundo postmoderno se puede diferenciar y dividir en dos grandes realidades: La realidad

históricosocial, y la realidad sociopsicologica

Características histórico-sociales

1-Las grandes instituciones, como la Iglesia, pierden influencia.

2-En contraposición con la Modernidad, la Postmodernidad es la época del desencanto. Se

renuncia a las utopías y a la idea de progreso.

3-Se produce un cambio en el orden económico capitalista, pasando de una economía de

producción hacia una economía del consumo.

4-Desaparecen las grandes figuras carismáticas, y surgen infinidad de pequeños ídolos que

duran hasta que surge algo mas novedoso y atrayente.

5-La revalorización de la naturaleza y la defensa del medio ambiente, se mezcla con la

compulsión al consumo.

6-Las medios y el marketing se convierten en centros de poder e influyen en diversos factores

como:

6.1-Que ya no importa el contenido del mensaje, sino la forma que es transmitido, y el grado de

convicción que pueda producir.

6.2-Desaparecen las ideologías como forma de elección de los líderes, y es reemplazada por la

imagen.

6.3-Se convierten en transmisoras de la verdad, lo que se expresa en el hecho de que lo que

no aparece por un medio de comunicación masiva, simplemente no existe para la sociedad.

6.4-Pero también aleja al receptor de la información recibida sacándole realidad y relevancia,

convirtiéndola en mero entretenimiento.

6.5-Se pierde la intimidad y la vida de los demás se convierten en un show.

Características sociopsicológicas

1-Los individuos solo quieren vivir el presente, el futuro y el pasado pierden importancia

2-Hay una búsqueda del inmediato

3-Se caracteriza por el proceso de pérdida de la personalidad individual.

4-La única revolución que en individuo está dispuesto a llevar a cabo es la interior.

5-Se hace culto al cuerpo y la liberación personal.

6-Se vuelve a lo místico como justificación de sucesos.

7-Perdidas de fe en la razón y la ciencia, pero en contrapartida se hace culto a la tecnología.

8-El hombre basa su existencia en el relativismo y la pluralidad de opciones, al igual que un

subjetivismo en la mirada de la realidad.

9-Perdida de fe en el poder público.

10-Perdida de preocupación ante la injusticia:

11-Desaparición de idealismos.

12-Perdida de la ambición personal de auto superación.

13-Desaparición de la valorización del esfuerzo.

Fue a finales de los 70 y principios de los 80 cuando surgió el diseño postmodernista, sus

impulsores y máximo exponente fue el grupo Memphis y el estudio Alchimia bajo la dirección

de Alessandro Mendini.

Sin duda alguna el grupo de diseño Memphis es el más importante de la década de los 80,

referente en la historia del diseño, innovaron con nuevos materiales y fue gracias a Ettore

Sottsass que fue quien formo el grupo. Sottsass se inicio en 1947 como arquitecto abriendo su

propio estudio en Milán, en 1957 asesora al departamento de diseño de la firma Olivetti, sobre

todo realizando el mobiliario y accesorios de oficina. En 1979 expone sus obras con el grupo

radical Studio Alchimia, que abandona en 1980 para formar "Sottsass Associatti". Un año mas

tarde se rodea de un grupo internacional de arquitectos y diseñadores que trabajaban en todos

los campos del interiorismo:

mobiliario, tejidos, cerámica, etc...Había nacido el grupo Memphis.

Memphis

Entre los diseñadores que componian el grupo podemos mencionar a Peter Shire,

Michael Graves, Andrea Branzi, Martine Bedin, George Soweden, Javier Mariscal,

Michele de Luchi y Mateo Thun.

Memphis se presenta oficialmente en 1981 en la Feria del mueble de Milán,

cosechando un gran éxito, el colectivo se inspira de una gran cantidad de fuentes y

estilos a la hora de realizar sus obras, desde influencias clásicas hasta el Ktsch y el

neopop, desde lo creado por la mano del hombre hasta lo natural, pero su

característica principal es el gran uso del color, variedad, tonalidades atrevidas,

todo resulta innovador, se pretende resaltar el significado del objeto frente a su

función, este nuevo estilo fue muy polémico pero acabo cosechando un gran éxito

comercial, sus formas geométricas y estrafalarias, con sus motivos atrevidos se

burlaba de lo correctamente establecido.

Esta revolución de ideas no podía durar mucho tiempo y el grupo bandera del

postmodernismo agoto sus ideas, desapareciendo en 1988.

POSTINDUSTRIALISMO

El postindustrialismo es un planteamiento postmoderno del diseño en el que los objetos diseñados se

producen al margen de la corriente industrial.

A fines de los setenta y durante los ochenta, las economías occidentales pasaron a depender menos de la industria y a basarse más en los servicios. Muchos diseñadores empezaron a crear diseños únicos o en ediciones limitadas que reflejaba el carácter postindustrial del periodo y permitían a los diseñadores explorar con más libertad su creatividad individual, libres de

restricciones del proceso industrial.

Diseñadores como Ron Arad y Tom Dixon construían artefactos improvisados, consistentemente

distanciados de la precisión de los productos industriales estandarizados. Arad proclamó la noción de

“arte usable” y, como tal, dio lugar a una nueva práctica de diseño, experimental y poética a la vez.

Ron Arad

Ron Arad

Ron Arad

Tom Dixon

Chair designed by Tom Dixon Tom Dixon

Tom Dixon

DESCONSTRUCTIVISMO

Se trata de un movimiento vinculado al postmodernismo, puesto que también cuestiona las premisas

tradicionales de la modernidad. Sin embargo, a diferencia de este, rechaza el historicismo y la

ornamentación.

.

Estilísticamente e incluso filosóficamente

similar al constructivismo ruso de los años

veinte.

Por su carácter básicamente antirradical, del decontructivismo está asociado al antidiseño y ha

ejercido un escaso impacto en el diseño de productos, con excepciones como la radio in a bag de

Daniel Weil (1981- 1983), que al dejar sus componentes a la vista contrarresta las formas

tradicionales y reconstruía la lógica del diseño convencional.

radio in a bag de Daniel Weil (1981- 1983)

SOFT DESIGN

A mediados de los años ochenta se acuñó el término soft -tech o soft-design para describir

productos con formas escultóricas redondeadas o “blandas”.

Una de las primeras manifestaciones fue el equipo electrónico de consumo, sobre todo los productos

SHARP y YAMAHA.

Estos diseños posmodernos se oponían al racionalismo y a las buenas formas dominantes promovidos por fabricantes como BANG & OLUFSEN y en su lugar se inspiraban en estilos de época, especialmente biomorfismo de los años cincuenta. Este tipo de estilismo retro estadounidense se convirtió en un fenómeno generalizado en la segunda mitad de los años ochenta. Sin embargo, a principio de los noventa dio paso a un enfoque más reflexivo, orgánico y

holístico.

El diseño blando, como se denominó este nuevo enfoque, que Ross Lovegrove describió como “un

nuevo naturalismo”, era emocional, gestual y antropocéntrico. Es significativo que la industria

automovilística fuera una de las primeras en adoptar esta nueva tendencia, como demostraron los

automóviles TWINGO de RENAULT (1992) y MICRA de NISSAN (1992).

El surgimiento del diseño blando se atribuye a varios factores:

• el rechazo total, a fines de los ochenta del funcionalismo de estilo BAUHAUS

• el perfeccionamiento de la aplicación de datos ergonómicos,

• la realización de formas curvas mas complejas, posibles gracias a programas avanzados

de CAD/CAM,

• y la disponibilidad de nuevos materiales, sobre todo tecno–polimeros, que ofrecían a los

productos una mayor tactilidad potencial.

A fines de los noventa las formas blandas

hicieron avances significativos no solo en el

sector automovilístico, sino también en la

práctica habitual del diseño.

El diseño blando se suele utilizar con fines estéticos y no debería confundirse con esencialismo orgánico, ya que, aunque guardan un parecido visual notable, el primero se rige solamente por criterios estéticos.

Ross Lovegrove

Ross Lovegrove

Diseño orgánico.

El diseño orgánico es un enfoque holístico y humanizador del diseño. Este movimiento comenzó a fines

del siglo XIX y tuvo un largo desarrollo hasta los años sesenta. Dentro de este movimiento han existido

unos de los más recordados y premiados muebles del siglo XX, en los que destacamos los diseños de

Eero Saarinen y Charles Eeames, destacados diseñadores del siglo XX. Sus sillones fueron

revolucionarios, no solo por la tecnología de punta utilizada, sino también por el concepto de contacto y

soporte continuos, promovido por formas orgánicas ergonómicas y refinadas en su estructura.

George Nelson

Eero Saarinen

Charles Eeames

Estos diseños, enormemente influyentes, trazaron una nueva dirección en la creación de mobiliario, ya que impulsaron los intentos de conseguir la unidad orgánica estructural, material y funcional del

diseño, y tuvieron obras tan representativas como las si llas de contra chapado de Ray y Charles

Eames.

Eero Saarinen - Tulip Chair

Coconut Chair' by George

Nelson

'Swan Chair' by Arne

Jacobsen

Charles Eeames

A principios de los noventa, impulsado por un mayor crecimiento de la ergonomía y la antropometría y por los avances en e diseño y la creación por computador el diseño orgánico emergió con más fuerza que nunca. Tal y como hicieron Eames y Saarinen, los dis eñadores industriales más innovadores de la actualidad, como Ross Lovegrove, quien desarrolla varios diseños orgánicos desmaterialistas a través de aplicación novedosas de materiales y técnicas industriales de alta

tecnología.

Sí bien el diseño orgánico esta tradicionalmente asociado con materiales naturales, irónicamente es

plástico (lo último en materiales sintéticos) los que mejor expresan la esencia abstracta de la naturaleza y

maximizan las conexiones funcionales a través de las formas orgánicas que más se adaptan a la

morfología humana.

Sin embargo, el diseño orgánico expresa toda su fuerza cuando su persuasivo vocabulario formal

conecta con nosotros de manera subliminal apelando directamente a nuestro sentido primigenio

de la belleza natural.

El éxito del diseño orgánico en los años de posguerra influyó estilísticamente en el nacimiento del

biomorfismo y continuo inspirando a los diseñadores de los sesenta y setenta, como Maurice Calka,

Pierre Paulin y Olivier Mourgue en la creación de formas altamente estructurales en el lenguaje

orgánico.

Maurice Calka

Pierre Paulin

Pierre Paulin

Olivier Mourgue

DISEÑO ECOLOGICO

Los objetivos principales del diseño ecológico son minimizar los residuos y reducir la producción de

energía y materiales en nuestra sociedad para ajustarlos a niveles sostenibles. En sus inicios, su defensor

mas celebre fue Richard Buckminster Fuller, que promovió en los años veinte una “ciencia del

diseño” basada en la idea de ofrecer “lo máximo, con lo mínimo”. Fue el, quien en los años cincuenta

acuñó el termino “Speaceship earth”, lo que contribuyó a que la gente pensara en el planeta de un modo

mas holístico. Vance Packard otro de los autores y teóricos que han contribuido a la difusión de un

conocimiento más profundo del diseño ecológico, escribió el libro “los artífices del derroche” (1961), que

condenaba especialmente la practica de la obsolencia planificada (productos desechables), y Victor

Papanek, autor de “diseñar para el mundo real” (1971), que asociaba la conciencia ecológica al proceso

de diseño radicales que respetara el medio ambiente.

Estas ideas fueron muy populares en los setenta, cuando la crisis del petróleo incrementó la

preocupación por el carácter limitado de los recursos naturales de la tierra.

En los años ochenta, varios desastres ecológicos provocados por errores humanos, junto a la idea

cada vez mas patente de la industrialización contribuía al calentamiento del planeta, destacaron la

necesidad urgente de un diseño ecológico.

En este tipo de diseño, también llamado diseño verde, se tiene en cuenta el ciclo completo de vida

del producto: la extracción de materias primas y el impacto ecológico de su procesamiento, la energía

consumida en el proceso de fabricación, la generación de subproductos negativos, la energía requerida

para su distribución y el impacto de esta, la duración de la vida útil del producto, la recuperac ión de los

componentes y la eficacia del reciclaje, y los efectos de los residuos en el medio ambiente, por ejemplo al

acumularse en vertederos o al incinerarse.

Aunque el reciclaje puede reducir el

consumo de energía, no lo minimiza y en cierto modo puede considerarse que en realidad perpetúa la

cultura de los residuos. Por el contrario, una mayor duración de los productos minimiza tanto los residuos

como el consumo de energía; al duplicar la vida útil de un producto, su impacto en el medio ambiente se

reduce a la mitad.

El esencialismo

Es un enfoque del diseño que se ocupa de la organización lógica de aquellos elementos totalmente

necesarios para la realización de un objetivo concreto. En este sentido, el esencialismo se basa en un

concepto moderno: obtener el máximo a través de lo mínimo. Se trata de una corriente bastante próxima

al diseño ecológico.

El origen del esencialismo se remonta a la ciencia del diseño DYMAXION (dinámica + máxima eficacia)

que promovió Richard Buckminster Fuller en los años veinte y sus innovadores proyectos subsiguientes

basados en el uso de la mínima cantidad de energía y materiales.

El esencialismo, visto como una evolución del movimiento moderno, puede adoptar tanto formas geométricas como orgánicas; no existe un estilo definido. El diseño de Dieter Rams, por ejemplo, no posee las mismas cualidades estéticas que un diseño de Charles Eames, pero ambos pueden considerarse modernos y completamente esencialistas. Algunos diseñadores industriales contemporáneos, como Jasper Morrison y Konstanin Grcic, adopta una perspectiva prácticamente utilitaria al diseñar productos esencialistas de gran pureza estética. Otros, como Harri Koskinen, se interesan por paradigmas regionales de características inherentes esencialistas y los interpretan de

forma actual.

El escencialismo ha caracterizado el trabajo de muchos de los principales diseñadores indu striales del

siglo XX, aunque el vocabulario formal de sus diseños ha variado frecuentemente de forma considerable.

El esencialismo, visto como una evolución del movimiento moderno, puede adoptar tanto formas

geométricas como orgánicas; no existe un esti lo definido. El diseño de Dieter Rams, por ejemplo, no

posee las mismas cualidades estéticas que un diseño de Charles Eames, pero ambos pueden

considerarse modernos y completamente esencialistas. Algunos diseñadores industriales

contemporáneos, como Jasper Morrison y Konstanin Grcic, adopta una perspectiva prácticamente

utilitaria al diseñar productos esencialistas de gran pureza estética.

El esencialismo, esta cada vez más ligado al diseño orgánico y a un nuevo naturalismo formal, como se

puede ver en la obra de Ross Lovegrove.

El esencialismo, requiere un conocimiento profundo de la estructura, la naturaleza de los materiales y las

técnicas industriales, es sin duda el enfoque mas adecuado para el siglo XXI.

Diseño retro

El termino diseño retro se utilizó por primera vez a mediado de los años sesenta en referencia a la

tendencia del diseño popular a adoptar estilos de otras épocas.

En los años sesenta y a comienzo de los setenta existió un inmenso renacimiento del interé s por el arte

victoriano y el art nouveau. Por ejemplo, la tipografía de feria victoriana se utilizó mucho en los carteles

pop y en las portadas de discos.

Muchos diseñadores en este movimiento buscaban inspiración en los productos KISCH de los

años cincuenta, lo que hizo surgir multitud de productos del diseño retro, como radios de colores

papel y muebles asimétricos con patas largas y estrechas.

La fascinación por el estilo de los años cincuenta continuó hasta entrados los años noventa, y en 1991

NISSAN lanzó al mercado su automóvil FIGARO, de edición limitada. Este diminuto vehículo es una

representación casi propia del comic del diseño de los años cincuenta, mientras que la motocicleta

ROYAL STAR diseñada por GK DESIGN para YAMAHA es una interpretación más directa del estilo de la

época. Más recientemente, JAGUAR, BMW y CHRYSLER también han diseñado vehículos con diseños

claramente retro.

Actualmente este campo, un gran negocio supone la combinación del estilismo antiguo con tecnología de

punta para fabricar productos híbridos de un buen funcionamiento y fuerte personalidad.

¡¡SUERTE!!