Tesis para optar al título de Licenciatura en Música:
Intérprete Instrumental Mención Guitarra Eléctrica
Alumno: Gonzalo Martínez
 
 
“…agradezco de sobremanera a Guillermo Jiménez
por su constante apoyo, esfuerzo y paciencia…”
“…agradezco a todos los amigos que ayudaron de
alguna forma…”
4.1. 27
A...............................................................................................133
Resumen
El presente trabajo tiene como objetivo efectuar un análisis acerca de cómo el estilo
fusión afecta el lenguaje e interpretación de la música de Greg Howe.
Este estudio se realiza desde el presente hacia el pasado en la medida en que,
conjuntamente con la investigación, la entrevista y la escucha activa de sus temas, intentar
comprender cómo es su relación con la música del inicio de la fusión y el alcance e influencia
de ese movimiento con este músico y como a través del tiempo va creando su propio lenguaje.
De estilos musicales tales como el jazz y rock ambos se mezclan generando en los 70
lo que se llamaría posteriormente fusión, constituyendo un estilo nuevo y que a través del
tiempos fue mutando y agregando cada vez más elementos de otras músicas, pasando así a
formar parte de un movimiento tan consolidado como lo serian otros en las décadas anteriores.
LENGUAJE – FUSION- GREG HOWE
1
Introducción
El trabajo que se expondrá en las siguientes páginas tiene por objeto analizar
una expresión o lenguaje musical, esto es, el lenguaje fusión.
Alrededor de los años70 se inicia un movimiento musical a partir de dos estilos,
el rock y el jazz que, al correr del tiempo e influenciándose mutuamente se integran en
una unidad, la fusión.
Los objetivos planteados para este estudio, en lo general, apuntan a describir el
trabajo de los principales exponentes de este lenguaje musical y a analizar el proceso
de penetración e influencia en la música de Greg Howe.
En relación a la metodología, y a las fuentes de información, dada la escasa
literatura respecto del tema y habiéndose realizado una revisión bibliográfica
exhaustiva del material disponible, conjuntamente con revistas electrónicas y páginas
de internet, se privilegió la escucha activa y las transcripciones. Al mismo tiempo, en
cuanto al procedimiento se usó el método de entrevista al actor principal, Greg Howe,
efectuada a distancia, a través de cámara web y en su idioma, inglés. La entrevista se
desarrolló en una sesión y con un protocolo de preguntas estructuradas por el tesista.
Se efectuó la traducción exacta de esta.
La temática abordada en el segundo capítulo nos acerca a una definición del
concepto de fusión y a una revisión histórica del mismo.
El tercer capítulo nos permite retrotraernos a los comienzos de este estilo y dar
una mirada a los diferentes músicos que iniciaron y desarrollaron este lenguaje.
El cuarto capítulo se enfoca al estudio del actor principal en el que se focaliza
esta tesis, el norteamericano Greg Howe, sus influencias principales y los diferentes
elementos que conforman su lenguaje.
 
2
En el capítulo cinco se analizan y transcriben diferentes temas de este músico.
Por último en el sexto capítulo, se lleva al papel la entrevista efectuada a Greg
How ,para conocer de la fuente directa cómo es su visón de la música y las
proyecciones de la fusión según él.
 
II.- Definición del lenguaje fusión
2.1.-Contexto histórico de la época
La década de los 80 vio nacer a través del correr de sus días, el surgimiento de
diversas bandas como Journey , Toto y Boston por un lado , mientras que por otro,
comenzaron a extenderse y a existir diferentes variedades de hip hop debido al empleo
de nuevas tecnologías, una de ellas es la masificación de las cajas de ritmo. Bryan
Adam, Bruce Springsteen y Dire Straits ponen al rock nuevamente de moda.
Algunas características del panorama del jazz de los 80 como menciona Frank
Tirro son: “Los años ochenta se caracterizaron por la extraordinaria variedad, cantidad,
y disponibilidad del jazz” 1.  Como también presagió en su momento el compositor
Leonard B. Meyer: “Nuestra hipótesis habla, por consiguiente, de la persistencia de un
éxtasis fluctuante, una situación de calma en la que las diversas artes conocerán la
coexistencia de infinitos estilos y lenguajes, técnicas y movimientos. No habrá práctica
central y común, como no habrá ninguna “victoria” estilística. En la música, por
ejemplo, los estilos tonales y atonales las técnicas aleatorias y serialistas, los medios
electrónicos e improvisados seguirán siendo empleados (…)
Si bien aparecerán nuevos métodos y direcciones en las artes, éstos no
desplazaran a los estilos ya existentes, sino que se añadirán al espectro ya
preexistente. La ocasional interacción y acomodación entre distintas tradiciones
literarias, artísticas o musicales originará la aparición de combinaciones híbridas, con
todo, la posibilidad de innovación radical parece más bien remota (… ).La abrupta
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yuxtaposición de estilos marcadamente distintos, acaso originados en épocas y
tradiciones diferentes, dejará de ser infrecuente.” 2  
En esta época entonces se pudieron también observar diferentes tendencias
como por ejemplo el denominado neoclasicismo o neo tradicionalismo cuyo exponente
más representativo es Wynton Marsalis quien decidió mirar hacia la tradición antes que
aventurarse a explorar nuevos territorios; otros exponentes de este sub estilo son
Freddie Hubbard y el World Saxophone Quartet.
Otro estilo fue el free jazz, que si bien se había desarrollado veinte años antes ,
también tuvo cabida dentro de la década en la figura de George Lewis.
En esta época, el mundo de la fusión comienza de la mano del guitarrista John
Mc Laughlin quien graba el disco Electric Dreams en 1978; este disco se caracteriza
por constar de una mezcla de patrones funk en la batería, mientras los teclados van
más por el lado de la experimentación, se utilizan diversos timbres como instrumentos,
el rodes, guitarra, bajo con un timbre Pastorious , batería , violín, cítara, órgano
hamond, se utilizan riffs y se usa el clavinet que acentúa el estilo funkero. También
encontramos ritmos parecidos a la samba, mientras la percusión y el bajo acompañan
también en el estilo. Aparece un tema cantado que en la primera parte es ambiental y
que luego se transforma en funk. Existe un tema con pattern swing a gran velocidad,
el bajo hace walking mientras el piano rodes acompaña el solo de John.
En ese mismo año (1978), Mc Laughlin grabará Electric Guitarrist, disco que
también tiene una variedad en la instrumentación con el uso de diversos
sintetizadores, congas, órgano hamond, y que consta de ritmos de bossa nova. Un
dato al margen es que en este disco también participa tocando Santana y existe el uso
de slap en el bajo .Podemos agregar que también tiene patrones de swing en tempo
rápido y el bajo hace walking; pero a la vez en otras de las composiciones se observa
un bajo funkero sobre un solo acorde, la batería llevando un ritmo en el estilo y la
guitarra soleando con wah wah.
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5
Posteriormente este músico grabaría el disco a trio de guitarras Friday Nigth in
San Francisco   en 1980, junto a Paco de Lucía y Al di Meola, al tiempo que Miles
Davis reaparece tras su ausencia y graba The Man With the Horn   y We Want Miles,
este último álbum sería galardonado con un Grammy en 1983.
Otro músico que destaca dentro del género de la fusión y que inició su carrera
en los años 70 es el guitarrista Allan Holdsworth; este músico comenzó tocando en
bandas que fueron emblemáticas de este movimiento como Nucleus, Soft Machine,
Tempest y con músicos como Tony Williams y su Lifetime, grupo con el cual se dio a
conocer de manera masiva. Algunos de sus discos en solitario son Velvet Darkness  
(1976), I.O.U  (1982), Road Games  (1983), Metal Fatigue  (1985). También ha
colaborado con distintos músicos como con Stanley Clarke en  If This Bass Could Only
Talk, 1988, con Frank Gambale en el disco Truth in Shredding  (1990) gracias al
proyecto de Mark Varney (hermano de Mike Varney fundador de Sharpel Records,
sello para el cual Greg Howe editó su primer disco.) .Colaboró también con Stuart
Hamm en Radio Free Albemuth  (1988) bajista con el cual Greg Howe realiza su gira
en el 2011. Allan Holdswoth destaca principalmente por su nivel técnico, y por la
utilización de la técnica de ligados, recurso que será muy ocupado también por Greg
Howe.
También a finales de los setenta y durante los ochenta el mundo del rock dio
a luz a grandes músicos, como es el caso del grupo de hard rock Van Halen, en donde
su guitarrista Eddie Van Halen fue uno de los intérpretes más influyentes de la década
por su técnica de tapping e innovación en el sonido en la guitarra. Desde su primer
álbum homónimo Van Halen  (1978), luego con Van Halen II  (1979), Women and
Children First (1980), Fair Warning  (1981), Diver Down  (1982), 1984  (1984) ( solo por
nombrar unos cuantos) todos los cuales tendrían un rotundo éxito y una gran
cantidad de logros. Especial atención merece esta banda ya que como lo menciona
Greg Howe en la entrevista realizada, fue Eddie Van Halen una de las primeras y más
grandes influencias que recibió.
En el año 1983 Miles graba el disco Decoy con el cual se irá gradualmente
 
6
Scofield, quien había tocado con Dave Liebman, Gerry Mulligan, Chet Baker, Billi
Cobham, Tony Williams y Ron Carter; se une a la banda de Miles Davis,
encontrándose así el grupo de Miles con 2 guitarristas, Scofield y Mike Stern. Miles
Davis tenía la certeza de que la guitarra era el instrumento clave de ese periodo, más
aún en el mundo de los músicos jóvenes y el público adolescente, y pensaba que
teniéndolos a ambos, producirían una tensión que beneficiara la música.
Por estos años la música, formaba parte no solo de una manifestación artística
sino que también tuvo ribetes políticos, tal como hace mención Ian Carr sobre uno de
los conciertos que realiza Miles Davis en Varsovia… “Recordemos que durante la
segunda guerra mundial el jazz estaba prohibido en Alemania y Japón, en parte por
razones raciales-los elementos africanos y judíos-, pero también porque el jazz de
pequeños grupos puede verse como una metáfora perfecta de la democracia y la
libertad, en oposición al libertinaje. Cuanto mayor es la individualidad de cada músico,
más potente es la identidad colectiva del grupo, y todas las cualidades necesarias del
 jazz- individualidad, espontaneidad, control autonómico, confianza en los
acompañantes que uno ha escogido, siempre han sido anatema para los regímenes
totalitarios. En la Segunda Guerra Mundial el jazz se convirtió en una parte importante
de la resistencia en países de toda Europa durante la ocupación nazi, y después del
conflicto armado pasó a ser una forma de rebelión y un símbolo de la afirmación del
individuo en la unión soviética y sus países satélite s de Europa oriental.” 3  
Más tarde, en 1984, el músico John Scofield grabaría su disco Electric Outlet,
que en cuanto a timbres tiene mucha semejanza a Weather Report, en lo que respecta
al sonido del bajo medioso, el uso de sintetizadores, la guitarra midi, la que aquí es
ocupada casi como un steel drum y existe la utilización de claps, mientras la guitarra
acompañante realiza ritmos funkeros. Hay también el uso del bajo haciendo notas
pedales, por atrás la guitarra acompañando con timbres ambientales, ayudado con la
caja con reverb semejándose a los ambientes de Pat Metheny, y en ocasiones juega
con el estilo country. Se usan riffs de bajo y la guitarra busca sonoridades mediante
un octavador. La batería está a cargo de Dennis Chambers y sus características notas
3       . 405
7
fantasmas. En ese mismo año John Mc Lauglhin grabaría Belo Horizonte, disco el cual
tiene algunos ritmos de samba en tiempos muy rápidos, mientras el bajo acompaña a
veces en el estilo y otras veces con walking y se utiliza la guitarra acústica. También
hay ritmos de bossa nova en la batería, el bajo y se usan percusiones para acompañar
Finalmente este disco tiene la inclusión del guitarrista Paco de Lucía.
Otro grupo reconocido de la época fue Toto siendo una banda que combina
diversos estilos musicales como el rock, blues , funk , jazz y pop. Algunos discos son:
Toto (1978), Hydra (1979), Turn Back (1981), Toto IV (1982).
Alrededor de esta misma época en E.E.U.U., Michael Jackson ya había
grabado su disco Thriller, el cual contaba con la participación de guitarristas como
Eddie Van Halen y Steve Lukather, este último quien se había destacado en su carrera
como músico de sesión por su lenguaje orientado hacia el hard rock , jazz, pop, blues
y que se ha caracterizado además por la utilización de manera muy emotiva de el
recurso de bends en la guitarra. Existe un elemento en común y llamativo que vale la
pena ser mencionado entre Steve Lukather, Eddie Van halen y Greg Howe y es que,
catorce años después de esta grabación, Greg Howe sería llamado para participar en
una gira con Michael Jackson.
Human Nature, tema del mismo disco de Jackson es grabado por Miles Davis
acercándose a la corriente del pop en su disco Your Under Arrest en 1985,
incorporando además el tema Time After Time de Cindy Lauper y comenzando a
utilizar patrones de regaee y a usar timbres como el claps.
En paralelo cronológico a lo anterior se desarrollaron los siguientes
acontecimientos: el cantante de metal Bruce Dickinson se une a la banda Iron Maiden
para grabar The Number fo the Beast; la tecnología por su parte da un gran salto al
publicarse el primer protocolo MIDl ; la religión con el vaticano expone su colección en
New York y desde la vereda del frente Madonna lanza su primer disco homónimo y
luego irrumpe con su disco y tema Like a Virgin, en el cual participa el baterista Dave
Weckl quien a su vez ha tocado con Chik Corea; este tema llega al número uno en las
 
8
película Purple Rain  el cual lo catapulta al éxito; el Hard Rock de la década bajo el
nombre de Glam Metal da sus frutos en grupos como Bon Jovi, Poison, Motley Cure y
Ratt, se comienzan a difundir masivamente los discos compactos y el saxofonista
Brandford Marsallis se une al grupo de Sting.
Luego a mediados de los ochenta Miles sorprende con la grabación de su
álbum Tutu   para su nueva compañía discográfica la Warner Brothers; este disco fue
llamativo como lo señala Frank Tirro: “ …la producción musical del álbum resultó
pionera en muchos conceptos. El empleo de la tecnología digital facilitó que los
músicos alcanzaran insospechados grados de aislamiento e independencia en el
estudio, posibilitando el recurso a una cirugía musical correctiva.” 4 . Este álbum contó
con la participación del bajista Marcus Miller quien compuso la mayor parte de los
temas y trabajó con el programador de sintetizadores Jason Miles con quien le dio
forma al disco. Mientras tanto el pianista Chick Corea forma una nueva agrupación, La
Elektric Band con la cual lanza su primer disco en 1986 y su segundo disco Light years
1987 este ultimo teñido de riffs en los bajos con el uso de slap, utiliza diferentes
elementos de percusión como tablas hindúes, hace claves salseras sumado a un bajo
fretless y recurre a la utilización de claps. En ese mismo año se conocería
lamentablemente la triste noticia de la muerte de uno de los bajista más influyentes de
la época, Jaco Pastorious.
Es menester mencionar otro pilar fundamental de la guitarra en esos años,
Pat Metheny. Su estilo fusión como describe Ted Gioia : “… había desafiado con
frecuencia cualquier categorización y había acabado con las expectaciones del público
de la fusión.
Desde el principio, con su proyecto de trío Bright Size Life de 1975, junto a Jaco
Pastorious y Bob Moses, Metheny mostró una habilidad para combinar los elementos
pop-rock, con un sagaz estilo de jazz, mientras evitaba a conciencia los clichés de
ambos estilos.
4   157  
9
Las consecuencias más impresionantes en el estilo fusión han sido una serie de
discos extraordinarios- StillLife (Talking) de 1987, Letter From Home 1989 y Secret
Story de 1992 que incorporan avanzadas técnicas compositivas de jazz con elementos
del pop-rock y la música brasileña. Son estos unos proyectos sumamente originales
que suenan aparentemente simples, aunque incluyen algunas de las partituras de jazz
más complejas de finales de los ochenta y principio de los noventa” 5  
Otro guitarrista importante de la época es Scott Henderson quien tiene un
desempeño descollante por no tener problemas a la hora de ejecutar diferentes estilos
como rock , jazz, funk , blues. Líder de la banda Tribal Tech, graban su pimer disco
Spears  (1985), luego Dr. Hee  (1987), carrera que seguirá en la década de los 90. Scott
Henderson graba con diferentes músicos tales como Chick Corea en Electrik Band  
(1986), con el violinista Jean-Luc Ponty en Fables  (1985) ( éste último quien había
tocado en la Mahavishnu Orchestra), con Joe Zawinul en The Zawinul Syndicate
Inmigrants  (1988) y con el bajista Victor Wooten en Vital Tech Tones (1998) ( bajista al
cual reclutará Greg Howe para su disco Extraction  de 2003).
Es en este mismo período donde hay un auge del estilo llamado Shred , el
cual hace referencia a los guitarristas que realizan complejos pasajes melódicos en
cuanto a técnica y velocidad. Algunos de los músicos que se pueden nombrar dentro
de esta corriente son Jason Becker, Frank Gambale, Eric Johnson, Shawn Lane, Paul
Gilbert, Richie Kotzen, Joe Satriani, Steve Vai, Tony Macalpine, Andy Timmons y el ya
mencionado Allan Holdsworth. Si bien esta tendencia agrupa a músicos de diferentes
estilos que van desde el rock hasta la fusión, fue Ynwie Malsteen la cara visible de
este movimiento ya que creó un subgénero llamado Metal Neoclásico en donde
combina elementos del metal con elementos de la música docta que pueden verse
desde el comienzo de su discografía en discos como  Rising Force (1984), Marching
Out ( 1985), Trilogy  (1986).
El guitarrista Tony Macalpine es otro exponente de este estilo Metal Neoclásico
pero toma también elementos de el jazz. En su primer álbum Edge of Insanity  (1985)
5   . 500 
10
graba con el bajista Billy Sheehan (quien ha tocado con David Lee Roth, primer
vocalista de Van Halen, es fundador de la banda Mr. Big, y toca con Dennis
Chambers en el grupo Niacin) quien también grabará con Greg Howe en su homónimo
disco debut en 1988. A comienzos del nuevo milenio Macalpine graba el disco Cab  
2000 junto a el baterista Dennis Chambers (baterista que ha tocado con John
McLaughlin, John Scofield, Santana, etc.), quien en el año 2003 grabará el disco
Extraction  junto a Greg Howe.
John Scofield graba el disco Still Warm en 1985 en donde utiliza sintetizadores
muy a lo Weather Report de manera ambiental por atrás haciendo camas armónicas y
con acordes similares. El bajo mantiene un solo acorde y realiza riffs, cita también a
Weather Reaport al tema Teen Town. Existen partes con base funk con shuflee en la
batería y con riff en el piano.Y timbrísticamente también se recurre al uso de claps. Y
más tarde graba Loud Jazz en donde el bajo recurre al uso de slap , la batería lleva
grovees rockeros, hay una utilización de diversos timbres como el órgano hamond y
algunos sintetizadores con reminiscencia de Tribal Tech como ambiente, y en los solos
de piano el timbre se asemeja al de Chick Corea, la guitarra acompaña de manera
funkera muchas veces con notas muteadas en el estilo de Steve Lukater. La bateria a
veces marca la clave de salsa distribuída en diferentes partes. Pero hay también
patrones rockeros y el bajo a veces acompaña con un patrón medio bossanova , la
guitarra de Scofield suena media a lo Pat Metheny y se ocupan elementos de
percusión como los huevos, el uso de cencerro y también instrumento de viento , el
saxo.
El guitarrista John Mc Laughlin graba en 1986 el disco Adventures of Radioland
el cual consta de sintetizadores ambientales en la onda de Pat Metheny , guitarra
eléctrica distorsionada, y un fraseo que se asemeja a Holdsworth, También recurre al
uso de strings, y un udú, mientras los patrones son con tintes rockeros, y el bajo con
timbre Pastorious marca muchas veces riff. Existen también patrones jazzeros y hasta
hay ritmos parecidos a la samba brasilera.
El pianista Chick Corea vuelve con su disco Eye of the Beholder en 1987, una
 
11
dando una sensación española acentuada por el uso del modo frigio, también recurre
al slap y a notas muteadas en el estilo de Steve Lukater. Mientras que el guitarrista
Mike Stern graba su disco Time in Place en 1988 donde encontramos por una parte en
la guitarra acompañante notas muteadas como Steve Lukater, por otra en cuanto a la
timbrística a sintetizadores parecidos a los de Weather Reaport; se utiliza también el
rodes, el saxo , las congas. Hay también temas ambientales con guitarra acústica a lo
Metheny en donde la batería lleva el típico patrón en el ride acompañado por el
ambiente que genera el piano, todo esto sumado a la guitarra con delay y chorus
agregando también un saxo.  
Hemos visto cómo durante este periodo existió entonces una proliferación de
estilos y corrientes musicales como no se había visto antes en la historia de la música;
estas tendencias no solo interactúan como entes separados regidos por un solo
dogma especifico y por categorías, sino que a medida que corre el tiempo estas
manifestaciones comienzan a entremezclarse sin ningún tipo de complejo por diversas
motivaciones, ya sea musicales , comerciales , políticas, etc., lo que traerá como
resultado híbridos que muchas veces tendrán un poco de cada corriente y por lo tanto
un poco de historia de la música de cada ciudad , región , país; perspectivas diversas
de entender la música y de expresarse a través de ella tan diferentes como lo son cada
individuo, ejemplo de esto es el compartir que se generó por parte de los diferentes
músicos y de variados estilos, podemos ver las ramificaciones desde Michael Jackson
que fue producido por Quincy Jones (quien a temprana edad tuvo contacto con
músicos de jazz como Charlie Parker, Thelonius Monk, Miles Davis) mientras Miles
Davis tocaba temas de Cindy Lauper, el baterista Steve Smith se debatía entre el
grupo Journey y su proyecto Vital Information, el guitarrista Larry Carlton quien también
tocó con Michael Jackson, Sammy Davis junior, el grupo Steely Dan y la cantante Joni
Mitchell; esta última quien reclutó a Jaco Pastorious y Wayne Shorter.
Herbie Hancok también había tocado con Mitchell sumando una más a la larga
lista de cantantes que ha acompañado, como Tina Turner, Pink y el músico de color
Seal. Además tiene un gran acierto al grabar el tema Rockit del disco Future Shock en
 
12
graban el disco “Songs in the Key Of Life” del Stevie Wonder, CD donde también
participa Ronnie Foster, pianista que ha tocado con Stanley Clarke y Lee Ritenour; este
último quien ha grabado con Tony Bennet.
Asi los músicos de jazz comienzan a entremezclarse con el rock, el rhythm and
blues, el soul, el funk y principalmente con el pop aportando asi cada cual sus diversos
elemento para formar una nueva especie de fusión que no tiene problema con
coquetear con las diversas disciplinas.
2.2.-Fusión.
Si buscamos la definición exacta del término podemos encontrar dentro del
diccionario de la Real Academia Española las siguientes definiciones :
“Acción y efecto de fundir o fundirse.”
“Unión de intereses, ideas o partidos” 6  
Según estas definiciones podemos decir que la fusión en términos semánticos
es “la suma de dos o más ideas (o algo) en un todo”.
2.3. El estilo fusión. 
En música la fusión no escapa a estas definiciones anteriormente dadas, pero
hay que añadir información para poder entender en su globalidad este estilo musical.
Diversas definiciones sobre la fusión han sido dadas a través del tiempo, una
de ellas es la que menciona el crítico alemán Joachim E.Berendt “…la combinación de
improvisación del jazz con rítmica y electrónica del rock.” 7 . Otra definición similar la
encontramos en el historiador y crítico musical Ted Goia quien dice: “ ... el término  
“fusión” tenía un significado muy limitado y específico. Describía los diversos intentos
6   . .  
13
de combinar el jazz con el Rock” 8 . El musicólogo chileno Alvaro Menanteau cita en la
ponencia presentada en el II congreso de la Sociedad Chilena de Musicología a Mark
C. Gridley quién dice: “combinación de las técnicas improvisatorias del jazz moderno
con la instrumentación y enfoque rítmico del rock y el soul de los años sesenta.” 9 . Y en
las propias palabras del Musicólogo Alvaro Menanteau quien comenta:  “ …este
concepto y su práctica surgieron a fines de los años 60 y el término fue sustituido por
la denominación mas especifica de jazz-rock a mediados de los setenta.
En este estilo se impusieron la instrumentación eléctrica y el beat pesado del
rock, negándose el tradicional swing del jazz. Del soul de los sesenta se incorporaron
patrones rítmicos repetitivos y sincopados, los cuales reemplazaron el walking habitual
del contrabajo.” 10  
El melómano y aficionado a la batería Roberto Barahona comenta : “ La década
de los ´70 se reconoce más bien como la era de la fusión , cuando muchos de los
 jazzistas integraron aspectos del rock, R&B (Rhythm and Blues), y música pop con su
propia música.” 11 
Estas definiciones nos permiten tener una primera impresión de qué se trata la
fusión como estilo musical.
III.- História de la Fusión.
3.1 Orígenes de la Fusión
A finales de los sesenta el jazz estaba perdiendo público y ventas, además
como reflexiona Ian Carr : “… la escena del jazz (…) estaba desorganizada y por lo
tanto no presentó un frente unido(…) en términos amplios, estaba dividida en dos
facciones : por un lado la Avant –Garde y, por el otro, la mayoría de los músicos que se
ganaban la vida explotando vetas que se habían descubiertos años antes. Había un
fuerte elemento racista que complicaba aún más las cosas.” 12  
El rock por su parte estaba alcanzando una gran popularidad entre los jóvenes
y fue precisamente Columbia , sello para el cual Miles Davis trabajaba, quien impulsó
el movimiento de la música rock, relegando a quien había sido el rey del mundo del
 jazz a un nivel de músico secundario. A raíz de esto como plantea J. Sánchez León :
“… los músicos de jazz se dieron cuenta de que para volver a ganar al público debían
extraer ideas de la música popular. Algunas de esta provendrían del rock, pero la
mayoría tendría su origen en los ritmos de baile y las progresiones de acordes de
músicos de soul…” 13   o como también escribe Mike Zwerin : “…creo que el jazz tendrá
que efectuar algunas adaptaciones al mundo electrónico del rock and roll si pretende
mantener su validez como un reflejo de la vida contemporánea….” 14 . 
A pesar del elemento racista en aquella época existía cada vez más un
acercamiento entre los jóvenes blancos y negros, como lo expresa Ian Carr : “ …y no
era solo la política lo que generaba nuevos lazos entre los jóvenes negros y blancos,
también la música rock que había surgido de la música del Rhythm and Blues. En los
12       . 220.
13   62. .
//..////. 14     . 219.
15
sesenta toda una generación de jóvenes blancos conocieron y se enamoraron del
blues , la música de los negros rurales y urbanos.” 15  
3.2 Desarrollo de la Fusión.
Las primeras aproximaciones al género fusión se dan en el año 1967 cuando
Gary Burton Quartet graba su primer disco “Duster” en el cual Larry Corryel tocaba la
guitarra. Otros exponentes de este estilo en esos años fueron Charles Lloyd, Tony
William y en Gran Bretaña músicos como John Mc Laughlin, el contrabajista Jack
Bruce y el baterista Ginger Baker y grupos como Graham Bond Organization,
Colosseum and Cream y Soft Machine.
Una de la figuras fundamentales en la génesis y el desarrollo de este estilo fue
Miles Davis quien comienza en su disco Miles in the Sky  en 1968 a incorporar por
primera vez la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico y el piano eléctrico, instrumentos que
solo eran relacionados con el rock, el pop y el R&B; como diría posteriormente Chick
Corea: “ El sonido de Miles se dirigía hacia un sonido de bajo eléctrico, a los elementos
típicos de la música pop y Rock and Roll”. 16  
Herbie Hancock, músico que tocó el piano eléctrico en aquel disco, era uno de
los que tenía mayor afinidad con Miles en cuanto a los diversos intereses musicales se
refiere, así lo demuestra cuando habló del pop y del rock: “ creo que se ha vuelto muy
ingenioso ( …). Los Beatles por ejemplo: algunas de sus canciones son muy
ingeniosas. Y Dionne Warwick, James Brown, Mary Wells, Smokey and the miracles,
Las Supremes (…). Me gusta toda clase de música y hay ciertos estilos con los que me
relaciono directamente: el R&B es parte de mi historia personal no solo por haber sido
adolescente en la época en que comenzó , sino porque soy negro; en cuanto a la
música pop , debe de ser algo básico en la escucha de todos.” 17  
15       . 279.
16
En ese mismo año, 1968, ocurría lo mismo con Miles Davis como escribió el
crítico de jazz Leonard Feather luego de visitarlo: “Encontré esparcidos por la
habitación discos o cintas de James Brown, Dionne Warwick, Tony Bennett, Los Birds,
Aretha Franklin y Fifth Dimension. Ni un solo instrumental de jazz” 18  asunto que da
cuenta de la nuevas inquietudes musicales de Miles y cómo poco a poco estaba
acercándose a la elaboración de una unión satisfactoria de todos estos estilos.
Posteriormente Miles Davis comienza su transición hacia la idea de un nuevo
concepto de unión con discos como Filles the Kilimanjaro en donde como plantea Ian
Carr : “ en todo el álbum las líneas de bajo tienen un ritmo variado y vital y ninguno de
los bajistas cae en ningún punto en la antigua costumbre del jazz de tocar cuatro
negras por compás.” 19  Esta unión no solo se daba en el ámbito de la música sino que
comienzan a incorporarse en este disco por primera vez músicos blancos, como el
bajista Dave Holland (quien había grabado con Jimmy Hendrix, amigo de Miles,
alrededor de esa misma época llegando a influenciarlo en muchos aspectos) y el
pianista Chick Corea. Esta inclusión de músicos blancos se repetiría posteriormente
con músicos de la talla de John Mc Laughlin y Joe Zawinul en el disco In a Silent Way  
de 1969; estos músicos darían un nuevo enfoque bajo la tutela de Miles en el ambiente
del jazz como lo expresa Ian Carr : “ el conjunto de tres pianos eléctricos y guitarra era
un sonido completamente nuevo en el jazz y la forma en que Miles dispuso los
instrumentos era crucial para ese sonido. En general la batería se limitaba a una
repetición constante de figuras y el contrabajo también estaba circunscrito”. 20  
En este mismo disco emerge una nueva forma de grabación que no guardaba
relación con las existentes hasta ese momento en el mundo del jazz. El productor Teo
Macero, colaborador de Miles siguiendo las directrices de éste, aplicó nuevas técnicas
en los estudios de grabación, registrando todo lo que ocurría en el estudio para luego
ser editado mediante post producción. Lo anterior trajo consecuencias, las que
describe Frank Tirro: “Este método de producción alteró radicalmente la interpretación
de los músicos y la propia percepción musical del oyente. La estética jazzística
18       . 223
19       . 243
20       . 249
17
centrada en la improvisación en directo se vió aquí confrontada por la música generada
en estudio.” 21 
Un año después la fusión tendría su cristalización en el disco de Miles Davis
Bitches Brew  el cual es considerado el punto de partida para este estil , como lo
menciona Joachim E.Berendt : “Miles fue el primero en llegar a una integración
equilibrada y musicalmente satisfactoria de jazz y rock. Fue el catalizador del jazz-rock,
no solo con sus propios discos, sino porque también muchos de los músicos
importantes de la década salieron de sus grupos.” 22  Además como dice Ted Goia:
“…este sonido teñido de rock emergente amplió sustancialmente el público del jazz. Se
puede sospechar que desempeñó un papel decisivo en estimular un mejor entorno
financiero para todos los estilos de jazz durante los setenta. Los aficionados que se
acercaron al jazz a través de la fusión pronto se vieron atraídos por otros estilos de la
música improvisada. En consecuencia la base económica del jazz se amplió y
estabilizó durante este período, después de años de estancamiento y declive.” 23  
El crítico Leornard Feahter dijo sobre Bitches Brew : “…como puede inferirse a
partir de su último álbum Bitches Brew, Miles está creando una forma nueva y compleja
que toma elementos del avant-garde, atonalismo, la modalidad, el rock, el jazz y el
universe. No tiene nombre, pero algunos la han llamado música espacial” 24  
J.Sánchez León dice sobre Bitches Brew: “…en 1970 Davis grabó Bitches
Brew, un álbum de mucho éxito que combinaba ritmos soul e instrumentos electrónicos
con un jazz sin compromisos y muy disonante”. 25  
Frank Tirro comenta sobre el mismo álbum “…Bitches Brew sirvió para que el
trompetista se iniciara en el mundo de la música electrónica y las modernas técnicas
de grabación en estudio.” 26  
21   . 114.
22     . 74.
23   . . 488. 
24       . 287.
25   62.
.//..////. 26   . 127.
18
Al respecto de esta nueva forma de hacer música, el musicólogo Alvaro
Menanteau dice : “La figura de Miles Davis fue la nueva referencia obligada en el
contexto del jazz de vanguardia; este músico combinó- desde su perspectiva de
 jazzista- el lenguaje armónico e improvisatorio del jazz con la intencionalidad rítmica y
la instrumentación del soul y el rock, lo cual fue la base del así llamado jazz eléctrico,
 jazz fusión, jazz rock o simplemente fusión.” 27  
Es menester mencionar que en esta época se produjeron diferentes
acontecimientos que ayudaron a la proliferación de este estilo, como dice Joachim
Berendt: “…falleció Jimmi Hendrix , Janis Joplin, Brian Jones, Jim Morrison y Duane
Allman; los Beatles se desintegraron. El peor desastre de la época del rock ocurrió en
Altamont, California, en un concierto de los Rolling Stones: cuatro personas murieron y
hubo cientos de heridos; se destruyo toda la maravillosa buena voluntad de
Woodstock(…). De pronto, la edad del rock había perdido su impulso, la época había
perdido su rock. No estaban apareciendo en el escenario nuevos grupos de artistas
individuales que destacasen (…).
Todo lo que hemos enumerado aquí, ocurrió entre 1969 y 1972. El nuevo jazz
se desarrolló en paralelo exacto con estos acontecimientos integrando rock y jazz(…).
Todo el que “integra”, que no enfoca siempre uno, rock o jazz, no puede dejar de
concluir que este paralelo cronológico no es totalmente accidental. La edad del rock – o
al menos sus mejores elementos- se integraron en el nuevo jazz. Y el nuevo jazz dio
sensibilidad a la música rock de los sesenta…” 28  
Aunando todos estos acontecimientos y posterior a la grabación de Bitches
Brew surgieron bandas emblemáticas de este estilo y la mayoría de sus integrantes
habían participado junto a Miles Davis, así lo describe Roberto Barahona :  “… los
 jazzista y rockeros comenzaron a intercambiar ideas y ocasionalmente a unirse. (Miles
Davis, Joe Zawinul, Herbie Hancock , Chick Corea ,Wayne Shorter,)…” 29  declaración
27    . 115 
19
similar es la de Ted Goia : “ …el movimiento de la fusión jazz-rock , el legado de
Davis, se consolidaba ahora como un estilo comercialmente más viable del momento.
Algunos antiguos miembros de las diversas bandas de Davis estaban tomando la
delantera en este terreno, con tres grupos que demostraron ser especialmente
influyentes: Return to Forever de Chick Corea, La Mahavishnu Orchestra de John
McLaughlin y Weather Report , liderado conjuntamente por Wayne Shorter y Joe
Zawinul . Pero esto fue solo parte de la repercusión que tuvieron quienes habían tocado
con Davis en el nuevo estilo(...) el disco de Hancock “ Headhunters” (1973) obtuvo
unas ventas masivas, atrayendo un público joven y de color con piezas orientadas
hacia el funk como “Chameleon” y una versión actualizada de “Watermelon Man”…” 30 . 
Frank Tirro opina en la misma dirección:  (Miles Davis)“…a principios de los setentas
grabó con numerosos solistas prometedores, muchos de los cuales acabaron liderando
sus propias formaciones: John McLaughlin, Chick Corea, Herbie Hancock, Keith
Jarrett, Steve Grossman, Wayne Shorter, Joe Zawinul, Ron Carter, y otros…” 31.
Refiriéndose a lo que hemos estado señalando Joachim Berendt dice :  “A comienzos
de los setentas , fueron principalmente los antiguos músico de Miles Davis los que
llevaron adelante el desarrollo más allá de “Bitches Brew”, Incluyen al saxofonista
soprano y tenor Wayne Shorter; Los intérpretes de música de teclado Joe Zawinul,
Chick Corea y Herbie Hancock; los bateristas Tony Williams y Jack DeJohnette; el
guitarristas John McLaughlin…” 32  
John Mc Laughlin guitarrista británico y músico autodidacta; se vinculó
frecuentemente con músicos de rhytm & blues, como es el caso de Ginger Baker,
Graham Bond- y su Graham Bond Organization (una de las bandas con gran
significado para él), George Flame - y sus Blues Flames, Alexis Corner y otros.
30   . . 491. 
31   . 127. 
32    .   . 686. 
20
Integra también una banda donde toca música free en Alemania con el grupo de
Gunther Hampel durante cerca de medio año. En esa época al margen de su unión con
grupos de jazz clásicos, se relacionó con músicos que por entonces desarrollaban el
germen de lo que pronto se llamó Jazz-Rock.
Su cercanía con Londres le permitía regresar constantemente a esa ciudad y es
así que graba allí Extrapolation con el contrabajista Dave Holland (con quién coincidirá
más tarde en los grupos de Miles Davis) y el baterista Tony Oxley, tema que lo mostró
como un músico de técnica y talento envidiable.
En 1969 viaja Nueva York , meca del jazz estadounidense, entrando
rápidamente en contacto con algunos músicos representativos del “nuevo jazz”. Allí,
recomendado por Holland se une a Tony Williams, ícono de los jóvenes talentos del
 jazz, quien acababa de abandonar la banda de Miles Davis y lideraba un grupo
importante: Lifetime. Paralelamente a esto Miles Davis lo invita a grabar y le solicita
que se una al grupo, sin embargo éste lo rechaza y decide unirse a Williams.
Con Miles la carrera de este guitarrista logró proyección internacional. Con el
grabó en 1968 a Silent Way disco que integraba jóvenes talentos como: Hancock,
Chick Corea, Josef Zawinul, Wayne Shorter, Dave Holland, Tony Williams y Mc
Laughlin, este último colaboró con sus solos en los temas “Peaceful” y “In a Silent
Way”.
A finales de 1969 graba también con Miles el disco Bitches Brew, en el cual el
guitarrista tocó en los temas “Bitches Brew” y “Paraoh´s Dance” introduciendo el sonido
funky del soul en el jazz.
Mc Laughlin siguió colaborando con Miles en otros discos tales como White y
Big Fun en 1969; Live Evil , Directions y Atribute to Jack Johnson en 1970; en 1972
grabó On the Corner, siendo esta su última colaboración con Miles Davis en esta
época.
Posteriormente abandona a Miles y sigue su carrera , grabando para Columbia
lo que sería su primer álbum en solitario: Devotions, en 1970; más tarde graba My
 
21
carga mística y ascética de las canciones usando técnicas mixtas con instrumentos de
cuerdas hindúes y con una guitarra al estilo de las vinas indias.
En 1971 Miles le sugiere que forme su propia banda y es así que nace
entonces la Mahavishnu Orchestra, nombre sugerido por su maestro hindú y que
significa “compasión divina, fuerza y justicia” y que daba cuenta de la religiosidad del
guitarrista. La banda estuvo integrada por el pianista Jan Hammer, el violinista Jerry
Goodman, el bajista Rick Laird, el baterista Billy Cobham y Mc Laughlin, un conjunto de
músicos talentosos que obtuvieron un gran éxito, grandes ventas y fueron un ícono de
los grupos de fusión de los años setenta.
La banda Mahavishnu Orchestra fue un grupo de jazz pionero en la fusión entre
el rock y el jazz. La versión original estaba liderada por John Mc Laughlin en guitarra
acústica y guitarra eléctrica. Se distinguía como dice Frank Tirro por :  “…rendir culto al
volumen en bruto apilando altavoces en escena para después subir todos los controles
al máximo antes de embarcarse en una explosiva y rítmicamente compleja fusión de
 jazz, rock y música india(…)
Los temas del grupo se basaban en el recurso a unos ostinatos muchas veces difíciles
e infrecuente división del tiempo, con la métrica acentuada con un patrón irregular de 7,
11, 14 o 17” 33  
En los primeros discos, las composiciones eran todas de Mc Laughlin y su
música improvisada era de un virtuosismo ecléctico que tenía su base en un sonido
eléctrico. La cercanía de Mc Laughlin con el gurú Sri-Shinmoy, despertó el interés de la
gente quienes le preguntaban acerca de las cosas espirituales y religiosas, esta
situación provocó el resentimiento de los integrantes de la banda quienes finalmente lo
abandonaron.
Disuelta la banda, Mc Laughlin se aboca mas a la parte teórica de la música,
graba pocos discos alejándose del concepto eléctrico que antes tenía su obra. En este
periodo, influído por la filosofía y la meditación, lo lleva a formar en 1975 un grupo
llamado Shakti que significa “inteligencia creativa , poder y belleza”, tocando música
33   . 139140. 
22
acústica con músicos indios. Su unión con la música hindú se produjo a través de Ravi
Shankar de quién recibe clases y en este grupo reunía a Ravi Shankar en el violín y a
los percusionistas Zakir Hussain y T.H. Vinaya Kram. Ese grupo duró hasta 1977.
En 1980 Mc Laughlin estuvo en gira por todo el mundo con Al Di Meola y Paco
de Lucia, ambos guitarristas de renombre internacional; este trío grabó entre otros el
memorable Passion Grace and Fire en 1982. Con ellos presentaba una propuesta
nueva y llamativa que unía al jazz con el flamenco de Paco de Lucía, uno de los
músicos españoles de mayor proyección internacional.
Mc Laughlin es un icono en la historia del jazz porque reúne gran parte de las
herramientas de la música. Con su posición innovadora pasa a ser uno de los pioneros
en incorporar estilos musicales étnicos en el jazz. Sus valores musicales fueron
asumidos por una gran parte de los guitarristas que llegaban a la música: Mahavishnu
Orchestra y su sonido jazz-rock, sus fusiones de jazz-rock y flamenco con Paco de
Lucía y AL Di Meola, su relación con la música hindú y la guitarra clásica y acústica en
su concierto con la Orquesta Filarmónica de Los Angeles.
B.-Weather Report
Joe Zawinul en 1968 inicia una corta pero determinante colaboración con Miles
Davis. En 1969 se produjo otro de los hitos en la carrera de este pianista, recibiendo la
invitación para participar en la grabación de un disco mítico: In a Silent Way , que con el
tiempo se convertiría en inductor del jazz en su faceta eléctrica. Zawunil tocó en las
tres piezas del disco- en el que participaron otros dos pianistas: Chick Corea y Herbie
Hancock- y destacó como compositor del tema más carismático del álbum: “In a Silent
Way ”, un tema de 17 minutos dividido en dos partes, “In a Silent Way”  y “It´s About
That Time”  
También en 1969, Miles Davis produjo otro de los hitos del jazz contemporáneo:
Bitches Brew , que fue el detonante del llamado jazz rock. Fue en principio un disco
doble y la pieza que abría el disco “Pharaoh´s”  era del propio Zawunil, quien participó
 
23
Los dos últimos trabajos del pianista con Miles fueron: Live Evil  y Big Fun . Live
Evil  fue otro disco doble lleno de fusión, muy cerca del rock progresivo, formalizado por
un “working band” como los llamaba Davis a estos supergrupos de tres baterías, dos
contrabajos, tres pianos, etc., donde prevalecerá una base musical funky. El álbum Big
Fun , fue un disco nuevamente con una base fuerte de funk, donde también se
escuchaba a Chick Corea, Wayne Shorter, Dave Holland, Billy Cobham o Airto Moreira.
Luego Zawinul crea la banda más importante de jazz rock y pionera, tras el
Bitches Brew  de Miles, de jazz eléctrico más alejado del swing y la armonía jazzista en
su sentido clásico formada en 1971 llamada Weather Report y liderada también por
Wayne Shorter. Este fue un grupo que se convirtió en uno de los más carismáticos del
 jazz rock y de larga trayectoria que mantuvo su actividad hasta 1984.
Su sensibilidad por los ritmos bailables y los estilos populares, permitieron que
consiguieran el éxito y se transformaran en uno de los grupos más destacados entre
los de fusión.
Zawinul y su estilo orientado más a la composición buscaba imbuir a los
músicos en el todo de ésta y usando teclados eléctricos creo capas de sonidos
orquestales. En la banda se apreciaban momentos tranquilos y ritmos inspirados, que
sustituían a la separación entre solista y acompañamiento en un ambiente electrónico.
En la primera época del grupo éste estaba conformado junto a Zawunil y
Shorter, por Miroslav Vitous en el bajo y Alphonce Mouzon en la batería. Su primer
disco logró un cierto concepto ecléctico del jazz, con un dominio virtuosísimo de la
técnica musical, al margen de su asimilación de parte de la música africana, una
tendencia que mucho después vendría a llamarse “World Music”.
Uno de los discos más originales de Weather Report fue Mysterous Traveller  y
con el que Vitous se despidió de la banda y dejó paso a Alphonso Johnson. Este álbum
les concedió reconocimiento internacional. Su siguiente paso fue Black Market  (1976),
disco con el que se hicieron muy populares en todo el mundo, sobre todo en Europa y
Japón; el sonido del grupo era de un jazz más eléctrico y con base funk- rock, dada la
abundancia de temas de estructura binaria.
 
24
El siguiente paso del grupo de Zawinl y Shorter fue Heavy Weather  (1977), tal
vez el disco más conocido de la banda. Aquí Jaco Pastorius tocó en todos los temas y
Zawinul aportó uno de los temas más conocidos de la historia de la banda y por el que
será siempre recordada: “Birland”, que tiene raíces claramente del bebop y debe su
nombre al Club de Jazz Brodway, piedra angular en la vida musical de Zawinul.
Weather Report (1982) fue el último trabajo de la era Pastorius. En 1983, con
Procession  se inaugura la tercera y última etapa del grupo; Zawinul retomó las riendas
de éste y compuso gran parte del material, pasando a ser el dueño de la marca
“Weather Report”. El último disco de la banda fue This is This , que quedó disuelta en
1984 cuando la abandona uno de sus co-líderes: Wayne Shorter.
Zawinul se inició en el jazz más evolucionado de los primeros sesenta donde
fue un pianista más que eficiente. No obstante, sus pasos más decisivos se enfocaron
rápidamente hacia el uso de instrumentos eléctricos siendo uno de los primeros en
llevar el jazz al piano eléctrico, aunque otros (Bill Evans o Paul Bley), poco antes ya lo
utilizaban. En lo que sí fue Zawinul un claro innovador es en el uso del sintetizador;
éste fue para Zawinul el gran territorio donde experimentar hacia finales de los sesenta.
Lo más importante de su aportación al uso del sintetizador es la humanización a la que
somete a este instrumento electrónico. Su técnica reside en la búsqueda constante de
efectos y matices más que en exponer sus conocimientos musicales.
C.- Chick Corea
Armando Anthony Corea, nació en Chelsea, Massachusetts, el 12 de Junio de
1941. Fue influenciado a temprana edad por estrellas del bebop como Dizzy Gillespie,
Charlie Parker, Brote Powel, Horace Silver y Lester Young. Comenzó a tomar lecciones
de piano a la edad de 8 años con el concertista Salvatore Sullo, quien lo acercó a la
música clásica y desarrolló su interés en la composición musical, ejerciendo una gran
influencia en él.
Alrededor de 1965 llegó a trabajar con prestigiosas figuras del mundo del jazz
como Joe Farrel, Steve Swallow, Joe Chambers o Woody AShaw. Su primer álbum
 
25
También en esta etapa colaboró con el saxofonista Stan Getz, participando en varios
discos, quizás el más importante fue Sweet Rain (1967), junto a otros músicos
legendarios.
En 1968 abandonó el grupo de Getz y se integró a la banda de Sarah Vaughan
y grabó con músicos como Roy Haynes y Miroslav Vitous un trabajo sobresaliente:
Now He Sings, Now He Sobs (1968), destaca este disco como el trío de jazz con piano
más creativo y un clásico de la época.
En este mismo año forma parte de la banda de Miles Davis y su ingreso a ella
se produjo por influencia del baterista Tony Williams quien recomendó la inclusión de
Corea en el grupo. Junto a Miles Davis, Chick Corea introdujo el piano eléctrico como
innovación, lo que posteriormente y a partir de allí fue usual encontrar este instrumento
en las bandas de jazz. Participó en In a Silent Way y en Britches Brew, cima del jazz
contemporáneo y con el cual Miles introdujo un nuevo estilo de jazz, llamado en
primera instancia jazz rock y luego fusión.
Paralelamente Corea siguió trabajando en su producción propia y
además colaborando con Wayne Shorter, que estaba vinculado a la banda de Miles.
Permaneció en la banda de Miles Davis en un periodo importante de ésta (1968-1970).
En 1972 forma su propia banda, Return to Forever, grupo que sería esencial en
la evolución del jazz rock y de la música de fusión en los setenta. Esta música era una
mezcla entre jazz, rock clásico, ritmos brasileños y latinos. Formaron parte de este
grupo dos brasileños: Airto Moreira en batería y la cantante Flora Purim. Integraban
además el grupo el flautista y saxofonista Joe Farrell y Stanley Clarke. El disco Return
to Forever incluía el tema “La Fiesta”, que se convirtió rápidamente en un himno y un
estándar en el repertorio del jazz.. Otros temas destacados y que han pasado a la
historia son “You’re Everything” y “Spain” del álbum Light as a Feather.
Posterior a una gira por Japón, la cual tuvo gran éxito, creó un nuevo
Return to Forever donde se mantuvo Stanley Clarke, que ya usaba solamente el bajo
eléctrico, más la guitarra de Bill Connors, la batería de Lenny White y la percusión de
 
26
claramente a la fusión. Uno de los discos en que sobresalía un gran éxito de Corea:
“Captain Señor Mouse” fue Hymn of the Seventh Galaxy (1973); sin embargo y a pesar
de ser músicos sobresalientes, no lograron el nivel del antiguo Return to Forever.
En 1974 se integran al grupo dos guitarristas: Earl Klugh y Al Di Meola ,
acentuando aún más el matiz español de Chick Corea; ese año ganó un premio
Grammy el disco No Mistery (1975). Más adelante Corea inició grabaciones en
solitario acompañándose de grandes músicos como Joe Farrel, Eddie Gómez o Steve
Gad, donde destacó el trabajo The Leprechaun o My Spanish Heart en 1976, éste con
claro acento español.
En 1985, Corea reinventó otra mítica formación eléctrica, que se llamó Elektric
Band y estuvo integrada por Dave Welck en batería y John Patitucci en contrabajo y
bajo eléctrico; este trío salió de gira por Estados Unidos, Japón y Europa y en 1987
agregó a los ya estables, a dos músicos más: Erik Marienthal en saxo, Scott
Henderson primero y luego Frank Gambale en guitarra; aquí Corea intercambiaba
piano acústico con sintetizadores.
IV.-La entrada en escena.
4.1.-Primera aparición e influencias.
Es en 1988 cuando aparece por primera vez Greg Howe grabando su primer
disco homónimo a través del sello de Mike Varney, Shapel Records. Este álbum
muestra las primeras influencias que ha ido adquiriendo desde sus inicios en la
guitarra, de músicos como Ynwie Malsteen , Tony Macalpine , Steve Lukather, Eddie
Van Halen, entre otros, mostrando en la mayoría de las composiciones una estructura
relacionada con la del ámbito del rock y el pop como es la forma canción (obviamente
de manera instrumental en donde Greg Howe es la línea melódica principal),
construyéndose de la siguiente forma: estrofa-coro-estrofa-coro-solo- coro. Estos
temas tienen un “Groove” marcadamente rockero (las acentuaciones de la batería son
en la caja en el tiempo dos y cuatro) haciendo eco en un público mayoritariamente
ligado a este estilo. Respecto de este “Groove” podemos observar que hay similitudes
con el grupo Van Halen , muchas veces se tiende a tocar “hacia atrás” generando una
sensación de martilleo como si se estuviera tratando de derribar una muralla y en
ocasiones, también, se tiende a utilizar una especie de corchea swing en donde el bajo
si pudiésemos denominarlo de alguna forma, ocupa una especie de tresillo de corchea
en donde sus dos primeras corcheas van ligadas. Algunos ejemplos de esto lo
podemos encontrar en el disco de Van Halen Woman and Children First   de 1980, en
temas como Fools ó en Take Your Whiskey Home, cosa que también realizará Greg
Howe en temas como The Pepper Shake  ó Super Unleaded, éste último ocupando una
galopa en el bajo, lo que hace que se acentúe aún más esta sensación y “Groove”
rockero.
Eddie Van Halen es una de sus influencias más significativas, tal como lo
 
28
no me tomaba muy en serio lo de tocar guitarra…. no fue hasta los 18 años que
escuché a Van Halen y decidí a aplicarme” 34 .
Eddie Van Halen nace en la década del 50 en Amsterdam y su carrera está
ligada principalmente al grupo Van Halen que organizó con su hermano. Su interés por
la música nace gracias a su padre, un músico de jazz que lo incentivó desde temprana
edad a ser concertista en piano; pero cuando creció, Eddie fue cautivado por el rock lo
que hizo que le llamaran la atención otros instrumentos, en un principio la batería y
posteriormente la guitarra. Una vez armada la Banda Van Halen tocan en diversos
pubs durante algún tiempo, pero no es hasta que graban su primer disco homónimo
bajo el sello Warne , donde tienen un reconocimiento.
4.1.1.-Bends
Existen semejanzas en la manera de tocar de Eddie Van Halen y Greg Howe
ya que observando diferentes conciertos y mediante la transcripción pude apreciar un
aspecto técnico de consideración que es que ambos utilizan la mayor parte del tiempo
sólo los dedos índice medio y anular, prescindiendo de su dedo meñique de la mano
izquierda la mayor parte de las veces. Esto se debe a que siempre tocan con el dedo
anular las notas más agudas de cada cuerda para dejar la posibilidad de realizar un
bend. Bend es la técnica que consiste en tocar una nota y luego estirar la cuerda
hacia arriba para llegar a una nota más aguda; por lo general esta técnica suele
ocuparse sobre la escala pentatónica menor blues, para lograr hacer un unísono entre
la tercera cuerda de la guitarra y la segunda o la segunda cuerda con la primera,
siendo esta técnica principalmente usada en los estilos como el blues y rock.
. Algunos ejemplos de esto es el solo del tema In a Simple Rhyme  (3:17) del
disco Woman and Children First  de Van Halen en donde ocupa el dedo anular para
realizar los bends precisamente sobre la escala pentatónica menor blues, logrando los
unísonos entre la tercera y segunda cuerda de la guitarra.
34   07 . 2008 . 26.
29
El tema Bussines Conduct  de Greg Howe ( 2:39) del disco Uncertain Terms  de
1994 es otro ejemplo de lo mismo, es decir bends sobre la escala pentatónica menor
blues, esta vez sobre la segunda y la primera cuerda de la guitarra , añadiéndole el
efecto wah wah.
En el tema Feel Your Love Tonight   (2:37) de Van Halen de su disco homónimo
de 1978 hay también bends sobre la escala pentatónica menor blues haciendo
unísonos tanto sobre la tercera y segunda, como en la primera y segunda cuerda.
En la versión del tema Giant Step (1:06) de Greg Howe también tiene la
utilización de bends sobre la escala pentatónica menor blues
 
30
Otro músico que utiliza esta manera de tocar la guitarra, es decir, que prescinde
de su dedo meñique de la mano izquierda y que ocupa de manera frecuente la escala
pentatónica menor blues es Jimi Hendrix. Este nace en la década del 40 en Seatlle,
Estados Unidos y comienza a tocar la guitarra a los 14 años siendo influenciado por
músicos de blues de Chicago como Buddy Waters, Albert King y del delta blues
como Robert Johnson y Leadbelly. Sus primeras presentaciones las hizo en 1962
 junto al grupo King Casual y el desarrollo de su lenguaje lo realizó principalmente en
una gira llamada “Chitlin Circuit” en donde era guitarrista no solo de los King Casual,
sino que también de otros músicos. No es hasta 1966 en el viejo continente que
Hendrix se da a conoce ; es llevado hasta allá para grabar una versión del tema “Hey
Joe” , donde nace la Jimi Hendrix Experience junto a Noel Redding en bajo y Mitch
Michel en batería. Luego de su primer disco “Are You Experience?” viajan a Estados
Unidos y actúan en el Monterrey International Pop Festival, dándose a conocer en su
tierra de origen. Es en este disco en donde encontramos algunas de las similitudes
antes mencionadas que hay con Greg Howe, en los solos de temas como Foxy Lady
(1:55)
 
(Las plicas del segundo compás se escribieron hacia arriba por efectos de la
ilustración)
Highway Chile (1:45)
los cuales contienen este mismo uso de las técnica de bends con el dedo anular de la
mano izquierda, sobre la escala pentatónica menor blues .
4.1.2.- El Riff
Otra de las similitudes que se halla en la música de Greg Howe y de Hendrix
es el uso de Riffs. El Riff es un motivo o frase musical pequeña que se repite
constantemente en la obra o en parte de ella.
El tema de Geg Howe Howe Bout It del disco Parallax de 1995 , contiene un
riff que está dado en el comienzo de este sobre un acorde de C# 7 debido a la melodía
que hace la guitarra distorsionada con wah wah provocando una especie de pregunta
la cual es respondida por la misma guitarra
 
32
Podemos ver como la figura rítmica es la misma y la va desplazando, durante
los compases 5 y 9 la respuesta al riff es diferente en los últimos tiempos, mientras
que en el compás 3 y 7 la respuesta al riff es idéntica en ambos casos.
En este mismo tema podemos ver reflejado el mismo concepto pero en el bajo
que también lleva una línea melódica pequeña que repite durante toda la primera parte
del tema.
Jimi Hendrix en su tema Maniac Depresion ocupa durante toda la primera
 
33
Otro ejemplo de la utilización constante de riffs en ambos músicos, es en la
versión del tema Giant Steps de Greg Howe , en donde en el principio del tema este
realiza una cita al tema de Jimi Hendrix, Foxy Lady utilizando un riff muy parecido para
cambiarle la intencionalidad al stándar de jazz.
Foxy Lady Jimmi Hendrix:
Version Giant Steps Greg Howe
Como podemos observar las diferencias son rítmicas ya que están al doble del
tiempo que el tema de Hendrix y el acorde está un tono más abajo, pero la especie del
acorde es la misma y suena muy parecida la frase la una con la otra.
 
34
toda la primera parte de la canción es en el tema de Jimi Hendrix, Fire en donde la
guitarra y el bajo hacen la misma línea melódica.
Greg Howe en su tema Kick it All Over emplea durante toda la primera sección
 
El concepto de riff no solo es aplicado por músicos del rock , ya que también en
el auge de la década de la fusión hubo un redescubrimiento del empleo de éste , ya
que si bien en el jazz este concepto fue aplicado cuarenta años antes, en la época del
Swing , tenemos ejemplos claros de la reutilización y renovación de este recurso ,
partiendo por uno de los músicos más influyentes de este estilo como lo fue Miles
Davis que en su disco Bitches Brew también recurre a este concepto en el tema
Pharaoh’s Dance
Este riff lo lleva el bajo durante por lo menos ocho a diez minutos pasando a
convertirse más bien en un ostinato que junto con la batería mantienen el groove del
tema mientras Miles y compañía van realizando improvisaciones libres
 
35
Nuevamente pero ahora en el tema Bitches Brew, Miles vuelve utilizar un riff en
el bajo en donde luego lo acompaña la batería y los demás músicos se dedican a a
improvisar.
Otros músicos influyentes de la fusión que también utilizan este recurso como lo
es el caso del pianista Herbie Hancook quien en su álbum Headhunters de 1973 en el
clásico tema Camaleon comienza con un riff el de sintetizador que luego lo seguirá el
bajo
Greg Howe vuelve a ocupar un riff en el bajo esta vez mediante una bajada
cromática en el tema Tree Toed Sloth de su disco Five de 1996.
También encontramos en la Mahavishnu Orchestra el uso del mismo recurso
en su primer disco Inner Mountain Flame en el tema Meeting Of the Spirits., en donde
el bajo junto al violín hacen el riff durante toda la primera parte del tema mientras John
 
36
Del mismo disco podemos encontrar el tema You Know You Know en donde el
bajo y el violín vuelven en unísono a utilizar esta frase pequeña durante gran parte.
El disco Five de 1996 de Greg Howe contiene el tema Acute que parte con un
riff en donde la guitarra y el bajo nuevamente lo realizan al unísono.
Nuevamente encontramos riffs en el segundo disco de la Mahavishnu
Orchestra, Birds of Fire de 1972 en el tema del mismo nombre (1:52)
Esta vez en un compás de 9/8 el bajo realiza el riff mientras la guitarra va
soleando.
Open Country Joy del mismo CD es otra muestra de un bajo constante en si
menor (1:13).
37
Greg Howe en el tema Bird´s Eye View de su disco Extraction utiliza este
recurso pero ahora es el piano quien lleva la frase.
Otra banda emblemática de la fusión utiliza un riff en el bajo, en su disco
Bundles de 1975, Soft Machine recurre a la siguiente frase.
Luego de haber revisado diversos ejemplos he llegado a la conclusión de que
el riff es transversal a las diferentes corrientes estilísticas y se utilizó como punto de
partida de la fusión en el disco de Bitches Brew de Miles Davis, siendo esto ocupado
de una manera no antojadiza, ya que como se nombró en la génesis de la fusión en el
capítulo III, músicos de jazz comenzaron a mirar hacia el rock, y músicos de rock
comenzaron a mirar hacia el jazz retroalimentándose mutuamente.
4.3.3.- Modos y escalas
Este empleo del concepto de riff concuerda también con el acercamiento hacia
otras músicas como lo fue el funk, concordando entonces el uso de este mismo
elemento de riff ya que como se puede apreciar estos suelen marcar un solo acorde
durante todo el tema o secciones de muchos compases que se encuentran en una sola
tonalidad o modalidad otorgándole al músico de jazz una gran variedad de
posibilidades armónicas por las cuales desenvolverse, en este sentido podemos
 
38
Esta frase realizada por Zawinul es una frase de la escala aumentada y con
algunos cromatismos en el último tiempo del primer compás, antes de llegar a esta
frase , el solo se desenvuelve más bien en una modalidad doria y menor.
En el disco Misterious Traveler de 1974 en el tema Cucumber Slumber ocurre
algo similar (1:56).
El bajo lleva un ostinato en C# sintiéndose el modo mixolidio, donde la frase pasa por
las tensiones de #9, 9,b13 y luego desciende nuevamente con la escala aumentada.
Scott Henderson, líder de Tribal hace lo mismo en el tema Root Food (0:36) del
 
39
Greg Howe también utiliza de esta manera la armonía en su tema Sit (2:57) en
el disco Five de 1996 cuando el bajo lleva una nota pedal sobre un A y otra guitarra
acompaña con wah wah.
Como observamos utiliza diferentes tensiones de los acordes en la melodía
mientras el bajo marca una armonía de A, recurriendo a la escala dominante
disminuida.
Chick Cora en su disco Romantic Warrior de 197 , en el tema Sorceress (4:15)
 
Podemos ver como en el segundo compás va cambiando el carácter del solo y
finalmente del acorde que suena en ese momento, ya que en ese caso pasaría a hacer
en los dos primeros tiempos un C+7/Bb y luego en el tercer y cuarto tiempo seria un C
lidio-dominante.
 
40
En este ejemplo podemos apreciar como en el primer compás emplea la escala
dominante disminuida sobre la base en C, y luego recurre a diversos cromatismos.
Greg Howe también utiliza esta escala en la versión del tema Giant Steps
 
Otro grupo que también ocupa este lenguaje es The Brecker Brothers, en su
disco homónimo de 1975 en el tema Some Skunk Funk (3:15) aparece el siguiente
motivo
41
Vemos como en el primer compás utiliza el modo eolio, luego en el segundo
compás superpone un arpegio de si mayor transformando el acorde y haciendo que
estas notas suenen como las tensiones del acorde y en el compás final utiliza la escala
aumentada.
El Saxofonista Bennie Maupin en el tema Sly (3:50 , del disco de Herbie
Hancok Hedhunters de 1973 también utiliza la siguiente frase mientras el bajo lleva un
ostinato y Hancok acompaña con un timbre de clavinet.
Greg Howe en el tema Tease (1:58) del disco Extraction recurre nuevamente
sobre un Groove en E a la escala dominante disminuida como se observa a
continuación
42
Allan Holdsworth también en su improvisación realiza la siguiente frase sobre
un acompañamiento del bajo en una nota pedal de C en el tema Hazard Part 1 del
disco Bundles de 1975 del grupo Soft Machine
Frank Gambale realiza lo siguiente en el clásico tema So What (7:36) del disco
Centrifugal Funk de 1991
Como hemos podido apreciar el desenvolvimiento y las influencias en relación a
los solos están no solo en el rock sino que también va de la mano de la tradición de el
lenguaje del jazz moderno , desde Charlie Parker y las superposiciones de acordes
hasta el jazz modal de Miles Davis, quien en los sesenta exploró nuevos caminos en la
manera de improvisar y como bien lo dice bajo sus propias palabras explicando
algunas ideas modales de aquel entonces y que reafirman lo de los ejemplos: “. No
tiene que estar todo amontonado(…) los acordes, después de todo, se relacionan con
escalas y ciertos acordes producen ciertas escalas(…). Cuando trabajas así, puedes
seguir hasta el infinito. No tienes que preocuparte de las progresiones (de acordes) y
puedes sacar más partido de la figura melódica (…). Habrá menos acordes pero
infinitas posibilidades respecto de lo que se puede hacer con ellos” 35  “(…) Si se va por
ese camino se puede avanzar para siempre” 36 . Luego en la década del setenta
35       . 156.
43
afirmaría lo siguiente con respecto a las ideas mencionadas anteriormente : “Con un do
en el bajo se puede tocar cualquier cosa(…) y se puede seguir durante horas” 37 
4.1.4.- El Blues
Siguiendo con esta misma reflexión desde el punto de vista melódico-armónico
cabe destacar que otras de las influencias que se aprecia en la música de Greg Howe
es el lenguaje del Blues. Cuando comencé con las transcripciones en un primer
momento, al tratar de dilucidar los acordes de los temas tenía ciertas dudas con
respecto a si las tonalidades eran mayores o menores ya que a simple viste no se
lograba identificar con claridad, después de una escucha más exhaustiva fui
percatándome de que, al igual que en el caso de la utilización de los modos, estos
sonaban ambiguos y no quedando muy claro de qué acorde se trataba. Un ejemplo se
da en el tema de Businness Conduct del disco Parallax de 1994, la melodía principal va
intercalando terceras mayores y menores como lo muestra la frase
El motivo principal constantemente intercambia la tercera de los acordes
haciendo que el acorde suene inestable, agrega además otras tensiones propias de la
escala disminuida dominante.
44
Músicos provenientes del blues como el guitarrista Stevie Ray Vaughan son
principales exponentes de esta similitud del uso de terceras mayores y menores sobre
los acordes; en el disco In Step de 1989, en el tema The House is Rocking (1:15)
también se da un uso de estas:
Otro ejemplo de lo mismo pero ahora en el disco Texas Flood de 1983 en el
tema Love Stuck Baby (1:25) utiliza la siguiente frase
Greg Howe en su tema Tease (2:03) utiliza una frase muy similar salvo que es
en la tonalidad de E7 como lo muestra el ejemplo
En la galopa se muestra como ambos pasan de la tercera menor a la tercera
mayor provocando esta sensación característica del blues; luego en el ejemplo de Greg
Howe , éste realiza una línea melódica que vuelve a alternar entre estos dos intervalos
creando un lick marcadamente blusero.
 
45
Otro músicos que sirven de ejemplo y que quizás no siendo una influencia
directa para Greg Howe , pero que si nos sirve a modo de análisis en este sentido es
uno de los padres de la guitarra de blues, B.B. King, ya que en él podemos ver todo el
peso de la tradición y como se reafirma lo mencionado hasta entonces sobre el uso de
estos intervalos. Un ejemplo es el tema You Upset me Baby Blues (0:25) del disco
Singin´the Blues de 1957.
Otro ejemplo del mismo disco pero ahora en la canción Bad Luck (1:21)
Greg Howe en su primer disco homónimo de 1988 en el tema Kick it All Over
(2:31) recurre a este mismo uso en la siguiente frase:
Led Zeppelin grupo emblemático de Rock de los años setenta también en sus
temas recurre a esta tradición blusera. Jimmy Page su guitarrista en el comienzo de la
canción Rock And Roll, del disco Led Zepellin IV de 1971 realiza el siguiente riff donde
queda evidenciado lo anteriormente expuesto
 
46
Acá vemos claramente como en cada uno de los acordes con séptima utiliza
ambas terceras respectivamente además de utilizar la forma blues de 12 compases.
En el tema Comunication Breakdown(1:27) del disco Led Zeppelin I de 1969 en
el comienzo del solo encontramos una frase sobre la escala pentatónica de mi menor
blues usando ambas terceras.
47
Miles Davis en su disco Bitches Brew también ocupa esta dualidad en el solo
del tema Miles Runs The voodoo Down (1:27) sobre un ostinato del bajo en F7.
Con los diversos ejemplos hemos dado cuenta de cómo la música de Greg
Howe tiene rasgos propios del blues y como a través de diversos exponentes de este
estilo y de otros, como en el caso del rock, fue adquiriendo este lenguaje ya sea de
manera directa o indirecta. En palabras de Ian Car que hablan sobre algo parecido en
la música de Miles Davis y que se relacionan con esto :“…Miles toca algunas frases en
los registros medios que vuelven a alternar 3as mayores y menores, lo que pone en
escena toda la tradición del blues.” , obviamente habría que sustituir el nombre de Miles
por el de Greg Howe38.
4.2.5.-Improvisación colectiva
.En la música de Greg Howe también se observa además el recurso de la
improvisación colectiva. Este elemento está presente durante toda la discografía, es
así como lo encontramos en el tema de Run With It  (1:27) del disco Uncertain Terms
de 1994 en el solo de piano y posteriormente en el de guitarra podemos ver como
todos los intérpretes improvisan a la vez, ya que en ambos casos existe una libertad
rítmica por parte de todos los instrumentos, es decir, el bajo va sufriendo cambios
melódicos y rítmicos, la batería va transformando los patrones en todos los compases,
agregando adornos y la guitarra también varía rítmicamente cuando va en su rol de
acompañante superponiéndose así todos los instrumentos en donde cada uno tiene
una noción del tempo pero todos aportan a él beat general.
38       . 266.
48
Esto mismo se da en el tema de Tunnel Vision (2:28) del disco Nomad  de 1989
del grupo Tribal Tech donde el guitarrista Scott Henderson en su solo lleva a los
demás músicos a este estado en el que todos los demás interpretes , el bajo con un
timbre Pastorious , la batería y el teclado improvisan a la vez.
Otro ejemplo ocurre en el tema Business Conduct   del mismo disco Uncertain
Terms  de Greg Howe, pero esta vez ya no sucede en el momento del solo , sino que
esto transcurre desde el comienzo del tema y existe una improvisación de cada uno de
los instrumentos acompañantes mientras Greg Howe lleva la línea melódica principal.
Nuevamente Scott Henderson en el disco Nomad  lleva a los músicos en la
misma dirección en el tema Bofat  (3:10) mientras él se encuentra soleando, se produce
la misma sensación en donde todos improvisan a la vez.
Cabe destacar que en el disco de Uncertain Terms  de Greg Howe, del cual
hemos estado sacando todos los últimos ejemplos, fue un disco en donde todos los
instrumentos fueron grabados por él , la batería , bajo, teclados e incluso también
realizó la mezcla del mismo , por lo que podemos ver globalmente de que manera
piensa y siente la música. Debido a esto pienso que lo mencionado anteriormente se
condice con lo escuchado y lo concluido en lo relacionado a las influencias más
cercanas al mundo de la fusión, el jazz y sus elementos. Un nuevo ejemplo se hace
latente en este disco en el tema Stringed Sanity 3:31 en donde todos los instrumentos
van improvisando pero con una clara sensación y conciencia del tiempo uno.
Otro músico que utiliza este mismo recurso es el guitarrista Allan Holdsworth,
cuya influencia es innegable en Greg Howe ya que existe una gran similitud además
en la utilización de la técnica de ligados. Podemos ver en el disco Sand  de 1987 en el
tema Pud Wud  (3:57) como los instrumentos comienzan a variar rítmicamente mientras
Holdsworth continua soleando.
Del mismo Allan Holdsworth es Peril Premonitio