XIVTEMPORADADEGRANDESCONCIERTOS

2008/2009

lunes, 15 de diciembre de 2008 • 20,15 horas

orquesta de cámaradel conservatorio superiorde música de aragón«camerata aragón»Rolando Prusak director/concertinoStefano Canuti fagotWenzel Fuchs clarinete

orquesta de cámaradel conservatorio superior

de música de aragón«camerata aragón»

El Conservatorio Superior de Música de Aragón (CSMA) es el resulta-

do de la decidida apuesta del Gobierno de Aragón por el Conservatorio

Superior, que en el año 2002 supuso el inicio de un nuevo proyecto real-

mente ambicioso e innovador.

La orientación del CSMA es, desde entonces, marcadamente instrumen-

tal: tiene como objetivo prioritario la formación de instrumentistas y

agrupaciones del mas alto nivel de excelencia, labor que es encomenda-

da a profesores de reconocido prestigio, que son los que actualmente

forman la plantilla del CSMA, aunque es obligado señalar que el Con-

servatorio cuenta también con el Departamento de Composición más

importante de España.

A pesar de ser un proyecto joven, el CSMA es considerado ya en este

momento un centro de referencia para los estudios musicales superio-

res en España.

El reconocimiento a la labor del Conservatorio en estos años no solo se

ha producido en los sectores que tienen que ver directamente con la

enseñanza, sino que proviene también del de los profesionales de pres-

tigio que desarrollan su carrera tanto en España como fuera del país. El

CSMA puede considerarse un centro de alto rendimiento, lo que entre

otras cosas garantiza el nivel cualitativo de sus formaciones orquestales

representativas: la Orquesta Sinfónica, la Orquesta de Cámara y la

Banda Sinfónica, mereciendo también especial mención la alta calidad

de las creaciones musicales que surgen de las aulas de Composición.

El CSMA aspiró, desde el principio de su nuevo proyecto, a que sus for-

maciones fueran consiguiendo un espacio en los ámbitos cultural y

social, contribuyendo activamente a su desarrollo. Desde hace cinco

años ha sido habitual la participación de las tres formaciones orquesta-

les representativas del CSMA en los importantes Ciclos que programa el

Auditorio de Zaragoza en su temporada de conciertos, compartiendo

siempre programación con orquestas de prestigio internacional.

A tenor de esto, puede decirse que a pesar de que la Comunidad de

Aragón, a diferencia del resto de las Comunidades españolas, como

Cataluña, País Vasco, etc, no tiene una joven orquesta representativa,

realmente tiene dos, ya que tanto la Orquesta Sinfónica como la Orques-

ta de Cámara del CSMA cumplen con creces este papel en Aragón; tam-

bién lo hace su Banda Sinfónica. Una prueba de esta valoración, en este

caso a nivel nacional, son las invitaciones que tanto la Orquesta Sinfó-

nica como la Orquesta de Cámara han recibido para participar esta tem-

porada en el Auditorio Nacional, en sendos Ciclos donde se van a dar

cita las jóvenes orquestas representativas de las distintas Comunidades

españolas consideradas más importantes. En esta misma línea de valo-

ración, la Orquesta de Cámara va a actuar también en este mes de

diciembre en otra de las salas más relevantes de nuestro país, el Audi-

torio de Barcelona, en un importante Ciclo de Música de Cámara al que

ha sido también invitada.

Por otro lado, la valoración del CSMA en estos momentos empieza a ser

asimismo equiparable a cualquiera de los centros superiores más reco-

nocidos de Europa. De ahí la invitación recibida en este caso para par-

ticipar dentro de un Ciclo de Jóvenes Orquestas europeas que tendrá

lugar en la ciudad de Milán, para el que el CSMA ha sido elegido junto

a otros centros superiores tan reconocidos, como son por ejemplo los de

París, Viena y Milán. La representatividad la ostentará en este caso la

Orquesta Sinfónica.

El hecho de que las formaciones representativas del CSMA estén al

nivel de las jóvenes orquestas más reconocidas del país exige una valo-

ración añadida, pues mientras estas orquestas se nutren con jóvenes del

resto del España, el CSMA es en este aspecto autosuficiente, ya que

todos los componentes de sus formaciones son actualmente estudiantes

del propio centro. Incluso el CSMA puede permitirse en estos momen-

tos tener plantillas distintas para formar sus dos Orquestas, la Sinfóni-

ca y la de Cámara.

No obstante, con respecto a los logros conseguidos hasta la fecha, el

CSMA está todavía en pleno desarrollo. Hace dos cursos, el Centro

empezó a ofertar estudios para postgraduados. Esto ha supuesto la

incorporación en este tiempo de un número importante de profesores

de extraordinario prestigio que, sumándose a los que ya había, ha ser-

vido para incrementar todavía más el nivel de calidad del Centro. Son

todos figuras de referencia mundial en sus respectivos instrumentos,

algunos solistas y otros primeros atriles de las más importantes orques-

tas europeas: London Simphony Orchestra, Orquesta de Cadaqués,

Filarmónica de Berlín, Concertgebouw de Ámsterdam, Sinfónica de la

Radio Baviera… Por otra parte, es necesario resaltar, como una de las

notas diferenciadoras del CSMA, la incidencia de estos profesores en el

nivel de grado, ya que parte de su tiempo lo dedican también a la aten-

ción de estudiantes de ese nivel (individual o/y colectivamente), algo

absolutamente inusual en los centros de enseñanza superior. Estos pro-

fesores se convierten así en los mejores embajadores del proyecto del

CSMA en Europa, lo que contribuye de manera directa y natural a con-

vertirlo en un Centro de referencia también en el ámbito internacional.

Otra nota diferenciadora es la presentación de estos profesores al públi-

co a través de su participación como solistas con las Orquestas del

CSMA, lo que se ha hecho habitual en sus programaciones y de mane-

ra destacada con la Orquesta de Cámara. Actuaron hasta ahora Nicolás

Chumachenco (violín), Franco Petracci (contrabajo), Stefano Canuti

(fagot), Peter-Lukas Graf (flauta), Lucas Macías (oboe) y Eric Terwilli-

ger (trompa). Son todos referentes europeos en sus instrumentos. Hoy

lo hará de nuevo Stefano Canuti y, por primera vez, Wenzel Fuchs.

Una de las aspiraciones importantes de la Orquesta de Cámara, como la

del resto de formaciones orquestales del Conservatorio, fue desde el

principio llegar a convertirse en ese referente de calidad que, como el

Conservatorio, ya ha empezado a ser en su caso en el ámbito de las jóve-

nes orquestas de España. El siguiente objetivo es, también como el del

CSMA, serlo en el ámbito europeo en un futuro muy próximo.

ORQUESTA PATROCINADA POR

Rolando Prusakdirector/concertino

Rolando Prusak realiza su formación en Buenos Aires con el profesor

Ljerko Spiller. Desde muy joven fue galardonado con diferentes pre-

mios y fue becado por distintas entidades, entre ellas la Fundación

Wagneriana de Buenos Aires y la Fundación Antorchas. En 1980 recibe

una beca concedida por la International Menuhin Academy en Gstaad

(Suiza), donde estudia Violín, Viola y Música de Cámara con los profe-

sores Alberto Lysy, Sándor Vegh, Yehudi Menuhin, Felix Andreievsky,

Ana Chumachenco y Robert Masters. Asimismo, realiza estudios de

postgrado en la Musikhochschule de Friburgo (Alemania), con el maes-

tro Nicolás Chumachenco.

Rolando Prusak ha tocado como solista con prestigiosas orquestas de

Argentina, Uruguay, Francia, Suiza y Alemania, y como músico de

cámara en las siguientes salas: Kennedy Center de Washington, Rocke-

feller University de Nueva York, Sala Tchaikovski de Moscú, Queen Eli-

zabeth Hall de Londres, Palacio Wallenstein de Praga, Herkulessaal der

Residenz de Múnich, Teatro Colón de Buenos Aires, Kömische Stadt

Oper de Berlín, Teatro de Kiev, Bratislava Teatras, Auditorio Nacional

de España, etc. También ha participado en numerosos festivales, entre

ellos los de Montreux, Assisi, Gstaad, Engadin, Estoril y Edimburgo. Ha

sido solista de la Camerata Lysy Gstaad y fue miembro de la Camerata

Bariloche, así como del Cuarteto Brahms de Buenos Aires. También

ocupó la plaza de concertino de la Neues Orchester Basel y es integran-

te de numerosas formaciones dedicadas a la música contemporánea y a

la música de cámara.

Durante muchos años ha sido preparador y responsable musical del

grupo de cuerdas de la Orquesta de las Tres Naciones (Francia, Alema-

nia y Suiza) y Director de la Orquesta Juvenil de Südliche Breisgau

(Alemania). Asimismo, es invitado habitualmente a dictar cursos de

Violín y Música de Cámara en diversos marcos y ciudades de Europa y

Latinoamérica.

Rolando Prusak fue catedrático de Violín en el Conservatorio Nacional

de Música de Buenos Aires antes de que entre los años 1996 y 2002 lo

fuera de la Musikhochschule de Friburgo (Alemania).

Desde el curso 2002/2003, y paralelamente a su actividad artística, ejer-

ce como profesor ocupando una de las cátedras de Violín en el Conser-

vatorio Superior de Música de Aragón, siendo el Director/concertino

de su Orquesta de Cámara («Camerata Aragón»).

Stefano Canutifagot

Nació en Parma (Italia), en 1961, y se familiarizó con la música a la edad

de 9 años, gracias al estudio de la Guitarra Clásica. No fue hasta los 16

cuando empezó a estudiar Fagot.

Después de cinco años de estudios se graduó con la más alta calificación

gracias a las inestimables enseñanzas de O. Danzi. Stefano inmediata-

mente comenzó a colaborar como primer fagot con la Orquesta Maggio

Musicale Fiorentino, y poco después con la Orquesta de la RAI de

Turín.

Su incansable energía y el rechazo de la rutina lo han llevado a empren-

der nuevas y estimulantes experiencias en la música de cámara y tocan-

do como solista, y pronto se convirtieron en las causas que lo llevaban

a la música. Estas experiencias lo han llevado a tocar en las más impor-

tantes salas de conciertos del mundo: en Europa (Fráncfort, Milán,

Viena, Londres, Manchester, Ámsterdam…), en EE. UU. (Chicago, Min-

neápolis, Bloomington, Phoenix…), en Sudamérica (Buenos Aires y

Caracas), Canadá (Banff), y también en la República Popular de China

(Pekín y Shanghái).

Como solista, Stefano tiene varias grabaciones en su haber, algunas de

las cuales («Fantasie di Bravura» y «Bassoon Images») han recibido

grandes críticas y premios.

Para el 25º aniversario de la International Double Reed Society (IDRS)

fue invitado, junto con S. Azzolini y como únicos artistas europeos, a

participar en la realización de la grabación del cedé conmemorativo con

los duetos de Gebauer sobre «El Barbero de Sevilla».

Su deseo de tocar música sinfónica y su madurez artística lo han lleva-

do a las secciones de grandes orquestas. Stefano colaboró como fagot

solista con la Orquesta de Cámara Mahler, dirigida por Claudio Abba-

do, y con la Symphonica Toscanini, de la que es director Lorin Maazel.

También ofrece su enseñanza en toda Europa, EE. UU., Sudamérica y en

la República Popular de China, impartiendo actualmente clases magis-

trales con el título de «Presidente de Fagot» en el Conservatorio de

Música «Campiani» di Mantova.

Además, varios de sus estudiantes procedentes de diversos países (EE.

UU., Australia, Inglaterra, Finlandia, Portugal y Sudamérica) tienen

ahora puestos importantes en conocidas orquestas. En junio de 2003 fue

invitado por José Antonio Abreu, como profesor de Fagot avanzado

para la «Fundación del Estado para el Sistema Nacional de las Orques-

tas Juveniles e Infantiles de Venezuela», y en 2006 fue nombrado profe-

sor en el Royal Northern College of Music en Manchester.

En la actualidad es profesor del Conservatorio Superior de Música de

Aragón, donde imparte clases de Fagot en los niveles de Grado y Post-

grado.

Cuando la enseñanza y sus conciertos se lo permiten, Stefano se sienta

sobre su amada moto para darse una vuelta por sus preciosas colinas.

Wenzel Fuchsclarinete

Wenzel Fuchs nació en Innsbruck (Austria). Proviene de una familia y

entorno de gran tradición musical, y desde pequeño participó con el cla-

rinete en diversas agrupaciones musicales.

Después de los primeros estudios en Kitzbühel e Innsbruck ingresó en

la Universidad de Música de Viena. Su carrera como solista se inició

en la Wiener Volksoper, siendo luego solista de la ORF-Sinfonieor-

chester y desde 1993 es solista de clarinete de la Orquesta Filarmóni-

ca de Berlín.

Paralelamente a su trabajo en la Orquesta, Wenzel Fuchs desarrolla

una intensa actividad como solista y músico de cámara en distintas for-

maciones: Philharmonischen Bläserensemble, Philharmonischen Blä-

sersolisten, Philharmonischen Oktett y Philharmonischen Freunden

Wien-Berlin.

Asimismo, es profesor en la Academia de la Orquesta Filarmónica de

Berlín, profesor del Conservatorio Superior de Música «Hans Eisler» de

Berlín, profesor invitado de la Sakuyou-Univerity de Okayama (Japón),

así como profesor honorífico en el Conservatorio de Shanghái.

Desde el curso 2007/2008 es profesor de postgrado de Clarinete del

Conservatorio Superior de Música de Aragón en Zaragoza, donde

atiende también a los estudiantes del nivel de Grado.

ComponentesPRIMEROS VIOLINES

Víctor Martínez Nora María Lastre

Elisa Martínez Elisa Ferrer Ana Albero

SEGUNDOS VIOLINES

Roldán BernabéCésar SánchezSusana GallegoRita Perandrés

Elena NuñoCristina Armada

VIOLAS

David Tejeda Lara Fernández

Germán de Eván Marta Pérez

VIOLONCELLOS

David BaronaAymara López

Eva OteroMarta Mulero

CONTRABAJOS

Héctor SapiñaAntonio Ibáñez

FLAUTAS

Francisco LópezAna Naranjo

FAGOTES

María José GarcíaAna Herrero

TROMPAS

Francisco GómezJonatan Fernández

CLAVICÉMBALO

Gorka Gómez

Rolando Prusak director/concertino

Stefano Canuti fagot

Wenzel Fuchs clarinete

e

A. Vivaldi: Concierto en la mayor F. XI n.º 4 para cuerdas y clave

Creador prolífico como pocos, Antonio Vivaldi compuso casi medio centenarde concerti ripieni, es decir, conciertos para orquesta de cuerdas sin instrumen-tos solistas; un género que había sido muy solicitado en Italia, sobre todo afinales del siglo XVII, cuando el músico veneciano se disponía a iniciar suandadura creadora. Según Heller, los concerti ripieni vivaldianos correspondena una etapa tardía en la historia, relativamente corta, del género. El concerto aquattro o concerto ripieno, como el propio Vivaldi denomina los autógrafos desus conciertos RV 115, RV 152 o RV 158 (el que hoy escuchamos, catalogadopor Antonio Fanna como F. XI n.º 4) continúa una tradición que en la Italiabarroca contaba con colecciones tan estimables como las Opus V (1698) y VI(1700) de Torelli, las Opus II (1700) y VII (1715) de Albinoni o la Opus II deDall’Abaco (1712), todas ellas probablemente conocidas por el Prete Rosso.

El concerto ripieno vivaldiano –basado en el equilibrio de las cuatro partesorquestales (violines I y II, violas y bajo continuo)– constituyó un campo idó-neo para la experimentación. Su perfil sinfónico, en contraposición al concier-to con solista, supone en muchos casos un verdadero antecedente de la sinfo-nía clásica. El ritornello, la fuga, la variación, la forma unitaria (frecuente en losmovimientos lentos intermedios) y la forma bipartita (usual en los movimien-tos rápidos finales) son las fórmulas constructivas habituales adoptadas porVivaldi en sus sinfonías y conciertos sin solista.

El Concierto en La mayor, RV 158 es una página de escritura brillante cuyaestructura ternaria tradicional combina detalles contrapuntísticos con desarro-llos motívicos que prefiguran la forma sonata clásica, como es el caso de sufinale bipartito.

H. Villa-Lobos: Ciranda das sete notas para fagot y cuerdas

El oceánico legado compositivo del brasileño Heitor Villa-Lobos es particular-mente rico en páginas concertantes. A los cinco conciertos para piano, dos paravioloncello y los dedicados a instrumentos como la guitarra, el arpa o la armó-nica, han de añadirse tres Fantasías para violín, violoncello y saxofón e Intro-duçao aos chôros para guitarra, así como numerosas páginas para piano yorquesta, entre las que se cuentan la juvenil Suite, Chôros n.º 11, Momoprecoce yBachianas brasileiras n.º 3, además de Chôros n.º 11 para dos pianos.

Comentarios al programa

Ciranda das sete notas, fantasía para fagot y cuerdas, es página fruto del gustopor la experimentación tímbrica de que siempre hizo gala el incansable músi-co carioca. La partitura, fechada en 1933, se estructura en un único bloque deduración relativamente breve (apenas una decena de minutos), dividido envarias secciones encadenadas y su título alude a las siete notas de la escala dia-tónica. La tonalidad triunfante, en diversos pasajes, de do mayor permite con-siderar la obra, según Breier, como «una broma a cuenta de los estudios parapiano universalmente conocidos de Carl Czerny en esta tonalidad».

Los trazos irónicos o la alusión velada a los ritmos del folklore brasileño aso-man en una obra que, si bien pone a prueba las capacidades técnicas o mera-mente virtuosísticas del solista, tampoco desdeña episodios de singular melan-colía como el lamento del fagot en su registro agudo poco antes de laconclusión. Con Ciranda das sete notas Villa-Lobos contribuye, en todo caso, anutrir de modo significativo un repertorio (el de las páginas concertantes parafagot) particularmente exiguo.

W. A. Mozart: Concierto para clarinete en La mayor, KV 622

En 1789, Mozart esboza un concierto en Sol mayor para corno di bassetto–pariente próximo, y pronto olvidado, del clarinete actual– del que solo seconserva el manuscrito del incompleto primer movimiento (catalogado comoKV 621b). Dos años más tarde, el 7 de octubre de 1791 –el mismo de su tem-prana muerte– concluye Mozart el concierto que muchos consideran como elprimero y, a la vez, mejor de todos los escritos para clarinete, además del máspopular.

Tras el paréntesis estival de Praga, a donde el compositor había viajado juntoa su esposa Constanze y su alumno Süssmayer para la primera representaciónde La clemencia de Tito con motivo de la coronación del emperador Leopoldo II,Mozart compone en Viena la que será no solo su última partitura concertantesino también su última obra de gran formato enteramente concluida.

Destinado a su amigo y compañero de logia masónica Anton Stadler, a quienya había dedicado el Trío «de los bolos», KV 498 y el Quinteto con clarinete, KV 581, el Concierto para clarinete en La mayor explota al máximo las posibilida-des tímbricas del instrumento, un clarinete bassetto, de afinación y sonoridada medio camino entre el corno di bassetto y el clarinete actual. La versión defi-nitiva para este último instrumento ha de atribuirse al editor Sieber que, en1801, publicó la partitura en París. «Bastaría cotejar esta obra con composicio-nes afines de otro gran apasionado y maestro del clarinete, Carl Maria vonWeber, –recuerda Einstein– para percibir la diferencia entre la suprema efica-cia de la sencillez y el lucimiento puramente virtuosístico».

La delicadeza expresiva y asombrosa variedad del material melódico encauzanel fluido discurso del Allegro inicial, el movimiento más extenso de la obra,cuya pátina nostálgica le otorga una personalidad inconfundible. Emparenta-do con el Larghetto del Quinteto para clarinete, el Adagio central constituye elcorazón de la partitura; un instante de sublime serenidad en el que la sobera-na invención melódica mozartiana alcanza una de sus más altas cotas. El carác-ter danzante y sensual del Rondó-Allegro conclusivo aporta una nota de opti-mismo tras las frecuentes sombras insinuadas por las incursiones del solista ensu registro grave. Como apunta Dal Fabbro, esta obra «demuestra a la perfec-ción que, en vísperas de la muerte, la fantasía creadora de Mozart se estabaaprestando para emprender quién sabe qué caminos inimaginables».

F. Mendelssohn: Sinfonía para cuerdas n.º 10 en Si menor

Instigado por su maestro Carl Friedrich Zelter, Mendelssohn comenzó a com-poner en marzo de 1820. Tenía solo 11 años y en menos de 5 asimilará, comorecuerda Köhler, «toda la diversidad de formas y géneros de su época, el esti-lo clásico (entendido en el sentido del último Mozart), las estructuras polifóni-cas heredadas de Bach y las bases esenciales de la instrumentación contempo-ránea». Las trece sinfonías para cuerdas (1821-23), anteriores al ciclo oficial decinco en el que se enmarcan las famosas «Escocesa» e «Italiana», fueron interpre-tadas en los conciertos privados dominicales (Sonntagsmusiken) que el banque-ro Abraham Mendelssohn organizaba para su hijo en colaboración con la élitemusical berlinesa.

El modelo sobre el que trabaja el joven músico en estas pequeñas sinfonías noes el de Beethoven, ni tan siquiera el de Mozart o Haydn, sino el más antiguoen el que se inscriben las obras análogas de Graun, Georg Benda y, sobre todo,Carl Philipp Emanuel Bach. No es extraño que Zelter, gran estudioso y encen-dido admirador del segundo hijo de Bach, escogiera las obras de éste comomodelo a seguir en las clases de composición impartidas a su alumno. Por sifuera poco, la tía abuela de Mendelssohn, Sara Levy, había comprado a laviuda de Bach una parte de sus archivos musicales que más tarde regaló a susobrino nieto.

Compuesta entre el 13 y el 18 de mayo de 1823, la Sinfonía n.º 10 en Si menorconsta de un único movimiento; acaso el primero de una obra interrumpidaaquí o de la que, simplemente, se han extraviado los posteriores. La breveintroducción lenta, marcada Adagio, hace alusión a la obertura de Ifigenia enAulide de Gluck, autor querido por Mendelssohn. En el agitado Allegro subsi-guiente, cuyo modelo temático, según Ménétrier, podría ser Dussek, por enton-ces muy célebre en Berlín, el músico renuncia a los elementos contrapuntísti-cos presentes en otras páginas similares para tratar el material melódico a lamanera de Schubert en sus primeros ensayos sinfónicos.

E. Bloch: Nigun (Suite «Baal Shem») para violín y cuerdas

Las obras de inspiración judía constituyen una parte de trascendental impor-tancia dentro del amplio catálogo del músico suizo nacionalizado norteameri-cano Ernst Bloch. Destacan, entre ellas, páginas de configuración instrumen-tal y ambiciones muy diversas como los Tres poemas judíos para orquesta(1913), los Tres Salmos para voz y orquesta (1912-14), la Sinfonía n.º 2 «Israel»(1912-16), la famosa rapsodia para violoncello y orquesta Schelomo (1915-16),la Meditación hebraica (1924) para violoncello y piano, el monumental Serviciosagrado (1930-33) para barítono, coro y orquesta, el poema sinfónico para vio-loncello y orquesta Voz en el desierto (1936) o la Suite hebraica (1951) para violíny orquesta.

A estas partituras debe sumarse Baal Shem, suite para violín y piano fechada en1923, de la que Bloch realizaría en 1939 una versión orquestal. Escrita enmemoria de su madre, la obra fue compuesta en Estados Unidos durante laetapa en que el ginebrino ejerció como director del Instituto de Cleveland.André de Ribaupierre, amigo suizo del músico y violinista en la cátedra delInstituto, fue el destinatario de esta obra de gran celebridad en su momentocuyo título hace referencia al rabino polaco, activo en Ucrania y fundador de lasecta de los Chassidim (o Hassidim), Rabbi Israel ben Eliezer (1700-1760), cono-cido como «Baal Shem Tov», que propugnaba el acercamiento a Dios a travésde la alegría del canto y de la danza.

De estas tres escenas de la vida espiritual judía ha alcanzado enorme popula-ridad –hasta el extremo de eclipsar a las secciones extremas– su movimientocentral y más amplio, Nigun (Improvisación), página virtuosística que, comoalude su nombre, evoca una improvisación cantada a través de los acentosamplios y enérgicos del violín, explorado especialmente en su registro grave.

N. Skalkottas: Cinco danzas griegas para cuerdas

Nikos Skalkottas es una de las figuras mayores de la música griega contempo-ránea y de las primeras que, en su país, adoptaron la atonalidad y el dodecafo-nismo. Nacido en 1904, Skalkottas se traslada de niño a Atenas, en donde pron-to muestra un talento musical excepcional. Violinista de formación, trasgraduarse en el Conservatorio obtiene una beca para trasladarse a Berlín en1921. Dos años después abandona la carrera de violinista para dedicarse porentero a la composición, estudiando con Juon, Weill y Jarnach y, a partir de1927, con Schönberg.

De naturaleza solitaria e introvertida, Skalkottas regresa a Atenas en 1933.Como compositor es, en esos años, un autor aislado, casi secreto. Durante la

ocupación alemana cae prisionero y es recluido en el campo de Haidari duran-te dos meses. En 1946 contrae matrimonio con la pianista Maria Pagali. Antesde que nazca su segundo hijo, Skalkottas muere súbitamente en 1949. Pese a lobreve de su existencia, el músico griego tuvo tiempo de elaborar un nutridocatálogo integrado por más de un centenar de composiciones que solo en losúltimos veinte años han comenzado a recuperarse. Aunque hoy se conozcan,sobre todo, sus obras atonales y dodecafónicas, Skalkottas es, como escribeDimitriades, «un ejemplo bastante raro de compositor que trabaja simultaneay alternativamente con un lenguaje tonal y atonal, utilizando y explorando lasprincipales corrientes estilísticas de la primera mitad del siglo XX: atonalidad(no serial), método dodecafónico, así como una tonalidad avanzada con ele-mentos folklóricos y una tonalidad neoclásica».

Distribuidas en tres series de doce danzas cada una, Skalkottas escribió sustreinta y seis Danzas griegas, una de sus obras más conocidas, entre 1931 y 1936,si bien hasta el último año de su vida revisó la orquestación, modificó en oca-siones el material temático y realizó transcripciones para diferentes combina-ciones instrumentales (cuarteto de cuerda, conjunto de vientos, violín y pianoo piano solo). En su versión para cuerdas, publicada póstumamente, las Dan-zas griegas alcanzaron inmediata popularidad.

Los títulos de estas piezas hacen referencia a regiones griegas (Kretikos) o a untipo de danza folklórica (Tsamikos) o de canción popular (Kleftikos). Como Bar-tók, Skalkottas elabora asimismo en numerosas ocasiones melodías originales«en estilo popular», permaneciendo fiel a la esencia del material folklórico grie-go, modal y monofónico, construido sobre ritmos enérgicos –aunque casinunca rápidos– a los que añade un humor agridulce, reflejo indudable de sucarácter melancólico y sombrío.

Juan Manuel Viana

Programa

A. VIVALDIConcierto en La F. XI n.º 1, RV 158

para clavicémbalo y orquesta de cuerdas

Allegro AndantePresto

Duración media de la ejecución 10'

H. VILLA-LOBOSCiranda das sete notas

para fagot y orquesta de cuerdas

Stefano Canuti fagotDuración media de la ejecución 9'

W. A. MOZART Concierto en La, KV 622

para clarinete y orquesta de cuerdas

AllegroAdagio

Rondó-AllegroWenzel Fuchs clarinete

Duración media de la ejecución 18'

F. MENDELSSOHN-BARTHOLDY Sinfonía n.º 10 en Si m

Adagio-Allegro

Duración media de la ejecución 10'

E. BLOCH Nigun (Suite «Baal Shem»)

para violín y orquesta de cuerdas

Rolando Prusak violínDuración media de la ejecución 7'

N. SKALKOTTASCinco danzas griegas para orquesta de cuerdas

EpirotikosKretikosTsamikosArkadikosKleftikos

Duración media de la ejecución 15'

ORQUESTA DE CÁMARA DEL CONSERVATORIO SUPERIORDE MÚSICA DE ARAGÓN «CAMERATA ARAGÓN»

Rolando Prusak director/concertino

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