Ranveig Aas

O che nuovo miracolo!

–En studie av det politiske aspektet til tekstog musikk i La Pellegrinas intermedier.

Masteroppgave i musikkvitenskapTrondheim, mai 2015

Norges teknisk-naturvitenskapelige universitet

brought to you by COREView metadata, citation and similar papers at core.ac.uk

provided by NILU Brage

1

2

Innhold

Forord ......................................................................................................................................... 4

1. Problemstilling ....................................................................................................................... 6

2. Kildene ................................................................................................................................... 8

3. Metode .................................................................................................................................. 10

4. Intermedium ......................................................................................................................... 12

5. Historisk kontekst ................................................................................................................. 15

6. Bryllupet og feiringen .......................................................................................................... 17

7. Teateret ................................................................................................................................. 21

8. Aktørene: .............................................................................................................................. 22

8.1. Bardis utgangspunkt ...................................................................................................... 22

8.1.1. Platons idealstat ...................................................................................................... 23

8.1.2. Camerata Fiorentina ............................................................................................... 24

8.2. Cavalieri og Buontalenti ................................................................................................ 25

8.3. Variasjonen i kildene ..................................................................................................... 26

8.4. Poetene .......................................................................................................................... 28

8.5. Komponistene ................................................................................................................ 29

8.6. Solistene ........................................................................................................................ 30

8.7. Musikerne ...................................................................................................................... 31

9. Komedien La Pellegrina og intermediene ........................................................................... 33

10. Handlingen i intermediene ................................................................................................. 35

10.1. Oversikt over de politiske tekstene ............................................................................. 36

10.2. Første intermedium: Armonie delle sfere .................................................................... 38

10.3. Secondo intermedium: La Gara fra Muse e Pieridi .................................................... 40

10.4. Tredje intermedium: Il combattimento Pitico d'Apollon ............................................. 41

10.5. Fjerde Intermedium: La regione de' Demoni .............................................................. 42

10.6. Femte intermedium: Il canto d'Arione ........................................................................ 44

10.7. Sjette intermedium: La discesa d'Apollon e Bacco col Ritmo e l'Armonia ................. 45

11. Analyse ............................................................................................................................... 48

11.1. Tekstanalyse ................................................................................................................ 48

11.2. Fra originaltekst til sangtekst ...................................................................................... 50

11.3. Musikkanalyse ............................................................................................................. 51

12. Musikalske stiler ................................................................................................................ 54

12.1. Madrigalen .................................................................................................................. 54

12.1.1. Madrigaler med små besetninger ......................................................................... 55

3

12.1.2. Flerkormadrigaler ................................................................................................. 55

12.1.3. Solomadrigalen ..................................................................................................... 56

12.2. Stile rappresentativo .................................................................................................... 57

12.3. Balletto og Canzonetta ................................................................................................ 59

13. Hovedanalysene ................................................................................................................. 61

13.1. Dalle più alte sfere (1) ................................................................................................. 61

13.2. Coppia gentil (6) .......................................................................................................... 65

13.3. O mille volte (14) ........................................................................................................ 69

14. Konklusjon ......................................................................................................................... 85

Litteraturliste ............................................................................................................................ 88

4

Forord

Studieåret 2012/2013 var jeg på utveksling i Firenze i Italia. Der ble jeg kjent både med byens

historie og det italienske språket. Jeg ble fasinert av Medici-familiens rolle i byens utvikling,

og hvor tydelig den historien synes i bybildet den dag i dag. Ved NTNU har jeg i tillegg fått

muligheten til å studere eldre musikknotasjon og renessansemusikk, noe som førte meg inn på

tanken om å skrive en master om renessansemusikk fra Firenze. Herfra var veien kort til La

Pellegrinas intermedier, ettersom det var musikk som ble skrevet med en bestemt politisk

baktanke, til bruk i et urolig Europa og Italia.

Til arbeidet med denne masteroppgaven har jeg fått mye hjelp. Først vi jeg takke min

veileder Roman Hankeln for uvurderlig hjelp med å spisse problemstilling, finne litteratur,

oversette de franske forordene til noteutgavene jeg har brukt og generell veiledning. Jeg vil

også takke Halvor og Henning for god hjelp, både faglig og moralsk. Nicoline, Kjersti, Janne

Kristin, Siri og Lise har kommet med både faglig og mental input på lesesalen. Til sist vil jeg

takke mamma, pappa, og min fantastiske Isak for all støtte og korrekturlesing.

5

6

1. Problemstilling

Intermedier er musikalske tablåer som ble spilt ut før, mellom og etter aktene i teaterstykker i

renessansen. Intermediene til komedien La Pellegrina er blant noe av det tidligste, best

bevarte og best dokumenterte som finnes av denne sjangeren fra renessansen. Disse

intermediene ble fremført som høydepunktet i bryllupet til storhertugen av Toscana i 1589, et

bryllup som rokket ved den eksisterende maktbalansen i Sør-Europa. Det er derfor svært

interessant å undersøke intermediene fra en politisk-historisk vinkel, spesielt fordi dette har

blir gjort i liten grad tidligere. Det er blitt skrevet mange avhandlinger om forskjellige

aspekter ved musikken og feiringen, særlig om dens rolle i utviklingen av operaen, men få om

hvordan det viktigste, teksten og dens politiske budskap, ble transportert av musikken. I denne

oppgaven vil jeg undersøke hvilke sangtekster som har en politisk baktanke og innhold, og se

hvordan melodiene behandler teksten.

La Pellegrina og dets intermedier var høydepunktet i en over to uker lang

bryllupsfeiring, og kunnskap om denne feiringen og dens bakgrunn vil gi en bedre og dypere

forståelse av musikken. Bryllupet stod mellom Ferdinando I de Medici (1549–609), storhertug

av Toscana, og Christina av Lorraine (1565–1637), den franske dronnings yndlingsbarnebarn.

Bryllupet skapte en ny politisk allianse fordi den gikk på tvers av de tradisjonelle båndene

mellom Toscana, Spania og det tysk-romerske rike, som strakte seg tilbake til Karl V og

Cosimo I de Medicis tid. Dette måtte feiringen gjenspeile, og det ble gjort ved å hylle

brudeparet på alle tenkelige måter som nådde alle samfunnslagene.

Hele feiringen kan tolkes som en demonstrasjon av hvor mye makt og kunnskap som

lå i Firenze, hvor storslagne storhertugen og storhertuginnen var, og hvor god deres

regjeringstid kom til å bli. Det var også en rettferdiggjøring av deres regime, både begrunnet

av Medici-familiens lange historie som florentinernes overhode, og med storhertugens nærhet

til Gud. Det å sette Medici-familien så nære Gud som deres propagandaapparat gjorde, gjorde

at opprør mot familien ble å regne som en synd. Dermed ble terskelen større enn den tidligere

hadde vært for florentinerne å gjøre opprør og kaste ut Medici-familien fra Firenze.1 På grunn

av alt dette er det viktig å se på hvordan dette ble formidlet til gjestene og publikum. I tillegg

til å sette Medici-familien nære Gud ble antikkens mytologi og kultur brukt sammen med

hertugens daværende styre i en stor allegori. Et av gjennomgangstemaene som ble brukt var

1 BERNER 1970, S. 192.

7

den nye gullalderen som skulle komme med foreningen av brudeparet og alliansen mellom

Toscana og Frankrike.2

Sangtekstene jeg skal analysere var i stor grad en del av den politiske konteksten. Alle

fulgte normen med at de ble skrevet før melodien. Unntaket er avslutningen av hele

forestillingen, siste sang i sjette intermedium, balloen O che nuovo miracolo. Dette nummeret

fikk skrevet musikk og koreografi først, deretter ble den sterkt politiske teksten skrevet. (se

Sjette intermedium: La discesa d’Alloppon e Bacco col Ritmo e l’Armonia). I mange av

sangtekstene blir Ferdinando og Christina blir sidestilt med de antikke gudene og heltene,

både eksplisitt og implisitt. Det første eksempelet finner man allerede i åpningen av første

intermedium, hvor Ferdinando blir sammenlignet med Herakles og Christina med Minerva.

Tekstene til intermediene inneholder også mer subtil symbolikk. Det kan være henvisninger

til en spesielt lykkelig dag, som i denne sammenhengen bare kan tolkes som bryllupsdagen.

Jeg skal begynne med å gjøre rede for kildene mine og metodene jeg har brukt for å

kunne skrive om det jeg fant i disse. Deretter forklarer jeg begrepet intermedium, og gir en

kort historisk gjennomgang av denne sjangeren. Så kommer en gjennomgang av hva som

foregikk under feiringen, hvilke personer som var med, og hvilken rolle de forskjellige hadde.

Neste steg blir å kategorisere sangtekstene som ble brukt i intermediene ut i fra om de har en

klar politisk agenda eller ikke. I den siste omgangen skal jeg se på hvordan komponistene har

behandlet disse tekstene, både generelt og ved å analysere fem sanger med politisk tekst

nærmere. Jeg har især undersøkt hvordan disse politiske tekstene er bygget opp, hvorvidt

komponistene understreker de politiske poengene i dem og i tilfelle på hvilke måter.

2 Det antikke Romerriket ble sett på som den gamle gullalderen.

8

2. Kildene

Det finnes to hovedkilder til det som vites om forestillingen og feiringen, og disse er ikke

enige om hva som faktisk foregikk og hvilke sanger som var med i intermediene. Denne

forvirringen var et resultat av rivaliseringen mellom Ferdinandos «kulturminister» Emilio

Cavalieri (1550–1602) og Grev Giovanni de Bardi (1534–1612). Sistnevnte hadde blitt brukt

til å arrangere seremonier og festligheter for Medici-familien i mange år. Mer om denne

rivaliseringen kommer i kapittelet om viktige aktører.

Den første hovedkilden, «Descrizioni»,3 er skrevet av sekretæren til Academia della

Crusca,4 Bastiano de Rossi (1550/60–ca. 1650),5 og var den offisielle beskrivelsen av

forestillingen. Rossi var ansatt av grev Bardi. Hans beskrivelser inneholder Bardis

intensjoner, men de har ikke med endringene Cavalieri gjorde mot slutten av forestillingens

produksjon. Disse endringene bestod i å bruke andre tekster, andre aktører og musikere.

Rossis beskrivelse inneholder lite informasjon om musikken, og nevner ikke at intermediene

ble fremført til to andre komedier som også var en del av feiringen.6 Rossis «Descrizioni»

beskrev i så stor grad grev Bardis intensjoner mer enn det som ble resultatet at storhertug

Ferdinando på ett tidspunkt ga ordre om å revidere den og trykke den på nytt.7

Ferdinando bestilte uvanlig mange «Descrizioni», eller beskrivelser av feiringen.

Ifølge Marco Bizzarini er Ferdinandos agenda tydelig: Han vil ta oppmerksomheten vekk fra

de uklare omstendighetene rundt sin maktovertaking (se Historisk kontekst, kapittel 5.), og

han vil understreke overgangen fra spansk til fransk allianse og innflytelse.8

Den andre hovedkilden, «Intermedii e concerti»,9 er den offisielle noteutgaven som ble

bestilt av storhertugen gjennom Cavalieri. Den ble satt sammen av Cristofano Malvezzi

(1547–1599), kapellmesteren i Firenzes domkirke Santa Maria del Fiore og trykket av

Giacomo Vincenti (død 1619) i Venezia i 1591. Utgaven består av 14 stemmebøker som

inneholder både melodi og tekst til de respektive stemmene. Spesielt interessant er

stemmeboken til den niende stemmen, Nono. I tillegg til den niende vokalstemmen inneholder

den informasjon om hvilke instrumenter som ble brukt, og en oversikt over hvordan tekstene

kan ha vært skrevet og organisert før de fikk melodi. Den inneholder også en del informasjon

3 Full tittel: “Descrizione dell'apparato e degl'intermedi fatti per la commedia rappresentata in Firenze nelle

nozze de' serenissimi don Ferdinando Medici e madama Cristina di Lorena, gran duchi di Toscana”. 4 KIRKENDALE 1972, S. 44. 5 ZAMPINO 1991 [Lesedato: 14.12.2014]. 6 PIRROTTA 1982, S. 213. 7 SASLOW 1996, S. 29. 8 BIZZARINI 2003, S. 183. 9 Full tittel: “Intermedii e concerti, fatti per la comedia rappresentata in Firenze nelle nozze del Serenissimo Don

Ferdinando Medici, e Madama Christiana di Lorena, Gran Duchi di Toscana”.

9

om hvem som sang og spilte de forskjellige sangene, i alle fall når aktørene var berømte.

Denne beskrivelsen er mye mer nøyaktig enn Rossis «Descrizioni» når det gjelder

informasjon om komponistene og utøverne. I Nono finnes også partiturer til tre av

solomadrigalene: Dalle più alte sfere, Dunque fra torbid’onde og Godi turba mortal.

Vokalstemmene er også skrevet i stemmeboken Canto og er der mer utbroderte versjoner av

melodiene som finnes i Nono. Det kan tyde på at partiturene i Nono ble brukt til instrumentalt

continuo-aktig akkompagnement og støtte til vokalisten. I tillegg er det en beskrivelse med

skisser av hvordan koreografien til balloen O che nuovo miracolo så ut.10

En tredje viktig kilde til musikken er manuskriptet Magliabecchi Ms. 66, som

oppbevares i Nasjonalbiblioteket i Firenze. Der finnes det to stykker som ble fremført under

feiringen. Walker har i sin kritiske utgave (se nedenfor) gjengitt to av dem: Io che dal ciel

cader, og Coppia gentil,11 hvorav førstnevnte ikke finnes i Malvezzis «Intermedii et

concerti». Ghisi skriver i forordet til Walkers noteutgave at grunnen til dette kan være at

stykket ikke fikk en positiv respons fra hoffets musikkyndige.12 I Magliabecchi Ms. 66 finnes

bare sopranstemmen og basstemmen til de to stykkene, og i sopranstemmen er det

ornamentering som ligner mye på den stilen vi finner i de andre solomadrigalene. Dette vitner

om at musikken til intermediene ble brukt ved flere anledninger og i andre kontekster, og at

besetningen kunne variere. Den enkle vokalstemmen kjent fra Malvezzis utgave kunne på

denne måten forandres betydelig ved hjelp av improviserte vokale ornamenter.13

I mitt arbeid har jeg brukt den kritiske noteutgaven D. P. Walkers utgav i Paris i 1962

som utgangspunkt. I den oppgir han som regel både tekstene som fantes i Nono, og de som

fantes hos Rossi. I tillegg finnes hele Malvezzis trykk av «Intermidii et concerti» tilgjengelig

på imslp.org, en nettside for public domain notetrykk. Jeg har dessverre ikke kommet over en

utgave av Rossis «Descrizioni», men i «Gli Albori del melodramma Vol. 2» har Solerti

gjengitt de aller fleste av tekstene Rossi utga.

10 MALVEZZI 1591. Nono. [S. 21]. 11 GHISI 1963, XIX. 12 Ibid. s. XX. 13 Ibid. s. XIX.

10

3. Metode

Jeg har i arbeidet mitt hatt en historisk-hermeneutisk tilnærming til kildene. Det vil si at jeg

har forsøkt å rekonstruere den forståelsen og det verdensbildet som var dominerende på denne

tiden, og bruke dette i mine tolkninger av dem.14 Dette perspektivet krever at jeg har måttet

forsøke å unngå konseptuelle og terminologiske anakronismer. Særlig to felt har blitt berørt

av dette: det harmoniske aspektet og måten musikken er notert på. Slutten av 1500-tallet var

en overgangsperiode mellom den modale musikkteorien og den moderne harmonilæren. Det

vil si at selv om det brukes stort sett det som i dag kalles dur- og moll-akkorder i intermediene

vil det være feil å betegne dem som dette. I analysene under vil jeg derfor bruke stor bokstav

for ioniske akkorder og liten bokstav for aeoliske, på samme måte som Lewis Lockwood i sin

definisjon av terminologi til bruk av en analyse av Palestrinas Missa Papae Marcelli.15

Av samme grunner blir det hverken riktig å bruke begrepene for modal polyfon

musikk som autentisk og plagal kadens eller moderne begrep som tonika, dominant og hel- og

halvslutning. I oppgaven vil jeg heller bruke begrepet grunnakkord for det tonale senteret og

kvintfall og kvartstigning i bass om avslutningene av de musikalske frasene. Dette fordi jeg

har sett at disse bevegelsene er brukt regelmessig i frasesluttene.

Som hovedkilde for mine analyser har jeg som nevnt ovenfor brukt Walkers kritiske

utgave. Alle henvisninger til takter er til denne utgaven. Når jeg går enda nærmere inn i

analysene og beskriver musikalske formler, som i Coppia gentil og O fortunato giorno, tar jeg

Malvezzis originalutgivelse av musikken med i betraktningen. Denne musikken er skrevet

med mansuralnotasjon. Dermed vil perfekt og imperfekt brevis, semibrevis, semibrevis altera

og minima være korrekt terminologi for å beskrive rytmikken i musikken. I Nono er noe av

musikken skrevet ned som partitur; der er det brukt taktstreker. I de øvrige stemmebøkene er

taktstreker ikke brukt.

Jeg har hatt en filologisk tilnærming til tekstene i intermediene. Jeg har i stor grad

analysert dem først, for deretter å analysere musikken og sammenligne den med hva jeg fant i

tekstene. For å kunne gjøre dette har jeg studert Wilhelm Theodor Elwerts bok

«Versificazione italiana dalle origini al giorni nostri» fra 1976 om hvordan italiensk poesi og

språk er bygget opp. Hvilken terminologi jeg har brukt beskrives i kapittelet om tekstanalyse

(11.1.).

14 LÆGREID 2014, S. 204. 15 LOCKWOOD 1975, S. 89–90.

11

For å kunne beskrive hvordan musikken ble komponert til en allerede eksisterende

tekst har jeg studert tre aspekter ved musikkens forhold til teksten: deklamasjon, syntaks og

semantikk. Dette arbeidet har jeg basert i stor grad på artiklene om dette som finnes i «Oxford

Music Online», som inkluderer både «Grove Music Online», «The Oxford Dictionary of

Music» og «The Oxford Companion to music». Jeg greier ut mer om disse under kapittelet

om musikkanalyse (11.3.).

Hver gang jeg nevner ett av stykkene fra intermediene følger et nummer i parentes.

Dette nummeret henviser til stykkets plassering i intermediene. På side 37 er en tabell over

alle tekstene i intermediene, der er også alle tallene oppført.

12

4. Intermedium

Fra Firenze har finnes beretninger om intermedier som ble brukt i et bryllup i 1518 (se

nedenfor), men de første intermediene dukket allerede opp i Ferrara på slutten av 1400-

tallet.16 Disse ble brukt som underholdning mellom aktene i oppføringene av antikke

komedier av for eksempel Titus Maccius Plautus (254 f. kr.–184 f. kr.). Ettersom disse

dramatiske stykkene var delt inn i fem akter var det nødvendig med fire intermedier, ett

imellom hver akt.17 Etter hvert ble det i tillegg vanlig å ha intermedier både før og etter

teaterstykker, slik at det til sammen ble fremført seks intermedier.

Intermediene var i begynnelsen ment som et klart skille mellom aktene i et

teaterstykke, ettersom bruk av scenetepper mellom aktene ikke var vanlig. Bruken av termen

intermedium om underholdningen før og etter teaterstykker var omdiskutert, ettersom

intermedium betyr mellomliggende. Den florentinske akademikeren Bernardo de’ Nerli skrev

at intermediene bare burde forekomme mellom aktene i «moderne» oppsetninger fordi sanger

bare ble sunget mellom aktene i klassiske dramaer. Presset fra publikum gjorde likevel at

Nerli likevel skrev intermedier som skulle fremføres før og etter Leonardi Salviatis (1540–

1589) Il Granchio fra 1566.18

Musikken som ble fremført i disse tidlige intermediene ble ofte spilt bak scenen, noe

som kalles intermedium non apparente.19 Mer populær enn intermedium non apparente ble

intermedium apparente, intermedietypen som var synlig på scenen.20 I denne formen for

intermedium brukte sangere og dansere kostymer og kulisser for å fremføre en mytisk

fortelling eller en hyrdefortelling. Intermediene fra 1589 tilhører denne kategorien. En av

forløperne til intermedium apparente kan være underholdning i form av sang og dans fremført

mellom rettene som ble servert på banketter på 1400-tallet, hvor det ofte kunne være opp mot

80 retter. Det ble også brukt musikk mellom akter i mysteriespill, hvor man måtte ha noe som

illustrerte at tiden gikk, for eksempel et skille mellom en dag og den neste.21

Det ble gjort flere forsøk i løpet av 1500-tallet på å lage en enhetlig historie og et tema

for intermediene tilpasset det enkelte teaterstykke. Det var også stor debatt om de skulle være

med i det hele tatt. Skuespillforfatteren Gabriele Bombasi (1531–1602) rettferdiggjorde sin

bruk av intermedier i hans tragedie Alidoro med at de kunne være en fin pause fra det

16 NUTTER New Grove Online [Lesedato: 03.09.2015]. 17 GHISI 1963, S. XII. 18 NUTTER New Grove Online [Lesedato: 03.09.2015]. 19 Ibid. 20 Ibid. 21 Ibid.

13

komplekse plottet i tragedien hvis de hadde et samlet tema som var lett forståelig for

publikum.22 For å ikke forvirre publikum kom aktørene i intermediene fra steder hvor

aktørene i tragedien ikke kom fra, som opp fra gulvet og ned fra taket.

Intermediene ble veldig populære, men flere klagde på at de tok fokuset vekk fra

stykket. Av dem var den toskanske poeten og skribenten Anton Francesco Grazzini (1503–

1584), han skrev at «once intermedi were made to serve the comedy, but now comedies are

made to serve the intermedi».23

De mest påkostede intermediene var de som ble laget til spesielle politiske

anledninger, og i Firenze var det disse som ble satt opp. Skuespill som ikke var laget til

spesielle hendelser hadde ikke intermedier, men i Firenze var det vanlig med madrigaler og

canzoner mellom aktene.24 Intermediene ble komponert til brylluper og andre store hendelser,

og hadde ofte temaer og tekster som sammenlignet de regjerende med gudene. De kunne også

være hyllester til de herskende fra gudene, og de inneholdt profetier om hvor lys fremtiden så

ut med de rådende som herskere.25 Få slike intermedier er overlevert, men fra Firenze er det

bevart musikk fra et intermedium fremført i 1539 i tillegg til det fra 1589.

Det første dokumenterte tilfellet av et skuespill til en politisk hendelse i Firenze fant

sted i 1518, i forbindelse med feiringen av bryllupet mellom Lorenzo II de Medici (1493–

1519) og Madeleine de la Tour d’Auvergne (1495–1519). Lorenzo Strozzis (1482–1549)

Comedia in Versi ble brukt i feiringen, og Strozzi selv skrev musikken som ble brukt før og

mellom aktene. Dette var strengt tatt ikke intermedier, men musikk som ble brukt til å innlede

aktene. Det viste likevel trekk som kom til å bli vanlige i intermediene, som bruken av en

instrumentfamilie, og sang som blir ledsaget av ett instrument.26 Instrumentene hadde en stor

plass i intermediene. Av all musikken fra alle intermedier som er bevart finnes det bare ett

tilfelle av et a cappella-nummer. Det nummeret heter O Giovenil Ardire, og er fra

intermediene Strozzi Den Eldre skrev til Lotto del Mazzas komedie I Fabii i 1568.27

Den tidligste bryllupsfeiringen hvor man har bevart hele intermedienes musikk fant

sted i 1539 i Firenze. Bryllupet var mellom Cosimo I de Medici (1519–1574) og Elonora di

Toledo (1522–1562), og til feiringen skrev Antonio Landi (1506–1569) komedien Il Comodo.

Giovan Battista Strozzi den eldre (1505–1571) skrev tekstene til intermediene, og musikken

22 NUTTER New Grove Online [Lesedato: 03.09.2015]. 23 Ibid. 24 Ibid. 25 Ibid. 26 Ibid. 27 Ibid.

14

ble skrevet av Francesco Corteccia (1502–1571). Det var seks intermedier, ett før prologen,

og ett etter hver av de fem aktene. Musikken ble gitt ut i en minneutgave i Venezia samme

år.28

28 NUTTER New Grove Online [Lesedato: 03.09.2015].

15

5. Historisk kontekst

Familien Medici var en familie som hadde styrt Firenze med jevne mellomrom siden 1434, da

Cosimo di Giovanni de Medici den eldre (1389–1464) tok over som gran maestro, overhodet

til republikken Firenze.

I 1527 ble Roma plyndret av Karl Vs (1500–1558) soldater, ettersom han ikke hadde

midler til å betale dem lønn etter de italienske krigene mot blant annet Frankrike. Der ble

Pave Klemens VII (1427–1534), som tidligere het Giulio di Giuliano de Medici, fanget i

Castel Sant’Angelo. Etter plyndringen og utpressing av kardinalene gjeninnsatte Karl V

paven. Ettersom paven var en tidligere Medici, og Cosimo I de Medici (1519–1574) hadde

hjulpet Karl V i de italienske krigene, anerkjente Karl V Cosimo I som hertug av Firenze.

Deretter hjalp Karl V Cosimo I med å ta Siena, den siste byen i Toscana som sto imot

Firenzes dominans, og Cosimo I fikk tittelen storhertug av Toscana. Ettersom Paven var

gjeninnsatt av Karl V, og en tidligere Medici, anerkjente også han Cosimo Is nye tittel. På

denne måten knyttet det tysk-romerske riket, det spanske imperiet, Roma og Firenze sterke

bånd. Cosimo I giftet seg med Eleonora di Toledo (1522–1562), datter av Don Pedro Álvarez

de Toledo (1484–1553), den spanske visekongen i Napoli. Hun kjøpte Palazzo Pitti, som

ligger på Oltrarno, sørbredden av Arno, som ble Medici-familiens hovedsete. Hun fødte syv

sønner og fire døtre.

Francesco I de Medici (1541–1587) tok over som storhertug av Toscana da Cosimo I

døde. Francesco Is første kone var Johanna av Østerrike, datter av Ferdinando I av det tysk-

romerske riket, bror og etterfølger av Karl V. Francesco og Johanna fikk seks døtre og en

sønn. Den mest kjente er kanskje Maria de Medici (1573–1642) som ble kong Henrik IV

(1553–1610) av Frankrikes andre kone. Da Johanna døde giftet Francesco seg med sin

venetianske elskerinne Bianca Cappello (1548–1587). 13 år etter at han tok over makta døde

han og hans Bianca samme dag i Medici-villaen i Poggio a Caiano. Den offisielle rapporten

skriver at de døde av malaria, men det finnes flere teorier om at hans bror og etterfølger,

Ferdinando I de Medici (1549–1609), lot dem forgifte med arsenikk.

Ferdinando I de Medici var Cosimo Is femte sønn, den tredje som overlevde sin egen

fødsel. Han ble kardinal i en alder av 14 år, men ble aldri ordinert til prest. I 1587 tok han

over som storhertug av Toscana. Han giftet seg i 1589 med Christina av Lorraine (1565–

1637), som var yndlingsbarnet til dronning Catharina de Medici (1519–1589) (Catharina og

Ferdinando var fra to forskjellige grener av Medici-familien, som skilte lag allerede på 1300-

tallet). Denne knyttingen av forbindelser til Frankrike stod i stor kontrast til Ferdinando Is to

forgjengere, som hadde giftet seg med allierte fra Spania og det tysk-romerske riket.

16

Ferdinando I ville med dette minske innflytelsen fra sine allierte, og knyttet sterkere bånd til

et Frankrike som på denne tiden var preget av interne kriser.29 Han håpet på denne måten å

styrke sin posisjon som storhertug av Toscana, og å bli mindre bundet av en annen stormakt.

29 NAGLER 1964, S. 70.

17

6. Bryllupet og feiringen

Selve vielsen av Christina av Lorraine og Ferdinando I de Medici fant sted i Blois i Sentral-

Frankrike. Ferdinando hadde ikke mulighet til å være til stede, men Charles de Valois (1573–

1650), kong Karl IX (1550–1574) av Frankrikes uekte sønn, fungerte som hans

stedfortreder.30 Opprinnelig hadde Ferdinando et ønske om at feiringen av bryllupet skulle

sammenfalle med karnevalsesongen, men på grunn av dødsfallene til Christinas far, hertugen

av Lorraine og Catherine de Medici av Frankrike, og attentatene på hertugen av Guise og

kardinalen av Lorraine, kunne ikke vielsen finne sted før i slutten av februar.31 Ferdinando

ville ikke ha feiringen i løpet av fasten, og bryllupet ble utsatt til påsken. Christina gjorde sitt

inntog i Firenze på palmesøndag, den 30 april 1589. Både i middelalderen og senere var det

vanlig for hertuger, fyrster og andre adelige å gjøre sine inntog på denne dagen, slik Jesus

hadde gjort sitt inntog i Jerusalem. Dette ble gjort for å posisjonere seg nærmere Jesus i folks

bevissthet og på den måten bidra til å rettferdiggjøre deres styre og posisjon.32

Den 30. april reiste Christina av Lorraine fra Poggio a Caiano og gjorde sitt inntog i

Firenze. I Poggio a Caiano hadde hun få dager før møtt sin ektemann for første gang, samme

sted som hennes svoger og hans forhatte hustru hadde dødd to år før.33 Prosesjonen inn i

Firenze gikk gjennom Porta al Prato, via domkirken Santa Maria del Fiore hvor den nye

storhertuginnen ble velsignet, til Palazzo Pitti. Langs prosesjonen var det satt opp en rekke

buer som var dekorert med bilder fra Medici-familiens historie, lærde sitater på latin og

våpenskjoldene til Firenze og Lorraine. Buene skulle minne alle om hva slags historie Medici-

familien hadde, og hva man kunne forvente av det nye paret. Tradisjonen med denne typen

dekorasjon langs en prosesjonsrute stammer fra Roma, og ble importert til Firenze da Medici-

familien og Firenze fikk sin første pave i 1513, pave Leo X.34 Samme kveld var det en

bankett. De resterende dagene ble feiret på følgende vis:

Den 1. mai bar unge bønder fra Pretola en maistang inn i Firenze, og mot kvelden var

det en musikalsk soaré etterfulgt av et ball.35

2. mai var det duket for feiringens høydepunkt, fremføringen av La Pellegrina, med

intermediene. Dette ble etterfulgt av en bankett i Palazzo Vecchio, rådhuset i Firenze.

30 FENLON 2002, S. 221. 31 FENLON 1989, S. 265. 32 KIPLING 1998 S. 22 -23. 33 FENLON 2002, S. 226. 34 CUMMINGS 1992, S. 67. 35 NAGLER 1964, S. 71.

18

3. mai var feiringen av korsmesse, en av to tradisjonelle fester i den latinske liturgien,

som feiret korset som et symbol på frelse. Festen den 3. mai het Inventio crucis, og ble feiret

til minne om keiserinne Helenas (ca. 257–337) gjenoppdagelse av korset. Denne dagen feiret

storhertugen og storhertuginnen nattverd. Om kvelden reiste storhertuginnen i en vogn til

basilika Santissima Annunsiata, hvor en freske av Jomfru Maria ble avduket.36 Det var også

en instrumentalkonsert.

Skjærtorsdag, 4. mai, ble det avholdt en tradisjonell florentinsk fotballkamp, calcio, på

Piazza Santa Croce. Reglene for dette spillet ble for første gang utgitt av Grev Giovanni de

Bardi i 1580, ni år før denne fotballkampen. Fra 1930 til den dag i dag finnes det fire lag i

Firenze, som hører til hvert sitt kvartal: Santa Croce – Azzurri (blå), Santa Maria Novella –

Rossi (røde), Santo Spirito – Bianchi (hvite) og San Giovanni – Verdi (grønne). På 1500-tallet

var det mange flere lag, og i denne spesielle kampen var det et lag i hudfarget sateng og et i

lyseblå drakter som spilte. Det første laget var foretrukket av storhertugen, det andre av hans

kone. Storhertuginnens lag vant, selvsagt.37

Langfredag var det en pause i feiringen.

Påskeaften, 6. mai, ble det fremført en annen komedie, La Zingara, fremført av

truppen Comici Gelosi i Uffizis teater. Comici Gelosi var den mest berømte Comedia

dell’arte-truppen på denne tiden, og Ferdinando hadde bedt dem å fremføre en selvvalgt

komedie. Dette var vanskelig, ettersom truppen hadde to divaer som ville vise seg frem.

Løsningen ble to forestillinger, en den 6. og en den 13. mai.38 I La Zingara var det Vittoria

Pissimi som fikk stå i rampelyset. Intermediene ble fremført også til denne komedien.

Første påskedag var det høymesse i Basilika San Lorenzo, og om kvelden var det en

bankett i Salone dei Cinquecento i Palazzo Vecchio. Det ble servert 32 retter, og det er

sannsynlig at alle rettene ble presentert med en fanfare. Det ble i alle fall spilt

instrumentalmusikk hele kvelden.39

Andre påskedag var det dyrekamper på Piazza Santa Croce. Både løver, tigre, bøfler,

okser, bjørner og rever var i aksjon. Publikum ble godt underholdt for eksempel av et muldyr

som ble revet i fillebiter av løver.40 Det var også en miniatyrversjon av dyrekampene, hvor

katter og rotter kjempet. Rottene vant og publikum var fornøyd.

36 NAGLER 1964, S. 71. 37 Ibid. 38 Ibid. S. 90. 39 Ibid. S. 72. 40 Ibid.

19

Tirsdag 9. mai ble San Antonius, den første erkebiskopen i Firenze, feiret. Hans

relikvier ble båret mellom to kapeller i basilika San Marco via en rute som dekket halve

Firenze.

10. mai var det lanseturnering på Piazza Santa Croce.

11. mai var det kampen mot tyrkerne som stod i fokus. Det var både et slag på dagtid

og et nattlig sjøslag. Det ble dystet med lanser mot barrierer og hele borggården til Palazzo

Pitti ble fylt med vann for å simulere sjøslaget. Først var det et slag i borggården mot en falsk

borg. Triumfvogner, carri trionfali, fraktet deltakerne og ble trukket av blant annet en drage,

to løver og to bjørner. Løvene og bjørnene var egentlig esler med dyreskinn over seg.41 Dette

slaget ble avsluttet med fyrverkeri, før deltakerne trakk seg tilbake, og borggården ble ryddet

og fylt med vann for sjøslaget. Det var 18 galeier av varierende størrelse, og slaget mot den

tyrkiske borgen ble til slutt vunnet av de kristne ved hjelp av taustiger.42 Tyrkerne var en reell

fiende, som blant annet herjet Middelhavet som pirater. Det var på grunn av dem at Livorno

hadde blitt en befestet havneby. Livorno var basen for Sant Stefanos orden, en orden som

hadde som oppgave å beskytte den vestre delen av Middelhavet mot pirater, og Ferdinando

var en av deres mesener.43 Dette var en av grunnene til at Christina hadde gått i land der på

sin reise til Firenze. Å ha et sjøslag mot den tyrkiske fienden kan ha vært med på å fremheve

Ferdinandos engasjement mot Tyrkerne på havet. Tyrkerne var på denne tiden en standard-

skurk, som også ble brukt i et lite sjøslag på Arno da Christina kom til Pisa. Også her ble

tyrkerne beseiret, og hertugens palass ble her brukt som en trygg havn.44 Det er mulig at det

slaget som ble simulert i borggården til Palazzo Pitti var det kjente slaget ved Lepanto i 1571,

hvor tyrkerne gikk på et stort tap.45

12. mai var en fredag, muligens en fridag. Deltakerne var antakelig slitne etter en lang

natt med sjøslag.

13. mai ble La Pazzia fremført, som den tredje komedien i løpet av feiringen. Den ble

fremført av Comici Gelosi, samme trupp som fremførte La Zingara den 6. mai. Denne dagen

var det Isabella Andreini (1562–1604) som fikk spille hovedrollen.46 Andreini spilte en pike

som ble gal, og mot slutten rablet hun på flere språk. Christina skal ha vært henrykt over at

Andreini rablet på fransk. Også her ble de samme intermediene fremført.

41 NAGLER 1964, S. 91. 42 Ibid. S. 92. 43 SASLOW 1996, S. 129. 44 Ibid. S. 132. 45 TARUSKIN 2010, S. 779. 46 NAGLER 1964, S. 90.

20

Den 14. mai var det pause i festlighetene, men 15, mai var det igjen fremføring av La

Pellegrina, denne gangen for de som kom litt sent til feiringen, som for eksempel de

venetianske representantene.

Den 23. og 28 mai, samt den 8. juni, var det henholdsvis en turnering, en symbolsk

parade fra Palazzo Pitti og en fremføring av en av komediene, med intermediene.47

I kildene som forteller om feiringen står det lite om de klerikale begivenhetene. Dette

kan være fordi det i disse seremoniene antakeligvis ble brukt tradisjonell kirkelig musikk og

tradisjonelle liturgiske tekster og ritualer, og det var derfor ikke nødvendig å skrive ned disse

hendelsene i beskrivelser som var ment for den umiddelbare ettertid. Det er mulig å

rekonstruere seremoniene ved hjelp av kirkebøkene som var i bruk på denne tiden, men det er

ikke min oppgave her. Det jeg skal gjøre er å påpeke at de mange kirkelige seremoniene viste

det sterke båndet mellom brudeparet, det verdslige styret, og kirken.

47 SASLOW 1996, S. 19.

21

7. Teateret

Komedien og dens intermedier ble vist i Uffizis teater. Uffizi-bygningen ble påbegynt av

Giorgio Vasari (1511–1574) på bestilling fra Cosimo I de Medici i 1560. Det stod ferdig i

1581, og ble brukt, som navnet tilsier, til kontorer og administrasjon. Teateret befant seg i den

østre fløyen, og var blitt bygget om til mange feiringer, men etter feiringen i 1589 og

Buontalentis (se nedenfor) innsats ble det ikke bygget om flere ganger. Buontalenti hadde

forandret scenerommet mange ganger til de forskjellige festivalene til Medici-familien, og

denne gangen forandret han teaterrommet slik at Uffizis teater var det første i Italia med en

fast proscenium arch, det buede området mellom sceneteppet og publikum.48 På hver side av

scenen var det plassert en elvegud: på den ene siden Arno, på den andre siden Moselle. Arno

representerte Firenze og storhertugen, og var dekorert med en vinget, heraldisk løve, og en

lilje.49 Moselle er en sideelv til Rhinen, som går gjennom Lorraine, og den representerte

derfor storhertuginnen. Moselle var omringet av hegrer.50

48 FENLON 2002, S. 219. 49 Liljen kan både ha vært florentinsk lilje og il fleurs-de-lis som var en del av våpenskjoldet til Medici-familien. 50 NAGLER 1964, S. 73.

22

8. Aktørene:

8.1. Bardis utgangspunkt

Grev Giovanni de Bardi hadde vært en venn av Medici-familien lenge. Han hadde kjempet

med Cosimo I for å innlemme Siena i storhertugdømmet, og han hadde arrangert seremonier

og fester i forbindelse med offisielle anledninger. Bardi var ansvarlig for å lage temaene til

komediens intermedier som skulle fremføres i løpet av feiringen. Han valgte å ikke bygge

intermediene opp mot de forskjellige aktene i komedien, og intermediene hadde heller ikke en

klar enhetlig handling. Dette gjorde han fordi han mente at det var nok for publikum å følge

én historie.51 Intermediene ble også fremført til to andre komedier, La Zingara og La Pazzia,

og det kan ha vært en medvirkende årsak til at intermediene ikke ble bygget opp rundt La

Pellegrina. Bardi konstruerte seks intermedier, med et løst overordnet tema om musikkens

kraft i den antikke historien. Bardi var også komponist for ett av musikkstykkene, og skrev

tekst til to av dem (Miseri habitator (18), Dalle più alte sfere (1) og E noi con questa bella

diva (20). Det var vanlig at de fire intermediene i midten, de «originale», representerte de fire

elementene (ild, luft, jord og vann)52 og praksisen fortsatte i nesten 75 år i både intermedier

og operaer.53 Bardi skrev inn alle disse elementene i intermediene: Det andre intermediet kan

ha representert himmelen og lufta, det tredje jorden, det fjerde helvete og ild, og det femte

vann.54 Det fjerde intermediet er det eneste som ikke har noe å gjøre med musikkens makt og

mytologi å gjøre ifølge Aby Warburg.55 Han mener at det kan være satt inn som en kontrast til

den gleden som finnes i alle de andre intermediene. På en annen side kan jeg argumentere for

at intermediet i alle fall har noe med musikkens makt å gjøre: Trollkvinnen bruker tross alt

sang for samle himmelens demoner for å få svar på sitt spørsmål om den nye gullalderen. At

intermediet er med vitner også om en sterk tradisjon for å ha med et intermedium i helvetes

ild, selv om dette ikke nødvendigvis passer inn med temaene til resten av intermediene.

Bardi sluttet seg ideologisk tett opp mot idealene for tonsetting av tekst som man fant

hos Camerata Fiorentina (se under), men som man kan se og høre i musikken til

intermediene, måtte ikke alle andre følge hans prinsipper. Det er også rimelig å anta at Bardi

ikke hadde stor nok innflytelse til å tvinge alle aktørene til å følge hans prinsipper, særlig etter

at Cavalieri fikk hovedansvaret for hele oppsetningen.

51 PIRROTTA 1982, S. 213. 52 NUTTER New Grove Online [Lesedato: 03.09.2015]. 53 PIRROTTA 1982, S. 273. 54 Ibid. 55 WALKER 1963, S. XXIX.

23

Bardi mente ikke å få frem en spesiell teori eller estetikk i det musikalske og poetiske i

intermediene. Hadde han gjort det, ville Rossi hadde fått det med i sin beskrivelse. I stedet

skriver Rossi at Bardi ville tilfredsstille forventningene til publikum, i tillegg til å glede seg

selv og de lærde med detaljer bare de høyst utdannede kunne forstå.56 Bardi var en dilettant,

og komponerte slik at tekstfraser ikke ble delt opp, og at den naturlige rytmen i teksten ble

bevart. Hans overordnede mål var at teksten skulle forstås.57

8.1.1. Platons idealstat

Bardi hentet mye inspirasjon fra den greske filosofen Platon (429 f. kr.–347 f. kr) da han

skrev intermediene, både fra Platons ideer om musikkens makt og fra hendelser Platon

beskrev i sine tekster. Platon skrev i «Staten» at musikk spiller «den største rollen i

oppdragelsen, fordi rytme og harmoni trenger dypest inn i sjelen, griper den kraftigst, bringer

skjønnhet, og gjør det menneske som får høre den skjønne musikk edelt…»58 I følge Platon

må man passe på at musikken alltid er underordnet teksten, for av god tekst følger god rytme

og god melodi, og begge deler har god innflytelse på mennesket. I følge Platon hadde ulike

harmoneiai59 ulik påvirkning på mennesket, det være seg positivt og negativt. Dorisk og

frygisk harmonieia ble fremhevet som harmoneiai som illustrerer modige menn under stress

og i kamp (frygisk) og rike menn som viste moderasjon og beherskethet i alle situasjoner

(dorisk). Dette var dyder Platon satte høyt.60 Han skrev videre at lyre og khitara var

foretrukne for akkompagnementet, og at disse skulle være unisone med melodien. Alle former

for motstemmer, variasjoner og ornamenter ble ekskludert fra Platons stat, ettersom det bare

tjente til forvirring og gjorde tekstene mindre tydelige for tilhørerne.61 Disse tankene finner

man igjen i Bardis intermedier, som åpnet kvelden med en solomadrigal sunget av den doriske

harmonien i skikkelsen til en gudinne. Man ser også at alle solomadrigalene i intermediene

ble akkompagnert av strengeinstrumenter. Bardi bruker scener fra Platons skrifter som

bakgrunn for en del av sine intermedier, og han avslutter hele kvelden med at harmoni og

rytme, to av de viktigste aspektene i Platons utdanning, blir gitt til menneskene.

I «Staten» beskriver Platon en idealstat, og musikkens rolle i denne. Når Bardi bruker

sin musikk som bygger på de samme prinsippene som blir beskrevet i idealstaten til å hylle

56 PIRROTTA 1982, S. 214/215. 57 Ibid. S. 212. 58 MØRLAND 1946, S. 134. 59 Harmoneia var på Platons tid en form for toneart og måte å skrive melodi på. 60 MØRLAND 1946, S. 130 – 131. 61 ANDERSON Grove Music Online [Lesedato: 14.01.2015].

24

brudeparet og deres styre er det et tegn på at deres styre blir et idealstyre på lik linje med det

man finner i «Staten».

De toneartene eller harmoneiai som Platon kalte dorisk og frygisk var ikke like de som

Bardi og hans samtid betegnet med samme navn. Dette skyltes en misforståelse som ble gjort

i middelalderen, hvor starttonene i modusene dorisk – frygisk – lydisk – miksolydisk var

stigende. I antikken representerte samme rekkefølge en fallende rekke starttoner.62

8.1.2. Camerata Fiorentina

Intermediene til La Pellegrina blir ofte trukket frem når det er snakk om den humanistiske

utviklingen i musikken i andre halvdel av 1500-tallet. Dette kommer av at mange av de sterke

kunstneriske stemmene diskuterte humanismen og antikkens prinsipper, og disse befant seg i

Firenze. Disse personene var derfor en naturlig del av oppsetningen til intermediene, selv om

ideene de diskuterte i liten grad kan sees i musikken og tekstene til intermediene. I Firenze på

1570-tallet var det mange klubber med menn som diskuterte humanisme og antikkens idealer,

og den mest kjente av dem er kanskje Camerata Fiorentina. Mange av de som var med i disse

klubbene var de som senere utviklet de første operaene, som en konsekvens av diskursen

rundt tekstdeklamasjon og musikkens underordnede rolle.

Det som senere er blitt kjent som Camerata Fiorentina var i utgangspunktet

sammenkomster av poeter, musikere og intellektuelle hjemme hos Grev Bardi. Dit kom

adelens unge gutter for å lære av de eldre lærde. Både Giulio Caccini, Giovanni Battista

Strozzi og komponist og musikkteoretiker Vincenzo Galilei (1520–1591), far til

vitenskapsmannen Galileo Galilei, tok del i diskusjonene i Bardis villa. I tillegg hadde poeten

Ottavio Rinuccini og den adelige komponisten Jacopo Peri tilknytning til gruppen.63

Florentineren og den klassiske filologen Girolamo Mei (1519–1594) hadde mye kontakt med

gruppen per brev fra Roma, hvor han studerte alle kjente kilder til musikk i antikken, og stilte

spørsmålstegn ved om den da moderne polyfone musikken egentlig var den «rette» for å

provosere frem de effektene som antikkens musikk angivelig hadde på menneskene.

Rundt 1578 skrev Bardi en diskurs som antakelig summerte opp gruppens tenkning.

Bardi skrev at all tekst burde bli deklamert homorytmisk og så klart som mulig. Den naturlige

62 JEPPESEN 2013, S. 61. 63 SASLOW 1996, S. 28.

25

talerytmikken og betoningsmønsteret burde imiteres i melodien, og melodiens ambitus burde

ikke være mye større enn det normale taleleiet.64

Musikken i intermediene er dog lite preget av humanismens ideologi og komponistene

har heller konsentrert seg om å komponere musikk som passer til forestillingen og

anledningen. Det finnes selvfølgelig noen stykker som har elementer av humanismens ideer i

seg, og Bardis eget stykke er et godt eksempel på det. Slik humanistisk musikk fantes ikke

bare i Firenze, og var ikke spesielt knyttet til Camerata Fiorentina. Et godt eksempel finnes i

Vincenza: I venetianeren Andrea Gabrielis musikk til Edipo Tiranno fra 1585 er musikken

ekstremt homofon og enkel, for å få frem teksten til Sofokles’ tragedie.65

8.2. Cavalieri og Buontalenti

Ferdinando I de Medici videreførte mye av sin fars sentraliseringspolitikk, og utnevnte Emilio

de Cavalieri (1550–1602) til en kunstminister, den første av sitt slag.66 Dette ble gjort i

forbindelse med Ferdinandos eget bryllup.67 Cavalieri fikk hovedansvaret for

bryllupsfeiringen, noe som førte til en viss rivalisering mellom ham og Bardi. Ferdinando

hadde møtt Cavalieri da han var kardinal i Roma, og da han dro hjem til Firenze for å ta over

som storhertug tok han Cavalieri med seg.68 Av de to rivaliserende favoriserte Ferdinando

Cavalieri. Saslow antar at det kan ha noe å gjøre med at Bardi var storhertug Francescos

mann, og Ferdinando var uenig i sin avdøde brors måte å styre på. Francesco var opptatt av

okkulte fenomener, hadde en asosial personlighet og en skandaløs andrekone.69 Ferdinando,

på den annen side, var mer målrettet, og jaktet stadig på mer rikdom og politisk uavhengighet

ved hjelp av internasjonalt diplomati og teknologiske innovasjoner.70 Ferdinando hadde et

behov for å skape et klart skille mellom sin brors og sitt eget styre. Det kan tenkes at for

Ferdinando representerte Bardi det gamle styresettet fra Firenze, mens Cavalieri representerte

den nye stilen fra Roma, en stil Ferdinando følte seg mer hjemme i ettersom han hadde vært

64Den første delen av Bardis diskurs handlet om de 27 forskjellige stemmingene, oktavbegrepet og tonoi, og den

andre delen sammenlignet dette med 1500-tallets musikkteori. PALISCA Grove Music Online [Lesedato:

13.10.2015]. 65 SCHRADE 1960. 66 KIRKENDALE 2001, S. 88. 67 TREADWELL 2008, S. 14. 68 PALISCA Grove Music Online [Lesedato: 13.10.2015] 69 SASLOW 1996, S. 31. 70 Ibid. S. 10.

26

aktiv der som kardinal i så mange år.71 Cavalieri hadde den høyeste lønnen som er registret i

forbindelse med festlighetene, 25 dukater i måneden pluss losji i Palazzo Pitti og en hest.72

Mens Cavalieri hadde ansvaret for å organisere hele forestillingen hadde Bernardo

Buontalenti (1531–1608) hadde ansvaret for scenedesignet.73 Buontalenti var arkitekt,

scenedesigner og militær ingeniør, og er kanskje mest kjent for grotten han designet til

Bobolihagen bak Palazzo Pitti og det som i dag er Fort Belvedere. Ferdinando tok selv stor

del i planleggingen, hadde mye kontakt med både Cavalieri og Buontalenti og overvar mange

av prøvene til La Pellegrina.74 At Ferdinando var så mye tilstede i planleggingen tyder på

hvor viktig begivenheten var for ham. Han stolte dessuten mest på Cavalieri, og mente at det

ikke kunne utføres prøver uten at Cavalieri var til stede. Det var Ferdinando som mente at

sjette og siste intermedium trengte en større avslutning enn den Bardi hadde planlagt, og

dermed forkastet Ferdinando den originale slutten. Cavalieri skrev til denne avslutningen

balloen O che nuovo miracolo (28). En annen grunn til at Cavalieri forandret så mye på

planene til Bardi var, ifølge Walker, at hele forestillingen skulle tilfredsstille de kravene som

en slik spektakulær forestilling hadde.75

8.3. Variasjonen i kildene

Rossis «Descrizioni» og Malvezzis noteutgivelse har ikke med de samme stykkene. I

variantene og motsigelsene mellom de to utgivelsene kommer dynamikken i

forberedelsesprosessen tydelig frem. Prosessen var preget av rivaliseringen mellom Bardi og

Cavalieri, og kontrastene mellom deres motstridene meninger.76 Her gir jeg en oversikt over

hvilke av tekstene som finnes i de forskjellige kildene:

71 BIZZARINI 2003, S. 179. 72 SASLOW 1996, S. 38. 73 NAGLER 1964, S. 72. 74 TREADWELL 2008, S. 27. 75 WALKER 1963, S. XXVI. 76 PIRROTTA 1982, S. 213.

27

Et av eksemplene på rivaliseringen mellom Bardi og Cavalieri finner man i femte

intermedium. Rossi har skrevet at Arions sang begynner med Ardisci, ardisci forte (22b), men

77 SOLERTI 1904, S. 36/37.

Nr. Nono Rossi Magliabecchi

Intermedum I: Armonie delle sfere

1 Dalle celesti sfere Dalle celesti sfere

2 Noi che cantando Noi che cantando

3 Sinfonia Sinfonia

4 Dolcissime sirene Dolcissime sirene

5 A voi real amanti

6 Coppia gentil Coppia gentil

Intermedium II: La gara fra muse e Pieridi

7 Sinfonia

8 Belle ne fe natura

9 Chi dal delfino Chi dal delfino

10 Se nelle voci nostre

11 O figlie di Piero O figlie di Piero

Intermedum III: I combattimento Pitico d’Apollon

Ebra di sangue

12 Qui di carne si sfama Qui di carne si sfama

Sinfonia

13 O valoroso dio O valoroso dio

14 O mille volte O mille volte

Intermedium IV: La regione de’ Demoni

15 Io che dal ciel cader

16 Sinfonia

17 Or che le due grand’Alme Or che le due grand’Alme

18a Miseri habitator del cieco Averno Miseri habitator del cieco

Averno

18b Da ogni bocca

Intermedium V: Il canto d’Arione

19 Io che l’onde raffreno Io che l’onde raffreno

20 E noi con questa bella diva E noi con questa bella diva

21 Sinfonia

22a Dunque fra torbid’ onde

22b Ardisici, ardisici forte

23 Lieti solcando il mare Lieti solcando il mare

Intermedium VI:. La discesa d’Appollon e Bacco col Ritmo a ‘lArmonia

24a Dal vago e bel sereno

24b Chi con eterna legge

25a O qual risplende nube

25b Quando più fia

26 Godi turba mortal Godi turba mortal

27a O fortunato giorno

27b Per lui farà ritorno

28a O che nuovo miracolo

28b Lassiù nel bel sereno77

28

i Malvezzis noteutgivelse finnes teksten Dunque fra torbide onde (22a). Rossi nevner

dessuten ikke at det var Jacopo Peri som både komponerte og sang under forestillingen.78

Mange andre eksempler finnes, og særlig i sjette intermedium blir forskjellene tydelige (24–

28b). Dette tyder på at Cavalieri og Bardi hadde forskjellige meninger om hvordan

forestillingen skulle avsluttes.

Ikke bare tekstene varierer i de to hovedkildene, men også besetningen. Et eksempel

på dette er madrigalen Godi, tuba mortal (26). I fremføringen ble den ifølge Nono sunget av

kastratsangeren Honofrio Gualfreducci, Rossi har skrevet at den ble sunget av seks muser og

flere Amoretti.79

8.4. Poetene

Tekstene til intermediene ble i stor grad skrevet av Ottavio Rinuccini (1562–1621) og

Giovanni Battista Strozzi den yngre (1551–1634), med små bidrag av Grev Bardi og Laura

Guidiccioni Lucchesini (1550–1597), en adelig poet fra Lucca. Rinuccini var florentiner av

adelig slekt, og begynte å skrive tekster i en tidlig alder. Det er ikke bevist at han var en del av

Bardis Camerata Fiorentina, men han var med i den florentinske Academia degli Alterati,

som Bardi, Mei og Corsi også var den del av.80 Rinuccini var ansvarlig for tekstene til

intermedium II, III og VI, og skrev i tillegg tekster til intermedium V. Det tredje intermediet,

om Apollons kamp mot dragen, brukte han senere som grunnlag for åpningen til den første

operaen det finnes kilder på – Dafne.81

Strozzi var også florentiner, og som sin far komponerte han madrigaler og var en av

grunnleggerne av Academia degli Alterati.82 Lucchesini var fra en adelig slekt i Lucca, men

kom til Firenze i 1588.83 Hun skrev bare teksten til en sang, men det var til gjengjeld kveldens

avslutningsnummer, nemlig O che nuovo miracolo (28). Hun var den eneste av poetene som

måtte skrive tekst til musikk som allerede var komponert. Denne sangen ble tilført så sent i

produksjonen at Rossi ikke nevner henne i det hele tatt,84 men en annen ballo med helt annen

rytme og tekst.

78 PIRROTTA 1982, S. 231. 79 SOLERTI 1904, S. 35. 80 HANNING Grove Music Online [Lesedato: 15.10.2014]. 81 Ibid. 82 ‘Stròzzi’ L'enciclopedia Italiana: Treccanti.it. [Lesedato: 3.12 2014]. 83 MACNEIL Grove Music Online [Lesedato: 16.10.2014]. 84 SASLOW 1996, S. 39.

29

8.5. Komponistene

Det var to profesjonelle komponister som komponerte mesteparten av musikken til

intermediene, Cristofano Malvezzi og Luca Marenzio. I tillegg finnes det mindre bidrag fra

Emilio Cavalieri, grev Bardi, Archilei (se Første intermedium), Giulio Caccini og Jacopo Peri.

Cristofano Malvezzi (1547–1599) var organist og komponist, og som maestro di

capella ved domkirken i Firenze var han en representant for den kirkelige musikkstilen. Han

var også læreren til Jacopo Peri som komponerte en solomadrigal til intermediene (Dunque

fra torbid onde (22)).85 Peri er senere blitt regnet som en av operaens fedre, da han skrev

musikken til operaen Dafne med, som nevnt ovenfor, tekst av Rinuccini. Malvezzi er i dag

mest kjent for sitt bidrag til intermediene.86 Hans stil er harmonisk, syllabisk og vertikal, noe

som er veldig typisk for musikken ved renessansehoffene.87 Malvezzi bruker flere kor

samtidig i musikken til intermediene. Det største eksemplet på dette finnes i O fortunato

giorno (27), hvor syv kor og 30 stemmer synger om hverandre. Malvezzi var sterkt påvirket

av musikken fra Venezia, noe som har en sammenheng med venetianske Bianca Cappellos

tilstedeværelse ved Medici-hoffet, og hennes giftemål med Francesco i 1579.88 Særlig den

venetianske komponisten Andrea Gabrieli (1510–1586) hadde stor innvirkning på hvordan

Malvezzi komponerte sine madrigaler.89

Luca Marenzio (1554–1599) var en komponist som fulgte Ferdinando fra Roma, etter

at hans tidligere mesen, kardinal Luigi d’Este (1538–1586), døde. Han er beskrevet som den

viktigste madrigalkomponisten på 1580-tallet, og var sentral i spredningen av

hybridmadrigalen, en av stilene som utviklet seg i 1570-årene og var en blanding av lettere og

tyngre musikkformer.90 Ettersom han var relativt ny i Firenze var han ikke en del av Bardis

Camerata Fiorentina, og representerte den tradisjonelle kammermusikalske madrigalsilen. Til

intermediene komponerte han i en forenklet madrigalstil, for å få frem teksten og budskapet

på best mulig vis.

Det er tydelig at de delene som ble skrevet av de profesjonelle komponistene var mye

mer komplekse enn de som ble skrevet av dilettanter og sangere. Marenzio og Malvezzi skrev

også de store kontrapunktiske verkene, de andre komponistene skrev mer homofone stykker

og solostykker.91 Malvezzi komponerte den største delen av musikken til intermediene, og det

85 PORTER Grove Music Online [Lesedato: 16.11.2014]. 86 BUTCHART 1980, S. 160. 87 GHISI 1963, S. XVII. 88 BUTCHART 1980, S. 162. 89 Ibid. 90 VON FISCHER Grove Music Online [05.01.2015]. 91 PIRROTTA 1982, S. 216.

30

var derfor naturlig at det var han som signerte på den trykte utgaven fra 1591. Luca Marenzio

var den eneste som fikk æren av å komponere musikken til to hele intermedier, nummer II og

III.92

Både Malvezzi og Marenzio deltok, i tillegg til å være komponister, på scenen.93

Marenzio hadde rollene som Saturn i det første intermediet, og en delfisk dame i det tredje.94

Malvezzi hadde rollene som Astraea i første intermedium og en triton og en av

skipsmannskapet i femte intermedium.95

8.6. Solistene

Det var fire solister som totalt deltok i fremførelsen av intermediene, to kvinner og to menn.

Vittoria Archilei (1582–1620) og Lucia Caccini, gift med Giulio Caccini (1545/51–1618)

hadde henholdsvis to og en solomadrigal hver. I tillegg deltok Archileis elev Margherita della

Scala (som senere ble Giulio Caccinis andre kone) der hvor det krevdes tre kvinnestemmer.

Dette ble gjort for å imitere Ferraras prestisjetunge Concerto delle Donne.96

Concerto delle Donne var en gruppe på tre virtuose kvinner som var sangere ved

hertug Alfonso II d'Este (1533–1597) av Ferrara sitt hoff. Denne gruppen bestod av Laura

Peverara, Anna Guarini og Livia d’Arco.97 De ble ansatt for å forene Alfonsos

musikkinteresse med underholdningen av sin tredje og 30 år yngre kone Margherita Gonzaga

(1564–1618). De tre damene sang for hertugen og hans frue hver dag, og det gikk gjetord om

dem over hele Europa. Mange av de mest fremtredende komponistene komponerte madrigaler

til dem, blant annet Giaches de Wert (1535–1596) og Luca Marenzio.

De tre kvinnene Archilei, Caccini og Scala var de eneste av sitt kjønn på scenen.

Kvinnelige aktører på en scene var høyst uvanlig og kontroversielt på denne tiden, og selv

Ferraras Concerto delle Donne opptrådde bare i den private sfæren. Det kommer tydelig frem

av kildene at Ferdinando søkte de dyktigste kvinnelige sangerne i Italia for å konkurrere med

hertug d’Este.98

Det var mange kvinnelige skikkelser som skulle fremstilles på scenen. Ettersom det

var bare tre kvinnelige aktører med ble dette problemet løst med pappmasjé og masker.99

92 BIZZARINI 2003, S. 181. 93 SASLOW 1996, S. 52. 94 BIZZARINI 2003, S. 183. 95 KIRKENDALE 1993, S. 50. 96 SASLOW 1996, S. 52. 97 PERKINS 1999, S. 688. 98 BIZZARINI 2003, S. 176. 99 NAGLER 1964, S. 77.

31

Pappmasjeen og maskene var ikke reservert for mennene; de tre kvinnene gjorde også bruk av

dette i sine roller for å skape et helhetlig inntrykk, og for at de skulle skli bedre inn i rollene

sine. Selv om mennene bar masker og pappmasjé var det ofte lett å se at de var menn: Både

kroppsbygning og synlig fullskjegg var med på å avsløre mennene.100

I tillegg til Vittoria Archieli og Lucia Caccini var det to andre solister som opptrådte

på scenen: Jacopo Peri (1561–1633) sang en egenkomponert madrigal som Arion i femte

intermedium (Dunque fra torbid onde (22)), og den tidligere nevnte kastratsangeren Honofrio

Gualfreducci sang en solomadrigal komponert av Cavalieri i sjette intermedium (Godi turba

mortal (26)). Både Archilei, Caccini og Gualfreducci sang i den virtuose napolitanske stilen,

som blant annet hadde improvisert ornamentering som kjennetegn, og som var forbundet med

både Napoli og Roma. Denne stilen var høyt verdsatt av Medici-familien,101 og stiler fra

Roma ble verdsatt generelt fordi enhver forbindelse med pavens hovedsete ga status.

8.7. Musikerne

Musikerne som deltok i intermediene var enten musikere fra Ferdinandos eget private hoff,

hans kapell, eller fra nære klerikale institusjoner som hovedkirken i Medici-familiens sogn,

Basilika San Lorenzo, og domkirken Santa Maria del Fiore. I tillegg ble det supplert med

musikere fra andre institusjoner og freelancere.102 Et eksempel på slike musikere er

kornettisten Bernando Franciosini, en virtuos kornettist som både deltok selv, og som sendte

sine elever for å delta. Disse er skrevet opp i regnskapsbøkene som del Francosino (fra

Francosino).103 Nesten ti prosent av utøverne var geistlige som enten deltok som musikere

eller korister.104 Sangerne som deltok ble leid inn fra store deler av Italia, som Loreto,

Venezia og Roma. En del kom også fra både Spania, Frankrike og Tyskland. Det er vanskelig

å vite nøyaktig hvor mange som deltok, ettersom de fleste hadde flere roller, spilte flere

instrumenter, og enkelte ble skrevet opp flere ganger, fordi kallenavn og familienavn ble brukt

om hverandre.105 Et eksempel på dette er at Giulio Caccini er nevnt både som Giulio Caccini

og Giulio Romano, siden han kom fra Roma.106 Madrigalen med størst besetning, O fortunato

100 SASLOW 1996, S. 55. 101 TREADWELL 2008, S. 33. 102 SASLOW 1996, S. 51. 103 Ibid. 104 Ibid. 105 Ibid. S. 52. 106 GHISI 1963, S. XVI.

32

giorno (27), krever 30 stemmer, og i Nono står det at 60 sangere sang i fremførelsen.107 Det

vil si at det minst var 60 korister som deltok på scenen. Ikke bare folk, men også instrumenter

måtte importeres til Firenze, og for eksempel gitarer måtte importeres fra Napoli.108

107 “Il seguente madrigale a sette Chori si fece con gli primi sopranominati strumenti e tutti gli altri e le voci

furono al numero di sessanta,” MALVEZZI 1591, S. 17. 108 KIRKENDALE 1972, S. 48.

33

9. Komedien La Pellegrina og intermediene

La Pellegrina var en comedia erudite,109 som vil si at det var en komedie med manus som ble

fremført for adelen, i motsetning til comedia dell’arte, som baserte seg på improvisasjon med

faste karakterer og ofte ble fremført for ikke-adelige.110 Comedia erudite ble ofte skrevet av

adelige dilettanter, og språket var enten italiensk eller latin. La Pellegrina ble skrevet av

Girolamo Bargagli (1537–1586), og var en komedie i fem akter. Den ble fremført av den

sienesiske truppen Academia degli Intronati. Under følger et sammendrag av handlingen slik

Elena Polvoledo gjengir den i «Music and theatre from Poliziano to Monteverdi»:

Komedien foregår i Pisa. Den unge kvinnen Lepida er lovet bort av Cassandro til den

unge og rike Lucrezio, men har i hemmelighet giftet seg med Terenzio. Terenzio utgir seg for

å være læreren til Lepidas yngre bror. For å unngå det planlagte bryllupet mellom Lepida og

Lucrezio later Lepida som om hun er gal. Lucrezio på sin side har i all hemmelighet giftet seg

med Drusilla i Lyon to år før handlingen, for deretter å dra på en forretningsreise til Pisa uten

sin kone. Lucrezio har bare akseptert ekteskapet med Lepida fordi han har hørt av en venn at

Drusilla er død. Han håper dessuten at Lepidas galskap gjør at han slipper å gifte seg med

henne. En pilegrim er kjent for sine helbredende krefter, og hun blir tilkalt for å helbrede

Lepida. I realiteten er pilegrimen Lucrezios kone Drusilla som har kommet til Pisa for å finne

sin ektemann. I tredje akt forandrer stil og tempo seg, og det vanlige renessansetemaet av

misforståelser blir enda mer intrikat. Lepida har blitt gravid, og både tjeneren Targhetta og en

forelsket tysk student sladrer på Lepida til hennes far. Lucrezio blir først holdt ansvarlig, noe

som gjør ham rasende, og Drusilla, forkledd som pilegrimmen, blir nesten drept på grunn av

dette. Terenzio, Lepidas hemmelige ektemann, havner i hendene til politiet, og hos

politimester Bargello samles alle personer og tråder. Terenzio viser seg å være en tysk

adelsmann, hans ekteskap med Lepida er ikke lengre uønsket av Cassandro, og Lucrezio og

Drusilla kan bli gjenforent.111

Komedien ble originalt skrevet nesten 20 år før dens premiere under feiringen, og

forfatteren Girolamo Bargagli hadde i 1589 allerede vært død i 3 år. Komedien ble skrevet til

Ferdinando da han fremdeles var kardinal i Roma, men ble aldri fremført der. Komedien

ender med flere lykkelige bryllup, og passet derfor godt til å bli fremført under

bryllupsfeiringen til Ferdinando og Christina.112 Bargaglis bror, Scipione (1540–1612), var

109 FENLON 2002, S. 209. 110 ‘Comedia erudite’ Ensyclopædia Brittanica [Lesedato: 05.01 2015]. 111 PIRROTTA 1982, S. 371 – 372. 112 NEWMAN 1986, S. 98.

34

den som foreslo at komedien kunne bli brukt under feiringen. Han gjorde i tillegg noen

endringer, slik at den skulle passe enda bedre. Han forandret pilegrimens nasjonalitet fra

spansk til fransk, og la hennes reiserute om Marseille, slik at hennes reiserute tilsvarte den

Christina hadde på sin ferd mot Firenze.113

De to hovedpersonene, Drusilla og Lucrezio, holder ekteskapet og kjærligheten hellig.

Drusilla viser det ved at hun nesten døde da hennes Lucrezio ikke kom tilbake fra sin

forretningsreise, og at ved at hun drar til Pisa for å finne ham igjen, uten å vise tegn til å være

sint fordi han ikke kom tilbake. Hun blir beskrevet som ekstremt religiøs, noe også Christina

ble, hun kysset ikke en gang Lucrezio før de ble gift. Lucrezio på sin side ble beskrevet som

en hardtarbeidende mann som føler skyld over at Drusilla døde. Grunnen til at han ikke kom

tilbake til Lyon var av forretningsmessig art, og han blir igjen lykkelig forent med Drusilla i

slutten av stykket. På denne måten kunne Drusilla og Lucrezio være bilder på Christina og

Ferdinando.114 Likhetene mellom Drusilla og Christina og Lucrezio og Ferdinando gjør at

Ferdinandos og Christinas dyder blir fremhevet. Dette støtter opp om bildet som går igjen i

hele feiringen, at de to er opphøyde vesener, gudfryktige og edle, og at deres styre kommer til

å bli den nye gullalderen.

113 NEWMAN 1986, S. 99. 114 Ibid. S. 105/106.

35

10. Handlingen i intermediene

I det første intermediet blir brudeparet hyllet av gudene i himmelen (se tabell om politiske

tekster, stykker nr. 1–6). Intermediet er berømt for sin åpning med solomadrigalen Dalle più

alte sfere (1), men det er også preget av to høydepunkt hvor hyllesten blir deklamert i massive

kor. Noi che cantando (2) og A voi real amanti (5) har besetning på henholdsvis åtte stemmer

fordelt på to kor og 15 stemmer fordelt på tre kor.

Det andre intermediet spiller ut konkurransen mellom musene og pieridene (døtrene til

Pierus) (se tabell, stykker nr. 7–11). Besetningen her er interessant fordi antall stemmer i

sangene stiger gjennom hele intermediet, fra fem stemmer i Belle ne fe natura (8) til 18

stemmer fordelt på tre kor i O figlie di Piero (11). Denne stigningen i antall stemmer

korresponderer ikke med hvilke figurer i fortellingen som synger, men har en dramatisk

effekt. Det kan tenkes at Belle ne fe natura (8) er politisk, ikke på grunn av teksten, men på

grunn av besetningen på tre damer, og dens likhet med concerte delle donne (se kapittel 8.6.

solistene). Jeg velger likevel å karakterisere den som ikke-politisk her, ettersom ingenting i

teksten tyder på det.

Tredje intermedium handler om Apollons seier over dragen Pyton i Delfi (se tabell,

stykker nr. 12–14). I dette intermediet er bare tre sanger overlevert (i tillegg var en sinfonia

som ikke er overlevert med115). Intermediet begynner og avslutter med sanger med stor

besetning, med Qui di carne si sfame (12) og O mille volte (14) med henholdsvis tolv

stemmer fordelt på to kor og åtte stemmer fordelt på to kor.

I fjerde intermedium får man høre en spådom om at alle kommer til å bli inspirert til

godhet av gullalderen som vil komme etter bryllupet. Som resultat sees et helvete som sørger

fordi det ikke kommer noen sjeler dit lenger (se tabell, stykker nr. 15–18). De tre sangtekstene

stiller spørsmål om når gullalderen kommer, gir svar på når den kommer, og hvordan

resultatet vil bli. Dette intermediet begynner, som første intermedium, med kvinnelig

solosang. De neste sangene har besetning på fem og seks stemmer. Intermediet får ikke en

stor flerkorsang i det hele tatt. Dette kan ha med at de store korverkene i høy grad er

forbeholdt gledelige hyllester til brudeparet og gudene, mens fokuset her er på helvete og dets

sorg.

I det femte intermediet sees og høres historien om Arion som blir kastet på sjøen på

vei hjem til Kartago, og blir reddet av delfiner (se tabell, stykker nr.19–23). Intermediet

begynner med to sanger som hyller brudeparet, sunget av Amfitrite og hennes havvesener. I

115«Qui manca una Sinfonia» MALVEZZI 1591, S. 10.

36

de to siste sangene presenteres handlingen til intermediet. De to delene er bygget opp likt,

først med en solosang, Io che l’onde rafreno (19) og Dunque fra torbid onde (22), og så en

sang med henholdsvis fem og syv stemmer, E noi con questa bella diva (20) og Lieti solcando

il mare (23).

I det sjette og siste intermediet får man se og høre om Jupiter som synes så synd på

menneskene at han sender ned Harmoni og Rytme slik at dans og musikk kan glede

menneskene i deres elendighet (se tabell, stykker nr. 24–28). De tre første sangene i dette

intermediet beskriver handlingen i intermediet, uten referanser til brudeparet. De har også

relativt liten besetning, med seks stemmer på madrigalene, Dal vago e bel sereno (24) og O

qual risplende nube (25), etterfulgt av en solosang, Godi, turba mortal (26). De to siste

sangene i intermediet hyller brudeparet eksplisitt; tekstene beskriver dem, og hvor fantastisk

deres regjeringstid vil bli, og at deres etterkommere vil være kongelige. Dette blir deklamert

med en kormasse på 30 stemmer fordelt på syv kor i O fortunato giorno (27), og i en ballo

som blir sunget med vekselvis fem og tre stemmer i O che nuovo miracolo (28). Selv om O

che nuovo miracolo (28) har få stemmer, skiller den seg ut ved å være lang, ha mye tekst og

være rytmisk fast og dansbar. Få stemmer betyr heller ikke få korister: Ifølge Nono deltok alle

60 koristene i fremførelsen, samt alle tidligere brukte instrumenter. I tillegg ble det brukt en

gitar hver til to av de kvinnelige solistene, og en cembalino til den siste. På denne måten

avslutter intermediene med sitt største høydepunkt.

10.1. Oversikt over de politiske tekstene

I utgangspunktet kan man si at alle tekstene som ble brukt i intermediene var politiske

ettersom de var en del av en større begivenhet som skulle hylle brudeparet og manifestere den

nye alliansen mellom dem, samt demonstrere makten til Medici-familien. Samtidig er det en

del tekster som uttrykker det politiske aspektet mer eksplisitt, og noen som har mindre eller

ingen spor av den politiske konteksten. I den neste delen vil jeg fokusere på de tekstene som

har et tydelig politisk innhold. I tabellen nedenfor har jeg foretatt en kategorisering av alle

tekstene.

37

Jeg har definert alle tekstene som har en henvisning til brudeparet, dagen de blir gifte, eller

gullalderen som følger deres bryllup, som politiske. Alle andre tekster har havnet i kategorien

ikke-politisk. Det vil si at for eksempel teksten til Miseri habitator (18) er blitt kategorisert

som politisk, fordi den handler om hvordan det blir i helvete etter at Ferdinando og Christina

er blitt gift. Alle sangene i det første intermediet har jeg kategorisert som politiske. Alle har

henvisninger til en fantastisk festdag, selv om ikke alle tekstene henviser direkte til

brudeparet. Denne festdagen tolker jeg som bryllupsdagen til Christina og Ferdinando, derfor

kategoriserer jeg disse som politiske. I det andre intermediet har jeg ikke kategorisert noen av

sangene som politiske. Det er fordi disse tekstene handler om konkurransen mellom pieridene

og musene, og ikke noe som jeg kan tolke som en politisk allegori. I det tredje intermediet er

Nr. Stykke Komponist/tekst Stemmer Sidetall i

Walker

Politisk Ikke-

politisk

Intermedium I: Armonie delle sfere

1 Dalle più alte sfere Archilei/ Bardi 1 2–8 x

2 Noi che cantando Malvezzi/ Rinuccini 8 (2 kor) 9–13 x

3 Sinfonia Malvezzi 6 14–15

4 Dolcissime sirene Malvezzi/ Rinuccini 6 16–17 x

5 A voi real amanti Malvezzi/ Rinuccini 15 (3 kor) 18–32 x

6 Coppia gentil Malvezzi/ Rinuccini 6 33–35 x

Intermedium II: La gara fra Muse e Pieridi

7 Sinfonia Marenzio 5 36

8 Belle ne fe natura Marenzio 3 37–38 x

9 Chi dal delfino Marenzio/ Rinuccini 6 38–41 x

10 Se nelle voci nostre Marenzio/ Rinuccini 12 (2 kor) 42–50 x

11 O figlie di Piero Marenzio/ Rinuccini 18 (3 kor) 51–57 x

Intermedium III: Il combattimento Pitico d’Apollo

12 Qui di carne si sfama Marenzio/ Rinuccini 12 (2 kor) 58–68 x

13 O valoroso dio Marenzio/ Rinuccini 4 69–71 x

14 O mille volte Marenzio/ Rinuccini 8 (2 kor) 72–76 x

Intermedium IV: La regione de’ Demoni

15 Io. Che dal ciel cader Caccini 1 156 x

16 Sinfonia Malvezzi 6 77–79

17 Or che le due grand’Alme Malvezzi/ Strozzi 6 80–84 x

18 Miseri abitator Bardi/ Strozzi 5 85–87 x

Intermedium V: IL Il canto d’Arione

19 Io. Che l’onde raffreno Malvezzi/ Rinuccini 1 87–89 x

20 E noi con questa bella

diva

Malvezzi/ Bardi 5 89–93 x

21 Sinfonia Malvezzi 6 93–97

22 Dunque fra tobid onde Peri/ Rinuccini 1 (2 ekko) 98–106 x

23 Lieti solcando il mare Malvezzi/ Rinuccni 7 107–111 x

Intermedium VI: La discesa d’Appollon e Bacco col Ritmo a ‘lArmonia

24 Dal vago e bel sereno Malvezzi 6 112–116 x

25 O qual risplende nube Malvezzi/ Rinuccini 6 117–119 x

26 Godi, turba mortal Cavalieri/ Rinuccini 1 120–121 x

27 O fortunato giorno Malvezzi/ Rinuccini 30 (7 kor) 122–139 x

28 O che nuovo miracolo Cavalieri/ Lucchesini 5 + 3 140–154 x

38

det to ikke-politiske og en politisk sang. Den siste sangen i intermediet har jeg kategorisert

som politisk fordi den hyller Apollon. Dette er ikke en direkte politisk tekst på samme måte

som de tidligere nevnte, men det må tas i betraktning at Apollon var kjent i sirklene rundt

Medici-hoffet som et symbol på storhertugen.116 Det fjerde intermediet inneholder bare

politiske tekster, da temaet i intermediet er hva som skjer når Ferdinando og Christina gifter

seg og den nye gullalderen kommer. Det femte intermediet begynner med to politiske tekster

som hyller brudeparet, etterfulgt av to tekster som forklarer handlingen i intermediet. Det siste

intermediet begynner med tre ikke-politiske sanger hvor tekstene beskriver dagen da musikk

og rytme kom til jorden, selve handlingen i intermediet. De to siste tekstene i intermediet

hyller imidlertid brudeparet uhemmet, og er kanskje de mest politisk ladede tekstene av alle.

Her synges det om Ferdinando og Christinas etterkommere, hvordan de vil bli tatt imot i

himmelen og hvor bra det blir på jorden når de er forent og sitter med makten.

10.2. Første intermedium: Armonie delle sfere

Hele forestillingen begynte med at det røde sceneteppet ble sluppet ned. Kildene er litt uenige

om hva som kom til syne. Flere kilder skriver at preludiet til det første intermediet ble

fremført foran et blått sceneteppe, men i Rossis «Descrizioni» er det skrevet om et romersk

prospekt.117 Der står det at det stod et dorisk tempel bygget i kvaderstein (tilhugget naturstein)

i forgrunnen. En sky falt ned fra himmelen, og på den satt Armonia Doria, den doriske

harmoni eller modus. Hun ble spilt av Vittoria Archilei, som akkompagnerte seg selv med en

lutt. I tillegg ble hun akkompagnert av to chitarroni som ikke var synlige for publikum.

Teksten til solomadrigalen Dalle più alte sfere (1) ble skrevet av Bardi, men musikken er det

uenighet om hvem som komponerte. I Rossis beskrivelse står det at det var Cavalieri som

skrev melodien, men i Malvezzis utgave er Antonio Archilei oppført som komponist. Warren

Kirkendale skriver at det er usannsynlig at Cavalieri ville godkjent utgaven hvis Malvezzi

hadde gitt Archilei æren for en av hans komposisjoner. Nina Treawell viderefører den tanken,

og introduserer teorien om at det var Vittoria selv som var komponist. Det var en vanlig

praksis på denne tiden at kvinnelige komponister gav ut verk under sin manns navn. Det

finnes ingen andre komposisjoner av Antonio som er kjent, men minst ett annet stykke er

kjent som Vittorias komposisjon. Hun var dessuten kjent for sine briljante improvisasjoner.118

Solomadrigalen forsøker ikke å gjenskape den antikke harmoneia dorisk, men er likevel det

116 ROSOW 2005, S. 203. 117 NAGLER 1964, S. 73. 118 TREADWELL 2004, S. 16.

39

eneste stykket i intermediene som har noen referanse i det hele tatt til antikk musikkteori, i

form av at solisten skal forestille den doriske harmonien. Armonia Doria sin sky, som var

omringet av de andre harmoniene, steg ned i et doriske tempel. Dernest forsvant hele

tempelet.

Deretter steg nattehimmelen frem med fire skyer. På disse skyene satt åtte platonske119

sirener og to andre figurer som hørte til niende og tiende sfære, engler eller kjeruber (kildene

er litt uklare her). Etter madrigalen Noi che cantando (2) delte himmelen seg på tre steder, og

tre skyer kom frem. På den midterste satt den romerske gudinnen Necessitas, gudinnen for

skjebnen, i gresk mytologi kalt Ananke. Sittende holdt hun en tein mellom sine ben, og rundt

denne teinen spant kosmos. Hun var omringet av sine barn (parcae på latin, moirai på gresk):

de tre søstrene og skjebnegudinnene Klotho (spinnersken), Laikesis (trådtrekker) og Atropos

(uunngåelig). Disse navnene er greske; på latin heter de Nona, Decima og Morta, niende,

tiende og død. De bestemte skjebnene til alle i universet, også gudene, selv om det er litt

uklart om Jupiter hadde makt over dem eller omvendt. De ble ofte fremstilt som tre gamle

koner, hvor Nona spant skjebnene på veven sin, Decima målte ut lengden på tråden, mens

Morta klippet tråden når den var lang nok. Deres rolle som herskere over skjebnen er viktig,

for de kunne se både fortiden og fremtiden. Hvis de sier at foreningen av Christina og

Ferdinando er begynnelsen av den nye gullalderen og at aldri noen har sett slik praktfullhet så

er det sant. På de to andre skyene satt de syv himmellegemene og gudene Luna, Mars, Saturn,

Venus, Merkur, Jupiter, Solen og Astraea, stjernebildet Jomfruen. På himmelen under var

seks par helter som representerte seks dyder: rettferdighet representert ved andre konge av

Roma Numa Pompilius og den egyptiske gudinnen Isis; religion representert ved den første

kongen av Numidia, Masinissa, og en Vestalinne, prestinne i tempelet til Vesta; fromhet

representert av Æneas, helten i Virgils Æneiden, og en from ung jente beskrevet av den

romerske forfatteren Valerius Maximus; ekteskapelig kjærlighet representert av den romerske

reformatoren Tiberius Gracchus og Portia, muligens den Portia som var gift med Brutus, en

av Cæsars mordere; storsinnethet representert av Hieron, kongen av Syrakus og Paulina Busa,

kvinnen som matet romerske styrker etter at de hadde rømt etter slaget ved Cannae; og

tapperhet representert av den romerske soldaten Lucius Siccius Dentatus og Camilla, datter av

Metabus, som var viet til gudinnen Diana.120 Sirenene og planetene sang vekselvis i

119 Med platonske menes det at de ikke hadde noe fokus på kjønn og det kjønnslige. Platonismen stod sterkt i

Firenze på denne tiden pga. Cosimo I de Medici sitt akademi, SVENDSEN Store norske leksikon. [Lesedato:

11.09.2015] 120 NAGLER 1964, S. 74.

40

madrigalene Dolcissime sirene (4) og A voi real amanti (5), samtidig som skyene de satt på

steg til værs. Sirenene, himmellegemene og Parcaene avsluttet med en madrigal til, Coppia

gentil (6), før himmelen forsvant, og første akt av La Pellegrina kunne begynne.

Dette tablået var beskrevet av Platon i «Staten», for eksempel finnes Anake og hennes

skjebnegudinner beskrevet i tiende bok.121 Selv om ikke alle personene og figurene var

gjenkjennelige for publikum var det lagt mye arbeid i at de skulle kunne være gjenkjennbare

for de lærde, de som hadde noen forutsetninger for å kjenne dem igjen. Med dette ønsket man

å vise det adelige Europa hvor mye kunnskap som fantes i Firenze. For eksempel hadde Mars

en skorpion under sitt setes, og Æneas hadde sin gamle far som han hadde reddet fra Troja

over den ene skulderen, et barn på den andre armen og et sverd i den ledige hånden.122 I

«Staten» hyller Platon vesenene som opptrer i dette intermediet. Da Bardi brukte disse

vesenene til å hylle brudeparet var det med på å bygge opp under forestillingen om at

Ferdinando var en idealhersker på linje med de som ble beskrevet i «Staten».

10.3. Secondo intermedium: La Gara fra Muse e Pieridi

Andre intermedium utspilte seg i en hage i full blomst; parfymert vann ble sprayet på

publikum for å gjøre illusjonen så komplett som mulig. Blant frukttrærne, rosene og de

ornamenterte blomsterurnene befant det seg dyr som harer, pinnsvin og skilpadder. Etter

åpningssinfoniaen (7), en todelt pavane-galliarde-komposisjon,123 steg et fjell opp av en luke i

gulvet. Fjellet var tolv alen høyt (ca. 7 meter), og dekket av vegetasjon. Dette skulle forestille

Helikon, fjellet til musene. Der satt 16 hamadryader, nymfer som bor og deler skjebne med et

tre, på steinseter. To mosegrodde grotter syntes under dem, én på hver side av fjellet. I den

høyre grotten satt de ni døtrene til Pieros, kalt Pieridene, i den venstre satt de ni musene.

Disse konkurrerte i sang, med hamadryadene som dommere. Pieridene sang først sin Chi dal

delfino (9), deretter sang musene sin Se nelle voci nostri (10). Hamadryadene dømte i

musenes favør, og Pieridene ble dømt til å bli forvandlet til skjærer for sin forfengelighet.124

Forfengeligheten til pieridene, og kontrasten mellom dem og musene ble forsterket av

klærne de hadde på seg. Pieridene var kledd i sateng med sterke farger, ornamenter i gull og

store smykker. Musene var kledd enkelt i grønn fløyel, men med smykker i håret og slør.125

121 MØRLAND 1946, S. 471. 122 NAGLER 1964, S. 77. 123 BIZZARINI 2003, S. 184. 124 NAGLER 1964, S. 81. 125 NAGLER 1964, S. 81.

41

Besetningen til madrigalene i dette intermediet korresponderer ikke med handlingen i

det hele tatt. I madrigalen til hamadryadene (8) er besetningen tre kvinnestemmer, selv om

hamadryadene er 16 figurer. Andre har tolket det som at det er de tre karitene, eller gratiene,

som synger.126 Pieridene er ni søstre, men deres madrigal er for seks stemmer (9). Musenes

madrigal (10) er skrevet for tolvstemmig kor, selv om også musene teller ni gudinner. Det kan

virke som om Marenzio har konsentrert seg mer om en musikalsk intensivering med stadig

økende antall stemmer enn å illustrere handlingen.127 Det kan også tenkes at Marenzio ville

understreke Musenes overlegenhet ved en økning og en tetning i klang og kraft.

Allerede i dette intermediet høres det første hintet av påvirkningen fra Concerto delle

donne. Intermediet begynner med Belle ne fe natura (8), en trestemmig sang for

kvinnestemmer. Denne formen blir brukt også i det siste intermediet, der med en sterkt

politisk tekst. I O che nuovo miracolo (28), alternerer det mellom fem og tre stemmer, og den

politiske teksten, sammen med det faktum at sangen avslutter hele kvelden gjør at denne

sangen blir vektlagt som svært betydningsfull. Belle ne fe natura (8), derimot, kommer tidlig i

intermediet, med en lite betydningsfull tekst, og kan sees mer på som et frempek mot det som

kommer i siste intermedium.

10.4. Tredje intermedium: Il combattimento Pitico d'Apollon

Det tredje intermediet fant sted i en skog. Midt på scenen var en stor hule, og rundt denne

syntes skogen å være brent. Ni par menn og kvinner fra Delfi entret scenen fra venstre,

gjenkjennelige i greske klær med havdetaljer. At de delfiske parene skulle være

gjenkjennelige ved havdetaljer var viktig for Bardi, da han som en klassisk filolog og

perfeksjonist visste at denne kampen hadde funnet sted på den greske øya Delos, og en del

kilder skriver at grunnleggingen av et samfunn på denne øya ble gjort av Delfos, en sønn av

havguden Neptun.128 De delfiske parene sang madrigalen Qui di carne si sfama (12), som

handler om dragen Pytons ødeleggelse av landsbygda. Samtidig som de sang kom ni delfiske

par til inn på scenen fra høyre. Deretter dukket dragen selv opp fra hulen sin, og de delfiske

parene bad Jupiter om å frelse dem fra monstret. Ved synet av mennesker spredte dragen sine

speildekkede vinger og sprutet ild. Så dukket en flyvende Apollon opp med pil og bue. Han

var sendt av Jupiter. Dragen og Apollon begynte å kjempe, og kampen mellom disse to kan

126 EVANS 2012, S. 9. 127 BIZZARINI 2003, S. 184. 128 NAGLER 1964, S. 84.

42

deles inn i fem deler129: Apollons overblikk for å finne et passende sted for kampen, hans

utfordring av dragen, hans kamp i jambisk rytme, kamp i spondé-rytme og beseiringen av

dragen og til sist en seiersdans som endte med at Apollon satte foten sin på dragens hode.

Symfonien som akkompagnerte Apollons dans rundt dragen er mistet eller enda ikke

identifisert. Dansen er nøye beskrevet at Rossi, men det er ikke oppført komponist i noen av

kildene.130 Den ble antakeligvis skrevet at en anonym musiker som spesialiserte seg på

dansemusikk, ettersom Apollos danser var basert på forskjellige antikke verseføtter. I luften

ble Apollon spilt av en dukke og denne landet ute av syne, for så å bli erstattet av en danser

som fullførte kampen i pantomime. Fire delfiske skikkelser hadde fulgt kampen, og kalte til

slutt på sine venner ved å synge O valoroso dio (13) for å fortelle om hva som hadde skjedd.

Dragen ble fjernet, og Apollon danset en gang til mens de delfiske menneskene sang en

hyllest til Apollon, O mille volte (14) som takk for at dragen var drept. 131

Myten, som er beskrevet i Ovids «Metamorfoser», forteller at Apollon drepte dragen

Pyton. Han ydmyket Cupido i pil- og buekonkurranse, og Cupido hevnet seg ved å treffe

Apollon med sin pil, slik at Apollon ble forelsket i nymfen Dafne. Dafne ble deretter

forvandlet til et laurbærtre fordi hun ville komme unna Apollon. Han tok etter dette

laurbærkransen som sitt symbol. Medici-familien brukte i begynnelsen laurbærblader for å

symbolisere nærhet til Apollon, senere ble han selv med i både veggmalerier i Palazzo

Vecchio og skulpturer i Bobolihagen bak Palazzo Pitti.132 Særlig Apollons kamp mot dragen

ble brukt som et symbol på en som skaper orden av kaos, slik som Medici-familien holdt

orden i Firenze. Denne myten ble senere brukt av Rinucchini da han skrev librettoen som ble

brukt til den første operaen, La Dafne, hvor musikken ble skrevet av Jacopo Peri og Jacopo

Corsi. Det var derfor tydelig at Apollon i dette intermediet skulle representere storhertugen.133

10.5. Fjerde Intermedium: La regione de' Demoni

Et preludium ble spilt før dette intermediet begynte, som ved det første intermediet. Før

scenen skiftet bakgrunn fra Pisa dukket det opp en trollkvinne i en flyvende vogn. Hun ble

spilt av Lucia Caccini, og i likhet med preludiet til første intermedium sang hun en

solomadrigal hvor melodien er publisert under hennes manns navn, Giulio. Trollkvinnen holdt

129 NAGLER 1964, S. 83. 130 PIRROTTA 1982, S. 228. 131 NAGLER 1964, S. 82/83. 132 HANNING 1979, S. 500. 133 ROSOW 2005, S. 203.

43

en pisk i høyre hånd som hun brukte på to drager som fløy rundt henne og sprutet ild. Da hun

var kommet til midten av scenen stoppet hun opp og tvang dragene til å gjøre det samme. Så

tok hun opp lutten sin og sang solomadrigalen Io, che dal ciel cader (15). Samtidig krysset

hun scenen for å mane frem demoner med sin sang. Etter sangen steg hun igjen opp i vognen

sin og forsvant. Etter at trollkvinnen forlot scenen kom det flammer fra luften, og en

halvmåneformet åpning åpnet seg midt på scenen. I denne åpningen sto alle de overjordiske

demonene trollkvinnen kalte på. Med klær av rødt, sølv og gull gav de inntrykk av å være fra

paradis.134 De sang madrigalen Or che le due grand’Alme (17) som forutsa at bryllupet

mellom Ferdinando og Christina ville starte den nye gullalderen og alle sjeler ville bli

inspirert til godhet.135 Deretter ble åpningen lukket og skyen av flammer forsvant.

Etter dette preludiet ble scenen dekket av stener, kløfter og huler, hvorfra det steg ut

flammer og røyk. Scenegulvet åpnet seg og avslørte et helvete hvor to armeer av demoner og

furier kom frem. To av furiene hadde på seg hoser som så ut som sotet hud og de så dermed ut

som om de var nakne. Slanger dekket deres edlere deler. Djevlene som kom frem satte seg på

stenene og sang madrigalen Miseri abitator (18) om deres triste skjebne. Etter bryllupet til

Ferdinando og Christina kom det ikke til å komme flere til helvete, fordi alle kom til å bli

inspirert av den nye gullalderen til å være gode, snille og flittige borgere.136 Bardi selv skrev

musikken til denne madrigalen.137 Samtidig som djevlene og furiene holdt seg på høyre side

av scenen, ble den andre siden fylt av lemurer eller gjenferd. Selve helvete var bare kulisser

av flammer og røyk, men djevler som torturerte mennesker ble brakt opp på scenen. Karon,

fergemannen som frakter nylig avdøde over elven Styx og inn i dødsriket, ble fremstilt som i

Dantes «Inferno», med hvitt skjegg og flammede øyne, stående i sin bark ved munningen av

helvete, mens han slo på trassige sjeler med en åre. I midten av scenen sto Lucifer, med en

torso som reiste seg åtte alen høy opp av en sirkelformet innsjø. Han hadde tre ansikter, et

rødt, et svart og et gult. Han fortærte sjeler, men to av dem, fremstilt som barn, unnslapp.

Disse ble raskt fanget av to smådjevler, én ved hjelp av en høygaffel, den andre med bare

klør, og begge havnet tilbake i Lucifers gap. Til høyre for Lucifer sto Geryon, den

legendariske kongen av Erythea som lurte fremmede til sitt bord og drepte dem. Også kongen

Minos var i Lucifers tjeneste. Andre beboere av helvete var harpyene, bevingede skapninger

som bringer død og fordervelse, kentaurer, Minotauren og Kerberos, helveteshunden med

134 NAGLER 1964, S. 85. 135 AUDUS 2013, S. 8. 136 Ibid. 137 NAGLER 1964, S. 87.

44

mange hoder. Sjeler ble holdt fast i den frosne innsjøen. Idet den melankolske madrigalen var

ferdig stupte djevlene ned i helvete igjen, og helvete lukkes. Instrumentene som ble brukt i

denne scenen ble kamuflert som slanger, og 42 kostymer ble laget bare til denne scenen.138

En sinfonia (16) var en del av dette intermediet, men det er flere teorier om hvor i

handlingen den skal plasseres. Pirrotta skriver at sinfoniaen helt klart må ha vært plassert i

begynnelsen av intermediet, før Io, dal ciel cader (15).139 I Nono er sinfoniaen plassert som

stykke nummer to, «Qui manca un’aria» (her mangler en arie, skrevet om «Io che dal ciel

cader (15)) er skrevet linjen over. Derfor er sinfoniaen plassert som nummer to i Walkers

noteutgave.

10.6. Femte intermedium: Il canto d'Arione

Dette intermediet foregikk på havet, og scenegulvet ble gjort om til et bølgende hav, med

klipper på begge sider av scenen. Små barker var synlige langt bak på scenen, noe som skulle

gi et dybdeperspektiv. Et perlemorskjell, fem alen bredt og tre alen høyt (3,1 meter bredt og

1,8 meter høyt), dukket opp fra havet, trukket av to delfiner. I skjellet satt Amfitrite,

dronningen av havet og en av konene til Poseidon, spilt av Vittoria Archilei. Hun hadde på

seg et nakenkostyme og en grønn kappe dekorert med fisk, snegler og skjell. På hodet hadde

hun en krone av koraller, og rundt halsen et smykke med perler på. 14 tritoner (havmenn og

Poseidons hird) og 14 najader eller nereider (begge forskjellige typer havnymfer) steg opp

med skjellet. Disse var dryppende våte, for å forsterke illusjonen av at de var på havet.

Tritonene hadde med seg instrumenter som var laget for å ligne skjell.140 Amfitrite hadde sin

lutt og hennes madrigal Io, che l’onde raffreno (19) var en hyllest til det nygifte paret. Det var

også nereidenes E noi, con questa bella diva (20). Nereidenes madrigal ble sunget vekselvis

med Amfitrite, og Vittoria hadde med seg sin mann og deres elev Margherita hvor det bare er

tre stemmer.141 Havvesenene dykket deretter ned i havet igjen.

Etter dette ble en galei rodd inn på scenen. Den var bemannet av 40 mann og hadde

alle seil heist til ære for brudeparet. Arion, spilt av sangeren og komponisten Jacopo Peri, var

på galeien på vei hjem til Korint. Arion var en legendarisk dikter fra Korint som hadde vært

på Sicilia og vunnet en musikkonkurranse, og var på vei hjem igjen. Han stod med sin harpe

på akterdekket og sang Dunque fra torbid onde (22), som han hadde komponert selv. I

138 NAGLER 1964, S. 87. 139 PIRROTTA 1982, S. 229. 140 NAGLER 1964, S. 88. 141 PIRROTTA 1982, S. 230.

45

madrigalen sang Arion om sin skjebne på skipet, at han kom til å dø, og han ba himmel og

jord om medlidenhet. Han må ha latt som han akkompagnerte seg selv, for han holdt en lyre,

men i Nono står det at madrigalen ble akkompagnert av en Chittarone.142 Idet mannskapet

skulle til å slå ham ned fordi de vil ha hans skatt, stupte han i havet. Mannskapet trodde han

var død og sang den muntre madrigalen Lieti solcando il mare (23). Den handler om hvor

glade de var for at Arion var død og at skatten hans nå var deres. Arion forgikk derimot ikke i

dypet, men ble reddet av en delfin.

Historien om Arion var kjent fra mange antikke kilder, som Platon, Herodot og

Plutark, det var fra sistnevntes «Moralia» at Bardi tok sin fremstilling.143 Historien i

«Moralia» skiller seg lite fra intermediet. Arion var på vei fra Italia til Korint med et korintisk

handelsskip, hvis mannskap ville drepe ham. Han sang en bønn til alle gudene om å la ham

overleve, før han hev seg i havet, og ble reddet av delfiner som brakte ham i land i Italia.

Deretter ble skipet og dets mannskap funnet, og straffet.144

Intermediet består av to deler. Den ene delen består av musikk som hyller brudeparet,

og den andre er en mytisk fortelling hvor musikken blir brukt for å be til gudene om hjelp. I

begge delene er musikken sentral, og brudeparet får samme rolle som gudene ved at både

gudene og brudeparet er mottakere for direkte sang.

10.7. Sjette intermedium: La discesa d'Apollon e Bacco col Ritmo e l'Armonia

Etter siste akt i skuespillet ble scenen fylt med skyer, og himmelen åpnet seg til et tablå hentet

fra andre bok i «Lovene» av Platon.145 I himmelen var det en ansamling hedenske guder som

strålte om kapp. Syv skyer kom så ut gjennom åpninger, dekorert med blomster og girlandere.

Fem av dem steg ned til jorden, to ble hengende. Skyen i midten var større enn de andre, og

på den satt Apollon, Bacchus, og guddommene harmoni og rytme. På en annen litt lavere sky

sto tre kariter (graziene), og Apollons muser var spredt på flere skyer. Jupiter syntes synd på

menneskene, og ga Apollon, Bacchus og musene lov til å forære harmoni og rytme til dem.

Samtidig som de fem skyene steg ned mot jorden fløy bevingede Amoretti og holdt seg fast i

blomstergirlanderne.146 Gualfreducci, som sang solomadrigalen Godi tuba mortal (26), skulle

enten forestille Amor eller Hymen. Ettersom madrigalen ble sunget av en annen sanger enn

142 PIRROTTA 1982, S. 232. 143 NAGLER 1964, S. 88. 144 PLUTARCH 1718, S. 29 – 32. 145 ANDERSEN 2002, S. 97. 146 NAGLER 1964, S. 89.

46

hun som sang og spilte Harmonia Doria må Gualfreducci ha forestilt en annen karakter.147 20

par dødelige mennesker kledd som hyrder kom frem fra fire steder, lokket av sangen. Idet

skyene traff jorden forsvant de med et puff, og balloen O che nuovo miracolo (28) med hyrder

og nymfer avsluttet kvelden.

Balloen bestod av forskjellige selskapsdanser som sammen skapte intrikate mønstre på

dansegulvet. Disse mønstrene symboliserte den himmelske perfeksjonen som kom til å oppstå

i Ferdinando og Christinas rike.148 Dansen var uvanlig kompleks, og det kan tenkes at den var

påvirket av en form for underholdning som var utviklet ved det franske hoff. Den såkalte

Ballet de cour var en ballettform med både poesi, kostymer og musikk som ble fremført av

adelen. Christina var både niesen og svigerinnen til kong Henrik III av Frankrike (1551–

1589), og han er kjent i kulturhistorien som mesenen til den første Ballet de cour, Ballet

Comique de la Reine. Den ble fremført i forbindelse med et bryllup i 1581.149 En fransk

påvirkning er derfor ganske sannsynlig. En kilde skriver at de som sang også danset, noe som

betyr at de tre sopranene som sang danset, og at de 20 danserne på scenen var en del av koret

på 60 personer.150

Musikken til balloen skiller seg også ut fra normen med at ordene ble skrevet til

musikken, ikke omvendt.151 Koreografien ble også komponert før teksten ble skrevet.152

Balloen ble skrevet på oppdrag fra Ferdinando fordi han ikke likte avslutningen som Bardi

hadde planlagt.153 Basslinjen og det harmoniske forløpet til balloens femstemmige åpning ble

senere en standard for improvisasjon154 og komposisjon kjent under navnene Aria di Firenze

og Ballo del Granduca, og ble assosiert med Medici-familien.155 John Walter Hill mener at

Cavalieri hentet melodien fra en eksisterende Lauda, og at denne ble brukt til en religiøs

versjon av stykket.156 Kirkendale har på sin side undersøkt Aria di Firenze, og kommet frem

til at den ikke forekommer før intermediene, og at det derfor er Cavalieris komposisjon som

er opprinnelsen til denne musikalske formelen.157 Det som er sikkert er at Aria di Firenze ble

147 PIRROTTA 1982, S. 233. 148 ROSOW 2005, S. 204. 149 SASLOW 1996, S. 17. 150 ROSOW 2005, S. 205. 151 Ibid. 152 KIRKENDALE 1972, S. 46. 153 SASLOW 1996, S. 39. 154 KIRKENDALE 1972, S. 47. 155 SASLOW 1996, S. 39. 156 HILL 1989, S. 314. 157 KIRKENDALE 1972, S. 50.

47

brukt som grunnlag for intrikate komposisjoner av komponister som Banchieri, Buonamente,

Frescobaldi og Sweelink.158

158 KIRKENDALE 1972, S. 17.

48

11. Analyse

11.1. Tekstanalyse

I de følgende musikalske analysene vil jeg undersøke forholdet mellom tekst og musikk i

noen av stykkene som har politisk tekst. Jeg tar utgangspunkt i en enkel tekstanalyse som

beskriver den formale strukturen og innholdet i tekstene. Tekstanalysen baserer seg på

tekstene slik de er representert i forordet til Walkers kritiske utgave, Nono og i «Gli albori del

melodramma II» av Solerti, som gir en oversikt over en del av tekstene. Tekststrukturen blir

angitt ved å gi hvert vers et nummer. Etterpå angir jeg antall stavelser etterfulgt av en liten

bokstav for å angi rim. Rimer ikke verset blir det angitt med en x.

All italiensk poesi blir karakterisert ved antall stavelser og rytmen i versene.159 Til

forskjell fra gresk og latinsk poesi skiller ikke italiensk poesi mellom korte og lange stavelser,

men mellom betonte og ubetonte. Rytmikk har en betydning i poesien, men denne er

underordnet antall stavelser per vers. I det italienske språket har alle ord en trykksterk

stavelse, det vil si at vers med like mange stavelser kan ha forskjellig rytme, dette til forskjell

fra for eksempel fransk poesi.160 Det finnes tre typer verseendelser i italiensk poesi:161

Versi piani har betoning på nest siste stavelse. Her skal alle stavelser telles. Disse

kalles også parossitone.

Versi sdruccioli har betoning på tredje siste stavelse. Her skal ikke siste stavelse telles.

Disse kalles også proparossitone.

Versi tronchi har betoning på siste stavelse. Her skal man legge til en stavelse i

tellingen. Disse kalles også ossitone.

Den mest vanlige av disse endelsene er versi piani, og i intermediene er alle tekstene bortsett

fra noen avsnitt i O che nuovo miracolo (28) skrevet med denne endelsen. På grunn av dette

har jeg bare angitt hva slags ending som er brukt i O che nuovo miracolo (28). Her blir versi

piani angitt ved en p, og versi sdruccioli angitt med pp. Versi tronchi forekommer ikke i

intermediene i det hele tatt.

Vokalene i begynnelsen og slutten av ord i italiensk poesi behandles på mange

forskjellige måter, her skal jeg bruke O mille volte (14) for å illustrere en del av dem.

Sineresi: når to vokaler i samme ord teller en stavelse, som i Giorno i vers 2.162

Dineresi: når to vokaler inne i et vers teller to stavelser.

159 ELWERT 1976, S. 1. 160 Ibid. S. 2. 161 Ibid. S. 4 – 5. 162 Ibid. S. 7.

49

Sinalefe: når en vokal i slutten av et ord og vokalen i begynnelsen av neste teller og

uttales som samme stavelse, som i lieto e i vers 2.163

Dialefe: når en vokal i slutten av et ord og vokalen i begynnelsen av neste ikke teller

som en stavelse.

Elisione: når siste vokal i ord kuttes og det følgende ordet begynner med en vokal,

som i horribil angue i vers 5.

Aferesi: når første vokal i ord kuttes, og det henger seg på neste ord med apostrof, som

i l’anima i vers 6.

Apocope: når siste vokal i ord kuttes uten at neste ord begynner med en vokal, som i

versar i vers 6.

Alle disse fenomenene har innvirkning på hvordan man teller stavelser i hvert vers. Hvis jeg

har vært usikker på hvilke fenomener som forekommer i de forskjellige versene har jeg sett på

hvordan musikken har behandlet teksten. Der er det lett å se om en vokal er blitt behandlet

som en eller to stavelser. Slik har jeg kommet frem til at det er utelukkende settenari og

endecasillabi, altså vers med syv og elleve stavelser i tekstene til intermediene. Dette er også

de mest vanlige verseformene i italiensk poesi fra denne tiden.164 De forskjellige tekstene har

alle en blanding av disse – ingen av dem består av bare en av verseformene. Dette kalles for

strofe polimetre.165

I intermediene finnes bare versi sciolti. Denne versetypen er vers uten et fast

rimmønster, og kom for fullt i Italia i renessansen. Denne formen for poesi er en imitasjon av

den klassiske poesien, poesia classica, som ikke hadde rim.166 Det betyr ikke at tekstene i

intermediene ikke har rim, men at vers med flere typer rim og ingen rim blandes innad i

tekstene. De ulike måtene å rime på har følgende betegnelser:167

Rima baciata: aabb

Rima incrociata: abba

Rima atterna: abab

Alle rimtypene finnes i tekstene til intermediene, men det er aldri bare en form for rim per

tekst.

163 ELWERT 1976, S. 21. 164 Ibid. S. 52. 165 Ibid. S. 115. 166 Ibid. S. 108. 167 Ibid. S. 111.

50

Den måten å skrive italiensk poesi som finnes i tekstene til intermediene er en arv etter

den Toskanske poeten Petrarca (1304–1374),168 som også er regnet som en av de tidligste

humanistene. Han skrev på det toskanske språket volgare i stedet for latin, noe som siden har

utviklet seg til å bli det italienske språket som brukes i dag.

Rinuccini var poeten som skrev desidert flest tekster til intermediene. Han utviklet en

form for poesi som skulle ligne betoningsmønstret i vanlig tale. Versene hans er satt sammen

til en uregelmessig blanding av settenari og endecasillabi med fritt rimmønster. Rinuccini er

også kjent for sin bruk av alliterasjon (bokstavrim), anaforer (ord i begynnelsen av flere vers

er like), og andre gjentakelser for å uttrykke følelsesmessige stemninger Petrarca-

tradisjonen.169 Dette sees for eksempel i O mille volte (14), hvor Rinuccini har brukt anafor i

vers 1, 3 og 4 – alle tre begynner med O.

11.2. Fra originaltekst til sangtekst

I mange av tekstene i intermediene har det blitt gjort endringer når det er komponert musikk

til dem. I en del av tekstene finnes små endringer fra de tekstene som originalt ble skrevet og

de finnes i notebildet, som for eksempel at ord er trukket sammen og forandret på slik de skal

passe med den nyskrevne musikken. Det sees i E noi con questa bella diva (20), hvor teksten

som er skrevet i både Nono og i Rossis beskrivelse i andre vers er Nostra diva Anfitrite. Da

musikken ble satt til ble verset forkortet til Nostr’Anfitrite. I fire av tekstene er to vers midt i

teksten kuttet helt ut, i Coppia gentil (6), Chi dal delfino (9), Qui di carne si sfama (12) og Or

che le due grand’alme (17). To av disse er politiske tekster; de to andre er ikke det. Den

teksten som er kuttet er en del av en beskrivelse og den er mer for en utfylling å regne. Den

kommer ikke med noen ny informasjon, men er en del av en beskrivelse som ikke lider av at

versene er tatt vekk. Unntaket er Qui di carne si sfama (12), hvor teksten som er tatt vekk er

et utrop fra Delfis befolkning. Dette gir heller ingen ny informasjon, men den beskriver

befolkningens lidelser på en annen måte. Også i O mille volte (14) er tre vers annerledes når

teksten er satt til musikk, men her er de tre siste versene lagt til, ikke fjernet. Dette diskuteres

videre under.

168 PERKINS 1999, S. 651. 169 HANNING Grove Music Online [Lesedato:15.10.2014].

51

11.3. Musikkanalyse

Hvis man ser bort fra O che nuovo miracolo (28), ble alle tekstene til intermediene skrevet

først, deretter satt musikk til. Studien av slik tonsetting krever at man ser på tre forskjellige

aspekter: deklamasjon, syntaks og semantikk.170

Det deklamatoriske aspektet tar for seg måten musikken behandler det naturlige

betoningsmønstret i teksten. I det italienske språket finnes det, som sagt, i hvert ord betonte

stavelser, og musikken kan behandle disse ved å understreke de betonte stavelsene med hjelp

av kontraster. Eksempler på det er lengre eller høyere toner enn de omkringliggende tonene,

harmoniske kontraster, eller ved melismer. Sammenfaller musikkens betoning med tekstens

naturlige betoning kalles dette for korrekt deklamasjon. I intermediene blir tekstene i stor grad

korrekt deklamert, men ikke alltid. Det kan også forekomme lek med deklamasjonen, slik som

finnes i Dalle più alte sfere (1), hvor deklamasjonen forandrer seg for hver gang teksten

repeteres (se analyse under).

Det syntaktiske aspektet dreier seg om versenes form og struktur, tekstens

grammatikalske oppbygning, og hvordan de musikalske frasene forholder seg til dette.

Musikken kan understreke versenes struktur ved å la musikalske halv- og helkadenser

sammenfalle med versenes halv- og helsetninger. I middelalderen var det et strengt prinsipp at

musikken måtte underordne seg tekstens formale struktur, noe teoretikerne Guido av Arezzo

(995–1050) og Johannes Cotto (rundt 1100) har beskrevet nøye.171 Dette prinsippet ble brakt

inn i renessansen, og i musikken som er brukt i intermediene er prinsippet i stor grad fulgt.

Det semantiske aspektet dreier seg om hvordan innholdet i teksten kommer frem i

musikken. Det går an å understreke enkelte ord og små tekstdeler ved å bruke kontrasterende

elementer som tonehøyde, tonelengde og harmonikk.172 Alle disse virkemidlene blir brukt i

musikken til intermediene for å understreke det politiske aspektet ved tekstene.

På 1500-tallet utforsket italienske madrigalkomponister hvordan man kunne illustrere

de bilder og stemninger som fantes i tekstene. Dette resulterte i det som i dag kaller

ordmalerier eller madrigalismer.173 Ordmaleri var et av kjennetegnene ved musikk fra

renessansen, og på 1500-tallet var det standardiserte måter å illustrere tekster på i madrigaler

og chansoner.174 Forskjellige typer ordmaling kan være: onomatopoetika, lyder som beskriver

noe som skjer, altså lydhermende ord som fuglekvitter eller krig; musikalske gester, som en

170 KING Grove Music Online [Lesedato: 14.02.2015]. 171 STEVENS 1986, S. 291. 172 Ibid. S. 296. 173 KING Grove Music Online [Lesedato: 14.02.2015]. 174 CARTER Grove Music Online [Lesedato: 03.01.2015].

52

nedadgående musikalsk bevegelse til tekst om nedstigning; og hvor en stemme synger om å

være alene, og tre om treenigheten.175 Eksempler på slike ord er å dunke eller å ringe.

Praksisen med bruk av disse virkemidlene ble kraftig redusert på 1600-tallet i forbindelse med

den humanistiske tenkningen om forholdet mellom tekst og musikk. Musikk som etterlignet

de bildene man fant i teksten helt mekanisk ble av musikkteoretikere som Vincenzo Galilei

beskrevet som naive,176 og på grunn av hans kontakt med Bardi finnes både den tradisjonelle

måten å bruke ordmaling på, og den nye, humanistiske stilen hvor teksten blir illustrert mer

subtilt, i intermediene (se Camerata Fiorentina, kapittel 8.1.2.).

Om tekstdeklamasjonen i intermediene fra 1589 skriver Walker at deklamasjonen er

stort sett korrekt i Malvezzis stykker og ordene er plassert med stor omhu slik at teksten skal

komme tydelig frem.177 Det ser jeg tydelig i de stykkene jeg har analysert, hvor det finnes lite

ukorrekt deklamasjon av tekst. Der den ukorrekte deklamasjonen er, er det mindre viktige ord

som får den, ikke de viktigste. I Malvezzis O fortunato giorno (27), den musikken han

komponerte med mest politisk tekst, er det ingen tilfeller av ukorrekt deklamasjon av tekst i

det hele tatt. Walker skriver videre at komposisjonene til både Malvezzi og Marenzio er

overraskende lite ekspressive, spesielt i forhold til den musikalske tradisjonen som musikken

står i.178 Dette kan forklares ved at tekstene ikke krever så mye ekspressivitet, ettersom de i all

hovedsak er glade tekster som hyller brudeparet og ikke beskriver store emosjoner som

lidende kjærlighet. Selv om både Malvezzi og Marenzi har bakgrunn fra kirkemusikken har

de også skrevet en god del verdslig musikk, og madrigalene som finnes i intermediene er

blant de minst ekspressive de har komponert, ifølge Walker.179 Han skriver at en annen grunn

til den rare og nesten fraværende ekspressiviteten, som er gjennomgående i intermediene, er at

funksjonen til intermediene er en del av et Grand spectacle. Musikken skulle vekke

publikums oppmerksomhet med fyldig og rik klang, men skulle ikke ha uvanlige dissonanser,

harmonier eller storslagne intensiveringer som gjorde det vanskelig å følge med.180 Særlig

Malvezzi trekkes frem som en mester når det gjaldt hvilken musikk som krevdes av de

forskjellige tekstene.181 Dette har jeg sett nøyere på under musikalske stiler. Musikken var

ikke hovedfokuset i intermediene – det var det visuelle og det maskinelle, ifølge Nino

175 STEVENS 1986, S. 302. 176 CARTER Grove Music Online [Lesedato: 03.01.2015]. 177 WALKER 1963, S. XXVI. 178 Ibid. 179 BUTCHART 1980, S. 160. 180 WALKER 1963, S. XXVI. 181 BUTCHART 1980, S. 160.

53

Pirrotta.182 Han skriver videre at musikken ikke ble dominerende før i operaen. Det betyr ikke

det at den ikke hadde sin rolle i forestillingen: Nina Treadwell skriver i en nylig publisert

studie at musikken og særlig virtuositeten spilte en stor rolle som skaper av meraviglia, det

underverket som publikum skulle få oppleve.183

182 PIRROTTA 1982, S. 236. 183 TREADWELL 2008, S. 35.

54

12. Musikalske stiler

Den italienske musikkviteren og komponisten Federico Ghisi skriver i forordet til Walkers

kritiske utgave av intermediene at de inneholder følgende musikalske sjangre: polyfoniske

flerkorverk, madrigaler, homorytmiske ballettoer, canzonetter, monodisk stil ledsaget av flere

instrumenter og tidlig stile rappresentativo.184 Ghisi skriver ikke hva han legger i disse

begrepene, og ved nærmere ettersyn kan man finne disse stilartene bare i en forenklet form.

Stilartene overlapper hverandre også i intermediene. Under vil jeg derfor gi korte innføringer i

sjangrene madrigal i forskjellige besetninger, stile rappressentativo, ballo og canzonetta. Det

finnes noen trekk som kan minne om monodisk stil, men selve monodien var på denne tiden

ikke utviklet enda. Stilartene som er brukt vil jeg knytte opp mot de forskjellige stykkene i

intermediene.

12.1. Madrigalen

Den viktigste musikalske sjangeren i Firenze fra første halvdel av 1500-tallet var

madrigalen.185 Den ble i begynnelsen brukt som ren underholdningsmusikk, men fra bryllupet

mellom Cosimo I de Medici og Eleanora fra Toledo i 1539 ble den også tatt i bruk som

seremoniell musikk.186 Praksisen med anvendelse av madrigalen i formelle sammenhenger ble

vanlig, og man finner den igjen i alle intermedier som er laget etter dette. Den seremonielle

grenen av madrigalen er den som finnes eksempler på i intermediene fra 1589. Den

kjennetegnes av mytologisk innhold og instrumentalt akkompagnement. Madrigalene som

finnes i intermediene er alt fra enstemmige solomadrigaler, flerstemmige madrigaler i mindre

besetning til madrigaler for flere kor. Den største har 30 stemmer fordelt på syv kor (O

fortunato giorno (27) i intermedium VI). Det er disse tre type madrigalene jeg skiller mellom

her.

Alle madrigaltypene retter seg stort sett etter tekstens struktur og versenes inndeling,

slik konvensjonen for tekstbehandling var. Det vil si at versets slutt og cesurene i enden av de

musikalske frasene sammenfalt. Samtidig blir versene i en del tilfeller delt inn i mindre deler

som gjentas for å skape intensivering, understreking og illustrering av enkelte ord eller deler.

Denne bruken ser man særlig i flerkormadrigalene, hvor det er flere stemmer som kan brukes

til dette formålet. Her sees spor fra hvordan komponister av blant annet de geistlige motettene

behandlet sine tekster, for eksempel Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525–1594). Det er

184 GHISI 1963, S. XVI. 185 BUTCHART 1980, S. 1. 186 VON FISCHER, Grove Music Online [Lesedato: 05.01.2015].

55

naturlig nok få slike inndelinger i solomadrigalen hvor tekstens verseinndeling blir mindre

fragmentert, men her kan ornamentering og lange melismer bidra til en oppdeling av versene.

12.1.1. Madrigaler med små besetninger

Den vanligste madrigaltypen i et musikkhistorisk perspektiv er den for liten besetning. Denne

typen madrigal har utgangspunkt i den solistiske kammermusikken. Her er det vanlig med

polyfone satser for fire til åtte stemmer, med innslag av homofone partier. Denne tradisjonen

startet i Firenze, med komponister som Phillipe Verdelot (1480–1530) og Jacques Arcadelt

(1505–1568),187 og nådde sitt høydepunkt senere samme århundre i andre italienske sentre

som Ferrara og Venezia.

Det finnes bare én slik tradisjonell madrigal i hvert av intermediene. Det kan være

fordi slike madrigaler var forbundet med kammermusikk, og ofte bestod av svært polyfone

satser. Satsene i intermediene er mindre polyfone for enklere å kunne transportere tekst til

publikum.

Madrigalene i intermediene har både politiske og ikke-politiske tekster. Intermedium I

har ingen madrigaler med liten besetning mens resten av intermediene har én hver (Chi dal

delfino (9), Qui di carne si sfama (12), Or che le due grand’Alme (17), Lieti solcando il mare

(23) og O qual risplende nube (25)). Av disse fem madrigalene har bare Or che le due

grand’Alme (17) en politisk tekst. Det kan tyde på at den tradisjonelle madrigalen ikke var

den foretrukne sjangeren for formidling av politiske tekster.

12.1.2. Flerkormadrigaler

Det finnes åtte polyfone flerkorverk blant sangene i intermediene, de tre første intermediene

har to hver. Stykkene varierer i besetning fra to til syv kor og befinner seg stort sett i

avslutningen av hvert intermedium. Stykkene for flere kor er preget av klar deklamasjon og

enkel harmonikk. Høydepunktet i hvert enkelt stykke blir markert med et tuttiparti, som

skaper et stort og majestetisk uttrykk. Samtidig er disse partiene de mest krevende når det

kommer til tekstformidling. Det blir vanskeligere å forstå teksten, og består koret av mer enn

åtte ulike stemmer krever det mye av komponisten for å unngå kvint- og oktavparaleller,

kompliserte rytmiske og melodiske linjer og for mange sprang i de forskjellige stemmene.188

187 PERKINS 1999, S. 659. 188 WALKER 1963, S. XVII.

56

Ghisi skriver at bruken av slike kor blir legitimert og inspirert av tradisjonen til de klassiske

tragediene, hvor kor ble brukt der hvor handlingen krevde det.189 Rossi skriver i sin

«Descrizioni» noe av det samme:

The maker [of the intermedi] has striven to the best of his ability to ensure that all the

actions to be accomplished in the plot are performed according to their nature; for

instance, if there is to be dancing or singing in the intermedio, the plot shall specifically

require it.190

I intermediene blir større og større kor ofte brukt som en intensivering mot slutten og for å

oppnå en høytidelig effekt.191 Dette finnes i intermedium I, II, V, og VI, selv om intermediene

I og VI har de største korene i de nest siste stykkene. Ikke bare tradisjonen etter de klassiske

tragediene krevde bruk av kor, men også det politiske budskapet krevde at tekstene ble

overlevert på en kraftfull og mektig måte. Man kan argumentere mot Ghisis påstand ved å

påpeke at intermediene ikke var greske tragedier i det hele tatt, og at handlingsmotivert

musikk og dans ikke helt kan forklare avslutningsstykket, O che nuovo miracolo (28). Selv

om ikke intermediene var direkte klassiske tragedier, var de sterkt inspirert av den klassiske

tenkningen, og Bardi hentet handlingene i intermediene fra klassiske verker av Platon og

Plutark. At musikk- og korbruken da også er inspirert av klassiske tradisjoner mener jeg ikke

er utenkelig. Siste sang i intermediene, O che nuovo miracolo (28), som ikke passer helt inn i

denne forklaringen, ble satt inn veldig sent i produksjonen på befaling av Ferdinando, og det

kan være en av grunnene til at den ikke passer inn i helteheten.

12.1.3. Solomadrigalen

I notematerialet til Walker finnes det tre sanger hvor besetningen er for en vokalstemme og

instrumentalt akkompagnement: Dalli più alte sfere (1), Dunque fra torbid onde (22) og Godi

turba mortal (26). Io che l’onde raffreno (19) er i notematerialet skrevet som en flerstemt

madrigal, men ifølge kildene ble madrigalen fremført av en solist, Vittoria Archilei, med

instrumentalt akkompagnement. Caccinis Io che dal ciel cader (15), fra Magliabecchi 66, er

fremstilt med en solovokalstemme og et enstemmig bassakkompagnement. Alle disse

madrigalene blir her karakterisert som solomadrigaler.

Walker skriver i sitt forord til den kritiske utgaven av intermediene at bare tre av

solostykkene har monodiske trekk, og at heller ikke disse kan kalles monodier. Han skriver at

189 GHISI 1963, S. XVII. 190 PIRROTTA 1982, S. 215. 191 GHISI 1963, S. XVII – XVIII.

57

disse stykkene (Dalle piu alte sfere (1), Dunque fra torbid inde (22), og Godi turba mortal

(26)) står på et mellomnivå mellom polyfon madrigal og solo pluss generalbass, som vil si at

stykkene er skrevet som firestemmige madrigaler hvor bare den øverste stemmen blir sunget,

og resten spilt av instrumenter.192

Io che dal ciel cader (15) er den eneste av de totalt fem solomadrigalene som har trekk

fra den monodiske stilen. Monodi er en stil som utviklet seg i Italia mot slutten av 1500-

tallet.193 Begrepet monodi ble etablert av Giulio Caccini i hans «Nuove Musiche», som ble

utgitt en gang i tidsrommet 1601–1602.194 I avhandlingen presenterer han en ny måte å skrive

solosang med instrumentalt akkompagnement på. Det er denne sjangeren som har hatt størst

betydning i utviklingen av den barokke stilen med generalbass.

Tre av disse fem solomadrigalene har politisk tekst. Den første finnes som

åpningssang i intermedium I, Dalle più alte sfere (1), som analyseres nøye under. I tillegg er

åpningssangene til intermedium IV og V også solomadrigaler. Io dal ciel cader (15) og Io che

l’onde raffreno (19) har på samme måte som Dalle più alte sfere (1) funksjon som en

innledning til den egentlige handlingen i intermediet. Alle disse tre madrigalene ble sunget av

de to virtuose kvinnelige sangerne, Vittoria Archilei og Lucia Caccini. Disse har alle en

korrekt tekstdeklamasjon, til tross for utførlige ornamenter og melismer som til tider gjør det

vanskelig å oppfatte teksten. Versestrukturen er ivaretatt i de musikalske frasene. Det er heller

ingen andre stemmer som kan forvirre lytteren, og sjangeren egner seg derfor godt til å

transportere politisk viktige tekster.

12.2. Stile rappresentativo

Ved hjelp av Bardis Camerata Fiorentina ble det som senere ble kalt stile rappresentativo

utviklet mot slutten av 1500-tallet. Stilen ble angivelig utviklet av Vincenzo Galilei og

begrepet dukker opp for første gang på tittelsiden av Giulio Caccinis opera Euridice i 1600.195

Termen kan brukes om musikk i teateret, musikk i en resitativisk stil, og musikk som

transporterer tekst på en spesielt dramatisk eller følelsesmessig måte.

Det er ingen fullt utviklede stile rappresentativo-stykker blant sangene i intermediene,

men det finnes stiltrekk fra sjangeren i to av sangene. I intermedium IV finnes slike stiltregge

i to sanger, Or che le due grand’ alme (17) og Miseri habitator (18). I førstnevnte finner Ghisi

192 WALKER 1963 ,S. XXVI. 193 Fortune Grove Music Online. [Lesedato: 23.02.2015]. 194 Ibid. 195 CARTER Grove Music Online [Lesedato: 04.03.2015].

58

stiltrekk som han mener minner om den ekspressive harmonikken som Monteverdi brukte i

sin stil, slik som septimforhold og parallelle terser.196 I sistnevnte finnes stiltrekk som helt

syllabisk tekstbehandling og alternasjon mellom det Ghisi kaller dur og moll, som minner

ham om karakteren til musikken i Monteverdis Orfeo.197 Begge er madrigaler, men særlig

Bardis komposisjon skiller seg fra resten ved sin absolutte homofoni og spesielle

akkompagnement.

Bardis Miseri habitator (18) avslutter fjerde intermedium, og er skrevet i tråd med

ideene til Camerata Fiorentina, ifølge Ghisi.198 Besetningen var fem stemmer som ble doblet

av messing- og strengeinstrumenter. Bardi beskrev senere at den ble komponert med alle

tekstlige linjer intakt, med en liten cesur mellom hver setning, og med en harmonisk

avslutning av hver linje. Melodien har en begrenset ambitus, og selv om Bardi ikke kan

motstå enkelte forlengede toner og stavelser holder han seg stort sett til sine og Galileis

teorier.199 Walker skriver at Bardis Miseri habitator (18) er det eneste stykket blant alle i

intermediene som oppfyller kravene han selv setter i samsvar med Camerata Fiorentina.

Madrigalen skiller seg fra madrigalene til Malvezzi og Marenzio ved at harmonikken er

ekspressiv, ifølge Walker. Også besetningen uttrykker en ekspressivitet; de lavere stemmene,

alto, tenore, settimo og basso blir ledsaget av tromboner, violer og en lyre, som gir madrigalen

et illevarslende men høytidelig preg.

Også Jacopo Peris Dunque fra torbid onde (22) i det femte intermediet har tydelig blitt

inspirert av Camerata Fiorentina. Selv om en del av Arions vokale ornamenter ikke var helt

etter Bardis bok, forsøker han å imitere antikk gresk sang, og hans tilnærming til teksten er

ikke så fjern fra Bardis.200 Selv om sangen har monodiske trekk kvalifiserer den ifølge Walker

ikke til å bli kalt en monodi.201 Han mener at den står på et mellomstadium mellom polyfon

madrigal og solo pluss generalbass, og at stykket motsetter seg de humanistiske prinsippene

ved at musikken ikke er underlagt teksten. Dette sees tydelig for eksempel ved takt 14 – 23,

hvor vers 5 og 6 blir brutt opp i mindre deler for å tjene musikalske hensyn.

196 GHISI 1963, S. XXI. 197 Ibid. 198 Ibid. 199 CARTER 1989, S. 117. 200 Ibid. S. 118. 201 WALKER 1963, S. XXVI.

59

12.3. Balletto og Canzonetta

Ingen av stykkene i intermediene kan kategoriseres helt som balletto eller canzonetta, men det

er påvirkning fra disse stilene i flere av stykkene. Stilene har til felles at de er skrevet i en

enkel polyfon eller helt homofon sats med få stemmer. Tradisjonelt har tekstbehandlingen i

slike stykker vært mindre streng, men i disse intermediene er tekstdeklamasjonen stort sett

korrekt. Det finnes også stykker i intermediene hvor enkelte deler av stykket er påvirket av

disse stilene, slik som madrigalen O mille volte (14). Den blir analysert under.

Canzonetta er navnet på små, lette, sekulære sanger. Selve ordet kommer av canzone,

som betyr sang, og canzonetta blir derfor en liten sang.202 De tradisjonelle canzonettene hadde

alt fra tre til seks stemmer, ofte med formen AABB eller AABCC. Canzonettene har en

strofisk form med syllabisk behandling av teksten hvor stemmene beveger seg homofont og

ukomplisert.203 Musikken har ofte tydelige separerte fraser og madrigalismer i første vers,204

og lette, tredelte rytmer.205 Lengden på canzonettene varierte, og hvor besetningen var fem

eller seks stemmer var canzonetten lengre enn når det bare var tre eller fire stemmer. Tekstene

som ble brukt hadde ofte lette og populære temaer.206

Den som populariserte den vokale ballettoen var Giovanni Giacomo Gastoldi da

Caravaggio (1554–1609).207 Det som karakteriserte ballettoen hans var den livlige rytmen og

klare harmonien.208 Det var vanlig med fraser i tredelt takt, og en veksling mellom en

besetning på fem og tre stemmer. Det er en umiskjennelig innflytelse fra Frankrikes klare og

varierte danser i Gastoldis musikk, ifølge Einstein.209 Man ser også påvirkningen fra den

instrumentale dansemusikken.210 I de fleste av Gastoldis ballettoer ble en strofisk tekst som

ble tonesatt med en homofon melodi bruk, og med refreng av tullestavelser som fa-la-la.211

Det er sannsynlig at ballettoen var en del av en dans med kostymer, i alle fall er det tydelig at

musikken skulle danses til. Gastoldi hadde en plan om at hans ballettoer kunne spilles med

instrumenter, synges eller en kombinasjon av disse to.212 Typisk for Gastoldis musikk i

ballettoene var en åpning med fire repeterte akkorder og tre trinnvise toner i stigende eller

202 DEFORD Grove Music Online. [Lesedato: 17.01.2015]. 203 PERKINS 1999, S. 700. 204 DEFORD Grove Music Online. [Lesedato: 17.01.2015]. 205 GHISI 1963, S. XIX. 206 PERKINS 1999, S. 700. 207 PIKE 2004, S .7. 208 EINSTEIN 1971, S. 603. 209 Ibid. S. 604. 210 Ibid. S. 607. 211 PIKE 2004, S. 7. 212 Ibid. S. 8.

60

fallende rekkefølge i refrenget.213 Gastoldi pleide også å bruke de to øverste stemmene til å

synge duett med hverandre, noe som er en tydelig arv fra Ferraras Concerte delle donne.214

Det finnes flere stykker som er påvirket av stilene i canzonetta og balletto blant

sangene i intermediene. Allerede i første intermedium finnes to av dem, Dolcissime sirene (4)

og Coppia gentil (6). Begge har en politisk tekst hvor gudene hyller brudeparet med fest og

dans, og derfor passer en melodi med lett og festlig karakter. I andre og tredje intermedium

finnes en canzonetta i hver, begge med ikke-politiske tekster. Belle ne fe natura (8)

presenterer dommerne i konkurransen mellom musene og Pieridene, og O valoroso dio (13)

samler det delfiske folket igjen etter Appolons kamp mot dragen. Det siste intermediet åpner

med en canzonetta, Dal vago e bel sereno (24). Denne er også ikke-politisk, og handler om

den fine dagen da jorden skal berikes med rytme og harmoni.

E noi con questa bella diva (20) fra intermedium V består av deler som alternerer

mellom å ha stiltrekk fra ballettoer og canzonetter. Også her er teksten politisk, havets guder

og vesener hyller brudeparet. Det er en munter tekst, og derfor passer den godt til å bli satt til

en dansepreget sjanger. Den store avslutningssangen O che nuovo miracolo (28) blir nøye

analysert nedenfor, og har en politisk tekst. Den havner ikke innunder kategorien balletto,

men er en annen type dansemusikk, en ballo.

Det er omtrent like mange politiske tekster som ikke-politiske tekster som har fått en

melodi i en canzonetta-stil. Det kan komme av at sjangeren både har den homofone

deklamasjonen som trengs for å formidle en politisk tekst og lettheten som passer til en

bryllupsfest. Samtidig fører lettheten og tydeligheten til at sjangeren også egner seg til å

transportere handlingen i intermediene. Til forskjell fra de tradisjonelle canzonettene har

ingen av tekstene i intermediene flere strofer. Heller ikke formen med repetisjon av første og

siste strofe blir fulgt i noen av intermedienes tekster. Siste vers repeteres som regel, men ikke

første. Ofte repeteres også nest sist vers flere ganger. Det sees i Coppia gentil (6), som er

analysert nedenfor. Lettheten og det homofone preget er derimot bevart i alle canzonettene, og

den tredelte takten gjør seg gjeldende i flere av dem.

213 PIKE 2004, S. 16. 214 Ibid. S. 17.

61

13. Hovedanalysene

Følgende stykker har jeg valgt å analysere grundig: Dalle più alte sfere (1, Archilei/Bardi),

Coppia gentil (6, Malvezzi/Rinuccini), O mille volte (14, Marenzio/Rinuccini), O fortunato

giorno (27, Malvezzi/Rinuccini) og O che nuovo miracolo (28, Cavalieri/Lucchesini). Jeg har

valgt ut disse stykkene fordi de representerer de forskjellige sjangrene som finnes i

intermediene og fordi alle har politisk tekst og formål.

13.1. Dalle più alte sfere (1) (Walker ed., tekst s. XXXVII, musikk s. 2 – 8)

Teksten til denne solomadrigalen handler om den doriske harmoni som stiger ned fra

himmelen for å forkynne at solen ikke har sett noe mer nobelt enn Minerva og Alcide. Her må

disse to figurene forstås som symboler for Ferdinando og Christina. Både Herakles og

Minerva var kjent for egenskaper som det nye herskerparet kan ha ønsket å assosiere seg med.

Minerva var den romerske ekvivalenten til grekernes Athene, og hun ble ansett som Romas

beskytter. Minerva var jomfrugudinnen for krig og visdom, og beskytter av kunst og

håndverk.215 Alcide var originalt et tilnavn til den greske helten Herakles, Herkules i den

romerske mytologien. Herakles var sønn av Zevs (Jupiter) og Alkmene, og var kjent for sin

enorme styrke, samtidig som han kunne bruke hodet sitt.216 På samme måte som Apollon var

Herakles et kjent symbol for Medici-familien. På 1300-tallet var Han avbildet på Firenzes

offisielle segl, og hans figur var sterkt knyttet til Cosimo I.217 Det var særlig Herakles’ seier

over dragen Ladon som ble fremstilt, på samme måte som Apollons seier over Pyton.

Gulleplene som Herakles stjal etter at han hadde drept dragen ble ofte bruk som symboler på

pallene i Medicienes våpenskjold.

215 CANCIK 2006 Vol. 8., S. 939 – 940. 216 CANCIK 2005 Vol. 6., S. 156 – 157. 217 HANNING 1979, S. 501.

62

Solomadrigalens tekst slik den er skrevet i Nono er organisert med følgende struktur:218

Versenr. Vers Stavelser Rim

1 Dalle più alte sfere 7 x

2 Di celeste sirene amica scorta 11 a

3 L’armonia son, ch’a voi vengo, ò mortali 11 b

4 Poscia, che fino al Ciel battendo l’ali 11 b

5 L’alta fiamma n’apporta 7 a

6 Che mai si nobil coppia il sol non vide 11 c

7 Qual voi nuova Minerva, e forte Alcide 11 c

Oversettelse: 1 Fra de høyeste sfærer / 2 De himmelske sirenenes venninne og eskorte / 3 Jeg er

harmonien, som kommer til dere, o dødelige / 4 Og deretter stiger til himmels på slående vinger / 5

Den høye [kunnskapens] flamme jeg bringer / 6 At aldri solen har sett et slikt nobelt par / 7 Som dere,

nye Minerva og sterke Alcide.

De fem første verselinjene veksler mellom settenari og endecasillabi, og verselinjene

2 – 5 har rimtypen rima incrociata, abba.219 I vers 3 presenterer Armonia Doria seg selv

(l’armonia son), og sier at hun stiger ned med visdom (l’alta fiamma, vers 5) som gave. De to

siste versene, 6 og 7, handler om det mest noble paret som solen noen gang har sett, den nye

Minerva og sterke Alcide. Den doriske harmoni stiger ned for å hylle brudeparet, og dette sees

på som hovedpoenget i teksten. Allerede i denne første madrigalen blir det henvist til

Ferdinando og Christina, og det blir understreket med versets struktur. Her er begge

verselinjene endecasillabi og rima bacciata. Tekstens naturlige betoning gir et tilnærmet likt

betoningsmønster for begge versene, med alternerende lett og tung stavelse.

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11

Che mai si no- bil cop- pia͜ il sol non vi- de

Qual voi nu- o- va͜ Mi- ner- va͜ e for- te͜ Al ci- de.

218 Både i Walkers forord, i Nono og hos Rossi står det at første verselinje er: Dalle celesti sfere. I notematerialet

til Walker er linjen «Dalle più alte sfere». Den versjonen som er brukt i notematerialet utgjør ingen forskjell,

hverken i antall stavelser eller mening. Det er også andre mindre forskjeller mellom teksten i notematerialet og

tekstene som er gjengitt i Nono og hos Rossi, ingen av dem har noen innvirkning på tekstens innhold eller

struktur. 219 ELWERT 1976, S. 111.

63

Både tekstens innhold og struktur forandrer seg på samme sted, nemlig ved overgangen fra

vers 5 til 6. Når teksten har fokus på Armonia Doria er strukturen flytende, men når det skifter

til Ferdinando og Christina har teksten en mer regelmessig struktur og betoningsmønsteret blir

tilnærmet likt. På den måten understreker den formale strukturen tekstens innhold ved å skifte

form for å få frem det politiske budskapet.

Archilei har komponert en solomadrigal med monodiske trekk. Han/hun har skrevet den i G

miksolydisk, som er litt ironisk ettersom teksten handler om den doriske harmonien. I

notematerialet til Walker er den skrevet ned med tekst under bare stemmen Canto, den er

hentet fra Canto-stemmeboken. Walker har skrevet ut madrigalen som en firestemmig sats

under cantostemmen, dette materialet er hentet fra Nono. Disse fire stemmene uten tekst er

veldig homofone, og likner mer på akkompagnementstemmer enn på vokalstemmer. At disse

stemmene ikke fantes i de øvrige stemmebøkene gjør også at det må antas at disse stemmene

ble spilt av instrumenter.

Archilei tok utgangspunkt i tekstens struktur da han/hun satte musikk til teksten.

Første vers synges i sin helhet to ganger (takt 1–6). Harmonikken gjenspeiler denne

inndelingen ved at den første repetisjonen av verset lander på en D-akkord og den andre

lander på grunnakkorden, G. Neste vers blir delt opp i to deler (1. Di celesti…, 2. Amica…),

som hver blir sunget to ganger (takt 6–12). Første del av vers 2 får en fallende kvint i bass

som avslutning av den musikalske frasen begge ganger (takt 7–8 og 9–10), men neste

musikalske frase avsluttes ikke før andre repetisjon av andre del av verset (takt 12). Denne

avslutningen lander på en D-akkord, og uten den fallende kvinten i bass leder den veldig mot

neste frase. Vers 3 blir også delt inn i to deler (1. Son l’armonia…, 2. Ch’a voi…), men her

blir første del bare sunget en gang (takt 13–14). Den andre delen blir sunget to ganger (takt

14–15 og 16–17). Her blir alle de tre delene av verset avsluttet musikalsk med en fallende

kvint i bass, men bare siste avslutning lander på en G-akkord. Melodien her lander på tonen

D, noe som gjør at melodien føres videre og at det ikke føles som en fullstendig avslutning.

Vers 4 blir delt i to (1. Poscia…, 2. Battendo…), hvor første del blir sunget to ganger (takt

17–19), andre del tre (takt 19–22). Hele dette verset får en musikalsk frase, som ikke avsluttes

før siste repetisjon av siste del med en G-C-kadens. Vers 5, siste vers før teksten skifter fokus,

blir delt i to (1. L’alta…, 2. N’apporta…), og begge deler synges to ganger (takt 23–27). Også

dette verset får en hel musikalsk frase, til tross for to fallende kvinter i bass som avslutter tre

av fire tekstlige deler (takt 23–24 og 25). Vers 5 lander på en D-akkord, som med dagens

terminologi er en dominant.

64

Begge de to siste versene blir sunget i sin helhet to ganger (takt 28–42). I tillegg blir

siste del av siste vers repetert to ganger til (E forte Alcide, takt 42–46). I den delen av teksten

som hadde en blanding av settenari og enddcasillabi får tekstens verseinndeling mindre

betydning, og versene deles opp. Dette er en av grunnene til at rimene blir mindre tydelige

her. Når tekstens fokus skifter fra Armonia Doria til brudeparet blir tekstens struktur mer

regelmessig, noe som gjenspeiler seg i musikken ved at versene blir tonesatt i sin helhet og

det dannes separate musikalske fraser. På grunn av at versene her synges i sin helhet blir også

rimene tydelige. Harmonisk både begynner og slutter vers 6 med en D-akkord. Den første

repetisjonen av verset slutter med akkordene E-D (takt 30), og den andre med et kvintfall fra

akkorden A til D (takt 33). Vers 7 begynner med en G-akkord i takt 34 og får ingen avslutning

før siste repetisjon av Alcide, med akkordene D-G (takt 46). De lange musikalske frasene som

blir satt til vers 6 og 7 understreker viktigheten av disse to avslutningene, og får frem

rimordene slik at teksten blir transportert til publikum. Også bruken av lange noteverdier uten

melismer i avslutningen av vers 6 og 7 er med på å få frem rimet og tekstens budskap.

Solomadrigalen leker med kontrasterende måter å deklamere teksten på. I vers 1, 2 og

5 blir teksten sunget to ganger, og melodien veksler mellom betoning på ukorrekt og korrekt

stavelse på henholdsvis alte, celesti, scorta og alta. I tillegg får vengo (jeg kommer) i vers 3

ukorrekt betoning i begge repetisjoner: En lang melisme på siste stavelse fører til trykk på

denne istedenfor den første stavelsen begge ganger ordet blir sunget (takt 14–16). I vers 1 og

2 blir alte (høye), celesti (himmelske) og scorta (eskorte) først deklamert med betoning på

siste stavelse, deretter på den korrekte nest siste (takt 1–9). I vers 5 skjer det omvendte, ved at

alta (høye) får korrekt betoning første gang, før den blir repetert med ukorrekt betoning (takt

23–24). At denne leken ikke finnes i vers 3 og 4 kan ha noe med å gjøre at disse versene ikke

har samme regelmessige repetisjonsmønster av teksten som vers 1, 2 og 5. Vers 6 og 7 har

ikke denne betoningsleken fordi her er hovedpoenget i teksten, og dette må deklameres

korrekt så flest mulig forstår teksten.

De to viktigste ordene i solomadrigalen er de to rimordene i vers 6 og 7, vide og

Alcide. Det er fordi vide betyr ser, som er hovedpoenget i verset om at solen aldri har sett noe

så nobelt, og Alcide er hovedpersonen som sammen med Minerva er det mest noble solen har

sett. Det er derfor ekstra viktig at disse to ordene kommer tydelig frem. Dette får Archilei til

ved å ha lange noteverdier over disse to ordene, samt en korrekt tekstdeklamasjon. De lange

noteverdiene står i kontrast til melismene før, noe som er med på å fremheve de to ordene.

Det er brukt noen madrigalismer i komposisjonen. Hver gang ordet alte (høye)

forekommer i teksten stiger melodien, enten ved hjelp av melismer (takt 3), ved hjelp av

65

sprang (takt 23) eller ved at melismer starter på den nest høyeste tonen i madrigalen (takt 24).

Et annet eksempel på madrigalisme finnes i taktene 20–22, hvor teksten Battendo l’ali

(slående vinger, vers 4) får en melodi med raske alternerende opp- og nedadgående melismer,

som en imitasjon av vingeslag. I takt 13 begynner vers 3, her får Armonia lange melismer

over alle fire stavelser. Melismene leker med forskjellige typer rytmikk, og dermed illustrerer

musikken harmonien. I takt 29 blir non (ikke) i vers 6 repetert første gang, her med en halv

takt med en melisme bestående av korte noteverdier. Dette gjøres for å understreke at solen

aldri har sett noe så nobelt som Ferdinando og Christina, her representert ved Alcide og

Minerva.

De lengste melismene finnes over det siste verset, som handler om Minerva og Alcide.

Fra takt 34 begynner solomadrigalen med en moderat mengde melismer, men for hver

repetisjon av teksten blir melismene lengre, noe som gir to effekter. Den første er at det fører

til en innramming av madrigalen, fordi det første verset følger den samme formelen som det

siste, hvor en repetisjon har få melismer, og neste repetisjon har flere og lengre melismer. Den

andre effekten er at avslutningen også blir høydepunktet i sangen. Dette passer godt overens

med tekstens innhold, for der kommer den viktigste teksten i det siste verset, nemlig teksten

om nuova Minerva og forte Alcide.

13.2. Coppia gentil (6) (Walker ed., tekst s. XL, musikk s. 33)

Coppia gentil ble sunget av Parcaene, Sirenene og planetene.220 De sang om at ikke bare

jorden gledet seg over brudeparets eventyrlige kjærlighet, men at også himmelen feiret med

sang og latter. Teksten er rettet direkte til brudeparet, og hovedpoenget i teksten er at

himmelen gledet seg over deres kjærlighet og lykke.221

220 NAGLER 1964, S. 75. 221 Hos Rossi er denne teksten lengre. To vers står mellom det som her er vers 3 og 4, med henholdsvis ett

settenario og ett endecasillabo, med rima bacciata. I disse to versene blir det ønsket mange gjester og helter til

bryllupsfeiringen. Det vil si at det ikke kommer noe ny informasjon eller noe nytt perspektiv i disse to versene,

bare mer av hyllesten til brudeparet. Hvorfor denne teksten er utelatt er uvisst, men den er ikke gjengitt i Nono

eller brukt i musikken.

66

Teksten har følgende struktur:

Versenr. Vers Stavelser Rim

1 Coppia gentil d’aventurosi amanti 11 x

2 Per cui non pure il mondo 7 a

3 Si fa lieto, e giocondo 7 a

4 Ma fiammeggiante d’amoroso zelo 11 b

5 Canta ridendo e festeggiando il Cielo. 11 b

Oversettelse: 1 Elskverdige par, eventyrlige elskere / 2 For hvem ikke bare jorden / 3 Er glad og

lekende / 4 Men for den flammende kjærlighetens glød / 5 Synger leende, og fester himmelen.

Det første og de to siste versene er endecasillabi, og det er disse som bærer hovedpoengene i

teksten. Vers 1 etablerer hvem sangen er til, Ferdinando og Christina. I vers 4 og 5 kommer

det frem hvem som i tillegg til jorden feirer brudeparet, nemlig himmelen, og hvordan

himmelen feirer. Vers 2 og 3 har en mindre viktig tekst, er settenari, og slår fast at den mindre

viktige jorden selvfølgelig feirer, men at også noe større og viktigere feirer brudeparet.

Vers 1 har ingen rim, de resterende rimene er rima bacciata. Det vil si at rimene

samsvarer med antall stavelser per vers, noe som bidrar til å understreke de viktige ordene

som kommer i slutten av hvert vers. Det er blant rimordene poengene finnes, at mondo

(jorden) og Cielo (himmelen) feirer.

Malvezzi har komponert en canzonetta-lignende sats til teksten. Han har brukt en tredelt takt

for å understreke gleden og festen som uttrykkes i teksten. De åtte siste taktene er skrevet i en

todelt takt for å illustrere den høytidelige begivenheten det var at Ferdinando og Christina ble

forent som par, og at både verden og himmelen feiret dem. Disse åtte taktene har teksten til

andre del av siste vers.

67

Malvezzi har bygget opp den tredelte delen av satsen med rytmiske celler som følger versenes

inndeling.

Versnr. Vers Celle 1 Celle 2 Celle 3 Celle 4

1 Coppia gentil 111 | 3 |

d’aventurosi amanti 111 | 3 | 12 | 3 |

2 Per qui non pure il mondo 111 | 3 | 12 | 3 |

3 Si fa lieto, e giocondo 111 | 3 | 12 | 3 |

4 Ma fiammeggiante, 111 | 21 |

Ma fiammeggiante, 111 | 21 |

d’amoroso zelo mmmm1 | 12 | 3 |

5 Canta ridendo e 111 | 21 |

festeggiando i Cielo. 1+m1 | 12 | 3 |

4 Ma fiammeggiante, 111 | 21 |

Ma fiammeggiante 111 | 21 |

d’amoroso zelo mmmm1 | 12 | 3 |

5 Canta ridendo e 111 | 21 |

Canta ridendo e 111 | 21 |

Tegnforklaring: 3 = punktert brevis (perfekt brevis) / 2 = brevis (imperfekt brevis) / 1 = helnote

(semibrevis) / 1+ = punktert helnote (semibrevis altera) / m = halvnote (minima) / | = taktstrek i

moderne transkripsjon

Melodien som er satt til disse rytmiske figurene tar til en viss grad hensyn til innholdet i

teksten. I det første verset blir teksten som etablerer hvem sangen er til, Coppia gentil

(Elskverdige par), tonesatt av tre like g-akkorder (takt 1), som lander på en D-akkord (takt 2).

Dette er det eneste stedet i satsen hvor melodien hverken stiger eller synker. Det fører til at

teksten blir det eneste som forandrer seg og den får derfor all oppmerksomheten, noe som

passer med at Ferdinando og Christina blir nevnt i form av det elskverdige paret. Denne første

musikalske frasen avsluttes med en fallende kvint, fra en F-akkord til en B-akkord (takt 5 –

6). Dette gir en tydelig avslutning av frasen, som avslutter på grunnakkorden. Neste

musikalske frase blir sunget to ganger, en gang til vers 2, og en til vers 3 (takt 7–14). Frasen

avsluttes med en c-D-kadens, som skaper fremdrift mot neste frase. Vers 4 blir delt i to (1. Ma

Fiammeggiante 2. D’amoroso…), hvor første del synges to ganger før siste del synges én

gang (takt 15–21). Denne teksten får en musikalsk frase, som avsluttes med A-d-kadens.

Teksten i første del av verset blir repetert for å illustrere Fiammeggiante (flammende) ved å

68

ha en oppadgående og en nedadgående bevegelse i melodien. Fiammeggiante er et viktig ord

fordi det beskriver den kjærligheten som hylles. Vers 5 synges i sin helhet, med en musikalsk

frase som ender i en d-G-kadens (takt 25–26). Deretter repeteres vers 4 med nøyaktig lik

melodi som forrige gang verset ble sunget (takt 27–33). Vers 5 blir så delt i to deler, hvor den

første delen (Canta ridendo…) får melodien samme tekst hadde tidligere, og denne gangen

blir det repetert to ganger (takt 34–37). Denne teksten gjentas for å understreke hva himmelen

gjør til ære for brudeparet, nemlig å synge og le. Dette er som hovedpoenget i teksten.

Siste del av vers 5 blir så sunget to ganger (Festeggiando…), men til en todelt takt

som ikke bygger på de samme rytmiske figurene som resten av satsen (takt 38–41 og 41–45).

Her er noteverdiene kortere og teksten får lengre melismer for å understreke den festlige

anledningen. Frem til denne delen har satsen vært helt homofon, med bare noen få melismer

over avslutningsstavelsene. Nå blir satsen mer polyfon, med melismer over alle stavelsene. Til

tross for melismene er teksten lett å oppfatte fordi de fleste stemmene skifter stavelse på

samme tid. Satsen beholder her det danseaktige preget ved å ha en punktert rytme. Begge

repetisjonene av teksten får samme melodiske struktur, men melismene er annerledes, noe

som gir en ikke identisk repetisjon av den musikalske frasen. Frasen avsluttes med en D-G-

kadens begge ganger. Den første av disse har en fremdrift til tross for den avsluttende

kadensen fordi repetisjonen begynner så raskt igjen; den siste akkorden varer bare en halvnote

(takt 41). Når den musikalske frasen gjentas avsluttes frasen med en perfekt brevis og

kvintfall i både basso og tenore.

Til tross for den faste rytmen er teksten stort sett korrekt deklamert i satsen. Bare to

ord blir ikke deklamert korrekt: liet’e (glad og, takt 11) og festeggiand’ (fester, takt 24).

Førstnevnte får betoning på siste stavelse, som i praksis blir neste ord. Dette har lite å si for

tekstens forståelse da ordet ikke er et viktig ord for betydningen av verset. Det neste ordet,

festeggiando, blir bare deklamert ukorrekt første gang det blir sunget. De to andre gangene får

ordet korrekt deklamasjon, noe som gjør at ikke poenget forsvinner i verset (takt 38–39 og

42–43).

Bare slutten av de tre endecasillabi (vers 1, 4 og 5) får musikalske avslutninger. De

siste stavelsene i disse tre versene er de eneste akkordene som ikke har noen form for

bevegelse i en eller flere av stemmene. Dette fører til en fremdrift i musikken, samt at

rimordene i vers 4 og 5 kommer tydelig frem. På denne måten blir hovedpoenget i teksten – at

himmelen feirer brudeparet – veldig tydelig.

69

13.3. O mille volte (14) (Walker ed., tekst s. XLV, musikk s. 72 – 76)

O mille volte ble fremført av to grupper delfiske par, for å hylle Apollon fordi han reddet dem

ved å drepe dragen Pyton. Flerkormadrigalen er plassert i kategorien politiske tekster fordi det

var vanlig å bruke Apollon som symbol på storhertugen ved Medici-hoffet, ifølge Rosow.222

Han skriver videre at i det minste lokale medlemmer av hoffet ville ha gjenkjent Apollon som

storhertugen. Dette symbolet ble brukt i mange visuelle og poetiske bilder, og en hyllest til

Apollon slik som i teksten til O mille volte må derfor tolkes som en hyllest til storhertugen.

Teksten kan deles inn i to deler, hvor bare den første delen er skrevet ned som tekst i

Nono og Rossis «Descrizioni». Den andre delen står bare skrevet ned i stemmebøkene til de

åtte stemmene som deltar i sangen.

I den første delen av teksten har versene følgende struktur:

Versenr. Vers Stavelser Rim

1 O mille volte e mille 7 a

2 Giorno lieto, e felice 7 b

3 O fortunate ville 7 a

4 O fortunati colli, a cui pur lice 11 b

5 Mirar l’horibil angue 7 c

6 Versar l’anima, e’l sangue, 7 c

7 Che con fiamma e tosco, 7 d

8 Spogliò il prato di fior, di frond’il bosco. 11 d

Oversettelse: 1 Å tusen og tusen ganger / 2 Glade og lykkelige dag / 3 Å heldige landsby / 4 Å

heldige åser, dit alle bør vende blikket / 5 For å se den horrible slangen / 6 Tømt for sjel og blod / 7

Som med flammer og gift / 8 Fjernet blomstene fra engen og bladene fra skogen.

Strukturen til versene deler denne teksten i to, hvor tre vers med settenari etterfølges av ett

endecasillabo. På innholdet i versene ser man at dette samsvarer med strukturen: I de fire

første versene beskriver teksten at dagen er så fantastisk, og i de neste fire versene blir det

forklart hvorfor. Rimene underbygger tekstinndelingen: De første fire versene har rima

alterna, de fire neste har rima bacciata. Innholdet i denne delen av teksten er ikke spesielt

viktig i det politiske aspektet. Det er ingen henvisninger til hverken brudeparet eller

bryllupsdagen.

222 ROSOW 2005, S. 203.

70

Den delen som bare finnes i de respektive stemmebøkene kan ha hatt følgende struktur:

Versenr. Vers Stavelser Rim

9 Cantiamo dunque a l’amoroso ballo 11 x

10 Rendendo gratie ai Dei d’eterna gloria 11 e

11 Di si lieta vittoria 7 e

Oversettelse: 9 Derfor synger vi til denne amorøse dansen / 10 Vi gir tilbake takk til gudene for denne

evige herligheten / 11 Denne gledelige seieren.

Det er i denne tekstdelen det politiske kommer frem. Her blir gudene takket for seieren over

slangen Pyton, og guden som seiret var Apollon. På denne måten blir denne hyllesten en

hyllest til Ferdinando. Som sin far lot Ferdinando seg hylle som en dragedrepende solgud.223

Tekstens struktur bryter her med mønstret som har sett i teksten over. To endecasillabi

etterfølges av et settenario. Vers 9, det første i denne nye delen, rimer ikke på noe annet vers,

og de to neste rimer på hverandre, rima bacciata. Også dette bryter med mønstret over. De to

rimordene i denne delen av teksten bærer budskapet om seieren og hvor strålende den var. Alt

dette kan tyde på at denne delen av teksten ble skrevet etter at den foregående delen av teksten

var skrevet. Det kan ha blitt gjort for å få med en tekstdel som hyller Ferdinando, ettersom det

ikke finnes noen annen tekst i intermediet som gjør det. Hvis Apollon skulle være et bilde på

Ferdinando ville det være naturlig å ha med en del som hyller denne guden i intermediet, og

det fås her.

Marenzio tar i bruk to kor for å tonesette denne teksten. Det skaper en massiv klang som

passer til den hyllende teksten, samtidig som det samsvarer med intermediets handling om at

det er to grupper delfiske par som synger.

De musikalske frasene samsvarer i stor grad med tekstens verseinndeling. Det første

verset synges av begge kor samtidig to ganger. Verset ender først på to D-akkorder (takt 2),

repetisjonen på to d-akkorder (takt 3). Melodien i repetisjonen er ikke identisk med

originalen, men de to musikkbitene bygger på hverandre og utgjør hver sin del av samme

musikalske frase. Mangelen på en kadens gjør at melodien får en fremdrift inn i neste

musikalske frase. Teksten i denne første musikalske frasen repeteres for å illustrere teksten

mille volte (tusen ganger). Neste vers synges av kor 1. Det har fått en egen musikalsk frase

(takt 4–5), som avsluttes med en F-B-kadens med kvintfall i bass. Canto-stemmen lander her

223 SASLOW 1996, S. 32.

71

på tonen d, noe som trekker melodien videre inn i neste musikalske frase. Denne tredje

musikalske frasen består av både vers 3, 4 og 5. I takt 5 begynner vers 3 homofont med begge

korene og blir avsluttet med en G-C-kadens med kvartstigning i bass (takt 6), men melodien

går så raskt videre at jeg ikke vil regne delen som en egen musikalsk frase. Vers 4 begynner

homofont i takt 6, i samme musikalske stil som taktene før. Fra takt 8 ser man en gradvis

økning i bruken av polyfoni. Teksten i denne delen (takt 8–18) beskriver slangens nåværende

tilstand – død og blødende – og hvordan den var da den var i live – ildsprutende og giftig.

Marenzio har illustrert dette med en polyfon del for å understreke den uorden som slangen

skapte. Her blir teksten delt inn i små deler som repeteres av de to korene i en polyfon

intensiveringssekvens (takt 8–13) som avsluttes med en A-D-kadens i takt 13–14. Vers 7 får

samme behandling av musikken; den blir delt i mindre deler som blir repetert raskt etter

hverandre, hvor de to korene synger asynkront. Denne musikalske frasen avsluttes med en F-

g-kadens (takt 17–18). Dette avslutter den polyfone delen av stykket. Vers 8 blir sunget i sin

helhet, først av kor 1, så av kor 2 (takt 18–22). Her blir teksten igjen deklamert homofont for å

få frem innholdet i teksten om slangens ødeleggelser. Repetisjonen av verset har tilnærmet lik

melodi som første gang verset ble sunget, men avslutningene er ulike. Bare repetisjonen får en

avsluttende kadens med et kvintfall i bass, D-A, som dermed avslutter hele den musikalske

frasen (takt 21–22). Dette avslutter også den delen av teksten som finnes i Nono.

Vers 9 blir delt i to (1. Cantiamo…, 2. l’amoroso…), hvor første del først synges av

kor 1, og så av kor 2 som begynnelse på den nye musikalske frasen (takt 22–24). Deretter

skifter musikken fra en todelt til en tredelt takt i 6 takter (takt 24–29). Teksten her er

fremdeles vers 9, som får enda en repetisjon av første del av verset, før resten synges.

Tekstinnholdet i vers 9 blir illustrert med taktartskiftet, og den homofone deklamasjonen fra

begge korene samtidig, noe man må tilbake til første del av vers 4 for å finne igjen. Teksten

Cantiamo dunque (Derfor synger vi) blir direkte illustrert ved at alle synger, og l’amoroso

ballo (den amorøse dansen) blir illustrert ved at musikken får en balletto-aktig karakter, med

homofon tredelt takt. Den musikalske frasen avsluttes med D-G (takt 29–30). Etter dette

begynner en ny del av sangen. Dette samsvarer bare delvis med den inndelingen til teksten,

hvor skiftet fra teksten som finnes i Nono og det som finnes i de aktuelle stemmebøkene er

etter vers 8.

Vers 10 blir sunget i sin helhet, etterfulgt av vers 11. Her finnes det ingen oppstykking

av teksten og deklamasjonen er helt homofon. Hvert vers får sin egen musikalske frase, som

ender henholdsvis i en G-C-kadens (takt 33) og en C-F-kadens (takt 34–35). Deretter blir de

tre siste versene, 9, 10 og 11, repetert. Også her blir første del av vers 9 repetert et par ganger

72

før det blir sunget i sin helhet (takt 35–38). Det er bare de første repetisjonene av første del av

verset (Cantiamo) som blir sunget av begge korene; resten blir sunget av kor 1. Avslutningen

av denne musikalske frasen er ikke like tydelig som forrige gang verset ble sunget. Den har

ingen kadens i det hele tatt, men blir avsluttet med to F-akkorder (takt 38). I neste musikalske

frase blir vers 10 sunget i sin helhet uten repetisjoner og lander på en G-C-kadens (takt 41–

42). Dette blir sunget homofont av begge korene. Den siste musikalske frasen blir dannet av

vers 11 som gjentas, først i kor 1, så i kor 2, før vittoria (seier) blir repetert i en polyfon

intensivering med tekstlig overlapping mot avslutningskadensen C-F (46–47). Vers 9–11 blir

repetert i sin helhet, og det tyder på at det er her den viktigste teksten er. Det er her hyllingen

av Apollon skjer, og derfor er deklamasjonen av vers 9 og 10 helt homofon (takt 31–33). Det

er også her rimordene kommer tydelig frem, i takt 33, 35, 42 og 47. Disse er de viktigste

ordene i teksten, og de blir sunget helt homofont alle sammen, med lange noteverdier.

Hele den siste delen av stykket (takt 30–47) har en annen karakter enn resten. Frem til

takt 30 har musikken preg av punkterte rytmer for å illustrere gleden til det delfiske folket. I

delen etter takt 30 er de punkterte rytmene borte, til fordel for en egal rytme. Den egale

rytmen kombinert med den homofone deklamasjonen gjør at musikken får et kirkelig preg.

Det illustrerer hyllesten av Apollon som finnes i teksten.

Tekstdeklamasjonen er i stor grad korrekt. Unntaket er i den tredelte takten hvor

Cantiamo blir betont på første i stedet for andre stavelse (takt 24 og 26). Det er typisk for

balletto-stilen at tekstdeklamasjonen ikke er så strengt korrekt som i madrigaler.

13.4. O fortunato giorno (27) (Walker ed., tekst s. LIII, musikk s. 122 – 139)

Denne madrigalen ble sunget av hele syv kor med 30 stemmer sammenlagt, og ble

akkompagnert av alle instrumentene som hadde blitt brukt tidligere i intermediene.224 I følge

Nono var korene bestående av til sammen 60 personer. Teksten handler om den lykkelige

dagen da himmelen og jorden synger sammen om hvor utrolig bra alt skal bli med Ferdinando

som leder og hvordan hans store navn skal fly fra pol til pol. Ferdinando var involvert i å

importere varer fra Persia og Afrika, og han sendte ekspedisjoner så langt som til Brasil og

India for å undersøke mulighetene for handel og kolonisering, så teksten om at hans navn

skulle fly over hele verden er derfor ikke helt tatt ut av løse luften.225

224 WALKER 1962, S. LIII. 225 SASLOW 1996, S. 10.

73

Tekstens struktur er slik:226

Versenr. Vers Stavelser Rim

1 O fortunato giorno 7 x

2 Poi che di gioia e speme 7 a

3 Lieta canta la terra e’l ciel insieme: 11 a

4 Ma quando fia più adorno 7 b

5 Quando farà ritorno 7 b

6 Per Ferdinando ogni real costume 11 c

7 E con eterne piume 7 c

8 Da l’uno e l’altro Polo 7 d

9 La Fam’andrà col suo gran nome a volo 11 d

Oversettelse: 1 Å lykkelige dag / 2 Full av lykke og håp / 3 Glade synger jorden og himmelen

sammen / 4 Men så mye mer dekorert / 5 Når han gjør sin retur / 6 Til Ferdinando hvert majestetiske

kutyme / 7 Og med evig fjærdrakt / 8 Fra den ene til den andre polen / 9 Flyr ryktet med hans store

navn.

Hvis man ser på antall stavelser i versene får teksten en tredelt struktur med to settenari og et

endecasillabo per del. Denne struktureringen av teksten er nesten lik den i O mille volte (14),

der veresne er organisert med først tre settenari, og et endecasillabo. Rimstrukturen følger

ikke dette mønstret, men begynner med et vers uten rim, resten har rima bacciata.

Tekstinnholdet følger stavelsesantallets versemønster. I de første tre versene presenteres den

lykkelige dagen når himmelen og jorden synger sammen. De siste seks versene handler om

hva himmelen og jorda synger om. Vers 4–6 beskriver hvordan Ferdinando kommer tilbake

fra sin kardinaltilværelse i Roma med kongelig kutyme. I vers 6 blir Ferdinandos navn nevnt

for første gang i hele intermediet. De siste tre versene handler om hvordan hans navn og rykte

spres fra pol til pol.

Malvezzi har tonesatt teksten med en besetning på syv kor med 30 stemmer til sammen.

Bruken av så mange kor om hverandre skaper et gigantisk klangbilde som minner om det som

fantes i kirkemusikken. Det skaper et høytidelig preg på musikken og fører til at man

226 Teksten som er brukt i notematerialet er ikke den samme som finnes hos Rossi. I hans «Descrizione» finnes

en madrigaltekst med syv vers, med samme tematikk som O fortunato giorno. Etter denne Per lui farà ritorno

skulle være en Ballet chantè, men også her presenterer Rossi en helt annen tekst enn den som ble skrevet av

Lucchesini.

74

assosierer Ferdinando med Gud og det hellige. Sangen er delt inn i to hoveddeler hvor den

første delen går i en todelt takt og baserer seg på et spill mellom alle de forskjellige korene.

Den andre delen går i en tredelt balletto-takt og baserer seg mer på lengre noteverdier og en

helt homofon deklamasjon av tekst.

O fortunato giorno begynner med at vers 1 synges fire ganger av kor 2, 5, 3 og 4, før

alle syv korene synger det samtidig en siste gang (takt 1–8). Melodien er ikke lik i noen av

repetisjonene av teksten; noteverdiene blir stadig kortere, noe som skaper en intensivering

mot siste repetisjon. Der synger alle samtidig med lengre noteverdier og melismer over

fortunato (lykkelige, takt 7–8). Tredje repetisjon av første vers begynner før den andre

repetisjonen er ferdig, noe som skaper en overlappende overgang. Resultatet er en

intensivering og en fremgang mot avslutningen av frasen (takt 5). De små melodibitene som

er satt til hver repetisjon av verset får den følgende harmoniske bevegelsen i slutten av hver

del: D-G, A-D, F-B og D-G. Dette gir en bue som begynner og slutter på grunnakkorden, G-

akkorden. Frasen ender i en D-kadens (takt 8), med stigende kvinter i bassene, noe som

skaper en fremdrift videre.

Neste musikalske frase består av vers 2. Frasen begynner med at første del av vers 2

(Poi che di gioia, full av lykke) synges i kor 7, så i kor 1 (takt 9–10). Hele verset blir deretter

sunget i kor 5 (takt 11), med melismer over gioia (glede). Melodien er ikke lik i repetisjonene

av verset, men det rytmiske prinsippet er det samme. Melismene blir lengre og lengre, noe

som skaper intensivering. Den musikalske frasen avsluttes med en F-B-kadens med kvintfall i

bass (takt 12) over speme (håp).

Første ord i vers 3 (Lieta) begynner før vers 2 er ferdig, noe som fører til at det kan bli

tolket som en del av den foregående frasen (takt 12-14). Jeg velger likevel, på grunn av den

klare avslutningskadensen i andre musikalske frase og at teksten er en del av vers 3, å plassere

delen som åpning av tredje musikalske frase. Lieta (glade) blir sunget i kor 3, 4, 6 og 2, hvor

alle repetisjonene overlapper hverandre og skaper fremdrift.

Resten av den tredje musikalske frasen bruker resten av teksten fra vers 3 (canta la

terra e’l ciel insieme). Den midterste delen (canta la terra e’ ciel), som er hoveddelen av

verset, synges av kor 5, 7, 1 og 3 og 4 (takt 15–19). Disse repetisjonene overlapper hverandre,

og har samme melodi i forskjellige stemmeleier. Frasen ender i et stort høydepunkt, der alle

korene synger insieme (sammen, takt 19–20) sammen. Dette understreker at himmelen og

jorden synger sammen for Ferdinando. Den musikalske frasen lander på grunnakkorden med

kadensen D-G, og med fallende kvint i alle 7 basser, etterfulgt av en generalpause.

75

Fjerde frase består av to vers, 4 og 5. Vers 4 blir sunget i kor 3, før vers 5 blir sunget i

kor 5 (takt 21–23). Vers 4 blir igjen sunget i kor 2 (takt 23–24), før vers 5 blir sunget i kor 7,

1, 5, 3 og 2 i en stadig tettere overlapping (takt 24–26). Verset blir sluttet av en F-D-kadens,

som avslutter den musikalske frasen. Melodien er ikke lik i tekstrepetisjonene, men de

forskjellige korene alternerer på å ha en stigende og en synkende melodi. En synkopert rytme

er felles for alle gangene versene synges.

Vers 6 er det viktigste verset i teksten ettersom det nevner Ferdinando med navn for

første gang i intermediene. Den musikalske frasen begynner med alle korene i en homofon

deklamasjon, bortsett fra kor 5 (takt 26) som kommer inn ett slag senere. Det fører til at

teksten kommer tydelig frem i begynnelsen av verset og at Ferdinandos navn er lett å

oppfatte. Det hele intensiveres så i en stor imitasjonssekvens over Ferdinandos navn (takt 29–

30). Andre del av verset (ogni real…) blir bygget opp på samme måte, med en begynnelse i

homofon sats (31), før lengre og lengre melismer for hver repetisjon av teksten glir ut i en

polyfon avslutning (takt 33–35). Den musikalske frasen avsluttes med lange noteverdier over

costume (kutyme, takt 34–35). Den musikalske frasen ender med akkordene, D-G, med

fallende kvinter i alle bassene. G er grunnakkorden. Denne avslutningen avslutter også første

musikalske hoveddel av madrigalen.

Andre hoveddel av madrigalen går i en tredelt takt. De tre resterende versene blir

sunget etter hverandre i en fullstendig homofon deklamasjon av teksten. De tre versene blir

først sunget en gang av kor 2, 3 og 4 uten opphold eller tekstgjentakelser (takt 36–47).

Deretter blir den musikalske frasen og de tre versene gjentatt med alle korene samtidig (takt

48–54). Melodien endres ikke i repetisjonen, noe som står i sterk kontrast til den foregående

musikalske hoveddelen. I repetisjonen hvor alle korene er med kommer ingen nye stemmer

inn, men man får dobling av stemmene. Melodien er bygget opp rundt en rytmisk sekvens på

samme måte som i Coppia Gentil (6):

Versenr. Vers Celle 1 Celle 2

7 E con eterne piume 111|21|21|

8 Da l’uno e l’altro Polo 111|21|21|

9 La Fam’andra col suo gran 111|21|21|

nome a volo. 3|111|3|

Tegn: 3 = punktert brevis (perfekt brevis) / 2 = brevis (imperfekt brevis) / 1 = helnote (semibrevis) / |

= taktstrek i moderne transkripsjon

76

Vers 7, 8 og første del av 9 har identisk rytmikk. Siste del av vers 9 får en avslutning i tillegg.

Dette verset er et endecasillabo, mens de andre to er settenari. Vers 9 er avslutningen på den

musikalske frasen og avslutningen på hele madrigalen. Denne hoveddelen av madrigalen har

fått bare lange noteverdier, en stor kontrast til den foregående delen som er preget av raske

noteverdier og melismer. Dette gir et mer høytidelig preg på delen og en veldig tydelig

tekstdeklamasjon. Den tredelte takten tilfører en danseaktig dimensjon til musikken. Dette er

typisk for ballettoen, som nevnt tidligere. Dette fører til at tekstdelen om Ferdinandos navn

som sprer seg fra pol til pol blir lett å oppfatte.

Det gigantiske skiftet i både tonalitet, taktdeling og måten å bruke korene på skaper

store kontraster i sangen. Det bygger opp under det gigantiske høydepunktet i vers 6, hvor

Ferdinando blir hyllet med navn. Delen som kommer etterpå må ha en kontrast til dette, fordi

å fortsette i samme stil ville ført til en avslutning som overgikk vers 6. Skiftet skaper et

vakuum, men på grunn av den store kontrasten er det fortsatt fremdrift og spenning i

madrigalen.

Til tross for at musikken deler versene inn i mindre deler i den første hoveddelen

mister aldri teksten sin mening. Det er fordi versene er delt på logiske steder slik at de

meningsbærende delene av setningen alltid står samlet. Et eksempel på det finnes i vers 3

hvor først ordet lieta, glad, blir sunget alene før den faktiske handlingen i verset blir sunget

som en del for seg. Hovedpoenget, at himmel og jord synger, blir understreket når alle korene

synger sammen, insieme. Denne tekstbehandlingen gjør at meningsinnholdet ikke forsvinner.

På grunn av oppdelingen av versene kommer ikke rimordene tydelig frem i

madrigalen. Noen ord blir likevel fremhevet i melodien ved bruk av lengre noteverdier eller

en plutselig homofon deklamasjon midt i en polyfon del. Det første eksemplet på dette finnes

allerede i vers 1. Teksten her er viktig fordi den refererer til anledningen hvor denne

madrigalen synges, nemlig den lykkelige (bryllups)dagen. Den blir understreket ved at de

forskjellige korene begynner med å synge raske noteverdier i alternerende kor (takt 1–6), før

alle synger verset sammen homofont med lengre noteverdier (takt 6–8). Det fører til at teksten

i dette verset kommer veldig tydelig frem. Det neste ordet som understrekes er insieme

(sammen, takt 19–20). Dette blir understreket på samme måte som vers 1, med en plutselig

tutti-deklamasjon med lange noteverdier. Rundt dette ordet er det bare raskere noteverdier i

ett kor om gangen. Her blir det også en understrekning ved at det endelig kommer en kadens

som lander på grunnakkorden. Ferdinando blir understreket ved en tutti-homofon

deklamasjon av navnet i takt 26–27. Før dette verset (6) er musikken mer polyfon med færre

kor som synger sammen. Dette ordet blir understreket av åpenbare årsaker. De siste

77

understrekningene finnes de to gangene volo (fly) blir sunget (takt 46–47 og 53–54). Dette

ordet blir understreket ved at det får ekstra lange noteverdier, og et kvintfall til

grunnakkorden. I denne delen av stykket kommer rimordene tydeligere frem på grunn av den

homofone deklamasjonen og den regelmessige rytmen. Det fører til at både polo (pol, takt 41

og 48) og volo blir understreket ved at volo kommer så tydelig frem. Disse to ordene er de to

viktigste i delen, fordi de beskriver at Ferdinandos navn flyr fra pol til pol.

Malvezzi unngår at teksten forsvinner i alle de 30 forskjellige stemmene ved å la

mange av dem synge det samme. I avslutningene av de to musikalske hoveddelene, hvor alle

syv kor synger sammen er det i realiteten bare seks forskjellige stemmer som synges. Det

fører til en klar tekstdeklamasjon med en rik og mektig klang.

Tekstdeklamasjonen i denne madrigalen er korrekt. Det tyder på at teksten i denne

madrigalen er spesielt viktig, ettersom det ikke er noen andre stykker med helt korrekt

tekstdeklamasjon i intermediene. Det er den første teksten som nevner Ferdinando med navn,

noe som bygger opp forventningene til neste stykke, hvor både Ferdinando og Christina blir

nevnt med navn.

13.5. O che nuovo miracolo (28) (Walker ed., tekst s. LIV – LV, musikk s. 140 – 154)

Den massive O che nuovo miracolo avsluttet forestillingen. Med sine 66 vers fordelt på 22

avsnitt var dette det største verket i intermediene. Balletten ble fremført av alle de 60

koristene, og alle instrumentene som tidligere hadde vært brukt i intermediene, i tillegg til to

gitarer, en neopolitansk og en spansk, og en cembalino.227 Dette var også den eneste sangen

hvor melodien ble komponert før teksten, og jeg skal derfor begynne med å beskrive hvordan

musikken er bygget opp.

Musikken består av 10 forskjellige melodifraser som er brukt som byggeklosser i

verket. Disse frasene settes sammen til et mønster, og gir en innledning (avsnitt I–III), en

hoveddel med tre nesten like deler (avsnitt IV–XX) og en avslutning med en coda (avsnitt

XXI–XXII). Melodifrasene veksler på å være delt i to og i tre, og besetningen veksler mellom

fem og tre sangere.

227 MALVEZZI 1591, S. 17.

78

Del Avsnitt Fraser 1a 1b 2a 2b 3a 3b 4a 4b 5 6 7a 7b

Innledning I O che 1a 1b 2a 2b 3a 3b

Taktnr. 1 5 9 13 17 21 Vers 7ppa 7ppb 7ppa 7ppb 7ppc 7ppc

II Del grande 4a 4b 5a 6a 7a 7b

Taktnr. 25 30 35 37 40 45 47 50 52

Vers 11pa 11pa 7pa 7pb 7pb 7pc 7pc 7pc 7pc

III Che porti 1c 1d

Taktnr. 55 59 Vers 7ppa 7ppa

Hoveddel IV Portiamo 4c 4d

1 Taktnr. 63 68 Vers 11pa 11pa

V Tornerà 2c Taktnr. 74 Vers 7ppx VI Tornerà 5b 6b

Taktnr. 78 30 83 Vers 7pa 7pb 7pb

VII Quando 3c 3d

Taktnr. 88 92 Vers 7ppa 7ppa

VIII Di questo 7c 7d

Taktnr. 96 99 101 104

Vers 7pa 7pb 7pa 7pb

IX O felice 1c 1c

Taktnr. 107 111 Vers 11px 11px

Hoveddel X Arno ben 4e 4f

2 Taktnr. 115 120 Vers 11pa 11pa

XI O novella 2d

Taktnr. 126 Vers 11px

XII Questa è 5c 6c

Taktnr. 130 132 135 Vers 7pa 7px 7pa

XIII Ecco 3e 3f

Taktnr. 140 144 Vers 7pa 7pa

XIV A la sposa 7e 7f

Taktnr. 148 151 154 156

Vers 7pa 7pa 7pb 7pb

XV Ferdinando 1d 1d

Taktnr. 159 163 Vers 11px 11px

Hoveddel XVI La vergine 4g 4h

3 Taktnr. 167 171 Vers 11pa 11pa

XVII Voi Dei 2e

Taktnr. 176 Vers 11px

XVIII Nasceran 5d 6d

Taktnr. 180 182 185 Vers 7px 7pa 7pa

XIX Serbin 3g 3h

Taktnr. 189 193 Vers 11pa 11pa

XX Le meraviglie 7g 7h

Taktnr. 197 199 201 203

Vers 7pa 7pa 7pb 7pb

Avslutning XXI Le quercie 1e 1f 2f 2g 3i 3j

Taktnr. 206 210 214 218 221 226 Vers 7ppa 7ppb 7ppa 7ppb 7ppc 7ppc

79

Innledningen består av 7 fraser, som hver blir repetert to ganger (avsnitt I–II, takt 1–54). Den

syvende frasen er egentlig frase 4 i omvending. Innledningen blir avsluttet av frase 1 som

repeteres to ganger (avsnitt III, takt 55–62).

Hoveddelen består av frase 4 to ganger, 2, 5 og 6 en gang, 3 to ganger, og 7 og 1 to

ganger. Denne konstellasjonen kommer to ganger i sin helhet (avsnitt IV–XV, takt 63–166)

og en gang uten frase 1 (avsnitt XVI–XX, takt 167–205). Musikken varieres ved at de

rytmiske figurene forandres, og ved at det alterneres mellom todelt og tredelt takt i de

forskjellige frasene. De frasene som går i todelt takt i første del går i tredelt takt i annen del,

før det igjen vendes om i tredje del, slik at frasene i hoveddel 1 og 3 har lik taktart.

Avslutningen begynner som innledningen, med frase 1, 2 og 3, hvor hver blir repetert

to ganger (avsnitt XXI, takt 206–228). Deretter følger codaen med helt nye musikalske fraser.

Her blir frase 8 sunget to ganger, før frase 9 blir sunget like mange ganger. Frase 8 synges så

vekselvis med frase 10 to ganger før frase 10 synges to ganger som en avslutning (avsnitt

XXII, takt 229–147).

Cavalieri benytter forskjellige rytmer som minner om klassiske verseføtter. Disse blir

brukt slik at for eksempel frase 4 kommer første gang i jambisk tre-takt (avsnitt IV, takt 63–

73), andre gang i to-takt (avsnitt X, takt 115–125) og siste gang i en tre-takt med verseføttene

daktyl + anapest (avsnitt XVI, takt 167–175). Frase 4 blir også brukt i en variant som frase 6,

og i omvending som frase 7. Det er i hoveddelen disse ulike versefotinspirerte rytmene sees

tydeligst, med vekslingen mellom jambe og trokè. Daktyl finnes også i kombinasjon med

anapest i den siste hoveddelen (for eksempel i avsnitt XVIII, takt 180).

De musikalske frasene har en fast besetning, som vil si at for eksempel frase 3 alltid

blir sunget av tre stemmer, uavhengig om frasen går i to- eller tredelt takt. Besetningen skifter

alltid mellom hvert avsnitt. Det eneste unntaket er mellom avslutningen og coda, her blir alt

sunget av fem stemmer. Dette blir antakelig gjort for å intensivere slutten av stykket og skape

en stor avslutning. På samme sted bryter Cavalieri mønsteret i taktskiftene, og avslutningen

og coda går begge i todelt takt. Dette blir gjort for å understreke høytideligheten til

anledningen, og teksten som settes til av Lucchesini er like høytidelig som musikken. Den

hyller brudeparet uhemmet, og det er det eneste stedet i alle intermediene der både Ferdinando

og Christina blir nevnt med navn.

Coda XXII Guidin 8a 8a 9a 9a 8a 10a 8a 10a 10a 10b

Taktnr. 229 231 233 235 237 239 243 143 145 147

Vers 7pa 7pa 7pb 7pb 7pc 7pc 7pd 7pd 7pd 7pd

80

Innholdet i teksten består både av en oppsummering av handlingen i intermediet og en

beskrivelse av den nye gullalderen som vil komme med foreningen av Ferdinando og

Christina. Det første avsnittet beskriver det store miraklet, nemlig at himmelens guder vil lyse

opp jorden med et eventyrlig syn (takt 1–24). Avsnitt II handler om at Jupiter sender dans og

musikk ned til jorden (takt 25–54). I avsnitt III spør jorden himmelens utsendinger om hva de

bringer med seg til jorden (takt 55–62). I avsnitt IV svarer himmelen at de bringer med seg

godhet og skjønnhet, for å skape et paradis på jord (avsnitt 63–73). I avsnitt V blir det spurt

om gullalderen vil komme tilbake (takt 74–77), og i avsnitt VI blir det svart at den vil det (takt

78–87). Så blir det spurt når denne gullalderen vil komme (takt 88–65) og himmelen svarer at

gullalderen vil komme tilbake når denne nye sol varmer og liljer og fioler vil blomstre (takt

96–106). I avsnitt IX priser jorden Flora, gudinnen for blomster (takt 107–114). Arno vil bli

velsignet i mengder av unionen med Lorraine (avsnitt X, takt 115–124)) og kjærlighetens

flamme vil brenne så sterkt at selv de døde vil bli berørt (avsnitt XI og XII, takt 126–139)).

Til den kongelige gemalinne vil nymfer og hyrder lage et triumferende diadem av de peneste

blomster (avsnitt XIII og XIV, takt 140–158). Avsnitt XV handler om hvor lykkelig

Ferdinando er over de neste avsnittenes tekstinnhold (takt 159–166). Avsnitt XVI beskriver

Christina som en hellig jomfru som renser seg i hellig ild (som en vestalinne), og gjør seg klar

til amorøs sport (takt 167–175). De neste to avsnittene handler om deres hellige

etterkommere, halvguder som vil gjøre alle verdens høyder glade (avsnitt XVII og XVIII, takt

176–188). Avsnitt XIX handler om at svanene vil bevare Medicis og Lorraines ære til evig tid

(takt 189–196). Jupiter vil gi dem udødelighet i avsnitt XX (takt 197–205). Det siste avsnittet

er skrevet som ett i Nono, men det deles i to av både rimmønster, versetype og musikk og

derfor også i nummereringen. I det første av de to avsnittene synges det om melk og honning,

om at alle vil bli forelsket og uhederlige mennesker vil hate sine laster (avsnitt XXI, takt 206–

228). I det siste avsnittet leder musen for historie, Kleio, dansen med nymfer og hyrder som

hyller Arno, et bilde som er brukt om Ferdinando gjennom alle intermedietekstene (avsnitt

XXII, takt 229–150). Jupiter ser velvillig ned på dansen, og på alles håp og ønsker. Til sist

hyller alle Christina og Ferdinando.

Versene er delt inn i deler ettersom hvem som synger dem. Her representerer det

femstemmige koret jordens befolkning, og de tre kvinnestemmene representerer himmelen.228

Jordens representanter både begynner og avslutter balloen, og det er disse som stiller alle

spørsmålene i teksten. Himmelen sitter på svarene, og belærer joden om det nye brudeparet,

228 SOLERTI 1904, S. 38 – 39.

81

slik som i avsnitt VII og VIII. Der spør jorden om når den nye gullalderen vil komme og alt

ondt vil være ødelagt, og himmelen svarer at den vil komme med den nye solen, og at liljer og

fioler vil blomstre.

Teksten som er satt til musikken følger de musikalske frasene. Det er få

tekstgjentakelser, bare den viktigste teksten blir repetert. Av totalt 66 vers blir bare 7 repetert

– det er uvanlig få. Den første teksten som blir repetert handler om den første herskeren over

Etruria, riket som bestod av Firenze, Umbria og Latium før Romerriket erobret det (avsnitt II,

takt 25–34). I det samme avsnittet blir de to siste versene repetert (takt 45–54). Det er disse

som understreker intermediets handling, at Jupiter sender sin gave av sang og dans. Hele dette

andre avsnittet konsentrerer handlingen i intermediet. Samtidig forbinder avsnittet den første

helten og herskeren over Etruria med Ferdinando, den første herskeren over samme område i

den nye gullalderen. Den tredje tekstrepetisjonen handler om at den velsignede blomstringen

til blomstene er plantenes gudinne Floras velsignelse over bryllupet i den glade årstiden

(avsnitt IX, takt 107–114). Neste repetisjon finner sted over akkurat samme melodifrase, frase

8, hvor teksten handler om Ferdinandos lykke over sin nye familie og etterkommere (avsnitt

XV, 159–166). Ferdinandos navn blir her nevnt hele fire ganger, to ganger per repetisjon. Den

siste repetisjonen av tekst finnes helt til slutt, hvor Christina, e Ferdinando blir sunget tre

ganger (avsnitt XXII, takt 242–250). Dette er det eneste stedet et vers blir repetert tre ganger,

men det er også det eneste stedet hvor både Christina og Ferdinando blir nevnt i samme vers –

det er til og med det eneste stedet i alle intermediene der Christina blir nevnt med navn.

Derfor er det den mest fremhevede teksten. Det er også avslutningen på hele forestillingen, og

det er derfor naturlig at deres navn var det siste som ble sunget.

Versetypene er tilpasset de musikalske frasene i sangen. Det fører til at det er det

eneste stedet i alle intermediene hvor vi ser en annen type vers enn versi piani. Versi

sdruccioli blir betont på tredje siste stavelse, og vi finner dem i de musikalske frasene 1, 2 og

3. I frase 1 blir versetypen brukt hver gang, men i hoveddel 2 og 3 får frase 2 og 3 versi piani

(avsnitt XI, takt 126–129, avsnitt XIII, takt 140–147, avsnitt XVII, takt 176–179 og avsnitt

XIX, takt 189–196). Det kommer av at taktdelingene og verseføttene her er forandret fra

todelt til tredelt takt i del 2, og til versefoten trokè i del 3. Her sees et tydelig eksempel på at

verselinjene blir tilpasset de musikalske frasene. Det er ingen innholdsmessig sammenheng

mellom de forskjellige versi sdriccioli, noe som tyder på at det er de musikalske frasene som

ligger til grunn for bruk av versetypen. Første gang versetypen blir brukt handler teksten om

selve handlingen i stykket (avsnitt I, takt 1–24) og siste gang handler teksten om hvordan

verden ser ut etter at Ferdinando og Christina har giftet seg (avsnitt, XXI, takt 206–228).

82

Teksten blir i stor grad deklamert syllabisk, men ettersom teksten retter seg etter

musikken finner vi flere tilfeller av ukorrekt betoning. De første tilfellene finnes i hoveddel 1,

avsnitt VIII, der frase 7 får en tekst om blomstene som blomstrer til ære for brudeparet. I takt

105 blir vedrano (ser) betont på både siste og første stavelse, den naturlige betoningen ville

vært på stavelse to. Det neste tilfellet finnes i avsnitt IX, takt 108 og 112, hvor ordet felice

(lykkelige) blir betont på siste stavelse i begge repetisjonene av frase 1. Den naturlige

betoningen ville vært på nest siste stavelse. I hoveddel 2 får avsnitt XI, frase 2 to tilfeller av

ukorrekt betoning. Både novella (nye, takt 126–127) og lucente (lysende, takt 128–129) blir

betont på siste stavelse i stedet for på den nest siste stavelsen. Den siste ukorrekte

deklamasjonen finnes i avsnitt XIV, frase 7, hvor ordet ninfe (nymfe, takt 154–155) blir

betont på den siste stavelsen i stedet for på den nest siste. Alle disse ordene som er betont

ukorrekt er mindre viktige ord. Det tyder på at det er tatt mer hensyn til de viktigere ordene

når teksten er skrevet til musikken.

O che nuovo miracolo er det eneste stykket blant alle i intermediene hvor hele stykket

blir betegnet som en ballo229. Cavalieri komponerte musikken, og det er flere likhetstrekk

mellom denne og Gastoldi sine ballettoer. Cavalieri bruker mye tredelt takt, slik som Gastoldi,

men Cavalieri veksler mellom tredelt og todelt takt. Cavalieri veksler også mellom fem og tre

stemmer, noe som er typisk for Gastoldi. Cavalieri veksler takt og besetning på samme tid,

noe som tydeliggjør skiftene i musikken.

Som skjemaet viser blir musikken og teksten behandlet annerledes i coda. Før coda

blir en musikalsk frase bare repetert rett etter seg selv i et musikalsk avsnitt. I codaen,

derimot, blir frase 8 repetert mange ganger, med frasene 9 og 10 innimellom. Det gjør at dette

avsnittet skiller seg klart fra resten av stykket. Teksten i dette siste avsnittet underbygger

forandringen i oppbygningen av musikken ved å ha åtte versi piani settenari etter hverandre

med rima bacciata. Dette er en kontrast til avsnittet før, hvor teksten består av åtte versi

sdruccioli settenari og med en blanding av rima atterna og rima bacciata. Teksten i denne

siste delen er den aller viktigste blant alle tekstene i alle intermediene for her blir Ferdinando

òg Christina nevnt med navn, Christina for første gang. At brudeparet nevnes med navn er så

viktig at den teksten settes til den musikken som skiller mest fra resten av stykket. Det skaper

også en Grand Finale på hele kvelden.

Frase 1 skiller seg ut fordi den bare forekommer i hoveddel 1 og 2, ikke i 3 som de

andre frasene (avsnitt IX, takt 107–114 og avsnitt XV, takt 159–166). Ser man på melodien i

229 MALVEZZI 1591, S. 19.

83

disse to versjonene av den musikalske frasen skiller de seg ut ved at de har helt homofon

deklamasjon. I den første hoveddelen har den melodiske frasen tre helt like noteverdier etter

hverandre, og i andre del er det som ligner versefoten trokè brukt. Teksten i første hoveddel

nevner den lykkeligste årstiden og den velsignede Flora, gudinnen for blomster (avsnitt IX,

takt 107–114). Det henspiller på den lykkelige våren da Ferdinando og Christina gifter seg, og

at blomstenes gudinne velsigner bryllupet med en vakker og blomstrende flora. Teksten i

andre hoveddel innleder teksten om Ferdinandos høyeste lykke, Christina og hans

etterkommere (avsnitt XV, takt 159–166). Disse to versene står for seg selv i et avsnitt, og blir

gjentatt, slik at de ikke rimer på noe. Alt dette tyder på at disse versene og melodifrasen er satt

inn etter at musikken var ferdig komponert. Det er ytterst få tekstgjentakinger i stykket, så at

disse to avsnittene gjentar seg tyder på at teksten er spesielt viktig. Noe som strider mot denne

teorien er at når den musikalske frasen opptrer i første hoveddel og musikken består av like

noteverdier etter hverandre får man en ukorrekt deklamasjon av teksten (avsnitt IX, takt 107–

114). Dessuten er ikke denne teksten utpreget viktig, sammenlignet med resten. Når den

musikalske frasen kommer i andre hoveddel har den helt korrekt betoning, og teksten er

virkelig viktig (avsnitt XV, takt 159–166), i og med at den nevner Ferdinandos navn, og

innleder et av de viktigste temaene i teksten, hans familie og etterkommere.

I Rossis «Descrizioni» står det en helt annen tekst, som skal være skrevet av Ottavio

Rinuccini. Den består av 52 vers fordelt på 8 avsnitt, hvor versestrukturen er en helt annen.

De forskjellige avsnittene består av syv vers hver, med strukturen 1 – 7pa, 2 – 11pb, 3 – 7pa,

4 – 11pb, 5 – 7pb, 6 – 7pc, 7 – 11pc. Det siste avsnittet består bare av strukturen til de tre siste

versene.230 I følge Rossi er teksten til en ballo av Cavalieri. Det er også tydelig at den ikke er

skrevet til musikken som Cavalieri faktisk komponerte. Den har færre vers, og en helt annen

og mer regelmessig struktur enn det som kreves av musikken. Dessuten har teksten et mye

fastere betoningsmønster enn det som finnes i Lucchesinis tekst. Innholdet i denne teksten er

mye mindre sentrert rundt brudeparet, og avsnittene har ikke fått spesifikke roller, slik som

Lucchesinis. Teksten i Rossis «Descrizioni» ligner teksten til Lucchesini i oppbygning, med

en del om handlingen i intermediet og en del om brudeparet, noe som tyder på at denne

oppbygningen var bestemt på forhånd. Hvor Lucchesinis tekst kun har en liten del om

handlingen i intermediet og en hyllest uten sidestykke til brudeparet og deres etterkommere

har Rinuccini skrevet en tekst hvor de første tre delene handler om gudenes gave til jorden i

230 SOLERTI 1904, S. 36/37.

84

form av rytme og harmoni, og resten en moderat hyllest til brudeparet. Deres navn blir ikke

nevnt i det hele tatt, ei heller deres etterkommere.

85

14. Konklusjon

I denne oppgaven har jeg undersøkt om det politiske aspektet ved tekstene som er brukt i

intermediene til La Pellegrina ble tatt hensyn til av komponistene som komponerte musikken,

og på hvilken måte. Jeg har funnet ut at komponistene i aller høyeste grad tok hensyn til det

politiske aspektet i tekstene som ble brukt, slik at budskapet om hvor praktfullt brudeparet var

og hvordan den nye gullalderen skulle komme under Christina og Ferdinandos regjering

tydelig ble fremhevet av musikken. Komponistene har tatt hensyn både i valg av hvilken type

musikk de har komponert til de forskjellige stykkene, og hvordan de har understreket de

forskjellige tekstene med musikken.

De forskjellige musikkstilene som er brukt gjenspeiler de forskjellige tekstene. De

lettere tekstene, som enten var ikke-politiske eller bar et budskap om glede over brudeparet og

den lykksalige bryllupsdagen har fått en lettere musikktype, og var preget av innflytelse fra

canzonetta- og balletto-stil. Coppia Gentil (6), som ble analysert nøye, er et godt eksempel på

en tekst med et politisk budskap om hvordan himmelen og jorden feirer brudeparet som har

fått musikk i en canzonetta-aktig stil. Madrigaler med liten besetning er brukt både til tekster

med et politisk aspekt og til tekster uten. Tekstene med et politisk aspekt som har fått musikk

komponert i madrigalstil med liten besetning er litt mer direkte politiske enn de som har fått

canzonetta- og balletto-stil. Særlig i intermedium IV, hvor Or che le due grand’Alme (17) har

en tekst om når den nye gullalderen vil komme. De aller fleste tekstene som har fått en

solomadrigalmelodi er politiske tekster. Til tross for solomadrigalens ornamenteringer og krav

til improvisering for utøveren er teksten lett å oppfatte fordi teksten ofte blir gjentatt, det er

bare en stemme og akkompagnementet er enkelt. De større flerkormadrigalene har en

blanding av politiske og ikke-politiske tekster, hvor de politiske tekstene er de med størst

hyllest til brudeparet. Disse madrigalene har også ofte en avsluttende funksjon, ved at de er

plassert nest sist eller sist i intermediene. Den flerkormadrigalen med størst besetning er også

den som først nevner Ferdinandos navn for første gang, O fortunato giorno (27). Den siste

sangen, O che nuovo miracolo (28), en ballo, er den eneste i sin sjanger i intermediene. Den

transporterer den mest hyllende teksten blant alle i intermediene.

Jeg har vist at musikken underbygger de politiske aspektene ved madrigalismer,

understrekning av viktige ord, og ved å bruke korrekt deklamasjon på de viktigste ordene.

Eksempler på madrigalismer finner vi for eksempel i O mille volte (14), der mille (tusen, takt

1 – 3)231 blir sunget flere ganger. Understrekning av ord finnes i for eksempel O fortunato

231 WALKER 1962, S. 72.

86

giorno (27), hvor Ferdinando blir understreket både ved gjentaking, plutselig homofoni, og at

alle de 30 stemmene synger samtidig (takt 26–29).232 Eksempler på at deklamasjonen er

korrekt finnes for eksempel i Dalle più alte sfere (1),233 hvor det lekes med deklamasjonen

utelukkende i de delende av teksten som ikke har et politisk aspekt. I samme madrigal

underbygger versets struktur det politiske aspektet, slik at musikken som følger tekstens

struktur også gjør det.

Sjangrene som brukes i intermediene er blitt tilpasset anledningen. Det sees ved at det

er brukt vesentlig mindre madrigalismer og andre satstekniske og harmoniske virkemidler

som er kjent fra samtidige madrigaler. Jeg har også vist at det ikke er brukt noen egentlige

canzonettaer eller ballettoer, men det er hentet de virkemidlene fra disse sjangrene som passet

til tekstene. Fokuset i all musikken har vært å få frem tekstene på en måte så folk forstår dem,

og særlig det politiske aspektet ved dem.

Tekstene som er brukt har et innhold og er strukturert slik at det politiske budskapet

ble understreket. Det går an å si at komponistene bare har tonesatt tekstene på tekstenes egne

premisser, og understreket det som allerede er understreket av poetene. Tidligere studier av

denne musikken har i hovedsak konsentrert seg om påvirkningen fra Camerata Fiorentina og

musikkens rolle i utviklingen av operaen. Jeg vil påstå at det politiske aspektet kommer mer

tydelig frem i musikken enn det humanistiske aspektet som Camerata Fiorentina fokuserte

på.

232 WALKER 1962, S. 30 – 31. 233 Ibid. S. 2 – 8.

87

88

Litteraturliste

ANDERSEN, Øyvind, FROST, Tore, KOLSTAD, Hans og KAGGERUD, Egil (ed.) 2002.

Platon, Minos ; Lovene Oslo, Vidarforlagets kulturbibliotek.

ANDERSON, Warren og MATHIESEN, Thomas J. ‘Plato’. Grove Music Online, Oxford

Music Online Oxford University Press

http://www.oxfordmusiconline.com/subscriber/article/grove/music/21922?q=plato&se

arch=quick&pos=1&_start=1#firsthit [Lesedato: 14.01.2015]

AUDUS, Mark. 2013. Una "stravaganza" dei Medici, Intermedi for La Pellegrina. EMI

Records Ltd/Virgin Classics. S. 2–19

BERNER, Samuel. 1970. ‘Florentine political thought in the late cinquecento’. Il pensiero

politico, 2. S. 177–199

BIZZARINI, Marco. 2003. Luca Marenzio, The career of a musician between the renessance

and the conter-reformation, Ashgate.

‘Comedia erudite’ Ensyclopædia Brittanica

http://global.britannica.com/EBchecked/topic/127767/commedia-erudita:

Ensyclopædia Brittanica [Lesedato: 05.01 2015].

BUTCHART, David. S. 1980. The madrigal in Florence, 1560 - 1630. D. Phil. Theesis,

University of Oxford.

CANCIK, Hubert., SCHNEIDER, Helmuth. og LANDFESTER, Manfred. 2005 Vol. 6.

’Heracles’ Brill's new Pauly: encyclopaedia of the ancient world. Leiden: Brill.

CANCIK, Hubert., SCHNEIDER, Helmuth. og LANDFESTER, Manfred. 2006 Vol. 8.

‘Minerva’ Brill's new Pauly: encyclopaedia of the ancient world. Leiden: Brill.

CARTER, Tim. 1989. Jacopo Peri, 1561-1633: his life and works, Vol 1 New York, Garland.

CARTER, Tim ‘Stile rappresentativo.’ Grove Music Online, Oxford Music Online. Oxford

University Press

http://www.oxfordmusiconline.com/subscriber/article/grove/music/26774?q=stile+rap

presentativo&search=quick&pos=1&_start=1#firsthit [Lesedato: 04.03.2015]

CARTER, Tim ‘Word-painting’. Grove Music Online, Oxford Music Online. Oxford

University Press

http://www.oxfordmusiconline.com/subscriber/article/grove/music/30568?q=word-

painting&search=quick&pos=1&_start=1#firsthit [Lesedato: 03.01.2015]

CUMMINGS, Anthony. M. 1992. The politicized muse: Medici festivals, 1512-1537,Vol II

Princeton, N.J., Princeton University Press.

89

DEFORD, Ruth I. ‘Canzonetta’ Grove Music Online, Oxford Music Online. Oxford

University Press

http://www.oxfordmusiconline.com/subscriber/article/grove/music/04808?q=canzonet

ta&search=quick&pos=1&_start=1#firsthit [Lesedato: 17.01.2015]

EINSTEIN, Alfred. 1971. The Italian madrigal, Princeton, N. J., Princeton University Press.

ELWERT, Wilhelm. Theodor. 1976. Versificazione italiana dalle origini ai giorni nostri.

Firenze, Le Monnier.

EVANS, W. Edwin. 2012 ‘La pellegrina - Intermedii & concerti’ English translation. Emi

classics. S. 1–33

FENLON, Ian. 1989. ‘Preparations for a princess: Florence 1588 – 89’. SETA, F. D. &

PIPERNO, F. (eds.) In cantu et in sermone - For Nino Pirrotta on his 80th birthday.

University of W. Australia press. S. 259–281

FENLON, Ian. 2002. Music and culture in late Renaissance Italy, New York, Oxford

University Press.

FORTUNE, Nigel og CARTER, Tim ‘Monody’. Grove Music Online, Oxford Music Online.

Oxford University Press

http://www.oxfordmusiconline.com/subscriber/article/grove/music/18977?q=monody

&search=quick&pos=1&_start=1#firsthit [Lesedato: 23.02.2015]

GHISI, Federico. 1963. ‘La Tradition musicale des fêtes des florentines et les origines de

l'opéra’. Musique des intermèdes de "La pellegrina" - Edition critique. Walker (ed.)

Paris: Èditions du centre national de la recherche scientifique.

HANNING, Barbara. R. 1979. Glorius Alloppo: ‘Glorius Apollo: Poetic and Political themes

in the first opera’. Renaissance Quarterly, Vol. 32. S. 485–513

HANNING, Barbara. R. ‘Ottavio Rinuccini’. Grove Music Online, Oxford Music Online.

Oxford University Press

http://www.oxfordmusiconline.com/subscriber/article/grove/music/23494?q=rinuccini

&search=quick&pos=2&_start=1#firsthit [Lesedato: 15.10.2014]

HILL, John. W. 1989 ‘O che nuovo miracolo!: A new hypothesis about the aria di Fiorenza’.

SETA, F. D. & PIPERNO, F. (ed.) In cantu et in sermone - For Nino Pirrotta on his

80th birthday. University of W. Australia press. S. 283–320

JEPPESEN, Knud. 2013. Counterpoint: the polyphonic vocal style of the sixteenth century,

Courier Corporation.

KING, Jonathan ‘Text-setting’. Grove Music Online, Oxford Music Online. Oxford

University Press

90

http://www.oxfordmusiconline.com/subscriber/article/grove/music/51057?q=text-

setting&search=quick&pos=1&_start=1#firsthit [Lesedato: 14.02.2015]

KIPLING, Gordon. 1998. Enter the king: theatre, liturgy and ritual in the medieval civic

triumph, Oxford, Clarendon Press.

KIRKENDALE, Warren. 1972. L'aria di Fiorenza id est Il ballo del Gran Duca, Firenze,

Olschki.

KIRKENDALE, Warren. 1993. The Court Musicians in Florence During the Principate of

the Medici, Firenze, Olschki.

KIRKENDALE, Warren. 2001. Emilio de'Cavalieri" gentiluomo romano": his life and letters,

his role as superintendent of all the arts at the Medici court, and his musical

compositions, Olschki.

LOCKWOOD, Lewis (Ed.) 1975. Giovanni Pierluigi da Palestrina, Pope Marcellus mass: an

authoritative score, background and sources, history and analysis, views and

comments, New York, Norton.

LÆGREID, Sissel, SKORGEN, Torgeir (ed.) 2014. Hermeneutisk lesebok, Oslo, Spartacus.

MACNEIL, Anne. ‘Guidiccioni Lucchesini, Laura.’ Grove Music Online, Oxford Music

Online. Oxford University Press

http://www.oxfordmusiconline.com/subscriber/article/grove/music/41024?q=lucchesin

i&search=quick&pos=1&_start=1#firsthit [Lesedato:16.10.2014]

[MALVEZZI, Cristofano (ed.) 1591]. Intermedii et concerti, / Fatti per la comedia

rappresentata in Firenze / Nelle nozze del serenissimo / Don Ferdinando Medici, / E

Madama Christiana di Loreno, / Gran Duci di Toscana. In Venezia / Appresso

Giacomo Vincenti M.D.XCI. [13 stemmebøker: Canto, Alto, Tenore, Basso, Sesto,

Settimo, Ottavo, Nono, Decimo, Undecimo, Duodecimo, Decimoterzo, Decimoquarto.

Se eksemplarene til det Østerikiske Nasjonalbiblioteket i Wien, imslp, commons,

http://imslp.org/wiki/Intermedii_et_concerti_%28Vincenti,_Giacomo%29.]

MØRLAND, Henning. 1946. Platon, Staten, Oslo, Dreyer.

NAGLER, Aloise M. 1964. Theatre festivals of the Medici, 1593-1637, New York, Da Capo

Press.

NEWMAN, Karen. 1986. ‘The Politics of Spectacle: La Pellegrina and the intermezzi of

1589’. MLN, 101. S. 95–113

NUTTER, David ‘Intermedio’ Grove Music Online, Oxford Music Online, Oxford University

Press

91

http://www.oxfordmusiconline.com/subscriber/article/grove/music/13831?q=intermed

io&search=quick&pos=1&_start=1#firsthit [Lesedato: 03.09.2015]

PALISCA, Claude V. ‘Emilio de' Cavalieri’, Grove Music Online, Oxford Music Online.

Oxford University Press

http://www.oxfordmusiconline.com/subscriber/article/grove/music/05202?q=cavalieri

&search=quick&pos=2&_start=1#firsthit [Lesedato: 17.10.2015]

PALISCA, Claude V. ‘Giovanni de Bardi, Count of Vernio.’ Grove Music Online, Oxford

Music Online. Oxford University Press

http://www.oxfordmusiconline.com/subscriber/article/grove/music/02033?q=bardi&se

arch=quick&pos=1&_start=1#firsthit [Lesedato: 13.10.2015]

PERKINS, Leeman. L. 1999. Music in the age of the Renaissance, New York, W.W. Norton.

PIKE, Lionel. 2004. Pills to purge melancholy: the evolution of the English ballett, Aldershot,

Ashgate.

PIRROTTA, Nino & POVOLEDO, Elena 1982. Music and theatre from Poliziano to

Monteverdi, Cambridge, Cambridge University Press.

PORTER, William V. og CARTER, Tim ‘Peri, Jacopo’ Grove Music Online, Oxford Music

Online. Oxford University Press

http://www.oxfordmusiconline.com/subscriber/article/grove/music/21327?q=peri&sea

rch=quick&pos=2&_start=1#firsthit [Lesedato: 16.11.2014]

PLUTARCH 1718. Plutharch's Moralis / Translated from the Greek by several hands /

Volume II / The Fifth Edition, Corrected and Amended /London / Printed for W.

Taylor, at the ship Pater-Noster-Row. MDCCXVIII.

[https://books.google.no/books/reader?id=LURWAAAAYAAJ&hl=no&printsec=fron

tcover&output=reader&pg=GBS.PR5]

ROSOW, Lois. 2005. ‘Power and display: music in court theatre’. BUTT, J. & CARTER, T.

(ed.) The Cambridge history of seventeenth-century music. Cambridge: Cambridge

University Press. S. 197–239

SASLOW, James M. 1996. The Medici Wedding of 1589: Florentine Festival as Theatrum

Mundi, Yale University Press.

SCHRADE, Leo (ed.) 1960. La représentation d'Edipo tiranno au Teatro Olimpico: (Vicence

1585) Étude suivie d'une édition critique de la tragédie de Sophocle par Orsatto

Giustiniani et de la musique des choeurs par Andrea Gabrieli Paris, Centre national

de la recherche scientifique.

SOLERTI, Angelo 1904. Gli Albori del melodramma Vol. 2, Milan, Georg Olms Hildesheim.

92

STEVENS, John. 1986. Words and music in the Middle Ages: song, narrative, dance and

drama, 1050-1350, Cambridge, Cambridge University Press.

‘Stròzzi, Giovan Battista il Vecchio e Giovan Battista il Giovane’. L'enciclopedia Italiana:

Treccanti.it. http://www.treccani.it/enciclopedia/giovan-battista-il-vecchio-e-giovan-

battista-il-giovane-strozzi/ [Lesedato: 03.12.2014].

SVENDSEN, Lars F. H. & ALNES, Jan H. 2011. ‘Platonisme: platonisk tradisjon.’ Store

norske leksikon. https://snl.no/platonisme%2Fplatonisk_tradisjon [Lesedato:

11.09.2015]

TARUSKIN, Richard. 2010. Oxford history of western music, Oxford, Oxford University

Press.

TREADWELL, Nina. 2004. ‘She descended on a cloud “from the highest spheres”’:

Florentine monody ‘alla Romanina’. Cambridge Opera Journal, Vol. 16. S. 1–22

TREADWELL, Nina 2008. Music and wonder at the Medici court: the 1589 interludes for La

pellegrina, Indiana University Press.

VON FISCHER, Kurt, , D’AGOSTINO, Gianluca, HAAR, James, NEWCOMB, Anthony,

OSSI, Massimo, FORTUNE Nigel, KERMAN, Joseph og ROCHE, Jerome.

‘Madrigal’. Grove Music Online. Oxford Music Online Oxford University Press

http://www.oxfordmusiconline.com/subscriber/article/grove/music/40075?q=madrigal

&search=quick&pos=1&_start=1#firsthit [Lesedato 05.01.2015]

WALKER, D.P. (ed.) 1963, Musique des intermèdes de "La pellegrina". Edition critique par

D. P. Walker, Études par Federico Ghisi et D. P. Walker, Notes critiques par D. P.

Walker et J. Jacquot. Paris: Èditions du centre national de la recherche scientifique.

(Les Fêtes du mariage de Ferdinand de Médicis et de Christine de Lorraine, Florence

1589, I).WALKER, D. P. 1963. La musiques des intermèdes de 1589 et l'humanisme.

Musique des intermèdes de "La pellegrina" - Edition critique. Paris: Èdition de centre

national de la recherche scientifique.

ZAMPINO, Maria D. 1991. ‘Bastiano de Rossi’ Dizionario Biografico degli Italian, Volume

39. http://www.treccani.it/enciclopedia/bastiano-de-rossi_%28Dizionario-

Biografico%29/ [Lesedato: 14.12.2014]