M U S I C U LT U R E S

2016VOL 43 No.1

revue de la société canadienne pour les traditions musicalesjournal of the canadian society for traditional music

COVER phOTO Of CUban baTá DRUM by nEaLE anD KEnT WInDRESS

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E 43 N

o.1 2016

viii FROM THE GENERAL EDITOR / MOT DE LA RÉDACTRICE EN CHEF

xiii NOTES ON CONTRIBUTING AUTHORS / NOTES SUR LES

COLLABORATEURS

ARTICLES

1 BRENT KEOGH and IAN COLLINSON

“A Place for Everything, and Everything in its Place”: The (Ab)uses of Music Ecology

16 CARINNA FRIESEN

Mobile Musics, Mobile Technologies: Engaging the Cell Phone in a West African Context

41 DEANNA YERICHUK

The Construction of Citizenship Through Musical Performance in Toronto’s Settlement Houses, 1930-1939

64 MONIQUE GIROUX

“Giving Them Back Their Spirit”: Multiculturalism and Resurgence at a Metis Cultural Festival

89 KATHRYN ALEXANDER

Cape Breton Girl: Performing Cape Breton at Home and Away with Natalie MacMaster

M U S I C U LT U R E SVOL 43 No.1 CONTENTS / SOMMAIRE 2016

ii MUSICultures 43/1

112 HOLLY EVERETT

Do You Play Newfoundland Music? Tracking Traditional Music in the Tourist Imaginary

132 KENT WINDRESS

Musical Pilgrimages to Cuba: Negotiating Tourism and Musical Learning in Cuban Batá Drumming

BOOK REVIEWS /C O M P T E S R E N D U S D E L I V R E S

153 CHRIS MCDONALD

Marcus Aldredge. Singer-Songwriters and Musical Open Mics

156 RACHEL MUNDY

Pauline Minevich and Ellen Waterman, eds. Art of Immersive Soundscapes

159 FRANÇOIS PICARD

Frédéric Léotar. La Steppe musicienne : Analyse et modélisation du patrimoine musical turcique

163 CATHERINE SERVAN SCHREIBER

Margaret Walker. India’s Kathak Dance in Historical Perspective

RECORDING REVIEWS / COMPTES RENDUS D’ENRE G IS T RE ME NT S

168 ANTHONY GRÉGOIRE

Dominic Ogari, Samwel Osieko Ogari, Ronaldo Ontiri Onchuru, et al. Kenya : L’obokano, lyre des Gusii / The obokano, lyre of the Gusii

iii

170 MARIE-PIERRELISSOIR

Archives Internationales de Musique Populaire et Musée d’Ethnographie de Genève. Chine : Tsar Teh-yun (1905-2007), maître du qin

EDITOR / RÉDACTRICE EN CHEFHEATHER SPARLING Cape Breton University P.O. Box 5300 Sydney, Nova Scotia B1P 6L2 heather_sparling@cbu.ca

REVIEW EDITORS / RESPONSABLES DES COMPTES RENDUSERICHUNG(ENGLISH) Westminster Choir College of Rider Univ. msumeric@gmail.comMARIE-CHRISTINEPARENT Université de Montréal /(FRANÇAIS) Université de Nice Sophia Antipolis mc.parent@umontreal.ca

EDITORIAL ASSISTANT / ASSISTANTE DE RÉDACTIONGILLIAN TURNBULL Ryerson University dr.gillian.turnbull@hotmail.com

EDITORIAL BOARD / COMITÉ DE RÉDACTIONJONATHAN DUECK George Washington UniversityELAINE KEILLOR Carleton UniversityDENIS LABORDE L’École des Hautes Études en Sciences SocialesCHARITY MARSH University of ReginaLAURA RISK McGill University (student representative)MAISIE SUM University of WaterlooLOUISE WRAZEN York University

iv MUSICultures 43/1

ISSN 1920-4213 / eISSN 1920-4221

MUSICultures (formerly The Canadian Journal for Traditional Music / La Revue de musique folklorique canadienne) is the scholarly peer-reviewed publication of the Canadian Society for Traditional Music.

MUSICultures publishes original articles in English and French on a wide range of topics in ethnomusicology, traditional music research, and popular music studies. The journal welcomes articles on music in Canadian contexts as well as music in global and transnational contexts. The journal also publishes reviews of books, and sound and visual recordings. Please contact the review editors about submitting reviews.

MUSICultures (autrefois The Canadian Journal for Traditional Music / La Revue de musique folklorique canadienne) est la publication érudite de la Société canadienne pour les traditions musicales. Cette revue, dont les articles sont sanctionnés par un comité de lecture, est publiée sous les auspices de la Société canadienne pour les traditions musicales.

MUSICultures publie des articles originaux, en anglais et en français, sur un éventail de sujets: ethnomusicologie et recherche dans le domaine de la musique traditionnelle ou populaire. La revue encourage la soumission d’articles sur la musique dans le contexte canadien ainsi que ceux qui abordent la musique dans des contextes globaux et transnationaux. De plus, elle publie des comptes rendus de livres et d’enregistrements (visuels et sonores). À propos de la soumission de ces derniers, prière de communiquer directement avec la responsable des comptes rendus. Les auteurs qui désirent soumettre un article pour la publication doivent faire parvenir une version électronique (Word) de leur texte au rédacteur en chef.

SUBMISSION GUIDELINES

1. The article text should be typed, double-spaced (including explanatory endnotes, quotations, song texts, Reference List, and captions for figures and illustrations) and submitted as an attached electronic file (Word format). Parenthetical quotations longer than forty words should be separate and indented on the left side of the page. Articles are normally between 5,000 and 7,000 words.

2. As each article is assessed by two anonymous referees, information identifying the author should appear only in the email message to the editor.

3. Articles should conform to the Style Guide, which can be found on the CSTM website. Parenthetical documentation for references should be used in the text, with full bibliographic references given in a list of References at the end of the article. Endnotes should be kept to a minimum and reserved for explanatory material.

4. Musical figures, graphics, and tables should be submitted in separate files with explicit indication of where they should be inserted in the article text. All figures, graphics, and tables should carry complete captions, including full identification of the item and all necessary credits and acknowledgements. The author of the article is responsible for obtaining permissions for the use of copyrighted materials, as well as for other materials, where appropriate.

5. Authors should provide an abstract (up to 100 words) as well as a biographical note (not more than 70 words), typed and double-spaced in separate files accompanying the article.

v

SUBMISSION PROCESS

A manuscript is assessed first by the journal editor, who determines if it is of sufficient interest to proceed to the next step, which is to send the manuscript to two external referees. The referees write evaluations and recommendations, sometimes with suggestions for revisions. These assessments are sent to the editor who either rejects the manuscript, postpones a decision while suggesting revisions, or accepts the manuscript in its present state. The referee’s assessments and recommendations are forwarded anonymously to the manuscript’s author, along with the editor’s decisions. The review process normally takes between four and five months.

Authors should also consult the “Publications” link on the Society’s website: www.yorku.ca/cstm

Publishers should submit books, videos, CDs, etc. for possible review to the review editor(s).

MEMBERSHIP AND SUBSCRIPTIONS

A one-year CSTM membership includes:• Subscription to peer-reviewed MUSICultures (formerly The Canadian Journal for Traditional

Music / La Revue de musique folklorique canadienne)• Subscription to Canadian Folk Music magazine• CSTM Mail Order Service Discounts• Access to the CSTM listserv

Membership dues in Canadian dollars:

Canadian Members:$70 Individuals (+$15 for MUSICultures in print)$35 Under-employed (includes students, seniors, and unemployed)

(+$15 for MUSICultures in print)$95 Institutions (+$25 for MUSICultures in print)

Non-Canadian Members:$80 Individuals (+ $15 for MUSICultures in print))$45 Under-employed (includes students, seniors, and unemployed)

(+ $15 for MUSICultures in print)$105 Institutions (+ $25 for MUSICultures in print)

Lifetime Members:$850 Individuals$1000 Individual + Partner at same address

Please send a completed membership form (available on the CSTM website) along with Visa information, cheque, or money order to:

CSTMc/o Centre for Cape Breton StudiesCape Breton UniversityP.O. Box 5300, 1250 Grand Lake RoadSydney, NS B1P 6L2 Canada

vi MUSICultures 43/1

RÈGLES CONCERNANT LES SOUMISSIONS

1. L’article doit être dactylographié à interligne double (ce qui comprend les notes à la fin de l’article, les citations, les paroles de chansons, la liste des références et les vignettes des figures et illustrations), puis envoyé sous la forme de fichier électronique (en format Word). Les citations de plus de trois lignes doivent être séparées et en alinéa du côté gauche de la page. La longueur habituelle des articles du périodique varie entre 5 000 et 7 500 mots.

2. Puisque chaque article est évalué par deux évaluateurs anonymes, toute information identifiant l’auteur ne devrait figurer que dans le courriel destiné au rédacteur en chef.

3. Veuillez réviser votre article selon le guide de rédaction, qui se trouve sur le site Web du SCTM.

4. Les figures, les graphiques, et les tableaux se rapportant à la musique doivent être fournis dans des fichiers distincts tout en étant accompagnés d’indications expliquant à quel endroit ils doivent être insérés dans le texte. Toutes les figures, tous les graphiques et tous les tableaux doivent être assortis de vignettes complètes, ce qui doit comprendre l’identification complète de l’article et toutes les mentions de source et les remerciements nécessaires. Il incombe à l’auteur de l’article d’obtenir les permissions nécessaires en vue de l’utilisation de matériel protégé par droits d’auteur de même que les permissions relatives à tout autre matériel, le cas échéant.

5. Les auteurs doivent fournir un résumé de l’article (jusqu’à 100 mots) de même qu’une référence biographique (ne dépassant pas 70 mots) dactylographiés à interligne double dans des fichiers distincts accompagnant l’article.

POUR ENVOYER UN ARTICLE

Le manuscrit est évalué tout d’abord par le rédacteur en chef du périodique qui détermine si l’article revêt un intérêt suffisant pour passer à la prochaine étape, celle-ci consistant à envoyer le manuscrit à deux évaluateurs externes. Ces deux évaluateurs rédigent ensuite leurs évaluations et recommandations, et font même parfois des suggestions de révisions. Ces évaluations sont acheminées au rédacteur en chef et celui-ci décide soit de rejeter l’article, de reporter sa décision en attendant que des révisions soient faites ou d’accepter le manuscrit dans l’état où il se trouve à ce moment-là. Les évaluations et les recommandations des évaluateurs sont ensuite envoyées, de manière anonyme, à l’auteur du manuscrit, en même temps que les décisions du rédacteur en chef.

Ce processus dure normalement entre quatre et cinq mois.

vii

ADHÉSION ET ABONNEMENT

L’adhésion annuelle à la SCTM comprend :• l’abonnement à la revue MUSICultures (autrefois La Revue de musique folklorique

canadienne)• l’abonnement à la revue trimestrielle Musique folklorique canadienne• un rabais pour les services de vente par correspondance de la SCTM• l’accès à la liste de diffusion de la SCTM• une voix dans les affaires de la Société

Frais d’adhésion en dollars canadiens :

Membre individuel 70$ (+ 15$ pour le journal sur papier)Étudiants et chercheurs autonomes 35$ (+ 15$ pour le journal sur papier)Institutions 95$ (+ 25$ pour le journal sur papier)

Adresses non canadiennesMembre individuel 80$ (+ 15$ pour le journal sur papier)Étudiants et chercheurs autonomes 45$ (+ 15$ pour le journal sur papier)Institutions 105$ (+ 25$ pour le journal sur papier)

Adhésion à vieMembre individuel 850$Membre individuel et de son conjoint 1000$

Il est possible d’envoyer un formulaire d’inscription dûment complété accompagnéd’un chèque ou d’un mandat poste à :

CSTMc/o Centre for Cape Breton StudiesCape Breton UniversityP.O. Box 5300, 1250 Grand Lake RoadSydney, NS B1P 6L2 Canada

x MUSICultures 43/1

Mot de la rédactrice en chef

En tant que rédactrice en chef de MUSICultures, j’éprouve une grande satisfaction à voir la revue attirer un nombre croissant de soumissions

d’articles provenant d’auteurs du monde entier. Dans ce numéro, des auteurs canadiens, américains et australiens se penchent sur des sujets canadiens (portant sur le Cap Breton, Terre-Neuve, Toronto et le Manitoba), ainsi que sur Cuba et le Burkina Faso.

Ce numéro commence par une critique du concept « d’écologie musicale », par Ian Collinson et Brent Keogh. Étant donné l’inflation d’études sur les écologies de tous types, y compris l’écologie musicale, cet article tombe à point nommé pour démontrer que « l’écologie », bien qu’elle puisse se concevoir d’une certaine manière comme une métaphore utile, a ses limites, et qu’elle peut nous inciter « par mégarde à adhérer à une compréhension de la production et de la consommation musicales susceptible de cautionner le système même qu’à un niveau éthique nous cherchons à contester ».

Dans son article, Friesen propose une autre façon de comprendre le rôle des technologies mobiles dans l’enseignement de la musique, celui-ci ayant eu tendance à se focaliser sur leur usage dans les pays développés. Contrairement à la théorie influente de Michael Bull voulant que les appareils mobiles tels que les MP3 et les téléphones portables facilitent les expériences individuelles, permettant aux auditeurs de se couper de leur environnement au moyen des écouteurs, Friesen a découvert qu’au Burkina Faso, les téléphones portables et les appareils apparentés ont beaucoup plus de chances d’être employés à des écoutes en commun et à des interactions sociales.

Dans le premier des quatre articles consacrés aux musiques et aux contextes canadiens, Yerichuk considère la façon dont les centres d’œuvres sociales à Toronto au début du XXe siècle utilisaient les performances musicales—tant de musique classique occidentale que de diverses musiques folkloriques—pour construire des idées de la citoyenneté tout en « apprenant » aux nouveaux immigrants à devenir canadiens. Les recherches de Yerichuk se basent sur l’histoire, l’enseignement communautaire et l’ethnomusicologie pour donner des aperçus de la façon dont les centres d’œuvres sociales à Toronto utilisaient la musique pour proposer « un mécanisme qui, outre le fait de favoriser le développement social, procurait des sites de performance pouvant construire des notions culturelles de la citoyenneté canadienne ».

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Giroux avance que le Metisfest au Manitoba, tout en paraissant apolitique (voire en étant conçu comme tel), propose une stratégie non menaçante mais efficace en direction d’une indépendance politique, culturelle et/ou nationale. À partir de la notion de « résurgence » autochtone de Simpson, et en se concentrant sur le violon et la danse au Metisfest, Giroux montre comment les performances musicales de cet événement affirment les diverses identités quotidiennes (et musicales) des Métis qui peuvent être partagées tant avec des Métis qu’avec des non-Métis, et contribuent à une construction de la communauté.

Alexander parle également de violon, mais en se concentrant sur une joueuse de violon en particulier, Natalie MacMaster, de Cap Breton. Là où Giroux soutient qu’au Metisfest, une esthétique informelle et inclusive assure que le violon soit joué de manière « ordinaire » (plutôt que de manière raffinée ou affectée), Alexander explore non seulement en quoi MacMaster incarne une hétéronormativité sur les scènes internationales, mais aussi en quoi elle fait figurer géographiquement cette hétéronormativité dans le « folklore » capbretonnais de son ascendance écossaise. MacMaster confirme et renforce à la fois la vision existante de ce qu’est un Capbretonnais : blanc, hétérosexuel, humble, conformiste et rural/traditionnel.

Le dernier article de sujet canadien est l’un des deux articles portant sur la musique et le tourisme qui annoncent le numéro thématique de MUSICultures à paraître sur ce sujet. Everett évalue la construction de la musique traditionnelle dans le tourisme à Terre-Neuve et au Labrador. À partir d’entrevues et de conversations informelles avec des gens travaillant dans l’industrie de la musique, elle examine la façon dont les musiciens « perçoivent l’attirance des touristes pour la musique traditionnelle ». Everett complète son travail de terrain par des données statistiques au sujet des intérêts et des activités des touristes. Son article tombe à point nommé, si l’on considère que le gouvernement fédéral canadien, en partenariat avec toutes les provinces et territoires, vient de créer des instruments de mesure de l’économie culturelle nationale. Everett fait toutefois remarquer que l’intérêt des touristes pour les cultures locales reste encore à être pris en compte dans les études et les rapports sur le tourisme au niveau des provinces.

Le dernier article de ce numéro porte sur une forme de tourisme d’apprentissage, dans lequel des joueurs de tambour batá non cubains se rendent à Cuba pour de courtes périodes d’étude. À partir de la typologie des touristes élaborée par Erik Cohen, Windress soutient que les étudiants étrangers venus apprendre le batá peuvent être considérés comme des touristes existentiels, des touristes qui reconnaissent leur « altérité », mais

xii MUSICultures 43/1

qui adoptent la culture cubaine du batá, la font leur et l’incorporent à leur propre identité. Il explore la façon dont les normes culturelles entourant l’enseignement de la musique et l’initiation religieuse et la performance sont modifiées pour s’adapter à la fois aux attentes des étudiants étrangers et à leurs besoins en tant que visiteurs de courte durée. Windress examine la façon dont les joueurs de batá non cubains développent des relations culturelles intimes tout en restant simultanément toujours des « gens de l’extérieur ».

HEATHER SPARLING

168 MUSICultures 43/1

Kenya : L’obokano, lyre des Gusii / The Obokano, Lyre of the Gusii. 2014. Dominic Ogari, Samwel Osieko Ogari, Ronaldo Ontiri Onchuru, et al. Disque compact. VDE-Gallo VDE CD-1414 / AIMP CVII. Enregistrement (2012) : Stéphanie Weisser. Livret, 40 pp., avec texte par S. Weisser, traduction d’Isabel Ollivier, photos par S. Weisser, Simon Egan, Claire Adeka Olendo.

ANTHONY GRÉGOIREUniversité de Montréal

Récipiendaire du Prix « Coup de cœur » de l’Académie Charles Cros dans la catégorie « Musiques du Monde » en 2014, le disque Kenya : L’obokano, lyre des Gusii surprend et intrigue l’auditeur dès les premières notes. Cette production met de l’avant un travail d’enregistre-ment formidable sur le terrain, travail qui permet de mieux comprendre le rôle de l’instrument vedette, l’obokano, dans l’accompagnement du chant des hommes. Produit par Stéphanie Weisser entre 2010 et 2014 dans le cadre de son projet de recherche postdoctorale « Altérateurs de timbre des cordo-phones » au Musée des instruments de musique de Bruxelles (Ministère de la Politique scientifique belge), l’opus a finalement été enregistré en novembre 2012. Stéphanie Weisser détient une solide formation en musicologie, ethno-musicologie et acoustique, et continue de se démarquer par le caractère mul-tidisciplinaire de ses recherches, carac-tère auquel n’échappe pas la présente production.

Les onze pièces de l’opus, interpré-tées par huit musiciens, seuls ou en duo, plongent l’auditeur dans une tradition très riche, un monde empreint d’histoire et de souvenirs, un monde où l’instru-ment tient une place prépondérante pour véhiculer le message politique des Gusii. En effet, alors que l’instrument était historiquement lié à la sphère mas-culine et à la puissance, et réservé aux célébrations, rituels et joutes musicales entre clans, il est aujourd’hui utilisé pour transmettre des messages de sensibilisa-tion pour toutes sortes de sujets d’actua-lité. Notamment, les pièces du disque abordent la faim, la mémoire collective dans la modernisation, la protection lors des rapports intimes, etc.

Alors que l’obokano se voyait pro-gressivement délaissé au tournant des années 1970, on observe dès le début de la décennie un retour de l’instrument dans cette culture bantu de l’ouest du Kenya (Varnum 1971: 243). L’instrument, qui serait le plus gros parmi les lyres utili-sées encore aujourd’hui, se distinguerait particulièrement, selon l’auteure du livret, par le fait qu’il serait le seul ins-trument parmi les lyres kényanes à pro-duire un son grésillant. Effectivement, l’obokano présente cette particularité acoustique, mais cette affirmation se doit d’être contestée puisque d’autres recherches rapportent le même phéno-mène à propos d’autres lyres des régions voisines, notamment chez les Luo, qui sont d’ailleurs mentionnés par l’auteure dans le livret (6, 30; voir Varnum 1971 et Hyslop 1972). Si cette dernière cri-tique semble mineure, elle n’est pas

RECORDING REVIEWS / COMPTES RENDUS D’ENREGISTREMENTS

169 Recording Reviews / Comptes rendus d’enregistrements

dénuée d’importance si l’on considère le contexte de production de l’opus pré-senté ci-dessus.

Aussi, bien que le livret accompa-gnant le disque soit particulièrement complet et bien écrit—on y retrouve l’historique de l’instrument, sa facture et sa place dans la culture, de même qu’une description du parcours des musiciens—une autre critique doit être soulevée, no-tamment en ce qui a trait à la longueur et au caractère trop simpliste du paragraphe sur la vie musicale kényane (3, 27) : sous cette forme, il n’apporte que peu d’élé-ments de mise en contexte à l’auditeur et semble futile. De plus, la description rythmique que donne Stéphanie Weisser de quelques pistes est construite selon les termes longues et brèves, terminologie plutôt ethnocentrique et pouvant induire une confusion avec la terminologie des musiques anciennes : on nous présente des « formules instrumentales » divisées en groupes binaires et ternaires, sans autre forme de précision ni d’explica-tion terminologique (12-13, 35-36). Le lecteur doit donc tenter de déterminer lui-même s’il est question du rythme ou d’un élément à percevoir dans la mélodie elle-même, de même que par rapport à quoi situer « longues et brèves ». Peut-être aurait-il fallu revoir l’angle d’analyse sur ce point.

Cependant, et malgré ces quelques critiques, le livret attire l’attention grâce à des images particulièrement inté-ressantes de l’instrument lui-même et en situation de jeu afin de permettre à l’auditeur de mieux se représenter les informations fournies dans le texte : techniques de jeu assise et debout, posi-tionnement des mains, etc. Ses 40 pages ont le mérite d’offrir un texte bilingue

français-anglais simple et généralement efficace qui présente clairement tout l’intérêt de la production organologique.

Finalement, l’attrait principal de cet opus demeure sans contredit sa capa-cité de communiquer à l’auditeur une musique dépouillée, mais non moins empreinte de complexité. L’obokano est présenté comme étant le point focal, et il l’est assurément : un instrument aux sonorités particulièrement graves et gré-sillantes qui nous transportent hors de tout terrain connu. Si l’enregistrement nous présente un instrument utilisé pour accompagner le chant, avec l’ajout dans certaines pièces du chinchingiri (hochet métallique porté à la cheville), la production aura réussi de manière remarquable à lui laisser toute la place qui lui revient. Chacune des pièces té-moigne d’une clarté et d’un souci de laisser parler une « tradition » qui tend à s’adapter à la modernisation, tout en conservant les pratiques collectives des tenants de la culture : on entend d’ail-leurs cette collectivité et cet « ancrage » dans la musique sur quelques plages où l’auditoire se joint spontanément aux musiciens (chants, interjections, cris, etc.). Avec tout le travail qui a été investi dans cette production, le disque Kenya : L’obokano, lyre des Gusii mérite am-plement son succès.

RÉFÉRENCES

Hyslop, Graham. 1972. Some Musical Instruments of Kenya. African Arts 5 (4) : 48-55.

Varnum, John P. 1971. The Obokano of the Gusii : A Bowl Lyre of East Africa. Ethnomusicology 15 (2) :

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revue de la société canadienne pour les traditions musicalesjournal of the canadian society for traditional music

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