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Fotografía: Lorenz Agiuz

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STONE MILKER A juxtaposition in fate Find our mutual coordinates Moments of clarity are so rare I better document this Across the view is fears All that matters is Who is open-chested And who has coagulated Who can share and Who has shot down the chances? Show me emotional respect, oh respect, oh respect And I have emotional needs, oh needs, oh ooh I wish to synchronize our feelings, our feelings, oh ooh What is it that I have That makes me feel your pain Like milking a stone To get you to say it and Who is open? And who has shut up And if one feels closed How does one stay open? We have emotional needs, oh needs, oh needs, oh ooh I only wish to synchronize our feelings, our feelings, ooh I'll show some emotional respect, oh respect, oh ooh A juxtaposition in fate Find our mutual coordinates http://warp.la/se-filtra-en-streaming-vulnicura-nuevo-disco-de-bjork-escuchalo-en-su-totalidad-90378

MÚSICA VULNICURA, lanzamiento en Marzo de 2015. https://twitter.com/bjork Hace unas semanas nos enteramos de la colaboración entre Arca y Björk. En días anteriores supimos que el nuevo disco estaba en una de sus fases finales y se tenía previsto que se lanzara a mediados de marzo. Apenas la semana pasada nos dimos cuenta que se agregarían un par de tracks adicionales y que aún no se tenía el nombre definitivo. Sin embargo, el 13 de enero Björk reveló el nombre: Vulnicura, así como los tracks que componen el álbum. Supuestamente, por una filtración ilegal, han decidido lanzar el disco de modo anticipado, sin anunciar la colaboración de Antony Hegarty en la canción “Atom Heart” y sin dar detalles de la portada por Inez & Vinoodh. Vulnicura se puede descargar legalmente aquí:

https://itunes.apple.com/gb/album/Vulnicura/id959973080 Información tomada de http://ibero909.fm/: http://ibero909.fm/vulnicura-bjork-nos-toma-por-sorpresa/

DOCUMENTAL Biophilia es el documental de Björk que será presentado en el programa del Festival AMBULANTE, gira de documentales 2015. http://www.biophiliathefilm.com/ https://dl.dropboxusercontent.com/u/15346613/2015/CAT%C3%81LOGO%20%3A%20PROGRAMAS%20DE%20MANO/PMDF_SPREAD.pdf

MOMA N.Y. El Museo de Arte Moderno de Nueva York presenta una exposición retrospectiva de la obra de esta multifacética artista, cantante y compositora. En dicha exhibición se describen de manera puntual 20 años de proyectos a partir de sus siete álbumes de estudio: 1993 - Debut 1995 - Post 1997 - Homogenic 2001 - Vespertine 2004 - Medúlla 2007 - Volta 2011 - Biophilia Para realizar la crónica de su carrera se han elegido grabaciones, películas, imágenes, instrumentos, objetos, trajes y performances. La exposición culmina con un trabajo reciente donde se experimenta de manera inmersiva la música y la película en 3D, realizada por el Director Andrew Thomas Huang. http://www.moma.org/visit/calendar/exhibitions/1501

Coordinación de Artes Visuales Ciclo de exposiciones enero- abril de 2015

Del 30 de enero al 19 de abril de 2015. INAUGURACIÓN: Viernes 30 de enero 19:00 horas Recorrido Inaugural: 19:00 horas - Salas Eloísa Jiménez 19:30 horas - Salas del Teatro María Grever 20:00 horas - Galería Jesús Gallardo

1.

1. Tipo y así

Lucia Álvarez, Juan Cirerol, Christián Godoy Martínez, Rodolfo Guzmán, Víctor Hermosillo, Isidro

Martínez, El muerto de Tijuana, Esteban Quezada, Julián Sánchez Sauceda, Antonio Tun Naal,

Hugo Odón Medina, Aphex Twins - Richard David James, Julio César Vázquez Mojica, David Walton

Smith, Ana R.M., ZARZI y Juan Carlos Zermeño.

Del 30 de enero al 19 de abril de 2015.

Curadores: Leonardo Ramírez e Irazú Páramo.

INAUGURACIÓN: Viernes 30 de enero de 2015, 20:00 horas. Galería Jesús Gallardo Planta baja, planta alta y sala blanco y negro. Pedro Moreno 202, esquina Hermanos Aldama. León, Guanajuato, México. Horario de atención al público: Martes, miércoles, viernes y sábado de 10:00 a 18:30 horas. Jueves, horario especial de 10:00 a 20:00 horas. Domingo de 11:00 a 18:30 horas. Imagen; Juan Carlos Zermeño; De la serie: Bazar topoluz I, 2014. / Inyección de tinta sobre papel fotográfico.

La selección de artistas que mostramos en la exposición “Tipo y así” presentan una serie de características que los describen como un grupo de creadores que se mueven libres y sin prejuicios en varias plataformas y direcciones de la creación y del pensamiento actual. Sin que eso los defina o jerarquice únicamente como artistas, músicos, fresas, poetas, patinadores, anarquistas, punks, ejecutivos de cuenta, dueños de antros o pequeñas empresas, señoras, rockstars, activistas, etc. Los artistas de “Tipo y así”, huyen de definiciones y pasan desapercibidos en varias actividades que al parecer no los conectaría con su vena creativa. Sin embargo, son justamente estas actividades paralelas, las que les permiten obtener materia prima para hacer una pieza o encontrar un slogan que represente su siguiente manifestación en contra de lo que sea. Tomamos la muletilla “Tipo y así” como nombre de la exposición porque es frecuentemente utilizada por algunos jóvenes en varias ciudades de la República Mexicana. A este nuevo modismo lo hemos entendido como un extraño y peculiar etcétera. De igual manera, se ha utilizado como una bonita manera de definir sin definir cualquier cosa o acción en la que las personas se involucran, evitando señalamientos definitivos para seguir con un fenómeno lingüístico inclasificable. Ejemplo: “Me quiero casar tipo y así goey”, “¿Tipo cómo?, “O sea, esa arquitectura es ¿tipo y así, no?”. “Tipo y así” sorprende por su variedad de propuestas excéntricas (fuera de centro) que hablan de cosas triviales, cercanas y muy cotidianas. Asimismo describe sin proponérselo, la vida que se desarrolla en los espacios que habitamos de manera cotidiana: con los cuates en la ciudad, en el bar o el súper, viendo la tele o en internet, ya sabes viendo cosas “tipo y así”. We miss you Cindy, tipo bien… ;) Leonardo Ramírez Enero de 2015.

Imagen Cortesía: Ana R. M.

Esta exposición se lleva a cabo gracias a la amable colaboración de: Canal Once del Instituto Politécnico Nacional Bone Junkie Dogs DWS: http://www.davidwaltonsmith.com/ Y de las siguientes personas: Lorena González, Mayolo Reyes y Dulce María de Alvarado. A los creadores del documental: El Muerto de Tijuana; Joel J. Dávalos, Luis Munguía, Karen Campos A los coleccionistas; Juan Carlos Rocha, Pablo Arias, Luis Fernando Del Rio, Azhael Pérez. Y a las rudas y rudos: Alejandra Medrano/ Jana #10, Anaid Meléndez /Epicumbias #MR5, Fernando Espinoza/ Buffalo 66, Jennifer Pineda / Ninerfe Denipa #7, Mariana Neri / Neri #28, Sofia Alvarado /Ginata #73, Mónica Zareth / Polly #20, Katy Hernández / Kataklysm.

2.

2. LOGORAMA Escrito y realizado por: François Alaux, Hervé de Crécy y Ludovic Houplain. H5 Del 30 de enero al 19 de abril de 2015.

INAUGURACIÓN: Viernes 30 de enero de 2015, 20:00 horas. Videosala Galería Jesús Gallardo Planta alta Pedro Moreno 202, esquina Hermanos Aldama León, Guanajuato México. Horario de atención al público: Martes, miércoles, viernes y sábado de 10:00 a 18:30 horas. Jueves, horario especial de 10:00 a 20:00 Horas Domingo de 11:00 a 18:30 horas

Imágenes: Stills de la película LOGORAMA

LOGORAMA Hemos aprendido a vivir la vida diaria con la usurpación de las marcas. Pero cuanto más estamos habituados a esta contundente actividad comercial, más se esfuerzan los propietarios de las marcas – y los diseñadores que trabajan para ellos- en crear un puente que llegue a nosotros para atraer nuevamente nuestra atención. El mundo colonizado por las marcas es el tema de la nueva película LOGORAMA de los diseñadores y cineastas franceses de H5. Logorama es un ingenioso filme animado de 17 minutos de duración, que parece satirizar a las películas Blockbuster de Hollywood – violentas, crudas y llenas de adrenalina – y a la vez a un mundo de marcas comerciales, un mundo donde los logotipos adornan cada superficie disponible de la pantalla y donde se acostumbra a estar expuesto a que suceda algo a cada paso. El cortometraje suena a una sátira o una parodia debido a que el propósito de los realizadores no queda muy claro al finalizar la película. Logorama está magníficamente realizada. Toda la acción se sitúa en un ficticio Los Ángeles, o por lo menos en una ciudad CGI que hace honor a la opinión de Reyner Banham de Los Ángeles como "Autopia" la ciudad del "futuro inmediato”. La pantalla emite un brillo sobrenatural de intensos colores pop de un gran cromatismo; todo es higiénicamente pulcro, -colocado dentro de una espesa jungla de productos que toman protagonismo en el escenario-, una película de desastres con la “marca utopía” que muestra lo que pasaría si las marcas hicieran cotidianamente películas, como si no lo hicieran ya. El filme cuenta la historia de dos policías (Hombres Michelin) persiguiendo a punta de pistola al secuestrador de niños (Ronald MacDonald). Esto a través, – en palabras de los realizadores-, “de un mundo comercial, construido a partir de logos y marcas reales”. El escritor Marcos Webster, ha señalado que la película contiene numerosos chistes sutiles: el reloj de Quicktime en la pared; las farolas de Energizer; las pistolas del 007 y un homenaje a Maurice Binder y su barrel shot. KFC siendo aplastado por la tienda de Beef Jerky, Slim Jim, y Ronald MacDonald siendo sacado a empellones por los Wight watchers. Logorama culmina con una serie de catástrofes y cataclismos naturales que rodean y destruyen a dicha ciudad pixel, construida por un millón de marcas. Pero en lugar de ponernos en contra de la ubicuidad de las marcas, H5 nos hace sospechar que este dominio de logotipos, esta especie de mundo –autopista perfectamente cuadriculada- es algo realmente admirable. Casi como si ellos realmente homogeneizaran la omnipresencia de las marcas. En el famoso video de Röyksopp se muestra una inclinación similar a un mundo dominado por gráficos corporativos y por la estética circular del Power Point.

Puedo afirmar que me costó trabajo encontrar el mensaje de la película de H5, aún así no pude evitar ser seducido por ésta. Me llamó la atención la maravillosa manera en la que los logotipos son presentados, convirtiéndose en un gran ejemplo de arte en el diseño gráfico. Esto solo sirvió para recordarme el dilema esencial del diseñador gráfico: nuestro trabajo se trata de crear estrategias para seducir y encantar a nuestros clientes, independientemente de si refleja o no la realidad y –como abogados que defienden a criminales- hacer que la mayor parte del tiempo hagamos nuestro trabajo con objetividad profesional, aunque nos hayan hecho comentarios sobre las consecuencias morales, políticas y culturales, unidas a nuestro deseo de crear un mundo lleno de seducción y belleza. Una de esas poderosas consecuencias podría ser, la de un mundo dominado por una sola marca como se muestra en Logorama. Pensamiento aterrador. Adrian Shaughnessy Tomado de: Design Observer group http://designobserver.com/article.php?id=12457

Adrian Shaughnessy: Diseñador gráfico, escritor y profesor en el Royal College of Art de Londres. Ha escrito numerosos libros, entre ellos, un compendio publicado recientemente de periodismo de diseño; “Scratching the surface”, así como varias monografías dedicadas a los legendarios diseñadores: Herb Lubalin y Ken Garland. Colabora habitualmente diseñando publicaciones y blogs como Design Observer, Eye, Creative Review, y en la Semana del Diseño. En 1988, Shaughnessy fue co-fundador del estudio de diseño Intro; actualmente colabora en Shaughnessy Works, un despacho de dirección de arte que combina consultoría, redacción, edición, y la docencia, siendo co-director de la Unidad de ediciones. Es miembro de: Alliance Graphique Internationale.

H5 François Alaux, Hervé de Crécy y Ludovic Houplain. Directores del estudio gráfico H5, conocidos por sus portadas de discos y dirección de arte. François Alaux ha co-dirigido varios videos con sus colegas Hervé de Crécy y Ludovic Houplain. Desembarcaron en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes para presentar LOGORAMA, su primer cortometraje. Premios sobresalientes de LOGORAMA: Premio Kodak en Cannes 2009 Y el premio Oscar al mejor corto animado de 2010. Logorama es una coproducción de : ARCADI (Acción Regional para la creación y difusión en LLe – de Francia), CANAL + y CNC, Centro Nacional de la Cinematografía Francesa.

3.

3. Historias del fin del mundo Juan Jorge Prado Durán Curador: Leonardo Ramírez

Del 30 de enero al 19 de abril de 2015.

INAUGURACIÓN: Viernes 30 de enero de 2015, 20:00 horas. Sala Eloísa Jiménez Portal delicias sin número Zona peatonal León, Guanajuato, México. Horario de atención al público: Martes, miércoles, viernes y sábado de 10:00 a 18:30 hrs Jueves, horario especial de 10:00 a 20:00 Horas Domingo de 11:00 a 18:30 hrs. Imagen 1: Juan Jorge Prado Durán. De la serie… del fin del mundo Sin título, (el arca), 2012 / Grafito y lápiz de color sobre papel fabriano académico.

Sin título, (bicicleta y coche), 2013 De la serie:… Del fin del mundo. / Grafito sobre papel fabriano académico

Juan Jorge Prado Durán A partir del año 2006 y después de participar en diferentes exposiciones colectivas y tres

individuales (“El barrio de la Alegría”, “Sin luz” y “Serie B”) las inquietudes de Juan Jorge Prado

dentro del arte se dirigen hacia la línea como signo, protagonista, marca, escritura e imagen. En

este tiempo crea los proyectos “Dibujos por tiempo” y “Dibujos por cantidades de líneas” donde

reflexiona en torno al dibujo como imagen.

En 2009 crea la serie “Democracia”, en la cual, se puede observar que utiliza imágenes impresas

(Letraset) para pegar sobre papel, propias de la realización de planos arquitectónicos. La

combinación de imágenes impresas y gestos con grafito para crear pequeños relatos es la

constante de este proyecto y aparecen por primera vez una serie figuras comerciales reiterativas

como; árboles, automóviles, el hombre y la mujer. Mientras que en la serie “Para pensar en ti”

(2010) utiliza una sola imagen en la superficie del papel, siempre ubicada en la misma posición,

formando la misma composición y una diversidad de imágenes que elimina la idea de

correspondencia entre éstas.

Del año 2011 al 2013 Juan Jorge Prado realiza su serie “… del fin del mundo” donde utiliza la línea

como silueta que conforma a los protagonistas de estas historias: el hombre, la mujer, el perro, el

árbol, el automóvil la bicicleta y el minusválido. También emplea a la línea como creadora de otro

universo, el que ya no es real, el que ya no se toca y sólo se ve: el universo de las líneas, lo que

quedaría después de la extinción del mundo real y de su estilo plástico, la saturación del espacio-

tiempo por la línea. En esta serie de dibujos Juan Jorge Prado muestra entonces un soporte casi

saturado de líneas, una junto a la otra, repetidas en forma, en dirección, en intensidad, en

longitud. El artista posee la paciencia y obsesión por dibujar, esto se muestra en el tiempo que

pasa al ir poniendo líneas, en las imágenes que se forman con la repetición, en la obnubilación por

el dibujo y por marca en el papel. Esta serie de obras presentan las posibilidades en ciernes de lo

relacional y el dibujo.

Durante el 2014 y como un acto de reconocimiento de lo que pasa en su dibujo como actividad

física, plástica y de lo que pasa en su dibujo como proceso, Juan Jorge Prado identifica como

“infiernos” a sus creaciones convirtiéndolos en una forma de expiación del pecado después del fin

del mundo. Hace una analogía con el sufrimiento del cuerpo como castigo al dibujar, un

sufrimiento productivo en imágenes llenas y saturadas de líneas como universos abismales.

Juan Jorge Prado Durán

Artista plástico.

Vive y trabaja en la ciudad de León, Guanajuato.

Juan Jorge Prado desde el inicio de su carrera ha establecido como punto de partida para sus

reflexiones artísticas al dibujo como plataforma, desde donde ha descubierto una serie de

mecanismos que lo ayudan a incorporar sus obsesiones personales con la infinita posibilidad de la

línea, la incisión, el manchón o el gesto como propuestas autónomas e inconfundibles, capaces de

crear imágenes exactas y auténticas que recrean y modifican nuestra percepción del mundo.

Juan Jorge Prado ha sido profesor de varias generaciones de nuevos artistas, ha sido Director de la

carrera de Artes Plásticas de la UDL, profesor de arquitectura en la Universidad Iberoamericana y

Director Académico del Instituto Cultural de León.

Su trabajo ha sido expuesto en numerosas muestras nacionales e internacionales. Queremos agradecer la generosa colaboración de la colección: Miguel Ángel García Padilla

4.

4. Dolorosa Belleza Sofía Echeverri. Curadora: Mónica Ashida.

Del 30 de enero al 19 de abril de 2015.

INAUGURACIÓN: Viernes 30 de enero de 2015, 19:30 horas. Salas 1 y 2 del Teatro María Grever. Álvaro Obregón #217. Zona peatonal, centro. León, Guanajuato, México. Horario de atención al público: Martes, miércoles, viernes y sábado de 10:00 a 18:30 horas. Jueves, horario especial de 10:00 a 20:00 horas. Domingo de 11:00 a 18:30 horas. Imagen cortesía : Sofía Echeverri. De la serie “Trampland IV”, 2013 / Acrílico y óleo sobre lienzo.

Nada es, todo es apariencia y ésta muta continuamente… Me interesa observar el comportamiento humano en situaciones de poder así como la utilización de la ficción en lo que pretende ser realidad, el doble discurso. Me resulta intrigante la forma en que opera el cerebro humano y su manera de habérselas en el mundo para formar parte del mismo. Me preocupa la insaciable y aniquiladora estupidez humana que pretende expandirse en el planeta y controlar a la madre naturaleza. Sofía Echeverri

¿Es posible quedarse de pie, ante la inmensidad, ante la desolación, como testigo de lo que fuimos, que aún somos, y ver ahí belleza? ¿Es posible detener el tiempo justo antes de que todo termine devastado? ¿Podemos reconstruir un mundo a partir de sus fragmentos?. Echeverri traza con los paisajes una suposición: hay algo más afuera del lienzo, y adentro, al fondo, que no alcanzamos a definir. No hay tiempo ahí, no hay acción, pero la hubo. Detrás de esa quietud aparente, hay un gesto de anunciación: en cualquier momento se desbordará un caos, una montaña (una figura informe puede recobrar su nombre). O un tejido del mal, otro paisaje, otro bosque acaso más orgánico, delgadísima línea en la punta del grafito. Alguna palabra que nombra un destino. Alguna célula reflejada en sí misma, espejo minucioso del vacío. Personajes nos miran fijamente, haciéndonos cómplices, testigos: ellos atienden con fijeza nuestro ojo, se salen del cuadro en línea recta hacia nosotros, o nos meten a él, sin darnos cuenta, nos envuelven. Viven un mundo saqueado, ellos nos ven como ver un pasado inexplicable; son niños que le dan la espalda al futuro, no miran ese bosque donde todavía hay algo posible. O nos dan la espalda a nosotros, nos ignoran. Y los Saturninos de líneas suaves, delicadas, despojados de espacios, o en un espacio blanco, en la escalera de Echeverri que los miró al crearlos atrapándolos en el iris, y luego de quien los contempla ya existentes. Saturninos, delicada introspección. No nos miran ni nos dan existencia. Miran hacia adentro de sí mismos, buscando algo, un origen. No hay palabra ni camino. Un movimiento interior, hacia un mundo incognoscible. Algunos entonces perdieron sus rostros, alguna vez los tuvieron, algunos ahora tienen una máscara o un haz. Niños del futuro que se cubren del mundo, Saturninos que se esconden, guardados en la curvatura de su propio cuerpo. Ninguno recuerda que tiene rostro. ¿Nosotros lo tenemos todavía? ¿O hemos dibujado uno parecido al nuestro para quedarnos detrás, en este mundo que comienza a derrumbarse? ¿Nos derrumbamos? ¿Podremos ser nuestra obra acabada mientras los fragmentos nos construyen? ¿La obra de Echeverri nos construye de ese lado? El ojo vago –trampland-, lo que somos, pasos rotos de alguien que hace nacer un nuevo silencio, su dolorosa belleza. Karla Sandomingo Vizcaíno.

Sofía Echeverri Lic. En Artes Visuales por la Universidad de Guadalajara. Selección de exposiciones individuales:

2014: Pistas para errar, Yam Gallery, San Miguel de Allende, Gto Dolorosa belleza, Ex Convento del Carmen, Guadalajara, Jal. 2013: Trampland, Distrito 14 Galería, Monterrey, N.L.

Luz silenciosa, Celda Contemporánea del Claustro de Sor Juana, México,D.F. 2012: Inner voice, Leonard Codex Art Assamblege, Brooklyn, Nueva York 2010: Sospechosa visión / falsaceguera, Museo Raúl Anguiano Guadalajara, Jalisco, Curada por Mónica Ashida. Paperwork, Trager & Pinto Arte Contemporáneo, México, D.F. Células, Haus der Kunst, San Pancho, Nayarit

Selección de exposiciones colectivas:

2014: Horror en el trópico, Museo Universitario del Chopo, Curaduría Daniel Garza Usabiaga, Ciudad de México. El hombre ha muerto, Dibujo contemporáneo de Holanda y México, Casa de la Cultura de Tabasco en el D.F. Manos por México, Pedro Friedeberg, Museo Franz Mayer, México, D.F. Messico Circa 2000, Colección José Pinto Mazal por el Museo Arocena y Galería Traeger & Pinto, Castillo Miramare, Trieste, Italia. Arma blanca, Editions by Collectors Contemporary, Singapur SALÓN ACME núm. 2, Base Archipiélago, Curada por Oliver Martínez Kandt, 2013: Estampa de nuestro tiempo, Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, curada por Marcelo Bazaretti + Zacatecas, Zac. 2012: Yo, primate, Centro Cultural Border. 2011:Fuerzas básicas, Museo de la Ciudad de Guadalajara. 2010: Firulais, Museo de la Ciudad de Guadalajara Devenir, saliendo de nuestro territorio, Claustro de Sor Juana . Colectiva del bicentenario, Ex Convento del Carmen, Guadalajara, Jalisco . 2008:Territorios, Museo de la secretaría de Hacienda, México D.F. 2006: Homenaje a los grandes maestros de la pintura, Traeger & Pinto. Doce, el doce, del doce, Haus der Kunst, Guadalajara Jalisco Creacion en movimiento (Jóvenes creadores). Centro Nacional de las Artes D.F. 2005: Extincion, Café la Gloria, México D.F.

Premios y reconocimientos: 2004-2005 y 2006-2007/ Beca del FONCA en Jóvenes Creadores 2004 Y 2008 / Programa de Estímuloa la Creación Artística del Estado de Jalisco para Creadores con trayectoria. 2013/ Residencia artística en pintura en el Banff Center de Canadá 2008/ Mención honorífica por el Mex-Am Foudation del Vermont Studio Center 2004, 2006, 2009 y 2013/ Bienal Nacional de Pintura de Yucatán. 1992 / Salón Nacional de Dibujo José Gpe. Posada 2004 / Mención honorífica en la Bienal Nacional Diego Rivera de la Estampa 1995 / Primer premio de pintura del Salón de Octubre, Guadalajara , Jalisco. 1993 / Bienal Nacional José Clemente Orozco en el Instituto Cultural Cabañas, octubre. Guadalajara Jalisco.

Mónica Ashida Cueto Curadora y promotora cultural. Fue directora de la galería Arena México Arte Contemporáneo de Guadalajara. Curadora y museógrafa para el Festival Internacional Cervantino, Jefa de Artes Plásticas de Casa del Lago Juan José Arreola de la UNAM, Asesora de Proyectos Culturales de la Dirección para Asia y África de la Coordinación de Relaciones Internacionales del Gobierno del DF, Curadora del Museo Colección Blaisten UNAM e Investigadora del Museo Nacional de Arte. Ha realizado numerosas exposiciones a nivel nacional e internacional. Actualmente es Coordinadora de Artes Plásticas de la Secretaría de Cultura del Gobierno del Estado de Jalisco.

5.

5. Los parabólicos José Malabari y Erick Herrera. Sonic Boom Programa de intervenciones sonoras. Única presentación: Viernes 30 de enero de 2015 a partir de las 20.00 horas Entrada libre. Durante la inauguración del primer ciclo de exposiciones del año 2015. Recorrido Inaugural: 19:00 horas - Salas Eloísa Jiménez. 19:30 horas - Salas del Teatro María Grever. 20:00 horas - Galería Jesús Gallardo. Vestíbulo del Teatro Manuel Doblado. Planta baja. Pedro Moreno 202, esquina Hermanos Aldama. León, Guanajuato, México.

Imagen cortesía: Los parabólicos.

Los Parabólicos: (2 de Junio del 2013) José Malabari (guitarra) y Erick Herrera (Batería) Los parabólicos somos una agrupación urbana, que generamos nuestras primeras producciones con ingresos obtenidos en tocadas improvisadas en las calles de la zona peatonal de la ciudad de León. Estamos interesados en desarrollar canciones para nuestro repertorio con varios géneros musicales como: la cumbia, el rock clásico, el blues, el surf y el jazz. En la actualidad Los Parabólicos brindamos espectáculos de circo con música en vivo, batucada, zancos, malabares iluminados con luces de leds y fuego a través de la agencia de animación de eventos y espectáculos Mundo Malabares. Los invitamos a conocer de nuestro proyecto musical en la fan page oficial de Facebook “Los parabólicos” o bien a consultar información adicional en nuestra página web; www.mundomalabares.com

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1. SITAC. Simposio Internacional de Teoría sobre Arte Contemporáneo JUST ARTE JUSTAMENTE 22, 23 y 24 de enero de 2015. / Teatro Julio Castillo/ Ciudad de México/ http://sitac.org/ 2. ZONA MACO. México Arte Contemporáneo Del 4 al 8 de febrero de 2015. / Centro Banamex / Sala D / Ciudad de México / http://zonamaco.com/ 3. 2015 TRIENNAL; SURROUND AUDIENCE. De 25 de febrero al 24 de mayo de 2015. /New Museum / Nueva York, U.S.A/ http://www.newmuseum.org/exhibitions/view/the-generational-triennial 4. ARCO MADRID; Feria Internacional de Arte Contemporáneo. Del 25 de febrero al 1 de marzo de 2015. / Madrid, España / http://www.ifema.es/arcomadrid_01/ 5. 56ª BIENAL DE VENECIA 2015. All the World's Futures Director artístico, curador: Okwui Enwezor 9 mayo - 22 noviembre 2015 / Visita previa: 6 - 8 mayo 2015 / http://www.labiennale.org/it/Home.html 6. 12ª BIENAL DE LA HABANA. Entre la idea y la experiencia Del 22 de mayo y el 22 de junio del 2015. / La Habana, Cuba / http://www.bienalhabana.cult.cu/ 7. LA BIENAL DE LYON. La vida Moderna 10 de septiembre de 2015 al 3 de enero de 2016. / Lyon , Francia/ http://www.labiennaledelyon.com/ 8. ART BASEL MIAMI BEACH. Del 3 al 6 de diciembre de 2015. / Miami Beach U.S.A / https://www.artbasel.com/miami-beach

EXPOSICIONES: 9. La gravedad de los asuntos Marcela Armas, Tania Candiani, Arcángel Constantini, Juan José Díaz Infante, Gilberto Esparza, Nahum, Ale de la Puente, Iván Puig y Fabiola Torres-Alzaga. Laboratorio Arte Alameda. Del 29 de enero al 22 de marzo de 2015. / Ciudad de México. 10. Hermann Nitsch. Curada por Michel Blancsubé Museo Júmex. Del 27 de febrero al 14 de junio de 2015. / Ciudad de México. 11. Francis Alÿs. Una historia de negociación Curada por Cuauhtémoc Medina Museo Rufino Tamayo. Marzo de 2015 / Ciudad de México. 12. Stanley Kubrick: La exposición Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO). Del 6 de marzo al 26 de julio de 2015 / Monterrey Nuevo León. 13. Henri Cartier-Bresson Museo del Palacio de Bellas Artes. Abril de 2015 / Ciudad de México. 14. Possessing Nature, de Tania Candiani y Luis Felipe Ortega Curada por Karla Jasso 56ª Bienal de Venecia / Pabellón de México en la Sala de Armas del ex complejo militar de El Arsenal. / Italia/ Del 9 mayo - 22 noviembre 2015. 15. William Kentridge: Fortuna Museo Amparo. Del 4 de julio al 5 de octubre de 2015 / Puebla. 16: Abraham Cruz Villegas The Hyundai commission / Sala de turbinas de la Tate Modern / U.K. Del 13 de octubre de 2015 al 20 de marzo de 2016.

Fotografía: Lorenz Agiuz

Lic. Bárbara Botello Santibáñez PRESIDENTA MUNICIPAL DE LEÓN

INSTITUTO CULTURAL DE LEÓN

Luis Castrejón Durán Director General Instituto Cultural de León

Fidel Valdivia Bretón

Director de Administración y Finanzas

DIRECCIÓN DE DESARROLLO EN LAS ARTES

Manuel Meza Cuervo Director de Desarrollo en las Artes

Concepción Ney Ramírez

Asistente de Dirección de Desarrollo en las Artes

Daniela Yáñez Coordinación Proyectos Especiales

Georgina del Carmen de León

Coordinación Académica

Rafael Centeno Vinculación Artístico-Cultural

Leonardo Ramírez

Coordinación de Artes Visuales

Edmundo Castro

Museografía

Armando Anaya Producción

María Esther Jaime

Registro y control de obra

Carlos Martínez Asistente de producción y encargado de sala

Gisela Rojas

Administración y relaciones públicas

Irazú Páramo Servicios educativos y apoyo curatorial

Leonardo Ramírez

Coordinación general, curaduría, diseño de la publicación y contenidos

* Paulina Mendoza Corrección de estilo

CAVI Coordinación de Artes Visuales

Instituto Cultural de León Dirección de Desarrollo en las Artes

Oficinas:

Interior del Teatro Manuel Doblado, Galería Jesús Gallardo, primer piso

Pedro Moreno 202, esquina Hermanos Aldama León, Guanajuato

México c.p. 37000

artesvisualesicl.blogspot.com

artesvisualesicl@gmail.com

INFORMES E INSCRIPCIONES Visitas guiadas, grupos y talleres:

Teléfono * 477 7141400 Con Gisela Rojas, Irazú Páramo y María Esther Jaime

artesvisualesicl@gmail.com gajega_educativos@hotmail.com

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CAVI EXPOSICIONES TEMPORALES

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