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United Rock League Magazine Agosto 2012TRANSCRIPT
MAGAZINE AGOSTO 2012
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Francisco Pérez Mejía “Frasko”Editor en Jefe [email protected]
Twitter: @Fraskote
Erick CastroCoordinador [email protected]
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Publicación de EventosPimienthas
DiseñoSergio Hernández Juárez
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United Rock League es una publicación digital mensual con domicilio en Gabriel Mancera 247 Int. 501, Del Benito Juárez. Prohíbido la reproducción total o parcial por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso de los editores. El contenido y Colaboraciones son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores.
United Rock League Magazine 17Agoato 2012 Ejemplar Gratuito
CONTENIDOSENCOREEternal Sunshine of the Spotless MindFaro de Oriente 12 añosLenguas de OroInvasión SureñaFlorence + The Machine
FEATURESBabasónicosTechnicolor Fabrics
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Durante estos últimos meses, URL Magazine ha sufrido cambios im-portantes con el fin de darte una mejor experiencia al momento de “hojear” la revista o visitar nuestra página web. El mes de Agosto está marcado por el rediseño de la pá-gina, ya que cumplimos 2 años en línea.
Con estos cambios, también cerra-mos ciclos e iniciamos otros que prometen mucho. Por eso, en esta edición de URL Magazine, tuvimos la oportunidad de entrevistar a los Babasónicos, banda quien a par-tir de su disco “Jessico”, sufrió un cambio importante en la forma de hacer música, siendo el menciona-do material un parte aguas impor-tante en la carrera de un los gru-pos argentinos más importantes de la última década.
Además, en este número también podrás encontrar una plática que tuvimos con Techinicolor Fabrics, banda que será parte del Corona Capital y quienes con su nuevo disco, regresaron al uso de su idio-ma natal. Dicha variación ayudó a consolidar uno de los proyectos más interesantes en la escena in-dependiente de nuestro país.
Muchas gracias por ser parte del camino recorrido y siempre mante-nerse al tanto de nuestra evolución como medio de comunicación. Los cambios de agosto, son un paso adelante en nuestra consolidación.
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Debo comenzar aclarando que no soy un fan de The Smashing Pumpkins. Por supuesto conozco sus éxitos: “1979”, “Bullet With Butterflies Wings”, “Tonite, Tonite”, “Ava Adore” y uno que otro soundtrack, pero hasta ahí. No son una banda a la que siga con particular devoción y hasta ahora nunca había podido escuchar completo uno solo de sus álbumes; traté algunas veces, pero confieso que inevitablemente llegaba a un punto en que su música me resultaba difícil.
Sin embargo reconozco la jerarquía -o fama- de Billy Corgan y por eso decidí dedicarle unos minutos a Oceania, su nueva producción. Eso y el hecho de saber que algunos amigos nunca me perdonarían escribir una reseña sin darle el tiempo que merece.
Hasta donde sé, esta pieza es parte de un experimento o proyecto conceptual que pretende desafiar el formato tradicional de producción de un álbum y compila(rá) poco más de 40 canciones, la mayoría compuestas y lanzadas en forma “individual”.
Dicho lo anterior...
Oceania hace su entrada con “Quasar” y lo primero que viene a la mente es que se trata de un disco energético: guitarras, guitarras y más guitarras, mientras Corgan nos dice “Ride on”. El tema suena muy bien y por algunos minutos pareciera que, en efecto, este álbum será un viaje en montaña rusa.
“Panopticon” viene a ser la segunda parte del track abridor, pues logra conservar un poco de ese estilo rockero aunque en un tono más ligero.
El siguiente tema, “The Celestials”, es radicalmente más relajado -al menos al principio- y hasta este punto puedo asegurar que, aunque el álbum deja un sutil sabor a glorias pasadas, sí se siente con vida propia.
De hecho los dos siguientes, “Violent Rays” y “My Love Is Winter” , también me resultaron bastante promisorios. Quizá se deba al tono optimista -sí, leíste bien- que los Pumpkins reflejan en esta nueva etapa.
Desafortunadamente, poco antes de llegar a la mitad del Oceania la cosa comienza a ponerse rara. En “One Diamond, One Heart” los Smashing comien-zan a probar un estilo electro-pop-minimalista que no recuerdo haberles escuchado nunca y el cual, aunque no suena del todo desagradable, parece presagiar la llegada de más rolas “experimentales”, como es el caso de la balada “Pinwheels”.
El tema homónimo y “Pale Horse” son más relajados, otro par de baladas que seguro serán objeto de discusión. Habrá quien las considere una genialidad y otros para los que sólo sean rolas intrascendentes o “de relleno”; no desagradan pero tampoco regresan el álbum a sus mejores momentos... hasta que llegan “The Chimera” e “Inkless”, con acordes más familiares y explosivos.
Pero acto seguido, los Smashing deciden colocar “Glissandra” y el mood vuelve a decaer. A “Inkless” le toca la tarea de subirlo y aunque no lo consigue por completo, rescata un poco de la magia.
Finalmente “Wildflower”, que podría o no aparecer en el disco y no habría diferencia, despide una hora de música que va y viene; a veces eufórica, otras reflexiva pero carente de esa genialidad que tanto he escuchado alabarle a Corgan, situación que parece venir afectando a la banda desde hace algunas producciones.
Si bien los Pumpkins no ofrecen nada nuevo en Oceania, este es un disco más ligero y accesible que calquiera de sus materiales previos e incluso puede que hasta sea un álbum “reconfortante”. En lo personal me agradó y puedo agradecer que, aunque fue difícil por momentos, al fin he logrado escuchar un álbum de los Smashing en su totalidad.
Y aunque creo que la opinión de los fans estará dividida, veo a Oceania como uno de esos discos cuyos temas ameritan ser escuchados en orden y después al azar; la percepción llega a mejorar... con un poco de tiempo.
OCEANIATHE SMASHING PUMPKINS
Por: Ramón Sandoval AKA II @lord_cebada.
BLOOMBEACH HOUSE
Por:Joel Hernández II @hero9105
Sin duda es un gran reto el que el dueto se impuso sin haberlo planeado.
Bloom es la última entrega del dúo integrado por Victoria Legrand y Alex Scally, conoci-dos en el mundo de la música como Beach House, y es el disco con el cual pretenden superar todo lo logrado con su exitoso Teen Dream del 2010.
Beach House es una banda que combina diferentes estilos, aunque están clasifica-dos como dream pop, y es que su música te puede poner a soñar y levitar desde el primer instante en que los escuchas, trans-portándote a una atmósfera llena de tranqui-lidad y psicodelia.
Bloom no presenta graduales cambios con respecto a su ya mencionado antecesor, de hecho, esta nueva producción sigue por esa misma línea, dejando en claro la comodidad que el par de músi-cos sienten al trabajar de esta for-ma. De hecho, a pesar de que las diez canciones que conforman el disco persiguen una esencia casi totalmente lineal, el ritmo nunca se cae y el viaje siempre es con-stante.
El sonido de Bloom te envuelve en una densa y transparente capa de sensibilidad, la cual parece es-timular la imaginación al mismo tiempo en el que las melodías van recorriendo el mismo camino de tu andar. La voz femenina da un toque de dulzura y hasta ele-gancia, mientras que los sonidos generados, tanto del bajo como de las guitarras, teclados y bat-erías pareciera que se unieran en armonía por sí mismas.
Quizás el álbum hubiera sido más interesante si éste tuviera por lo menos un fuerte cambio de ritmo, y es que no hay una canción so-bre otra, a mi parecer. Pero, en general, Bloom es una buena e interesante entrega, más aún para aquellas personas que gustan de los ritmos acuosos y muy melód-icos, además de la calma que puede llegar a generar.
RADLANDSMYSTERY JETS
La banda británica Mystery Jets , después de dos años de descanso llegan con su último disco Radlands, un disco más maduro en com-paración a su última producción “Serotonin”, quienes decide realizar su grabación en Texas, muchos críticos los juzgaron ya que por grabar en este país americano podrían adquirir un poco de su influencia musical, no fue una predicción muy alejada al resultado, sin embargo a mi pare-cer no se pierde en ningún momento el toque británico, ya que en su país, han llegado a ser comparados con la música de Paul Mc Cartney en sus inicios
El nombre de “Radlands” no es un título del cual les haya tomado mu-cho trabajo en nombrar, es más bien un título significativo, en cuanto a su crecimiento personal como grupo, un significado de cambio, ya que es el nombre del estudio donde grabaron dicho disco, que los ha hecho cam-biar en muchos de los acordes a sus anteriores producciones
En cada uno de los 11 track se puede escuchar mucho folk, con toques de country sin olvidar la receta básica del indie, en la mayor parte de las canciones se deja observar como pieza clave la guitarra acústica, dando una percepción de un disco más melancólico, sin embargo al escuchar las letras de sus canciones pierdes esta mala percepción ya que incluye tonos y contenidos sarcásti-co e irónicos
El primer sencillo de este álbum “someone purer” se grabó el vide-oclip, un trabajo sin mucha historia donde aparecen todos los miembros del grupo un poco desaliñados, con sus respectivos instrumentos inter-pretando dicha canción, en medio de un escenario desértico, sin mucha historia.
El hecho que Mistery Jets hayan decidido salir de su terreno natal, muestra una ambición por parte del grupo. No me atrevería a decir que su mejor disco, ya que aunque si tienen el reconocimiento por haber adquiri-do una madurez, pueden sorprender con un mejor logro, convirtiéndose en un trabajo: interesante.
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WHAT WE SAW FROM THE CHEAP SEATSREGINA SPEKTOR
Por: Pam Ascencio II @heywera
Con un peculiar sonido del piano y perfecta ejecución vocal, la rusa Regina Spektor nos demuestra en esta nueva pro-ducción, porqué 11 años de carrera, la mantienen dentro de las mejores cantautoras.
Melodías llenas de melancolía y sentimentalismo, sutiles toques pop pegajosos, romanticismo y una que otra historia convertida en poesía, es lo que en What We Saw From The Cheap Seats podemos escuchar. Siendo un material de 11 grandes temas, después de tres años de ausencia de la rusa, y siendo el sexto álbum en su trayectoria artística. En la producción podemos encontrar nuevos elementos como sintetizadores, percusiones y otras técnicas vocales, ya no es sólo el clásico piano al cual nos tiene acostumbrados.
“Small Town Moon”, nos da la bienvenida con una hermosa interpretación y ejecución vocal, pegajosa melodía que te sacude la polilla, leal al sonido del piano, Regina ha creado en este primer tema, una fórmula que inyecta energía. “Oh Marcello” nos engancha con sus arreglos vocales mientras que “Don´t Leave Me (Ne Me Quitte Pas)”, es una explosión de pop bien ejecutado, pegajoso. “Firewood” y “How” son el combo perfecto de las calmaditas pero bonitas, donde la voz de Regina, le roba el protagonismo al piano sin dejarlo de lado, hacen la pareja perfecta. Sin duda, los temas ganadores.
“Patron Saint” hermosa melodía con altos registros de voz y salpicones girly, mientras que “Ballad Of A Politician” y “Open” se convierten en los temas rudos, de sonido dramático, como una obra de teatro donde los tenores dejan el corazón en el escenario y la potencia de sus voces se encapsula en la sala de audiencia. “All The Rowboats”, el primer sencillo desprendido de este material, la mejor carta de presentación por las sorpresas sonoras que podemos captar. Como temas finales, “The Party” y “Jessica”, cierran con broche de oro. Una muy jovial, llena de líricas melosas, mientras la otra, llena de susurros, íntima.
Un disco que viene a consolidar a Regina, como la intérprete genuina que conocemos de gran trayectoria, talento que cautiva con su dosis de emotividad, un disco con la esencia Spektor.
ENDLESS FLOWERS CROCODILES
Por: Samuel Nava Martínez
El disco más pop de la banda californiana. Endless flowers es un viaje melodioso y armónico, el cual sigue siempre una misma línea, una línea que hace recordar a la icónica banda de Morrisey y a través de la cual los Crocodiles logran encajar a la perfección los saturados sintetizadores y guitarras suaves con la voz de Brandon Welchez.
El viaje inicia con la canción que da titulo al disco. Una canción que suena a un pop agradable y digerible, lo cual es la constante en el disco. Otra destacada al inicio es No black clouds for Dee Dee. La línea es siempre la misma.
Sin embargo, la atmosfera melodiosa preponderante en el disco se ve interrumpida justo a la mitad del viaje. Inesperadamente, en Hung up on a flower (track numero cinco) se nos lleva al momento psicodélico y de mayor noise dentro del álbum. Después de cuatro minutos del mismo sonido, la canción se sumerge en un oasis de psicodelia y obscuridad.
Es el momento más sobresaliente de un disco cuyo objetivo, seguramente, fue el de explorar y explotar al máximo todo ese sonido pop que la banda puede tener. Y lo consiguieron.
Pero ese oasis de psicodelia en medio del disco termina con el siguiente track, My surfing Lucifer (la línea pop melódica del disco continua aquí). Las tres canciones siguientes retoman la línea del álbum y es has-ta la última pista, You are forgiven, cuando encontramos un instante, al final del tema, en el que de nuevo se coquetea con el noise y la distorsión, aunque no logra caer de lleno en ella.
king bono vs flight simulatorsthe plastic revolution
Por: El Jimmy Lurias
King Bono vs. Los Flight Simulators es el segundo disco de la banda capitalina The Plastics Revolution. Previamente esta producción tuvo una presentación el 29 de marzo en el Pasagüero y fue editado en versión física y digital por los sellos independientes Dos Pelícanos e IndieAlliance Records.
Como bien se ha dicho el conjunto capitalino nos presentan su segundo material, una producción más experimental, menos cursilerías y más sinceridad pero principalmente rompe todos esos esquemas de música alegre convirtiéndose en ambientes moldeables para el oído humano.
Ocho tracks que no pasan de los 6 minutos de duración y de qué al menos tres ya son conocidos por los aguerridos seguidores.Conforme el disco va agarrando ambiente y se encuentra posicionado en el track “Kibera”, que cuenta con un inicio con bastantes sintetizadores, donde el ritmo no le hace el feo para pararse a bailar y demostrar que la vida tiene sentido y es bastante disfrutable hacer el ridículo por 4:42 minutos que dura la rola.
Pero todo lo bueno tiene que terminar y concluye con una rola bastante tranquila llamada “Elefantes”, un disco con demasiada propuesta, diferente a lo que el nuevo sonido indie nos tiene acostumbrado por lo menos para la escena nacional propiamente.
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Por: Patricia Cano || @MariPatti_
etras llegadoras sobre situacio-nes comunes,
con melodías funk y pop rock hacen de Los Reyna una banda con mucho potencial, una pro-puesta que a más de uno logra-rá subirle el ánimo.” – Patricia Cano (blogger).
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¿Quiénes son?
Por ahí del 2007, Eduardo Macías (guitarra) y Maximiliano Hernández (bajo) buscaban armar un proyecto original así que se dieron a la tarea de buscar vocalista hasta dar con Jaime Lozada (voz, guitarra) en el ya obsoleto myspace, ahora con Luis Vázquez (batería) la banda comenzó a ensayar y de pronto ya tenían canciones termina-das. Gracias a la coincidencia de gustos clásicos como The Beatles, Rolling Stones, Fobia, Soda Stereo, Babasónicos y The Cure, Los Reyna em-piezan a desarrollar su propio sonido.
¿Qué tocan?
Melodías basadas en el pop rock con tintes funk y disco; con letras que transmiten emociones vi-vidas en situaciones comunes como el amor o el desamor (según el cristal con el que se mire). El sonido fresco y alegre motiva a pararse del sillón y hacerle buena cara a la vida. Sin duda una gran ejecución y mezcla de ritmos los cuáles le dan ese sello significativo a estos chilangos.
¿Qué hay que saber?
En el 2007, iniciaron bajo el nombre de Gordon’s. A finales de ese año grabaron un E.P. de cinco canciones Rock Pop en Estudio 105 del Estado de México, el cual estuvo bajo la producción de
Mario Contreras y Axel Dupeyron. Para la segun-da mitad del 2012, la evolución de la banda era notable al estar grabando su segundo EP “Inten-so” y deciden cambiarse el nombre a Los Reyna, como actualmente se siguen dando a conocer. “Intenso” fue promocionado en estaciones de radio universitarias de todo el país como Radio Ibero (DF) , D99 (Mty), Radio Mexiquense (Edo. Méx.), Radio Anáhuac (DF), así como en diver-sas estaciones por internet y blogs de contenido musical.
Música, música, música…
“Flamante” tiene un sonido con influencias pop rock y funk muy marcadas, buena composición de instrumentos, voz y letras. “Toloache” da inicio a este álbum con riffs marcados y un tanto pesa-dos así como una batería que mantiene ese paso, al parecer muchos se sentirán identificados con esta situación de estar bajo “el mando” de algún amor. Por otra parte “Tal Cual”, track que funcionó como sencillo de este disco es una canción con guitarras melódicas “cursis” que me hacen recor-dar a los regiomontanos de Niña, voz y letras más dulces; track bastante digerible para la gente sen-sible.
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sin embargo a la mitad del procedimiento se da cuenta que en realidad no la quiere olvidar, que la ama y que ella es todo para él y es cuando comienza una carrera dentro de su mente para escapar en busca de Clementine y evitar que sus recuerdos sean borrados para siempre.
Esta es una película que definitivamente JAMÁS debes ver con el corazón roto pues muchos de nosotros en algún momento de nuestras vidas hu-biéramos dado lo que fuera porque existiera una alternativa como esta en la vida real, hubiéramos querido poder ir a un lugar como LaCuna Inc. en donde nos borren los recuerdos de aquella rela-ción que nos ha hecho tanto daño.
Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos nos muestra a un Jim Carrey pocas veces visto, me atrevería a decir que es uno de sus mejores papeles, y a una Kate Winslet que no reconoce-rás, es una película que te encantará y que no dejarás de ver una y otra vez.
P o r : N a t h a l y S o t o / / @ N a t h _ W o n k a
a recomendación de este mes se tra-ta de una película de amor…¡Cuan dichosa es la suerte de una inocente
virgen! El mundo olvida, el mundo olvidado. ¡Eter-no resplandor de una mente sin recuerdos! Cada orador que se acepta y cada deseo que se renun-cia.
Eternal Sunshine of the Spotless Mind es un un filme tipo comedia dramática americana exhibida en las salas de cine en el 2004, dirigida por el francés Michel Gondry y protagonizada por Jim Carrey y Kate Winslet. Ganó el premio Oscar en la categoría de Mejor Guión Original y tuvo alre-dedor de 30 premios más.
La historia está narrada en una cronología poco común y nos cuenta la historia de un amor entre Joel y Clementine, él está totalmente desconcer-tado y deprimido al enterarse que Clementine ha borrado todo recuerdo de él a través de un proce-dimiento científico, ella ya no sabe quien es él ni recuerda absolutamente nada de su tormentosa relación. Víctima del despecho, Joel asiste a la clínica a pedir que se le haga el mismo procedi-miento y sacar a Clementine de una vez por todas de su vida y de su corazón,
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El pasado mes de junio el Faro de Oriente celebro su aniversario numero doce. Durante todo el mes hubo espectáculos circenses, presentaciones de danza, conciertos, muchos de ellos realizados en coordinación con la CONACULTA, además de las ya clásicas exposiciones de pinturas, esculturas e instalaciones elaboradas por los mismos alumnos de la fábrica de artes y oficios de oriente.
Para cerrar con broche de oro, el 16 de junio se llevo a cabo un concierto en la explanada prin-cipal del recinto ubicado entre los metros Acatitla y Peñon Viejo. Los encargados de iniciar con la fiesta fueron los Triciclo Circus Band. Siguieron los Rebel Cats y antes de las cuatro de la tarde la explanada ya lucia llena. Posteriormente se presentaron la Maskatesta, los Victorios y Los Amantes de Lola, quienes fueron los encargados de dar por finalizada la fiesta, la fiesta de aniversario de la fábrica de artes y oficios de oriente.
Faro de oriente:
12años de artey cultura
P o r : S a m u e l N a v a M a r t í n e z
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El pasado mes de junio el Faro de Oriente celebro su aniversario numero doce. Durante todo el mes hubo espectáculos circenses, presentaciones de danza, conciertos, muchos de ellos realizados en coordinación con la CONACULTA, además de las ya clásicas exposiciones de pinturas, esculturas e instalaciones elaboradas por los mismos alumnos de la fábrica de artes y oficios de oriente.
Para cerrar con broche de oro, el 16 de junio se llevo a cabo un concierto en la explanada prin-cipal del recinto ubicado entre los metros Acatitla y Peñon Viejo. Los encargados de iniciar con la fiesta fueron los Triciclo Circus Band. Siguieron los Rebel Cats y antes de las cuatro de la tarde la explanada ya lucia llena. Posteriormente se presentaron la Maskatesta, los Victorios y Los Amantes de Lola, quienes fueron los encargados de dar por finalizada la fiesta, la fiesta de aniversario de la fábrica de artes y oficios de oriente.
años de artey cultura
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P o r : I s r a e l L a r a M o n t i e l
uando cumpla 33 años, me retiro. Ese es el momento en que el que un hombre tiene que dedicarse a otras cosas. No quiero ser una estrella de Rock durante toda mi vida.
No me podría imaginar terminando como Elvis Presley tocando en Las Vegas para todas esas amas de casa y todas esas viejas con sus carteras viniendo a verme. Es realmente enfermizo.” Mick Ja-gger
“Depende con quien hables, algunos piensan que los Rolling Sto-nes empezaron con Brown Sugar, otros creen que no había nada antes de Start me Up y otros insisten en que Satisfaction fue nues-tro primer disco. Es loco cuando formas parte de algo que ha an-dado por tanto tiempo y te das cuenta de que eres algo con lo que la gente ha crecido. Un montón de gente no conoce un mundo sin los Rolling Stones. Eres parte de su vida tanto como sus padres, el aparato de tv, el sillón o el aire que respiran. Naciste en un mundo y ahí estaban los Rolling Stones. Realmente es muy difícil de en-tender.” Keith Richards.
¨Seguiremos tocando hasta que nos caigamos¨ Ron Wood.
“El jazz es la música que me gusta hacer. Los Stones son sólo un pasatiempo” Charlie Watts.
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Veinte años, se dice fácil, ¿cierto?, ¿Qué tal cin-cuenta?, sencillo, si, decirlo, escribirlo, se compli-ca un poco más conforme ponemos más racioci-nio en la cuestión.
No es fácil encontrar algo que deje una huella, que perdure, que trascienda la barrera del tiem-po, que quede en el gusto de la gente, generación tras generación, evolucionando a la par de un mundo hundido en la vorágine de la tecnología, las comunicaciones y los medios.
Podríamos entrar en materia con un clásico ¨ha-bía una vez¨, me tomó pues la licencia y así arran-co: Había una vez, en un país lejano, hace mucho tiempo, dos amigos de la infancia que, tras ocu-rrirles el paso inexorable de las separaciones de la vida, se reencontraron en una estación del me-tro de una gran ciudad en el año mil novecientos sesenta. Keith y Mick, Richards y Jagger, gesta-ban entonces el origen de una de las bandas más importantes de la historia del rock, ni que decir de las más longevas, contradiciendo al mismo Jag-ger que, sin pena ni timidez, declaraba que tenía el anhelo de que la banda durase un año, y he aquí que, cincuenta años después, los Stones si-guen girando.
La banda fue formada en mil novecientos sesen-ta y dos, en Londres, por una alineación de seis jóvenes británicos de gran talento y considerable
garra¨: Brian Jones, Mick Jagger, Keith Richards, Ian Stewart, Geoff Bradford y Dick Taylor. Una alineación que sufriría múltiples transformacio-nes a lo largo de los años hasta transformarse, finalmente, en el legendario cuarteto conformado por Ron Wood, Charlie Watts, Mick Jagger, Keith Richards.
Pero eso es adelantarse a los hechos. La piedra fundamental de los Stones, aquella lejana pri-mera aparición formal, se dio el doce de julio de mil novecientos sesenta y dos, de manera, como casi siempre parece ocurrir a los monstruos del rock, fortuita; ¨Blues Incorporated¨ canceló su presentación en el Club Marquee, situación que fue aprovechada por la nueva banda. Jagger, Ri-chards, Jones, Stewart, Chapman, otros citan a Avory, y Taylor, ofrecieron su primer concierto ofi-cial como The Rolling Stones. Tras aquella prime-ra presentación se enmarcaron en una gira por distintos bares londinenses, sin la compañía de Chapman y Taylor, quienes decidieron salir de la agrupación definitivamente.
Para el sesenta y tres, tras firmar con Giorgio Go-melsky para tocar cada domingo en el Crawdaddy Club de Richmond, los Stones se encontraron so-bre dos grandes pilares que fundamentarían su carrera: el primero, sin duda alguna el cimiento-de todo éxito en el ámbito musical, fue una gran base de fanáticos entre quienes se podía encon-trar a los miembros del otro gran
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monstruo de la historia, ¨Los Beatles¨ y fue de la mano del periodista Peter Jones y del publicis-ta de los Beatles Andrew Oldham que los Stones firmarían para grabar sus primeros temas en los estudios ¨Olimpic¨ de Londres.
El diecisiete de enero del sesenta y cuatro, mien-tras realizaban una gira por Inglaterra, publicaron su primer material, ¨The Rolling Stones¨, Aprove-chando el impulso comercial de ¨I Wanna Be Your Man¨, dicho material ocupó el primer puesto en la lista de los más vendidos del Reino Unido y per-maneció en el top de las listas por once semanas.
¨The Rolling Stones No.2¨, ¨Out of Our Heads¨, ¨Aftermath¨, ¨ Between the Buttons¨ y¨ Their Sa-tanic Majesties Request¨ Marcarían el paso firme y ascendente de los Stones en el periodo entre el sesenta y cinco y el sesenta y ocho, periodo durante el cual ¨Satisfaction¨ se convierte en el sencillo que les catapultaría a la fama mundial y que, con el paso del tiempo, como un buen vino, se convertiría en un tema emblemático del rock de todos los tiempos.
Posteriormente, entre el sesenta y ocho y el se-tenta y siete, los Stones se verían inmersos en una verdadera montaña rusa; partiendo del éxito que les redituaran los éxitos de sencillos como: ¨Satisfaction¨, ¨Let’s Spend The Night Together¨ y
¨Ruby Tuesday¨ se consolidaron, para el seten-ta y dos, como la banda de rock más importante del mundo aunque con exitosos materiales que incluyeron los álbumes clásicos ¨Beggars Ban-quet¨,¨ Let It Bleed¨,¨ Sticky Fingers¨ y ¨Exile on Main St¨.Contrariamente, para el periodo siguien-te, la banda se vería atascada en una meseta de estancamiento musical y víctimas de un cambio generacional al que sabrían sobreponerse en los próximos años gracias al segundo aire que les in-fundieron materiales de la calidad de ¨Some Gir-ls¨, ¨Emotional Rescue¨ y ¨Tattoo You¨.Afectados por disputas internas, usual en los grupos con gran éxito, verían llegar su segunda etapa de crisis entre el ochenta y tres y el ochen-ta y ocho, años que, por otra parte, nos dejarían ver el lados solista de Jagger y la calidad musical de Richards y Wood en colaboración con artistas de la talla de Bob Dylan. La ¨Separación¨ virtual de los Stones quedó de manifiesto cuando, en el ochenta y seis, fue lanzado ¨Dirty Work¨, nombre que vino como anillo al dedo para un trabajo que desperdicio la oportunidad mágica de contar con la colaboración de Jimmy Paige gracias a que Ja-gger se encontraba más dedicado a su carrera como solista ¨Incompleto¨ fue la palabra que defi-nió al material, por fortuna para los fans, Los Sto-nes estaban destinados a sobrevivir a esta apa-rente debacle y ¿Qué mejor manera de hacerlo que entrando al salón de la fama?.
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El dieciocho de enero del ochenta y nueve los Ro-lling Stones, incluidos Mick Taylor, Ian Stewart y Brian Jones, fueron incluidos en el salón de la fama del rock and roll, un pedestal que les estaba destinado por dere-cho divino y obra terrenal. Este hecho marcó la segun-da resurrección de los Sto-nes y les convirtió en una ¨trademark¨ que ha llega-do hasta nuestros tiempos como una de las más im-portantes en el ámbito de espectáculo; soundtracks, películas, documentales, veinticuatro álbumes, dos-cientos millones de copias vendidas, giras totalmente vendidas y una historia que acompaña al mundo desde su década más significativa son los testigos de lo que el talento, la actitud y el traba-jo son capaces de lograr.
Como cereza del pastel la banda ha decidido lanzar un libro titulado ¨ The Rolling Stones- 50¨ en el que podre-mos apreciar material elegi-do por los propios miembros de la banda incluyendo se-tecientas imágenes, aproxi-madamente trescientas en color, que constituyen una colección imperdible para los fanáticos de hueso colo-rado.
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Así pues vaya desde nuestra humilde tribuna una enorme ovación a la banda más longeva del rock, a los rebeldes originales, aplau-dan, aplaudan, no dejen de aplaudir a los Stones, felices lenguas de oro…
… Ah ¿Y la lengua?; la lengua, para concluir con el mito, no fue obra de Andy Warhol si no del diseñador John Pasche . El diseño fue creado a petición de Jagger, inspirado en un calendario hindú que mostraba a la diosa Kali sin cuerpo, sacando la lengua roja que terminaba en punta. Pero para no desacreditar del todo a quienes
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sostenían la otra versión, hemos de reconocer que, lo que si diseñó Warhol fue la portada del disco, enfocándose en un pene marcado hacia la derecha en unos pantalones vaqueros y en la cremallera que lo abría.
Por ahora me despido gente, no sin antes recomendar mis dos can-ciones favoritas de entre el enorme repertorio Stoneniano: ¨ Paint it black¨ y ¨ you can’t always get what you want¨ un par de perlitas que harán recordar a los más grandes, emocionarse a los medianos y aprender a los chicos. Saludo enorme desde del sur del mundo
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ún recuerdo cuando en aquel 2009 escuche por primera vez “Kiss With A Fist”, aquella voz me pareció su-
mamente potente y me atrapo de inmediato, sin embargo no me parecía algo innovador, pues an-tes ya había escuchado a diversas voces femeni-nas que poseían gran carácter y fuerza.
Cuando le había perdido la pista a “aquella can-ción”, escuche en la radio un nuevo sencillo que me emociono, pues el sonido de “el arpa” era de-lirante, su nombre era Dog Days Are Over y los dueños de esa sencilla pero pegajosa canción, eran un proyecto ingles de nombre “Florence and The Machine”.
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Con el lanzamiento de su primer álbum titulado Lungs, alcanzaron los primeros puestos de las listas europeas y rápidamente fueron ganando reconocimiento a nivel internacional, pues el ál-bum llego editado por Island Records a E.U. don-de se coloco de inmediato. Lo que trajo una gira de nombre “Lungs Tour”, con la que consiguieron más reconocimiento y atrajeron una gran canti-dad de fans.
En 2011 se lanza el segundo álbum de nombre “Ceremionials”, que con gran expectativa, este nuevo álbum atrapaba nuevamente a quienes conocimos a la banda desde su disco debut, y nos enamoramos más de esas dulces y fuertes canciones, así como también atraían a nuevos seguidores. Con este segundo disco se han pre-sentado con éxito en diversos festivales de Euro-pa y E.U.
En este año 2012 la banda ha tenido mucho tra-bajo, pues además de seguir con la gira de pro-moción de “Ceremonials”. El canal de televisión MTV les dio la oportunidad de realizar uno de los famosos unplugged, que contiene temas de los dos discos de estudio, así como también una co-laboración con el músico Josh Homme.
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Aunque para muchos “Florence and The Machi-ne” es sólo Florence Welch, siempre es bueno saber que detrás de ella existen cinco músicos talentosos que hacen que este proyecto sea po-sible y sigan madurando de manera conjunta, sin desprestigiar a ningún integrante.
Actualmente es bien sabido que la competencia musical es fuerte, pues cada día nos encontra-mos con nuevas propuestas que de forma inde-pendiente se dan a conocer, sin embargo si algo tiene “Florence and The Machine” es esa calidad interpretativa y dinamismo al componer, y estoy segura que este proyecto aún tiene mucho que ofrecer y nuestros oídos estarán esperando a que nuevamente podamos descubrir junto a “La Maquina y Florence” esa gama de sentimientos por explorar.
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Por: Pam Ascencio II @heywerafotos: Cortesía Technicolor Fabrics y Fher López II @n3urosonikAgradecimiento especial para: “Muérdeme”
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ien se dice que el primer disco de toda banda es para pisar terreno, el segundo para evolucionar, el tercero para consolidarse y del cuarto en adelante, para com-
probar el efecto de las 3 anteriores.
Technicolor Fabrics, banda oriunda de bella perla tapatía, este año han decidido evolucionar con un segundo disco con una gran sor-presa: un material completamente en español y bajo la producción de Castillo (Jumbo) cuya esencia se puede palpar en la composi-ción. Con la experiencia de haber compartido escenario con bandas como Phoenix, The Whitest Boy Alive, Moby, entre otros, estos mú-sicos continúan marcando camino después de su excelente “Run … The Sun is Burning All Your Hopes” que contó con el talento de Siddhartha en su producción y que en canciones como “Frequency” y “Clouds” pudimos palparlo.
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La banda, quien cuenta con un número de seguidores que han aceptado esta evo-lución y conectado de manera inmediata tanto con las letras y presentaciones, Joa-quín Martínez (bajo), Raúl Cabrera (gui-tarra), Juan Pablo Corcuera (vocalista/guitarra), Abraham López (batería) y Dan Salazar (synth/keyboards), nos platican un poco sobre el disco, su nuevo sencillo y la historia de la banda.
Para quienes no los conocen, platíque-nos un poco cómo surgió la banda y un poco de su primer disco..
Abraham: La banda surge en el 2007, poco a poco por así decirlo, primero nos conocimos Juan Pablo y yo, hicimos una especie de dueto que duró 2 meses y de ahí invitamos a Raúl, el guitarrista. Fue como la primera alienación junto con Joa-quín y nos integramos entre Enero y Abril mas o menos y ya duro la banda así casi dos años. Después invitamos a Daniel, te-cladista de la banda que ni uno de los 4 conocíamos antes pero lo vimos tocar un día, nos gustó mucho su propuesta y lo in-vitamos ya para cerrar la alineación.
En la promoción de su segundo disco … ¿Cómo ha recibido el público este material, el cambio del inglés al espa-ñol?
Abraham: La verdad muy bien. Desde que compusimos en español, la gente como que se conectó mucho más rápido con las canciones y también nosotros mismos, como que de repente no es lo mismo ha-blar en inglés de cosas más metafóricas que en español, con un mensaje más cla-ro en el que la gente de repente se conec-ta más.
Joaquín: Si, es más directo, las letras. Y nuestros shows creo que con este segun-do disco, se han vuelto más directos.
Entre la colaboración del primer disco con Siddhartha y este segundo, que contó con la intervención de Castillo (Jumbo)… ¿Cómo han sentido el cam-bio? ¿Qué esencia tiene uno del otro que alimentó a la banda?
Abraham: Fue un proceso muy diferente, creo que Siddhartha se clavó mucho nada mas como en hacer algunas estructuras de canciones y después de grabar, hubo mucho trabajo como de post producción de arreglos y Siddhartha es muy detallis-ta, se clava mucho como en los pequeños detalles que hacen que las canciones sue-nen muy bien y Castillo es al revés, como que se clavó muchísimo en la composición y en el momento en el que grabamos en el estudio, prácticamente se acabó la
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chamba, no hubo mucho como trabajo post, la banda fue un poco más cruda, más seria, con instrumentos más reales. Es como el gran contraste, uno muy clava-do en los detalles y otro muy clavado con la composición.
¿Y como fue el acercamiento con Cas-tillo?
Joaquín: Un show aquí en Guadalajara, le abrimos nosotros a Jumbo en Junio o Ju-lio hace 2 años y fue un por medio de un amigo que nos conectó, nos escuchó y le gustó mucho lo que vio en el show y sin pensarlo, ya estábamos trabajando con él.
¿Ustedes se involucran en el arte del disco?
Juan Pablo: Nos involucramos en todo, como en los videos y el arte del disco tra-tando de cuidar que sea todo un producto integral.
El arte del disco lo hizo Iván Quintero, un amigo de La Paz que radica aquí en Gua-dalajara y bueno, todo el trabajo del disco está hecho a lápiz y colores y bueno, el primer sencillo lo grabó Chiva, un direc-tor de cine del D.F. que es originario de Monterrey que ha hecho videos de Jua-nes, Belanova, artistas de todo tipo. Ahora estamos promocionando nuestro segundo sencillo que se llama “Nunca Nada”, el pri-mero fue “Fénix”, y este segundo videoclip fue grabado en Madrid España y ahí no salimos nosotros mas bien, son 2 historias paralelas que describen un poco y narran el concepto de la canción más que nada.
Platíquenos, un poco sobre el colectivo Mix Le Fun, ¿cómo es su relación, que aportes tienen bandas como Ponyrex o Master Plus para TF?
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Aparte de ese tercer sencillo, vamos a re-galar una canción del disco como proyecto especial entonces, le vamos a dar real-mente fuerte a 4 canciones del disco du-rante el año. Hoy nos fuimos de compras (risas) fuimos a comprar muchas cosas para empezar a buscar nuevos sonidos entonces, entramos a una nueva racha de composición porque sí queremos gra-bar un material en este año para el año próximo arrancar desde Febrero con co-sas nuevas.
Han sido bandas teloneras como Phoe-nix y The Whitest Boy Alive, ¿una ban-da ideal que le quisieran abrir y que le falta a TF?
Dan: Coldplay o una banda así que a to-dos nos gusta y que entra en otro nivel o Radiohead, (risas) bajita la mano.
Coméntenos algún momento memora-ble, ya sea con estas bandas internacio-nales, entre ustedes o de algún show.
Abraham: (risas) Acabamos de tener una experiencia hace como un mes en cuanto sucedió dijimos, cuando surja este tipo de preguntas en las entrevistas, va a ser la ganadora. Hace un mes o 20 días estába-mos en Mérida, que es una de las plazas más importantes para nosotros porque desde la primera vez que fuimos se gene-ró mucha energía con el público entonces,
Abraham: Lo más claro es que compar-timos integrantes. En TF está también el proyecto de Raúl que es Yogui. Yo toco en Lost Mapaches y Dan el tecladista, toca en Ponyrex y está Alfredo que toca en los Master Plus y en los Master Plus está Juanjo que es un Lost Mapache y al final. puedes encontrar la relación que hay en todas las bandas. Entonces ha tocado que hagan remixes, de repente ha tocado que gente cante en los proyectos de los otros para hacer colaboraciones y hay mucha reciprocidad por así decirlo en el tema mu-sical, y buscamos mucho apoyarnos entre nosotros, compartiendo contactos y hacer shows juntos.
¿Ese es el fin o por qué fue la creación?
Abraham: Fue un grupo de amigos donde se generaron muchas bandas por eso so-mos una familia y no un colectivo, porque no partió de interés sino que se dio.
Joaquín: Además, Mix Le Fun han gene-rado eventos, tanto aquí como fuera y es como una sociedad.
¿Qué sigue después de este tour de promoción del disco, Ideas?
Abraham: Estamos a todo promocionando el segundo sencillo, estamos por grabar el tercer videoclip del tercer sencillo.
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ya teníamos más de un año en querer regresar. Por fin movimos un chorro de cosas para hacer este show. Fue sould out se ha-bían acabado los boletos dos días antes del concierto, nunca nos había pasado, había como mucha expectativa; la gente muy emocionada, nosotros también y como 1 hora antes, entró la AFI así con perros y metralletas y todo y cancelaron el show. No pudimos tocar y acabamos unas dos horas después haciendo el acústico en la calle, haz de cuenta en la Minerva, el equivalente a la Minerva pero en Mérida y se vio como unos 100 fans más o menos y fue un momento muy chido como a las 2 de la mañana. Muy mágico por un lado pero también muy desgraciado porque no pudimos hacer el otro show que teníamos muchas ganas.
¿Y a que suena ahorita, en este momento TF?
Abraham: Ahorita suena a algo más tropical, algo más movido, más simple un poco más fresco.
Dan: Pero tampoco sabemos, realmente en el proceso es donde sabemos.
Joaquín: Lo que saquemos de ahora en adelante, los tracks, pueden ser cualquier tipo de música, de sonido.
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Por: @Yiruim
úsicos, bandas, proyectos, ideas, algunos chilenos han decidido hacer un nicho mu-sical en este país, algunas mas populares
que otras, tal vez vean a México como un punto clave en el rock perfecto para la difusión de sus propuestas, estas son variables, el contenido tiene un sello particu-lar en cada uno de los proyectos, pero todos buscan un mismo fin, hacer música, ser escuchados, tener una base de fans en el país y estar rolando por donde los lleve el cambiante sendero del rock.
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Conozcan a algunas bandas de Chile que andan haciendo lo suyo en nuestro país, jalando de apoco muchísimos oídos de lo que mas tarde se convierten en fans in-condicionales, comencemos por esta tra-vesía de estas bandas sudamericanas.
Los Bunkers
Una de las bandas mas exitosas de los últimos años en el rock latinoamericano, desde que su disco vida de perros empe-zó a rolar por nuestro país se han hecho de una base de fans increíblemente fuerte que se ha mantenido gracias a sus actos en vivo en diferentes festivales por todo el país, ellos son de esas bandas que saltan la brecha generacional de la chaviza coti-diana.
Pedro Piedra
Un cantautor que se ha hecho de un nom-bre por si mismo, desde su explosión con el sencillo “inteligencia dormida”, aunque tenga diferentes proyectos en su haber, logra capturar la atención gracias a su peculiar estilo de componer, y como los Bunkers, la base de fanáticos va en creci-miento gracias a su participación en dife-rentes foros nacionales.
Gepe
Otro solista, multiinstrumentalista, one man band, con un estilo increíble en sus actos en vivo, melancolías y composicio-nes sencillas que generan espectáculos únicos para quien esta frente al escenario, un chileno contemporáneo de Pedro Pie-dra, con un poco mas de discreción en la escena del rock nacional, pero no por eso de una calidad menor, créanme cuando les digo que vale totalmente la pena ver a Gepe en vivo, todo un deleite audiovisual.
Fernando Milagros
Otro “solista” que no esta en el centro de los reflectores, con un estilo mas folk que los muchachos que acabamos de nom-brar, con mas énfasis en lo profundo de las atmósferas y las letras tristes, actualmente promocionando su ultima producción “San Sebastian”; una propuesta elegante y dis-frutable para los días de lluvia o atardece-res solitarios,
Javiera Mena
Esta chica es de las “mas viejas” en la mada de esta ola chilena de principios de los dosmiles, partiendo de un concepto como solista y sabiendo posicionar senci-llos empapados de rock dulce rozando el pop, pero de un calibre bastante podero-so, no es la simple chica que hace cancio-nes de amor y desamor dependiendo de lo rosa que quiera matizar sus actos, con 2
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producciones en su haber ha demostrado que lo importante en el rock es rolar por donde te lleve la música.
Francisca Valenzuela
Una chilena que nació y creció en Cali-fornia, multiinstrumentalista, multidiscipli-naria que consiguió un éxito arrollador en Chile con su primer material, va muy de la mano con la propuesta de su contempo-ránea Javiera Mena, sin dejar del lado im-primir un sello muy peculiar a sus produc-ciones con tintes musicales diversos y una calidad enorme, con solamente 2 produc-ciones ha logrado ser un icono del rock en Chile y en México una señorita respetada en el entorno del rock nacional.
Astro
Una banda relativamente nueva en el mapa, estos chilenos con tan solo una producción en su haber han logrado atraer las miradas de propios y extraños, ya que su sonido sobresale por mucho de sus contemporáneos paisanos Chilenos, con tintes electrónicos y bailables son una pro-mesa bastante fuerte para permanecer en ese basto y a veces cruel campo del rock nacional.
Los Denver
Un dulce combo de chico y chica, folk sua-ve, letras y atmósferas ligeras, una banda que va rascando muy bien el terreno del publico mexicano, con una participación bastante fluida en la escena nacional han sabido moverse en los círculos capitalinos armando actos en vivo bastante decentes, una dueto que con un estilo dulce logra enganchar a esas orejas que gustan por un caramelo suave en su rock.
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Y así podemos citar muchísimas mas bandas, pero esperemos un poco, esperemos a los nuevos chilenos
aparecer en la escena, por lo mientras, disfrutemos lo que este país esta exportando para el deguste de nosotros, el siempre fiel y melómano publico nacional.
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Por: Erick Castro II @ecastroofotos: Cortesía Babasónicos
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eintiún años de carrera, 10 discos y la partida de un miem-bro fundamental en la banda, es lo que marca la historia de una de las bandas de rock argentino más emblemáticas de
las últimas décadas.
Pero si bien se acierta y pese a los grandes esfuerzos de la banda por sobresalir en la ya lejana década de los 90, los Babasonicos tuvieron un parte aguas, un antes y un después en su historia con la salida de Jessi-co, disco que marco el sello particular de la banda, con el cual hubo un cambio sonoro bastante marcado y con el cual se apuntalaron a la cima de un éxito bien merecido.
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Tal vez a unos les guste su música y a otros no, pero lo que debemos de tomar en cuenta es que Babasonicos se ha convertido en un referente de la escena musical latinoamericana de los últimos tiempo.A continuación les presentamos una plática que tuvimos con Diego “Panza” Castellanos, bateris-ta y miembro fundador del grupo argentino que actualmente promociona “A Propósito”, su ultimo material discográfico
“A propósito” viene a cortar la sequia de 3 años de los Babasonicos sin dis-co, ¿Cuéntanos sobre el disco?
Diego “Panza” Castellanos: Fue un disco que hi-cimos bastante rápido, fue bastante el tiempo que tardamos en hacer otro disco y este fue el primer disco con “Carca” (Carlos Hernán Carcacha) to-cando el bajo por la partida de “Gabo” (Gabriel Mannelli, fallecido el 12 de enero de 2008 por víc-tima de la enfermedad de Hodgkin), lo cual fue bastante complicado, pero lo pudimos resolver.
Grabamos en nuestro propio estudio, lo estrena-mos haciendo el disco y en la mezcla intervino Phill Brown, quien trabaja con nosotros desde el disco “Anoche”, un anglosajón con oído muy es-pecial que nos sabe administrar, pero a grandes detalles fue un disco bastante rápido, incluso lle-gamos a pensar que saldría antes, pero hubo
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algunas complicaciones que lo retrasaron y fue un buen trabajo con el cual tratamos de ir hacia otro rumbo en lo sonoro.
En parte se logro, noto yo un nuevo camino en donde podemos volver a arrancar.
La partida de “Gabo”
DC: No teníamos muchas opciones, abandonar todo o seguir y optamos por seguir, que yo creo fue la decisión más feliz.
Fue difícil porque era suplir un rol importante y a la vez también es difícil acoplar a otra persona, por el tema de confianza y afinidad. Con “Carca” lo logramos parcialmente, ya que lo que pasa es que el (Carca) no es bajista originalmente, el en su banda es un frontman y tiene otra percepción de lo que es una banda.
Sigue siendo difícil, cada vez menos, pero desde la partida de Gabriel, se da un proceso que es de un día para el otro.
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Jessico: El antes y el después.
DC: El cambio es consecuencia de la evo-lución de la banda.
Igual si uno ve la discografía se puede ver que desde el disco anterior (Miami – 1999), ya se percibe un cambio de rumbo en lo musical y Jessico es como una sínte-sis que tiene que ver con los cambios que existían en la banda en ese momento, por-que en el año 2000 hay un crack económi-co, la disquera nos devuelve el contrato y de la banda se va Dj Peggyn, con el cual tuvimos como una pelea, se va el mana-ger y quedamos como un año un poco a la deriva, sin saber qué hacer.
En los discos anteriores nosotros gozába-mos de una situación contractual que nos permitía experimentar más en el estudio y cuando nos enfrentamos a Jessico, no teníamos ningún tipo de presupuesto y lo hicimos todo en una sala de ensayo que construimos.
Entonces estábamos volviendo como al principio, pero ya no íbamos hacer un dis-co como Pasto (1992), porque ya lo ha-bíamos hecho y queríamos proponer una nueva forma de ser directos y sin dudas; necesitábamos como banda llegar a la gente porque si no el siguiente paso era la separación, pero al final como que se dio todo y optamos por hacer una música sim-ple y concreta que no tuviera objeciones.
Todos los discos anteriores nos encanta-ban pero lo que pasaba afuera, a nosotros no nos pasaba demasiado, por sectores algunos, pero no nos permitía vivir como banda.
Caricatura: Luis Silva
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¿Escalar al siguiente nivel?.
Si, por eso yo creo que es eso, Jessico no fue una casualidad de que pasara, porque ya veníamos tocando una música que per-mitió que pasara, el sonido había evolucio-nado y era el cambio de década, nosotros no estábamos en la misma etapa mental de volver a subsistir de nosotros mismos; entonces todo eso se refleja en la música y necesitábamos algo fresco.
Los otros discos son muy encerrados en la banda, retrospectivos, con cuestiones bastante herméticas.
¿Renovarse o morir?
Claro, entonces en lugar de encerrarnos como banda y cultivar toda esa clase de mística, quisimos hacerlo hacia afuera, algo fresco, espontaneo y concreto.
Justamente estuvimos hace poco escu-chado el disco e hicimos muchos demos de los temas y seleccionamos los indis-cutibles, los perfectos; quedaron algunos afuera y ahora lo vamos a lanzar.
Re-mezclamos algunos temas, hicimos unos toques y te darás cuenta que es otro disco, es más parecido a lo que veníamos haciendo antes y eso saldrá ahora, se lla-mara “Carolo”
¿Será una versión “Deluxe” de Jessi-co?
Si, será Jessico por los 11 años del disco y vendrán los dos cd’s. Además al mismo tiempo saldrá un acetato de Jessico.
Caricatura: Luis Silva
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El significado de México para los Baba-sonicos.
DC: Es nuestro segundo hogar, nuestra segunda patria.
Para nosotros México representa la ca-lidad humana, admiramos mucho a su gente y desde el primer día que estuvimos acá, que fue en el año 1995, no podíamos creer que la gente conociera nuestros te-mas, que estaban en la misma onda, sin-tonizando la misma frecuencia. Eso fue increíble.
Seguimos viniendo y cada día nos senti-mos más como en casa, por una cuestión más de respeto, nosotros le debemos la mitad de nuestra existencia a esta patria.
Retomar temas del pasado para las gi-ras.
DC: Ya lo teníamos pensando y tomamos algunos temas de Miami y Babasonica (1997), no pudimos llegar más atrás, por ahí se cuela algún tema de Pasto.
A veces nos pasa que es difícil retomar los temas de antes, porque teníamos otra energía y ahora es otra cosa, tenemos que actuar de otra manera, ya no es lo mismo que hace 15 años, entonces ya no nos salen los temas.
Quizás no es que no salgan, sino que no nos motivan; es como que ya paso, pero hay cositas que vamos agarrando, siem-pre y continuamente cuando planeamos un show vemos en retrospectiva para ver qué temas se parecen y hay como una especia de links donde se vinculan el tra-bajo más reciente con discos del pasado.
También estamos muy cansados de que nos digan que como Jessico cambio y que ahora hacemos todos los discos igual, eso nos dicen en Argentina, ya estoy harto de eso (comenta entre risas), ya no importa nada de lo que digan; pero bueno ya no somos los mismo de antes, somos una banda nueva y este año estamos hacien-do otro disco nuevo y abriendo las ante-nas para lo que será este nuevo materia, que esperamos salga este año.
Entonces en base a esto ¿Cómo pode-mos definir “A propósito”?.
DC: “A propósito” es un disco que vuelve a indagar un poco en lo que es la banda, es más oscuro o hermético, barroco, muy contrastado y mutante, empecé a escu-charlo y me gusta.
En discos pasados las canciones eran muy compactas y ahora este disco va mu-tando en la horizontalidad.
Y por último… La unión de canción. ¿Cuál es el objetivo?
DC: El objetivo es jugar un poco, salir un poco de la normalidad, eso básicamente es eso; hay una dicotomía en donde nos tomamos la forma de cómo expresarnos en este arte y decir como individuos “de-bemos ponerlo todo”, tomarlo muy ense-rio.
Por otra parte esto nos lo tomamos muy livianito y no nos comprometemos tanto, es como una especie de juego, enton-ces en ese juego da para experimentar y cambiar, porque creo que eso es una de las cuestiones por las cuales han pasado 21 años y seguimos con ganas de salir a tocar.
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Encore
