Front – cover

www.elmuseo.org @elmuseo #MeetMarisol

Marisol, Mi Mama y Yo, 1968, Steel and aluminum, 73×56×56", Collection of the artist.

MARISOLSculptures and Works on Paper

Marisol worked in a range of media—metal, terracotta, carved wood

and stone, assemblage, painting, drawing, and printmaking. Her inspiration came from such diverse sources as pre-Columbian art, North and South American folk art, Expressionism, Dada, and Surrealism, as well as artists such as Leonardo da Vinci, James Ensor, Hans Hofmann, Jasper Johns, Pablo Picasso, and Robert Rauschenberg. She developed a deeply personal, readily recognizable style that won her high praise

throughout her career, beginning with her first exhibitions in the 1950s. Critics struggled to define her work, which did not easily fit into any of the current “-isms”; but it is precisely this difficulty that has made her work compelling to so many.

Born Maria Sol Escobar on May 22, 1930, in Paris, the second child of Venezuelan parents, she soon took the nickname Marisol, which means sea and sun in Spanish. Her parents, Gustavo and Josefina Hernández Escobar, lived on their assets from both oil and real estate and traveled frequently, setting an example that Marisol would later follow. She began making art at a young age. “I can never remember a time when I wasn’t drawing,” she recalled, “I won art prizes at every school I went to.”

After growing up on Long Island and in Los Angeles, Caracas, and Paris, Marisol settled in New York City around 1950. She studied intermittently at the Art Students League (1951–63), the Hans Hofmann School of Fine Arts (1952–55), the Brooklyn Museum School (1955–57), and the New School for Social Research (1952). She studied composition, life drawing, painting, and ceramic sculpture. Around 1954, she turned to sculpting. Her publicly stated reasons include: “It started as a kind of rebellion. Everything was so serious. . . . I was very sad myself, and the people I met were so depressing. I started doing something funny so that I would become happier—and it worked. I was also convinced that everyone would like my work because I had so much fun doing it. They did.”

By the mid 1950s, Marisol’s sculptures drew the attention of Leo Castelli, who included her in a May 1957 group show at his recently opened gallery.

MARISOL Sculptures and Works on Paper

Marisol, Tea for Three, 1960, Wood, acrylic, and china, 64”x22”x27”. Collection of the artist

We are delighted to present Marisol’s

first museum retrospective in New York

City. More than a traditional exhibition,

it is designed as a conceptual installation

in which sculptures are placed in direct

relation to one another and to the walls

of the room. From each gallery, you will

be enticed by artwork in the next room,

leading you to the final piece. We invite

you to ponder the relationships between

the works and to enjoy

the journey.

—El Museo del Barrio

Along with Morris Louis, Alfred Leslie, Robert Rauschenberg, and Jasper Johns, she was singled out for praise in the reviews. Castelli was so taken with her work that he mounted her first solo exhibition in November of 1957, before those of Johns (January–February 1958) and Rauschenberg (March 1958). Composed of woodcarvings, terracottas, and welded sculptures, the exhibition was well received by the critics.

Marisol turned eventually to metal work and created a series of small bronzes in Rome. Returning to New York, she continued to show in galleries, her work becoming larger, more complex spatially and using color more prominently. She began using her own face and her hands frequently in her works, casting them in plaster and adding them to animate the figures. Her importance as an artist was acknowledged in reviews in Art News, Nation, New York Post, New York Times and Newsweek. She was awarded a number of important commissions in the United States and abroad, including a sculpture for the State of Hawaii that was placed in the United States Capitol commemorating Father Damien and his work in leper colonies. She was deeply committed to certain subjects throughout her career, including the roles of women and gender in contemporary culture, the legacy of significant artists, and the depiction of Native Americans.

Marisol continued to create work and to exhibit internation ally until the late 1990s. Though her later work received little critical attention, she was honored and recognized for her lifetime achievements. She received

honorary doctorates and numerous awards. Other measures of the beginning of a reconsideration of her place in art history were the museum acquisitions of important sculptures: in 2005 The Party was acquired by the Toledo Museum of Art and The Family (1963) by the Currier Museum of Art. Her inclusion in Seductive Subversion: Women Pop Artists, 1958–1968 (University of the Arts, Philadelphia) and Power Up: Female Pop Art (Kunsthalle Wien, Vienna) in 2010 brought new attention to her work, as well as to other women artists from the 1960s. Both of these exhibitions took a more holistic view of Pop art, expanding beyond Lucy Lippard’s definition to encompass the work of women artists. The revisioning now taking place is once again bringing Marisol back to center stage. While welcome, to view Marisol solely through the frame of her work from the 1960s is to underestimate the significance of her artistic output.

For all that her art changed dramatically over the course of her long career, there are certain factors that remain recognizable and unchanged. An artist who began as a painter, Marisol never lost interest in color or in the work of painters. No matter how abstract her work became, the focus remained on the figure. More often than not, that focus was on the human condition. Whether it was the roles open to women in general and herself in particular, the

lot of the poor and the disenfranchised, the majesty of artistic genius in old age,

or the reconsideration of the work of Renaissance masters, Marisol

explored the relationships between people

and society.

— Marina Pacini, Chief Curator and Curator of American, Modern and Contemporary Art, Memphis Brooks Museum of Art

Marisol, Green Fish, 1970. Wood, varnish, plastic, and plaster. 18½”x37”x7½”. Collection of the artist

y viajaban frecuentemente, dando un ejemplo que Marisol después seguiría. Ella comenzó a hacer arte a una edad temprana.“ Nunca puedo recordar un tiempo cuando no estaba dibujando,” ella recordó, “he ganado premios de arte en cada escuela a la que fui”.

Después de criarse en Long Island y en Los Ángeles, Caracas, y París, Marisol se estableció en Nueva York alrededor de 1950. Ella estudió intermitentemente en el Art Students League (1951-63), el Hans Hoffman School of Fine Arts (1952-55), el Brooklyn Museum School (1955-57), y el New School for Social Research (1952). Estudió composición, dibujo al natural, pintura, y escultura de cerámica. Alrededor del 1954 ella se dirigió a la escultura. Sus razones, declaradas públicamente incluían: “Empezó como un tipo de rebeldía. Todo era tan serio… Yo misma estaba muy triste, y todas las personas que conocía eran tan deprimentes. Empecé a hacer algo divertido para que yo misma me sintiera más feliz—y funcionó. Yo también estaba convencida que a todo el mundo le gustaría mi trabajo porque me estaba divirtiendo tanto haciéndolo. Lo hicieron.”

A mediados de 1950, las esculturas de Marisol atrajeron la atención de Leo Castelli, que la incluyó en una muestra colectiva en Mayo de 1957 en su galería recién abierta. Junto con Morris Louis, Alfred Leslie, Robert Rauschenberg, y Jasper Johns, ella fue destacada con elogio en las críticas. Castelli estaba tan encantado con su

Marisol trabajó en una variedad de materiales—metal, terracota, madera y piedra tallada, ensamblaje, pintura, dibujo, y grabado. Su

inspiración provenía de fuentes tan diversas como el arte precolombino, el arte popular de América del Norte y del Sur, el expresionismo, el dadaísmo, el surrealismo, así como de artistas como Leonardo da Vinci, James Ensor, Hans Hofmann, Jasper Johns, Pablo Picasso, y Robert Rauschenberg. Ella desarrolló un estilo sumamente personal y fácilmente reconocible que le ganó gran elogio a lo largo de su carrera, comenzando con sus primeras exposiciones en la década de 1950. Los críticos se esforzaron por definir su trabajo, el cual no encajaba fácilmente en cualquiera de los actuales “—ismos”; pero esta dificultad es precisamente lo que ha hecho que su trabajo sea tan cautivante para tantos.

Nace Maria Sol Escobar el 22 de Mayo del 1930, en París, la segunda hija de padres Venezolanos; pronto toma el apodo de Marisol, que significa el mar y el sol en Español. Sus padres, Gustavo y Josefina Hernández Escobar, vivían de sus activos, ambos del petróleo y bienes raíces

Marisol, Pocahontas, 1975, Lithograph, 26⅛ × 19¾ inches (66.4 × 50.2 cm), Private Collection.

MARISOL Esculturas y Obras en Papel

Estamos encantados de presentar la primera retrospectiva de Marisol en un museo en Nueva York. Más que una exhibición tradicional, ésta ha sido diseñada como una instalación conceptual donde las esculturas están colocadas en relación directa una con la otra al igual que con las paredes del espacio. En cada galería uno será atraído por las obras del siguiente cuarto, dirigiéndolo hacia la última pieza. Lo invitamos a reflexionar sobre las relaciones entre las obras y a disfrutar el viaje.

—El Museo del Barrio

Art (Kunsthalle Wien, Viena). atrajeron nueva atención a su trabajo, igual que al de otras artistas femeninas de los años 60. Ambas exhibiciones tomaron una visión mas holística del Pop art, extendiéndose mas allá de la definición de Lucy Lippard para incluir el trabajo de las artistas femeninas. La revisión que está tomando lugar de nuevo, está trayendo a Marisol

nuevamente al centro del escenario. Aunque bienvenido, considerar a Marisol a través del marco de sus obras de la década de 1960 es subestimar la importancia de su producción artística.

Por todo lo que su arte ha cambiado dramáticamente sobre el curso de su larga carrera, hay ciertos factores que siguen siendo reconocibles y sin cambios. Una artista que comenzó como pintora, Marisol nunca perdió su interés en color o en la obra de pintores. No importa cuan abstracto se convirtió su trabajo, el foco siempre se mantuvo en la figura. La mayoría de las veces, la atención se centró en la condición humana. Sin importar si se trataba de los roles disponibles a las mujeres en general, o a ella misma en particular, la situación de los pobres y los marginados, la majestad del genio artístico en la vejez, o la reconsideración de la obra de los maestros del Renacimiento, Marisol exploró las relaciones entre las personas y la sociedad.

— Marina Pacini, Curador Jefe y Curador de Arte Americano, Moderno, y Contemporáneo, Memphis Brooks Museum of Art.

The Jacques & Natasha Gelman Foundation

LEAD SPONSOR

TONY BECHARA NINA FUENTESANONYMOUS

CIRCULO DE COLECCIONISTAS

The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts

NATIONAL SPONSORSSPONSORS

trabajo que organizó su primera exposición individual en Noviembre del 1957, antes de la de Johns (Enero-febrero 1958) y la de Rauschenberg (Marzo 1958). La exhibición estaba compuesta de esculturas de madera, terracotas, y esculturas soldadas, y fue bien recibida por los críticos.

Con el tiempo, Marisol se dirigió hacia al trabajo en metal y creó una serie de bronces pequeños en Roma. Al regresar a Nueva York, continuó exhibiendo en galerías, su trabajo cada vez más grande, más complejo espacialmente, y usando color de manera más prominente. Comenzó a usar su propio rostro y manos frecuentemente en sus obras, moldeándolas en yeso y añadiéndolas para animar las figuras. Su importancia como artista fue reconocida por la critica en Art News, Nation, New York Post, New York Times, y Newsweek. Fue premiada con varias comisiones importantes en Los Estados Unidos y en el extranjero, incluyendo una escultura del Padre Damián conmemorando su trabajo en las colonias de leprosos para el estado de Hawaii, que fue colocada en el Capitolio de los Estados Unidos. A lo largo de su carrera siempre estuvo profundamente comprometida a ciertos temas, incluyendo el papel de la mujer y del género en la cultura contemporánea, el legado de artistas significativos, y la representación de los nativos americanos.

Marisol continuó creando y exhibiendo internacio nal mente hasta finales de 1990. Aunque su trabajo subsiguiente recibió poca atención crítica, fue distinguida y reconocida por sus logros de por vida. Ella recibió doctorados honoríficos y numerosos premios. Otras medidas del inicio de una reconsideración de su lugar en la historia del arte fueron las adquisiciones de esculturas importantes por museos: en el 2005 “La Fiesta” fue adquirida por el Toledo Museum of Art y “La Familia” (1963) por el Currier Museum of Art. En el 2010, su inclusión en las exhibiciones, Seductive Subversión: Women Pop Artists, 1958-1968 (University of Arts, Philadelphia) y Power Up: Female Pop

Marisol, The Family, 1969, wood, plastic, neon, paint, 88” x 56” x 65”, Memphis Brooks Museum of Art.

www.elmuseo.org @elmuseo #PlayingWithFire

PLAYING WITH FIRE

POLITICALINTERVENTIONS,

DISSIDENT ACTS, AND

MISCHIEVOUS ACTIONS

Javi

er

Hin

ojo

sa (

wit

h th

e co

llab

ora

tio

n o

f M

elq

uia

des

He

rre

ra)

Mel

qu

is e

s am

or

y ar

te I,

no

t d

ate

d, p

ho

tog

rap

h, 1

1in

x 14

in

Co

urt

esy

of

Javi

er

Hin

ojo

sa

“Try to imagine how you would feel if you woke up one morning to find the sun shining and all the stars aflame.”

—James Baldwin, Excerpt from The Fire Next Time

Baldwin’s blazing sky, while rooted in the lived experience of a racially polarized society, points to a vast repository of

images revolving around an element one must handle with care: fire. There is Aeschylus’ Prometheus, in which flames become the heart of a struggle between Zeus and the well-intentioned trickster, who is ultimately subjugated to unending punishment. Prometheus rebels against authority, stealing fire from the heavens to present it to humanity. Although a gift from above, the embers must be watched intently. In another

Maris Bustamante, Patente del Taco / Taco Patent, 1979, Courtesy of the artist

PLAYING WITH FIRE: Political Interventions, Dissident Acts and Mischievous Actions

This exhibition purposely welcomes impolite, undomesticated, rebellious, hilarious, indecent and perhaps even sacrilegious discourses and gestures that stick out their tongues at oppressive systems and push for a re-politicization of society and the art space.

— Nicolás Dumit Estévez, Guest Curator

Apeco, Untitled, 2010, Image courtesy of Centro de León

mythical account, proximity to the scorching rays of the sun causes Icarus to be hurled into the ocean, as he disregards his father’s advice to keep his crafted wings out of the reach of the blinding star.

Back at home on Earth, in the U.S. of the late 60s and early 70s are the non-fictional conflagrations that nearly brought the South Bronx to its knees, while many governmental officials watched from a heavenly distance. And far from “…The South Bronx of America,” in Tunisia, but yet in active response to another oppressive system, Mohamed Bouzazi becomes a living torch, igniting himself in protest against the police’s confiscation of his source of livelihood, the produce he sold in the streets.

Tracing the founding of El Museo del Barrio by Raphael Montañez Ortíz in 1969, an era of social unrest and radical activism throughout the Americas, the works in this exhibition target colonialism, imperialism, urban neglect, racial supremacism, and cultural hegemony with a vast array of weapons, including irreverence and humor. The artists confront the status quo with a range of disarming conceptual strategies and aesthetic detonators. The flames that surface in these artworks are dangerous and alluring, and have the potential to both consume and transform.

In Baldwin’s The Fire Next Time the disruption to daybreak generated by the clashing performance of celestial bodies alludes to the effects of an unrestricted movement of black bodies in a white dominated world. In PLAYING WITH FIRE: Political Interventions, Dissident Acts and Mischievous Actions some of the interferences to imposed normativities are provided by explosive tropical fruits employed as a self-defense against imperial warfare, a Promethean prophet who saves lives with condoms instead of souls with religion, and a man who in rehearsing his own death obliterates the power of a Dominican dictator.

JUGANDO CON FUEGO: Intervenciones Políticas, Actos Disidentes, y Acciones Pícaras

antorcha viviente, encendiéndose a sí mismo en protesta a la confiscación de su fuente de sustento por la policía, los productos agrícolas que vendía en las calles.

Siguiendo la trayectoria de la fundación de El Museo del Barrio por Raphael Montañez Ortíz en 1969, una época de agitación social y de activismo radical a través de las Américas, las obras en esta exhibición pone en la mirilla el colonialismo, el imperialismo, el abandono urbano, la supremacía racial, y la hegemonía cultural con una amplia variedad de armas incluyendo la irreverencia y el humor. Los artistas se enfrentan

Carlos Ortiz, Untitled (Boy on big wheel), c. 1970-1980s, Image courtesy of Centro de Estudios Puertorriqueños, Hunter College, CUNY

“Try to imagine how you would feel if you woke up one morning to find the sun shining and all the stars aflame.”

—James Baldwin, Excerpt from The Fire Next Time

El cielo abrasador de Baldwin, a pesar de tener sus raíces dentro de la experiencia vivida de una sociedad polarizada

racialmente, apunta a un repositorio amplio de imágenes que giran alrededor de un elemento que se debe tratar con cuidado: el fuego. Está Prometeo de Esquilo, en donde las llamas se convierten en el corazón de la lucha entre Zeus y el bien intencionado pícaro quien por ultimo fue sometido a un castigo interminable. Prometeo se rebela contra la autoridad, robándose el fuego del cielo para entregárselo a la humanidad. Aunque es un regalo de las alturas, las brasas se tienen que vigilar atentamente. En otro relato mítico, la proximidad a los rayos abrasadores del sol causan que Ícaro fuera lanzado hacia al mar, ya que no considera los consejos de su padre de mantener sus alas artesanales fuera del alcance de la estrella cegadora.

Volviendo al hogar en la Tierra, en los Estados Unidos de los finales de los años 60 y del principio de los años 70 están las conflagraciones verdaderas que casi llevaron al Bronx Sur a sus rodillas, mientras que muchos de los oficiales del gobierno observaban desde una distancia celestial. Y lejos del “…Bronx Sur de América”, en Túnez, pero aun en una respuesta activa a otro sistema opresivo, Mohamed Bouzazi se convierte en una

al status quo con una variedad de estrategias conceptuales desarmantes y detonadores estéticos. Las llamas que surgen en estas obras de arte son peligrosas y atrayentes, y tienen el potencial de consumir tanto como de transformar.

En la próxima vez el fuego de Baldwin la interrupción del amanecer generado por la representación chocante de los cuerpos celestiales alude a los efectos del movimiento sin restricciones de los cuerpos negros en un mundo dominado por blancos. En JUGANDO CON FUEGO: Intervenciones Políticas, Actos Disidentes, y Acciones Pícaras algunas de las interferencias a las normativas impuestas están provistas por frutas tropicales explosivas en defensa propia contra la guerra imperial, un profeta Prometeo que salva vidas con condones en vez de almas con la religión, y un hombre que ensayando su propia muerte destruye el poder de un dictador dominicano. La muestra deliberadamente le da la bienvenida a discursos descortéses, indómitos, rebeldes, divertidísimos, indecentes, y quizás hasta sacrílegos y a los gestos que le sacan la lengua a los sistemas opresivos y que empujan para una re-politización de la sociedad y del espacio de arte.

— Nicolás Dumit Estévez, Curador invitado

Participating Artists/Artistas Participantes:

ADALManuel AcevedoMaris BustamanteNao BustamantePapo ColoAbigail DeVilleAlejandro DiazAdonis FloresEster HernándezJavier Hinojosa with

the collaboration of Melquiades Herrera

Jessica KairéCarlos Jesus Martinez

DominguezRicardo Miranda ZúñigaCarlos OrtízPedro PietriJesús Natalio Puras Penzo

(APECO)Quintín Rivera ToroJuan Sánchez