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FORMAS DISEÑOS Y MAS BOGOTA COLOMBIA 2009MIGUEL ANAYA- DISEÑADOR GRAFICO

D. EVOLUTIÓN E.LEVATOR TO HELL V.ICIOUS CIRCLE - THE 7 SEVEN DEADLY SINS O.FFENDERS OF THE THRONE L.AST DESPERATE SCREAM U.RGE (the Greed of Gain) T.HE VIOLATION OF MORALITY I.NNER INDULGENCE O.DYSSEY OF FRUSTRATION

Regresa el combo ale-mán Destruction con su nueva pro-ducción titulada

D.E.V.O.L.U.T.I.O.N., en el que de nuevo nos regalan una produc-ción de primera, cargada de los corrosivos riffs de Mike, la filosa voz de Schmier y una contunden-te batería a cargo del consolidado Marc Reign. Destruction des-de su regreso en el año 2000, ha conservado la esencia de Thrash de antaño y mejorar en cuanto a producción gracias a personas del talento de Peter Tägtgren (Hypo-crisy, Pain).

wD.E.V.O.L.U.T.I.O.N. fue producido de nuevo por el músico danés Jacob Hansen, quien ya ha-

DEVOLUTIONLa nueva obra maestra de destrucción hizo golpear el alemán top 100 cartas de la posición 65 hoy! Felicidades muchachos, que DEVOLUCIÓN la nueva obra maestra de destrucción hizo golpear el alemán top 100

bía hecho esas funciones en su anterior tra-bajo, Thrash Anthems (RE-SEÑA). Han-sen, quien se ha convertido en el productor de planta de Destruc-tion desde que están con AFM Records, ha demostrado ser un experto en la materia y este nuevo disco confirma que los teutones han encontrado un gran aliado en él. Hansen, como ya había apun-tado además de productor es el guitarrista y vocalista e la agrupa-ción Invocator.

El disco inicia su aplastante ataque con el tema título, Devo-lution, el que inicia con una pe-

queña introducción en guitarra acústica por parte del virtuoso Vinnie Moore (UFO) para darle paso al coro Devolution!!!! y pos-teriormente a un desgarrador gri-to de Schmier: Ahhhhhh!!!!!!!!, tan propio de este singular vocalista. Y a partir de ahí nos encontra-mos ante una feroz embestida de velocidad y potencia, tal y como podemos esperar de esta legenda-ria agrupación. Destruction no se guarda nada y desde el principio nos golpean en la cara con toda la

Schmier - Bass, Vocals Mike - Guitar Marc - Drums

potencia de su Thrash.Elevator To Hell no es un tema

tan rápido como el anterior, pero sí de mucho peso y juegos de riffs tan propios de Mike, sin perder esa agresividad tan característica. Los juegos de los bombos están a la orden del día, especialmente en los cambios de velocidad que contiene. El intermedio es a me-dio tiempo con mucho peso, que tiene como protagonista al solo, en el que Mike sigue demostrando que es una de las grandes guitarras líderes del Thrash, una mezcla de melodía y velocidad, que nos trae a la memoria el trabajo hecho en Release From Agony (RESEÑA).

Vicious Circle - The Seven Deadly Sins es algo más oscura en su inició, me recuerda el inicio de Dead Skin Mask de Slayer, atípico totalmen-te dentro de la línea general de la banda, fundamentalmente por los coros que lo acompañan. El tema despega y los riffs junto con ese impetuoso doble bombo, vuelven a inundar el entorno, una canción que cambia constantemente de ve-locidad y ritmo, con una melodía que se repite una y otra vez, lo que le concede identidad a la canción.

Offenders of the Throne nos

ametralla a punta de doble bombo y riffs, sin embargo es un medio tiempo que rompe el cuadro ya que nunca acelera.

Su mejor momento es de nue-vo el solo, aunque es algo corto y no transmite gran cosa. No es de las mejores pero se sostiene. Last Desperate Scream sube un poco las revoluciones y de nuevo es adornada por una sencilla pero reiterativa melodía que la distin-gue, de nuevo tiene ese aire a los temas del Release From Agony. Sin embargo le faltó ese “je ne sias quoi” que la pusiera al nivel de las anteriores, pero es una buena pieza.

Urge (the Greed of Gain) re-toma esa potencia y velocidad

del principio, otro de los bue-nos temas que inicia con un solo asesino, corto pero a la yugular. Una de esas canciones directas y con un gran coro; de nuevo des-taco el trabajo de Marc Reign, este chico cada vez suena mejor dentro de esta maquinaria llama-da Destrucion. Los solos fueron interpretados por Mike y dos de los grandes guitarristas de Thrash,

el gran Gary Holt (Exodus) y el genio canadiense Jeff Waters (An-nihilator) en el extraordinario solo del cierre.

The Violation of Morality es otro tema relativamente veloz, aunque no en exceso. Ese riff tan propio de Mike, y que ha distin-guido el sonido del grupo por 25 años, se nos mete en la cabeza como un taladro, acelerando de-liciosamente en el intermedio, y donde la ácida voz de Schmier con sus gritos tan típicos, no nos deja otra cosa que hacer que mover la cabeza. Mike de nuevo se lleva las palmas por sus juegos de guitarra y ese solo realmente portentoso. La actitud de esta banda en canciones como está nos deja realmente im-

presionados.Inner Indulgen-

ce nos devuelve en el tiempo, ese riff es una página robada (en el

buen sentido de la palabra) a Me-tallica, es el de No Remorse, otro tema algo lento que tiene sus mo-mentos de aceleración, pero que al igual que Offenders of the Throne queda debiendo un poco, especial-mente después de una aplanadora como The Violation of Morality. Pero esto pequeño altibajo se ol-vidan rápidamente, más cuando le siguen canciones

destructionD.E.V.O.L.U.T.I.O.N Trash Metal

Judas Priest regresa con estruendo un instante épico, ‘Nostradamus’ en múltiples formatos clásico y una gira mundial

Piense ‘doble vinilo, gate-fold manga álbum con-cepto’, y algunos de rock de todos los tiempos clá-

sicos grabaciones vienen a la men-te. Sin embargo, en el ámbito de metales pesados, nunca ha habido un doble vinilo (ahora el disco!) Álbum concepto que ha logrado un equilibrio estimulante historia con truenos metálicos. Eso fue, hasta ahora. Leyendas de metal Judas Priest será la liberación de su extenso concepto de disco doble álbum, ‘Nostradamus’ a través de Columbia Records, el lunes, 16 de junio en el Reino Unido / Europa, y un día más tarde en los EE.UU. en Epic Records.

Tiempo en las obras, ‘Nostra-damus’ toma épica narración de cuentos a un nivel completamen-te nuevo, ya que relata la vida de este misterioso, conocido en todo

el mundo siglo 16 francés profeta. Algunos de los acontecimientos que Nostradamus expertos han interpretado como sus prediccio-nes incluyen el gran incendio de Londres en 1666, el aumento de Adolf Hitler y, más recientemen-te, 9-11, entre innumerables otros eventos de renombre.

“Como en cualquier pieza concepto, el salvavidas debe ser de una fuente sólida, teniendo la música lo largo de muchos niveles de interés y la percepción”, señala el cantante Rob Halford. “Nostra-damus” contiene nuevas fronteras exploradas y definidas. El sentido de aventura y el viaje nos compro-metimos con lo que el hombre viva la vida con el metal fue un verdadero trabajo de amor “

Como ocurre con todas las nuevas versiones Sacerdote, el grupo - cantante Rob Halford, los

guitarristas Glenn Tipton y KK Downing, el bajista Ian Hill, y el baterista Scott Travis - se embar-cará en una gigantesca gira mun-dial en apoyo de “Nostradamus”. Sacerdote para llevar a cabo en el Descargar Festival 2008 - sobre un proyecto de ley también con Kiss - que servirá como un “regreso” de tipo para el grupo, ya que actuó en la primera vez “Monstruos del Rock Festival ‘en Donington Park en 1980.

Desde 1974, Judas Priest ha sido uno de los metales pesados de las bandas de mayor éxito, la emisión de este tipo de todos los tiempos clásicos álbumes del 1980 como ‘British Steel’, de 1982 “de Screaming de venganza, ‘y 1990’ Painkiller ‘, tal y escenario-balan-ceo himnos como “Breaking the Law,” “Living After Midnight” y “Tienes otra cosa Comin ‘”. Sin

embargo, la in-fluencia del sacer-dote va mucho más allá de su música - que fueron los primeros a la ban-da de metal abarcar la «mirada motoci-clista de cuero, una moda que se ha convertido en sinó-nimo con el género musical. Además, la potente Halford cuatro y media oc-tavas gama vocal y la guitarra de doble armonías de Downing y Tipton se han “estu-diado” por innumerables bandas de metal en el Sacerdote de la raíz.

El ‘Nostradamus’ álbum - por encima de todos los demás - es quizás la que yo estoy más orgulloso”, dice Tipton. “Si bien en esencia y el carácter todavía muy Judas Priest, ha ofrecido la oportunidad de explorar zonas de clásica y ópera dimensiones que la banda normalmente no. Como guitarrista y escritor que me ha inspirado a una mayor al-tura y abrió nuevas puertas a la intriga y pasión. Desde el principio hasta el final, que le llevará a través de una experiencia mágica llena de luz, sombra, dra-ma, melodía y emoción que refleja este singular hombre y su vida “.

“Para mí,” Nostradamus “ha sido un viaje musical sin compa-ración”, añade Downing. “La in-triga y misterio que rodea a este hombre venerado ha ampliado mi percepción de metales pesados en la meseta más alta y me permitió

llegar a los límites exteriores de mi imaginación y de transporte único sentimientos y emocio-

nes en el instrumento que me permite expresarme”.

Además de regular la caja de doble versión en CD del ál-bum, de colección será sin duda

interesados en la caza una copia de un CD Doble De-luxe alojados en la página 48 un libro hardbound paquete. Pero eso no es todo - un Super Deluxe Box - conjunto versión también estará dis-ponible con triple vinilo, el CD do-ble, una amplia-ción de un folleto y carteles.

La mayoría de las bandas de este alto estatura sería feliz de ju-gar seguro. Sin embargo, no Ju-

das Priest, que siguen a te-ner oportunidades y abrir nuevos caminos. Ninguna otra banda de rock podría haber tirado fuera de esa gran declaración, y Judas Priest han planteado la ba-rra una vez más con ‘Nos-tradamus’.

En cuanto a por qué optó por hacer un álbum de concepto acerca de Nostradamus, Tipton ex-plica: “Nosotros no - que nos eligió. Creemos que se pretende ser! “

Para obtener un sabor de lo que usted espera para den-tro de ‘Nostradamus’, ir a livena-tion.com / judaspriest lunes, 21 de abril para descargar mp3 gratis exclusivo del álbum de la pista de título, así como ver el estreno mundial de la portada del álbum de arte .

En la gira Judas Priest tocara en varios países de sudamerica, incluyendo a Argentina, México, Brasil, Chile y Colombia.

judas priest es un grupo

britanico de heavy metal

judas priest nostradamus

EL VOCERO DE UNA GENERACION

Kurt Donald Cobain

(Aberdeen* 20 de febrero de 1967 - Seattle el 5 de abril de 1994) fue el cantante, compositor, y guitarrista de la prominente banda grunge de Seattle Nirvana, antes de ser encontrado muerto en su casa de Seattle en 1994, en circunstancias todavía no esclarecidas.

Cobain no sólo fue el principal compositor de la banda y su lí-der musical, sino que

además sirvió como su “líder y centro espiritual”. Con el éxito de la banda, Cobain se convirtió en una famosa celebridad a nivel mundial, una posición incómoda para alguien que dijo “Famoso es la última cosa que quise ser”.

Cobain y Nirvana ayudaron a transformar la música popular en

Nirvana

Cobain recibió su primera guitarra de su tío a la edad de 14 años, quien la consiguió en el centro musical Rosevear en Aber-deen, escogiendo el instrumento en vez de una bicicleta. Desde ese momento, Cobain intentó formar bandas con amigos, interpretan-do canciones de AC/DC y Led Zeppelin. En la secundaria, sin embargo, Cobain tuvo problemas frecuentes para encontrar a alguien con quien tocar, debido a que nin-guno de sus amigos poseía algún talento musical particular. Pos-teriormente, Cobain encontró a Krist Novoselic, un fiel devoto del punk rock, que vivía al otro lado del puente de la calle Young. La madre de Novoselic era propieta-ria de un salón de belleza (“Maria’s Hair Design”), así que ellos pudie-ron practicar en el segundo piso del edificio ocasionalmente. Po-cos años después, Cobain intentó convencer a Novoselic para formar una banda con él, y le prestó una copia de un demo casero (titula-do Illiteracy Will Prevail) grabado por una de las primeras bandas que formó Cobain, Fecal Matter. Después de meses de pensarlo, Novoselic aceptó unirse a Cobain,

Cobain era un devoto seguidor de los primeros artistas de rock alternativo. Él hizo referencia a sus bandas favoritas en entrevistas, dándole inclusive mayor importancia a las bandas que lo influencia-ron que a su propia música.

los años 90. En 1991, la llegada de la canción más conocida de Cobain, “Smells Like Teen Spirit”, marcó el comienzo de un cambio dramático de la escena musical, alejada de los géneros dominantes de los ochentas, el glam metal, y el dance-pop, llevando al ascenso del grunge y el rock alternativo. Los medios musicales le concedieron eventualmente a “Smell Like Teen Spirit” el estado de “himno gene-racional”. en los años 90

lo cual sentó las bases de Nirvana.En los primeros años como

grupo, a Novoselic y Cobain les tocó rotar frecuentemente de ba-teristas. Even-t u a l m e n t e , Chad Channing se unió a la ban-da, con el cual grabaron Bleach, lanzado en Sub Pop Records en 1989. Cobain, sin embargo, no estaba satisfecho con el estilo de Channing, y la banda lo reem-plazó por Dave Grohl. Junto a Grohl, la banda encontró el éxito con su álbum debut en una gran disquera, Nevermind (1991).Pos-teriormente en el año 1993 salió el disco “In Utero”

Cobain tuvo problemas para adaptarse al éxito masivo de Nir-vana con sus fuertes raíces under-ground. Además, se sintió per-

El 8 de abril de 1994, el cuerpo sin vida de Cobain fue descubierto en un cuarto ubicado arriba del garaje en

su casa ubicada en los alrededores del Lago Washington por el empleado de Veca Electric Gary Smith.

seguido por los medios, hasta el punto de compararse a sí mismo con Frances Farmer, y tuvo resen-timiento con personas que decían ser fanáticos de la banda, pero que no entendieron el mensaje de ésta. Un incidente que molestó parti-cularmente a Cobain involucró a dos hombres que violaron a una

mujer mientras cantaban la can-ción de Nirvana “Polly”. Cobain condenó el episodio en las notas adjuntas a las versiones estadouni-denses de la compilación Incesti-cide, refiriéndose a los agresores como “dos desperdicios de esper-ma y óvulos”.

El cadáver de Cobain fue cremado, y un tercio de sus cenizas se esparcieron en un monasterio de Budismo Ti-betano en Ithaca (New York), mientras que otro fue espar-cido en el río Wishkah, y el último tercio fue entregado a Courtney Love

Adiccion

Nirvana fue una banda estadounidense de grunge, procedente de Aberdeen, Washington. Con el éxito del sencillo “Smells Like Teen Spirit”, del álbum Nevermind, Nirvana escaló las listas musicales en todo el mundo.

Durante su vida Cobain luchó contra la depresión, la bronquitis crónica y contra un intenso do-lor físico debido a una condición estomacal crónica que jamás fue diagnosticada, de la cual buscó por años la causa y lo afectó emo-cionalmente. Ninguno de los doc-tores a los que consultó fue capaz de encontrar la causa específica, aunque le aseguraron que pudo ser el resultado de una escoliosis que Cobain sufrió en su niñez o tenía relación con el estrés produ-cido por las giras y eventos a los que la banda asistía. Cobain se auto-medicó con heroína, pese a que su condición médica no fue la razón principal que provocó su uso de la droga.

La naranja mecánica se caracteriza por sus imágenes violentas que facilitan el comentario social en psiquiatría, el pandillerismo juvenil y otros tópicos ubicados en una sociedad futurista distópica

Ambientada en la Inglaterra del futuro, 1995, vista desde 1965, la película sigue la vida de un joven de 18 años llamado Alex DeLarge (McDowell) cuyos placeres son

Beethoven, la violación y la ultraviolencia. Él es líder de una pequeña pandilla de gamberros, a los cuales se refiere como “drugos”. Alex narra la mayoría del filme

en “Nadsat”, el argot contemporáneo que comprime el Eslávico (especialmente el ruso) con el inglés y el Cockney (por ejemplo rozzer -policía-, drugo -amigo-, chavalco -muchacho- o lactaca -leche-). Alex es irreverente y abusa de los demás; miente a sus padres para no ir a la escuela; en su cama tiene un cubrecama cubierto con senos de goma, un caro equipo de alta fidelidad, una boa llamada “Basil” y la mesita de noche repleta de botines de sus robos.

Sinopsis

La naranja mecanica

La naranja mecánica (1971, A Clockwork Orange) es una pe-lícula producida, escrita y dirigida por Stanley Kubrick, que la adaptó al cine a partir de la novela homónima de 1962 de An-thony Burgess. Está protagonizada por Malcolm McDowell, que da vida a un carismático y psicopático delincuente llamado Alex DeLarge, cuyos principales intereses son la violación, la ultra-vio-lencia y la música de Beethoven.

Alex lleva a sus “drugos” a invadir una casa, golpean al escritor que vive en ella y violan a su esposa ante la mirada impotente de éste mientras Alex canta Singin’ in the Rain. Después, lidia con un intento de golpe de uno de sus “drugos” subordinados.

Después de faltar a clases, seduce a dos adolescentes en una tienda de discos; a pesar de no reconocer los nombres de sus estrellas favoritas, éste las lleva a su casa y tiene relaciones con ambas.

Posteriormente, Alex es capturado durante un robo, traicionado por sus “drugos” (uno al que Alex le había cortado la muñeca en respuesta a un reto a su autoridad como líder de la pandilla). Alex es golpeado en la cara con una botella llena de leche y queda ciego en la escena del crimen. Después de ser arrestado, descubre que la víctima del robo ha m u e r t o : Alex es un asesino. Es sentenciado a 14 años de prisión.

Después de haber c u m p l i d o dos años, se le ofrece la libertad condicional, si se somete al tratamiento L u d o v i c o , un terapia experimental de aversión, desarrollada por el gobierno como una estrategia para detener el crimen en la sociedad. El tratamiento consiste en ser expuesto a formas extremas de violencia a través de una pantalla, como un cine muy violento. Alex es incapaz de apartar la mirada de la pantalla, ya que sus ojos están sujetos por un par de ganchos. También es drogado antes de ver las películas, para que asocie

las acciones violentas con el dolor que estas le provocan.

Así que, el tratamiento Ludovico, lo deja incapaz de ser violento (ni siquiera en defensa propia) y también incapaz de tocar a una mujer desnuda, pero, en un imprevisto efecto secundario, el tratamiento también lo hace incapaz de oír su pieza favorita de Beethoven, la Novena Sinfonía (fondo musical de una de las películas).

Sin la capacidad de defenderse, y de haber sido desahuciado por sus padres (éstos tienen alquilada su habitación a un huespéd, desechado su estéreo y tesoros y, aparentemente, mataron a Basil), Alex desanimadamente deambula por Londres. Pronto encuentra a viejas víctimas y dos de sus antiguos “drugos” (ahora policías) quienes lo golpean y casi ahogan.

A l e x vaga por los bosques h a s t a llegar a la casa del e s c r i t o r c u y a e s p o s a h a b í a n v i o l a d o antes en la pe l í c u l a . El escritor lo deja e n t r a r antes de descubrir s u

identidad; luego, droga a Alex e intenta hacer que se suicide tocando una versión electrónica de la Novena Sinfonía de Beethoven (Segundo Movimiento). Alex trata de ‘evaporarse’ (como el dice suicidarse) saltando por una ventana, pero sobrevive.

Después de una larga recuperación en el hospital, Alex parece ser el de antes. En el hospital, el Ministro de Interiores

El filme cuenta con una banda sonora compuesta principalmente por selecciones de música clásica y sintetizador Moog realizadas por Wendy Carlos.

(quien antes había seleccionado a Alex personalmente para el tratamiento Ludovico) visita a Alex, disculpándose por los efectos del tratamiento, diciendo que sólo seguía las recomendaciones de su equipo. El gobierno le ofrece a Alex un trabajo muy bien remunerado si acepta apoyar la elección del partido político (conservador), cuya imagen pública se vio seriamente dañada por el intento de suicidio de Alex y el controvertido tratamiento al que fue sometido. Anticipando su regreso al estrago, Alex narra el final de la película: “Definitivamente, estaba curado” mientras se ve una fantasía surreal de él mismo copulando con una mujer en la nieve, rodeado por damas y caballeros victorianos aplaudiéndole, mientras se puede escuchar el último movimiento de la Novena Sinfonía de Beethoven de fondo.

Temas Moral

Una de las principales preguntas moralistas de la película -como en otros libros de Burgess- es la definición de “bondad”. Después de la terapia de aversión, Alex se comporta como un buen miembro de la sociedad, pero no por opción; su bondad es involuntaria y mecánica, como lo dice el título de naranja mecánica. En prisión, el padre, el único hombre honesto y genuino allí, critica al Tratamiento Ludovico alegando que la verdadera bondad debe venir de adentro. Debe ser genuina.

Psicologica

Otro tema central es el ultraje a la psicología conductual propuesta por los psicólogos John B. Watson y B.F. Skinner. Burgess desaprobaba el conductismo, llamando al libro más famoso de Skinner, Beyond Freedom and Dignity (Más Allá de la Libertad y la Dignidad), “uno de los libros más peligrosos jamás escrito”. Aunque Watson

concedía limitaciones al conductismo, Skinner argumentaba que la modificación de la conducta (aprender técnicas de recompensa sistemática y castigo) era la clave para un sociedad ideal. El tratamiento Ludovico es la forma de modificación de conducta que los científicos aplicaron a Alex, condicionándolo a asociar actos de violencia con malestar físico, previniéndolo de ser violento. La película incorpora una desconfianza al conductismo, enfocándose en la deshumanización y falta de opción en los métodos de modificación de conducta.

Lo que se pretende es modificar la conducta del protagonista, que es desadaptada socialmente, a través de un sistema de reforzamiento y castigo, de modo tal que las conductas disruptivas se fueran “extinguiendo” y él pudiese integrarse rehabilitado a la sociedad. Pero al respecto hay una gran crítica: la sociedad en el que él vive ya está distorsionada y alterada en valores y normas, siendo este protagonista solo un representante de un ámbito mucho más amplio.

Adaptacion

El filme de Kubrick, realizado en 1971, es relativamente fiel a la novela de Burgess, omitiendo el capítulo final en que se nos muestra a un Álex maduro y desencantado de su vida anterior. Se sabe que las primeras ediciones de la novela tampoco incluían este capítulo, pero la cuestión de si Kubrick conocía la obra íntegra y tomó la decisión conscientemente no está del todo clara. Afirmó que no había leído la versión original de la novela hasta tener casi terminado el guión, y que nunca había considerado usar ese capítulow .

Entre las diferencias más notables están la vestimenta de la banda, negra en el original, con el protector del mismo color y un dibujo personalizado. La novela, además, muestra un uso mayor de la jerga nadsat (que habría supuesto un problema de inteligibilidad en la película) y emplea

explícitamente la frase que da título a la obra dos veces.

La película fue calificada X en su estreno original en los Estados Unidos.

Produccion

Antes de comenzar la filmación, mientras el actor Malcolm McDowell se colocaba las pestañas postizas que utilizaba su personaje, Kubrick se dio cuenta de que con sólo una pestaña era suficiente.

Antes de filmar la escena de la violación a la mujer del escritor, McDowell estaba preparándose en el set y comenzó a cantar “Singin’ in the rain”. Kubrick lo escuchó y le dijó que la cantara mientras realizaba la escena (Por regla general, el director no aceptaba jamás modificaciones en el guión).

D u r a n t e la escena del t ratamiento, M a l c o l m M c D o w e l l se rayó una córnea y estuvo temporalmente c i e g o [ c i t a requerida]. El doctor que estaba a su lado en la escena colocando solución salina en los ojos forzadamente abiertos de Alex no sólo estaba allí por propósitos del filme, sino que era un doctor real que prevenía que los ojos

de McDowell se secaran. McDowell también sufrió de costillas fracturadas durante la humillación en el escenario y casi se ahoga mientras se filmaba la escena donde es sostenido bajo el agua.

Cuando Alex salta por la ventana para tratar de terminar su tormento, el espectador ve el suelo viniendo hacia la cámara hasta que colisionan. Este efecto se consiguió tirando una cámara desde dos o tres pisos, con el objetivo apuntando hacia abajo, esto presenta un sentido realista de como podría ser tal caída.

Dirección

El director Stanley Kubrick fue un notorio perfeccionista, así que exigía bastantes tomas mientras hacía sus películas[cita requerida].

Respuestas y controversia

La película fue nominada a cuatro premios de la Academia (perdiendo contra The French Connection) y revitalizó las ventas de la Novena Sinfonía de Beethoven. También causó controversia y no fue permitida su exposición en el Reino Unido. Para el tiempo de su re-estreno en el 2000, ya había ganado una reputación de clásico de culto. Muchos

críticos y a f i c i o n a d o s la consideran como una de las mejores p e l í c u l a s jamás hechas. El film ha sido criticado por su violencia excesiva y la

falta de aparente humanidad, por grupos moralistas y religiosos, pregonando que sirve como un pésimo ejemplo de ideal de comportamiento para la actual juventud ávida de referentes en que basarse.

La banda sonora de la película comprime música clásica y música electrónica compuesta

por Wendy CarlosLa música en la película puede ser interpre-

tada como una extensión temática a la condi-ción psicológica de Alex.

La mirada de Carl Einstein, constructora de la historia de las vanguardias

Figura clave en el discur-so histórico y teórico del arte, Einstein, al que el Museo Reina Sofía dedi-

ca la exposición “La invención del Siglo XX”, introdujo en Occiden-te el arte africano, al que dedicó el libro “Negerplastik”.

Este arte figura como núcleo central de una exposición cuyo objetivo es dar una descripción visual convincente de su trabajo intelectual, concentrándose en las obras de los artistas más im-portantes del siglo XX a quienes él conoció, con quienes trabajó y sobre quienes escribió.

Esto hace que las alrededor de 120 obras reunidas formen una

Madrid, 11 nov. (EFE).- La historia del arte está construida por ideas que se reciben de revistas, publicaciones, críticos o historiadores del arte como el alemán Carl Einstein (1885-1940), quien tuvo un papel funda-mental en la construcción de la historia de las vanguardias.

exposición “muy bella y especial”, según el director del museo, Ma-nuel Borja-Villel, para quien Eins-tein es un historiador heterodoxo, con reconocimiento tardío.

Aunque la muestra no es muy grande, “es una pequeña joya” en la que se pueden contemplar destacadas obras de los artistas más importantes de la vanguardia como Picasso, Miró, Braque, Le-ger, Gris, Klee o George Grosz.

“No hemos querido hacer una exposición biográfica, sino inte-lectual que mostrase su visión, aunque en su trayectoria el aspec-to biográfico tiene también mu-cha importancia ya que fue amigo de artistas españoles como Picas-

so, Gris o Miró, lo que le motivó participar en la Guerra Civil”, comentó el comisario Uwe Fleck-ner, quien se refirió a las dificulta-des que ha habido “para traer las obras que queríamos”.

Según Fleckner el título de la exposición “trata sobre la inven-ción del estos artistas, pero funda-mentalmente se puede decir que Einstein inventa el siglo XX, por-que en su libro “El arte del Siglo XX”, escrito en el primer cuarto del siglo, se atrevió a inventar un modelo teórico e intelectual sobre cómo pensaba que se iba a desa-rrollar el arte del siglo XX”.

El autor “no es objetivo en su mirada de la historia del arte “ ya que en ella faltan el Constructi-vismo ruso y el Expresionismo alemán, “con los que fue muy crítico”.

El recorrido de la muestra comienza con una serie de libros que reflejan su pensamiento para continuar con piezas de arte pri-mitivo africano que se sitúan en el centro de la sala. Por primera vez se reúnen casi cuarenta obras ori-ginales reproducidas en su famoso

“En este tiempo buscaba una solución integrada de la fragmen-tación que había en el arte, y en el

mero que consideró el arte africano como arte y vio la rela-ción que tenía con el Cubismo”, declaró el comisario.

El Dadaísmo y el Verismo está presente con obras de Max Bec-kmann, Rudolf Schlichter, Otto Dix y George Grosz, con los que compartió esperanzas frustradas en un nuevo punto de partida po-lítico y su juicio radical sobre la República de Weimar. Otro es-pacio exhibe los ocho números de la revista surrealista-antro-pológica “Documents”, junto a obras de Giacometti, Arp, Klee.

El cubismo, que para él era un modo de repensar el sujeto, ocu-pa otro espacio destacado. En sus textos de los años veinte y treinta formuló una interpretación del Cubismo que desarrolló a partir de estudios filosóficos, matemáti-cos y psicológicos.

Einstein, amigo de Georges Braque, Juan Gris y Fernand Lé-ger, estaba convencido de que el Cubismo era una imagen del mundo y del hombre acorde con la época. Las obras de estos artistas y de Picasso destruyeron la reali-dad convencional para crear otra nueva.

El Cubismo quedó definido como un realismo muy especial:

“El verdadero realismo no consis-te en reproducir objetos, sino en crearlos”.

En la segunda mitad de los años veinte se ocupó del Surrea-lismo, al que la exposición dedica un espacio con obras de Masson, Joan Miró, Gaston-Louis Roux, Hans Arp y Paul Klee, que man-tenían una distancia crítica con el

surrealismo doctrinario.Radicalizado políticamente

por sus experiencias en la Primera Guerra Mundial y activista comu-nista, vino a España para luchar al lado del famoso anarquista Bue-naventura Durruti. En julio de 1940 se suicidó.

En el apartado dedicado a la Guerra Civil, se exhiben obras de Pablo Picasso y Joan Miró, además de un busto de Carl Einstein reali-zado por Benno Elkan y una obra de George Grosz recién adquirida por el Museo Reina Sofía.Mila Trenas

La exposición se divide en va-rias secciones: ‘El Arte del siglo XX’, ‘Arte africano’, ‘Dadá y Veris-

mo’, ‘Cubismo’, ‘Surrealismo’, una sala dedicada fundamentalmente a la revista surrealista-antropológica “Documents” (1929-1930), que aglutinaba a los artistas disidentes del Surrealismo y un espacio en el que se estudia el papel de las artes en la guerra civil española

OBSERVACIONESReúne alrededor 120 obras,

pinturas en su mayoría, y un conjunto de alrededor de 35 es-culturas africanas, con el fin de proporcionar al espectador una descripción visual convincen-

te del trabajo intelectual de Carl Einstein, concentrándose en las obras de los artistas más impor-tantes del siglo XX, a quienes él conoció, con quienes trabajó y sobre quienes escribió.

Carl Einstein (1985-1940) es uno de los historiadores del arte más peculiares del siglo XX y se encuentra en estos momentos en posición de jugar un importante papel como una de las principales figuras intelectuales del discurso histórico y teórico del arte. La muestra que organiza el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, le hará protagonista por primera vez de una exposición in-ternacional,

“Negerplastik” (“La escultura negra”), de

1915.

El placer del Museo BoteroEn Colombia, el programa Red Nacional de Museos del Ministerio de Cul-tura, hizo parte del Encuentro de Bahía y es el ente encargado de pro-mover la realización de actividades en todo el país y divulgarlas a través de su página.

Los museos y los espa-cios expositivos deben ser esencialmente sitios de disfrute.Su función

didáctica debe estar supeditada a esta vocación primaria, pues si se hace énfasis en el aspecto educa-tivo, se corre el riesgo de coartar de una vez y para siempre el pla-cer que proporciona la experiencia artística, que es en definitiva el “gancho” que permitirá la visita repetida y el interés en profun-dizar -y que convertirá eventual-

mente al Museo en una fuente de conocimiento más formal.No hay nada más descorazonador que ver un grupo de niños en un museo copiando afanosamente las fichas técnicas y los textos “explicativos” de una exposición con el fin de cumplir una tarea que le ha dejado un profesor que probablemente ni

siquiera se ha tomado el trabajo de ver la exposición él mismo.Estos niños muy seguramente no volve-rán, o no lo harán por iniciativa propia:al planteárseles las obras de arte (o de ciencia, es igual) como una obligación antes que como un placer, su relación se ha viciado desde el inicio, a veces para siem-pre. Resulta también significativo ver cómo los asistentes a las expo-siciones miran primero la ficha técnica que la obra, con lo cual la visita se convierte en un acto más de constatar que de mirar: Hemos sido condicionados a que a un museo se va a “aprender”;nadie nos dijo que esto era un paseo de disfrute.Marta Traba afirmaba en uno de sus últimos artículos (del cual parafraseo el título) que los museos estaban en el principio del placer, no solamente por lo que mostraban sino porque allí se tenía una experiencia que iba más allá de las obras mismas:se accedía a un espacio reservado, “a salvo de una ciudad amenazadora”; todo lo que contribuya a hacer de la visita una experiencia placentera ayuda-rá que esa segunda lectura, la pro-funda, la constante, se pueda dar algún día

El Museo Botero ha sido insta-lado en la bella casa de patio que hasta finales de 1999 albergaba la Colección de Arte del Banco de la República.El maestro Fernando Botero la escogió personalmente,

pues guardaba gratos recuerdos de la presentación de su serie “La corrida” en esas mismas salas.La casa ha sido completamente readecuada, pero de manera muy sutil, sin gestos formales innecesa-rios, teniendo como único cambio aparente la apertura de unos vanos para que el magnífico patio cen-tral tuviera una mayor presencia en el vestíbulo de acceso.Botero mismo guió la museografía con un criterio de sobriedad en el cual se privilegian el blanco y el verde

característicos de la arquitectura de La Candelaria.Con esta paleta que va del blanco al gris y del ver-de oscuro al negro, se manejaron las diferentes superficies:puertas, ventanería, pasamanos, señaliza-ción, muros.El otro componente esencial de la propuesta museo-

museo botero

fica es la luz: luz natural en abundancia en las áreas comu-nes como vestíbulos, corredores y patios;luz artificial cálida en las salas, manteniendo una cierta pe-numbra al interior en función de lograr un ambiente de un ligero dramatismo, en donde las obras están iluminadas de manera per-fecta y precisa.En todos los ejes visuales hay siempre una obra tridimensional como remate, que actúa como bisagra entre una sala y la siguiente.Los textos se han li-mitado a la ficha de identificación, para hacer énfasis en la obra mis-ma y en su disfrute visual.

En varias ocasiones Botero ha relatado cómo su primer acerca-miento al arte universal fue a tra-vés de reproducciones en estampas y libros, dado que en el país no existían (siguen no existiendo) co-lecciones de arte universal en enti-dades públicas.Para todos aquellos -la mayoría- que no podemos via-jar a Europa o Norteamérica para ver los originales, la Historia del Arte se convierte en la historia de las Imágenes del arte.Las repro-ducciones de pinturas o esculturas

en libros, estampas y diapositivas reducen la obra a dos dimensio-nes, hacen que se pierda la escala, falsean el color, obliteran la textu-ra, hacen que una miniatura y un mural tengan el mismo tamaño, establecen una coexistencia obli-gada entre dos obras:en resumen, reducen la experiencia artística a sus manifestaciones visuales más primarias.

Los esfuerzos realizados por instituciones como el Museo Na-cional, el Museo de Arte Moderno y la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República por traer exposiciones de artistas clási-

cos, modernos o contemporáneos para presentarlas temporalmente en sus salas solucionan parcial-mente el problema, pero su acción y su cubrimiento son limitados

en el tiempo por los plazos cortos de itinerancia de las exposiciones internacionales. La Temporalidad,

concepto clave de la museología contemporánea, se aplica en ese caso a las colecciones:sólo están disponibles por un tiempo corto para el disfrute del público. Pero el concepto de “exposición tem-poral” ha estado precedido histó-ricamente por unas colecciones disponibles permanentemente para el público. Es sobre esta base que se intenta interesar al público de una ciudad en visitar de nue-vo su Museo.El problema es que esta estrategia de la museología contemporánea presupone que la base existe.Y esto no ha sido cierto en nuestro país.Es aquí en donde radica la importancia capital de la donación del maestro Fernando Botero. En 1994 presentamos en las salas de la Biblioteca Luis Án-gel Arango la exposición “Obras escogidas del Museo de Arte de Sao Paulo”, muestra en la que a través de 29 obras se hacía un recorrido por la pintura del siglo 19 y las primeras décadas del 20, y que incluía nombres como Re-noir, Picasso, Chagall, Vuillard, Modigliani, Laurencin, y por pri-mera y única vez en el país, una obra de Van Gogh.Entre las mu-chas cartas que recibí hubo una que me conmovió especialmente, que decía así:“he sido profesor de arte en un colegio público por más de veinte años.Les doy las gracias por permitirme ver en persona aquello que había por tantos años enseñado”.Además de colocar a Colombia de un solo golpe en-tre las cuatro o cinco colecciones públicas de arte internacional de mayor importancia en América Latina, la Donación Botero cum-plirá una función social de gran importancia: estará allí por siem-pre, para la enseñanza pero sobre

relatado cómo su primer acercamiento

al arte universal

Museo de barcos VikingosLos francos llamaron normandos (“hombres que vienen del norte) a estas gentes que nunca formaron un pueblo unido dentro de fronteras nacio-nales. Se impuso el nombre de vikingos, que deriva del antiguo término nórdico vikingr, usado para describir a escandinavos en viaje de pillaje, en los que saqueaban, asesinaban y también comerciaban.

Los diversos pueblos escandinavos iniciaron a finales del siglo VIII una rápida y

amplia expansión. Los suecos (o varegos) cruzaron el Báltico hacia Finlandia, el lago Ladoga y Novgorod. Por el río Dnieper atravesaron Rusia hasta el mar Negro alcanzando Constantinopla y Europa Oriental. Los noruegos se dirigieron a las islas del Atlántico Norte (Hébridas, Feroe, Orcadas,

Expediciones vikingas:Shetland e Irlanda). Después llegaron a Escocia, Islandia y hacia el año 1000, a las costas de Norteamérica, que llamaron Vinland. Los daneses invadieron Inglaterra y Frisia, surcaron el Elba hasta Hamburgo, el Rin hasta Colonia y el Sena hasta París. Tras asolar las costas de Asturias y Galicia, bajaron a Portugal, remontaron el Guadalquivir hasta Sevilla y llegaron al norte de Africa e Italia.

El capitel con figuras en barca es un tema recurrente en las iglesias de la provincia de Burgos que se suele agrupar en la llamada “Es-cuela de Mena - Villadiego”.

Naves y técnicas de navegación:

Ya los noruegos de la Edad del Bronce (1.500 a. de C.) pin-taron barcos en las paredes de las cuevas varios jarls (jefes) han sido encontrados enterrados con su nave. Un barco de tipo knorr po-día avanzar a una velocidad de seis nudos transportando una carga de 40 toneladas (esta unidad de peso debe su nombre a un contenedor de madera en el que los vikingos portaban sus mercancías). El más-til no iba sujeto rígidamente en el casco, sino que podía moverse o ser abatido si el barco necesitaba ser arrastrado por tierra con ayuda de troncos. La quilla, un invento vikingo, proporcionaba estabili-dad y maniobrabilidad en las co-rrientes rápidas. En las calmas o con viento en contra, los tripulan-tes empuñaban los remos. Con sus drakkar (llamadas así porque las proas y popas de sus naves estaban adornadas con cabezas de dragón) de 32 metros de largo Erik el Rojo recorrió hacia el oeste unos 320 kilómetros hasta encontrar la cos-ta este de Groenlandia. Se orienta-ban con mucha precisión sin brú-jula. Probablemente establecían la latitud por la posición del sol, la luna y las estrellas. Navegaban cer-ca de la costa, atentos a las señales de tierra. Un timonel veterano se

ocupaba de marcar el rumbo. Ob-servaban islas, nubes, vuelo de ga-viotas, el tamaño y color de las al-gas. Calculaban la velocidad y las millas recorridas fijándose en su estela y la fuerza con que la roda de la proa iba rompiendo las olas. La borda de las naves era muy baja y el oleaje podía inundarlas con facilidad. La tripulación arriesga-ba la vida en cada tormenta. Los que fallecían durante el viaje eran arrojados al mar.

MuseoComo mencionara en la nota

anterior sobre el museo del Fram, durante 1999 pude concretar la visita a unos amigos noruegos en Oslo y proyectar una escapada a uno de los lugares con mayor con-centración de museos relacionados con el mar que haya visto.

Aquella soleada mañana de octubre, después de visitar museo del Fram (Frammuseet), mi esposa y yo decidimos conocer el Museo de los Barcos Vikingos (Vikings-kiphuset) que se encuentra loca-lizado en una zona denominada Bygdøynes, al SW del muelle de Oslo. A él se puede llegar tanto por ferry (que sale de Akerbrugge) como por ómnibus. El área dón-de se halla el museo conforma una especie de “parque temático” en el cual también se encuentran, entre otros, el museo del Kon-Tiki y el museo marítimo (Sjøfartsmu-seum). Si bien recorrer todos estos museos en un día exige una gran dosis de resistencia física y un buen par de zapatillas, creo que vale la pena el esfuerzo.

En la nota del Fram se puede ver un plano donde muestra la ubicación del museo y los medios para acceder a él.

La entrada al museo cuesta unas 40 coronas noruegas (U$S 5 aprox.), lo cual es aún razona-ble para nuestros bolsillos y está abierto durante todo el año en di-ferentes horarios, dependiendo de la época, entre cinco y siete horas diarias.

EL BARCO DE OSEBERG

El Museo de los Barcos Vikingos en Bygdøy comprende uno de los dos edificios

pertenecientes al museo universitario de historia cultural.

Muchas de las ornamentaciones de la tumba de la reina en Oseberg están exhibidas en la sección más recluida del museo, en la colec-ción de artefactos.

Este barco se encontró en un gran montículo funerario en la granja de Slagen en Vestfold du-rante las excavaciones de 1904. La nave fue construida en el 815-820 D.C. aproximadamente y se usó para la navegación durante muchos años antes de ser usada como barco funerario para una prominente señora vikinga que muriera en el 834. Esta señora fue alojada en la cámara funeraria en

la sección de popa. Junto a ella yacía otra mujer, posiblemente una sirvienta, y sus más preciadas posesiones. Bajo el barco se en-contró una gruesa capa de arcilla azul mientras que el montículo en sí mismo fue levantado con turba, lo cual explica el excelente estado

de conservación del barco y otros objetos de madera, cuero y texti-les. Salvo algunas pocas excepcio-nes, este tipo de objetos nunca antes había sobrevivido en una tumba del período vikingo. Este montículo había sido saqueado en tiempo remotos, lo cual explicaría por qué no se halló joyería ni otros artículos de oro, plata o con algun valor monetario o simbolico en la tumba de estos mismos