indiefermag nº 13. julio/agosto 2012

JULIO 2012 | Nº 13

REVIEWS FRANK OCEAN * JESSIE WARE * JOHN FRUSCIANTE THE CROOKES * DOMO * PURITY RING * WILD NOTHING MARIA RODÉS * FANG ISLAND * DIRTY PROJECTORS * HOLOGRAMS CRÓNICA LOW COST FESTIVAL * DÍA DE LA MÚSICAICO TOP JULIO & AGOSTO. LOS MEJORES DISCOS DEL VERANO

Y MUCHOS MÁS

INDIEFERENCIAm a g a z i n e

P A S S I O N P I T

AGOSTO

Review del mesPassion Pit: Gossamer 3

ReviewsThe Crookes: Hold Fast 5

Domo: Domo 7Jessie Ware: Devotion 9

John Frusciante: Letur- Lefr EP 11

Dossier: Fightstar 13

Crónicas

Low Cost Festival 19Día de la Música 25

Opinión: Explicit Lyrics 24

Ico Top: Julio 29Ico Top: Agosto 33

Lo mejor de la primera mitad de 2012 para INDIEfermag 37

Indiespensables: Junio 39

INDIEFERENCIA MAGAZINE

4 INDIEFERENCIA MAGAZINE Julio & Agosto 2012

Por David G. Altarejos

Julio & Agosto 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 5

El segundo álbum nunca es fácil.Tras un buen debut (como lo fue“Manners”) se creó expectación yahora todos quieren ver si el gruporealmente vale la pena o si sequeda en otro grupo más con un parde buenas canciones. La banda es-tadounidense presenta su segundoálbum en el que siguen por lamisma senda del synth pop, aunquese puede observar cierta evolución.

Passion Pit empezó como un pro-yecto del cantante Michael Angela-kos para grabar un par decanciones de regalo de San Valen-tín para su novia. El chico prosperóy se creó la banda. Así, en 2009apareció “Manners”, el cual fue bas-tante alabado, con ritmos frenéticos,grandes sintetizadores, la voz ca-racterística en falsete de Angelakosy en general un tono muy happy.Nos enseñaron de lo que eran ca-paces con enormes cancionescomo “The Reeling” o “Sleepy-head”, y en este segundo álbum in-tentan reafirmarse.

Este nuevo disco sigue por elmismo camino, aunque se nota queestá mucho más mimado. La voz deAngelakos está más refinada, losarreglos están más cuidados y enconjunto todo suena mejor. Siguenpredominando los coros y los sinte-tizadores, pero el falsete está mástrabajado. Aún así, hay alguna queotra canción más tranquila, como“Constant Conversations” quemuestra que también pueden cen-trarse en una música más relajadamanteniendo la calidad. Eso sí, loscoros y la vocecilla de Angelakosmarca de la casa siguen ahí, y nodesentonan para nada. “Cry Like aGhost”, “On My Way” o “It’s NotMy Fault, I’m Happy” son otrosejemplos de canciones más sose-gadas. La primera parte del disco estrepidante. El primer adelanto delálbum, “Take a Walk”, que apare-ció allá por mayo, es la canción en-

cargada de abrir el LP. Buena letra,pegadiza y bailable. Le sigue otrode los adelantos, “I’ll Be Alright”,que recuerda mucho a las cancio-nes de su primer LP. Ritmo frené-tico, sintetizadores y pegadiza comoel primer tema. Además, el vídeoque acompaña a la canción nopuede ser más peculiar. El discocontinúa con otro corte ultra vitami-nado, “Carried Away”, que trans-mite felicidad, alegría y ganas deabrazar gatitos. A continuación seintercalan baladas con canciones

más animadas hasta terminar eldisco. De la parte final, hay que des-tacar la canción “Two Veils to HideMy Face” que sirve de introducciónpara “Love is Greed”. La canciónno cuenta con parte instrumental,simplemente suenan un par devoces cantando a capela durantemedio minuto. Y si nos centramosen la canción en sí, “Love isGreed” es una buena muestra de loque puede llegar a hacer PassionPit. La letra es de carácter triste,

habla sobre lo innecesario del amor,de lo miserable y egoísta que puedellegar a ser, pero lo hace con unaalegría y una animosidad descon-certante. Si uno no se para a escu-char atentamente lo que cuenta lacanción parece que sea otra can-ción feliz y risueña, gracias a unosmagníficos coros durante toda lacanción y un estribillo muy pega-dizo. Pero nada más lejos de la re-alidad.

Resumiendo, estamos ante un buensegundo álbum, pero queda la sen-sación de que falta algo. Una veztermina el disco te quedas con laimpresión de que les ha faltado unpunto más para alcanzar el si-guiente nivel. Hay canciones muyrecomendables, pero no existe unahomogeneidad en el álbum. Se ob-serva una mejora con respecto a suprimer álbum, pero habrá que espe-rar para ver si todo esto es un espe-jismo o si realmente pueden llegar aencontrar ese “no se qué” y deleitar-nos con sus coros y sintetizadores.

“Estamos ante un disco de euforia, controlada

y sin control”

Con el “revival” musical de los años60 por bandera, y aderezados conligeros toques más actuales quepueden recordar a grupos comoTwo Door Cinema Club, The Cro-okes nos presentan su segundodisco en dos años en lo que es unritmo más que prolífico.

“Hold Fast” es un disco que rebosaelegancia. Es como si pudieramosrevivir a los Smiths hoy día, cargadode una lírica preciosa y unas melo-días cuidadas hasta el extremo.Pero con “Afterglow” la primeracanción nos podemos llevar a en-gaño, pues ese ritmo animado y suestribillo cargado de “oh, oh, oh” nospuede hacer pensar que estamosante otro grupo sacado de las pági-nas de la NME. Pero a partir de“Maybe in the Dark” su música daun giro hacia esos estilos añejos delos que hablaba con anterioridad.Palmas acompañan a la canción defondo en determinadas partes de suestructura, otorgándola así unmayor empaque. “Stars” nos llevadirectos a un baile de instituto ame-ricano en los años 60, con la voz deGeorge Waite bajo los efectos deun eco típico de aquellas cancionesde los Everly Brothers. Y de aquípasamos al intimismo casi acústicode “American Girls” y su introduc-ción que desemboca en un viaje porlas carreteras de la América pro-funda a ritmo de canción tradicionalpara escuchar mientras conduces.Por supuesto, todo ello sin olvidar-

nos del sonido sesentero que tanbien han sabido trabajar los deSheffield. “The Cooler Thing” tieneese principio a medio camino entreElvis y Queen con su “Crazy LittleThing Called Love” pero no pue-des dejar de mover los pies mien-tras suena. Probablemente, sea eltema más “oldie” de los que compo-nen el disco.

La canción que da título al disco,“Hold Fast”, vuelve a acelerar eltempo de las cosas. Guitarrasmucho más rápidas, una bateríapersistente a lo largo de todo elcuerpo de la canción y un resultadotan bueno como cualquier canciónde Mando Diao. Especial atenciónmerecen los coros en el estribillo,llegando a tesituras nada habitualesen los mundos del indie. “Sal Para-dise” es un regalo a los oídos. Unacanción para un atardecer en unaplaya desierta, dejando que la brisadel mar te acaricie la cara. A estome referia cuando hablaba de laelegancia del disco, al buen haceren la parte musical y lírica de labanda. Cantada en un tono suave,sin elevar la voz prácticamente ycon el acompañamiento costante deuna electroacústica, es sin duda lacanción más bonita del disco.“Sofie” sigue en la misma líneaprácticamente, aunque con untoque más de electricidad a las gui-tarras y un estribillo pegadizo, deesos que te anima a mover la ca-beza a un lado y al otro. Vuelve el

recuerdo a The Smiths con “WhereDid Our Love Go?” y es que re-sulta imposible no imaginar a Morri-sey poniendo voz a estas letras,con esas guitarras de fondo. Tal vezresulte pesado leer tantas veceseste tipo de comparaciones, pero osaseguro que me han sonado com-pletamente al grupo de Manchester.“The I Love You Bridge” es otrotema casi desnudo, voz y guitarra alo largo de toda la canción, sin másacompañamiento. El broche final lopone la calmada “CollectingSkies”, acertado tema para cerrarya que aglutina todas las virtudesdel grupo, a excepción de cuandose ponen más acelerados con laguitarra.En definitiva, un disco quegustará a aquellos que disfrutan deesta revisión de la música de losaños sesenta e incluso a aquellosseguidores de The Smiths en losque se pueden ver reflejados estosCrookes y que si bien ya han pa-sado por el FIB de este año, espe-ramos poder volver a verles de girapor nuestro país en un formato desala, pues seguro que su música sepuede apreciar mejor que en ungran escenario festivalero. Un nom-bre a tener en cuenta de cara al fu-turo de la música.

HOLD FASTPor Jesús Daniel Marín


Todavía no sé cómo perdo-narme haber tardado más deun año en escribir esto. Desdeque empezamos con la revistadecidimos que mediante esteproyecto lo que pretendíamosera dar a conocer música quenos gustaba a los que humilde-mente, formamos esta publica-ción. Pues ha llegado el día enel que esa frase tome toda laimportancia que debe tener.Porque lo que ahora os pre-sento es un disco de los queconsidero imprescindibles enmi discografía básica. Y todoempezó cuando en Alicante de-cidieron juntarse Sam (guita-rra/fx), Óscar (bajo) y Paco(batería). Ellos son DOMO y sudisco lleva dando vueltas por elmundo underground desde2010.

De título homónimo, la propuesta mu-sical de DOMO nos traslada a finalesde los años 60 e inicios de los 70,cuando la psicodelia empezaba a in-vadir los campos del rock, sembradosde LSD y ácidos, enredándose en riffsinterminables capaces de hacertetocar las estrellas. Y para hacer esohoy día hace falta una cosa: valor. Eldisco abre con “Nadi”, paradigma delestilo que DOMO practica. Cantidadde riffs, empezando por el inicial debajo que nos deja a las orillas del marpara sumergirnos en continuos wah-wahs y efectos de fuzz combinados ala perfección. El viaje espacial conti-núa con “Prana”, una bofetada en lacara a ritmo de stoner rock en cuya es-tructura predomina la marcial bateríade Paco y los riffs incansables de laguitarra de Sam, cuyas cuerdas pare-cen elásticas a juzgar por la agilidad ydestreza del guitarrista. Estamos ha-

blando de un grupo que bebe de lasinfluencias de la música de los años70, así que no esperéis demasiadatranquilidad, sino ritmos frenéticos a lolargo de canciones de una duraciónmedia de 8 minutos. Como curiosidad,en esta canción tendréis la oportuni-dad de escuchar ligeramente la voz deÓscar, porque aunque no lo habíamencionado con anterioridad, la ma-yoría de sus canciones son instrumen-tales. Con “Asura” podemosencontrarnos ante un himno de bata-lla. Aquí las guitarras se afilan, endu-reciendo el tema, acercándolo al doomy oscureciéndolo. Consiguen sumer-girnos en cavidades oscuras donde noqueríamos llegar a base de un riff quenos machaca la médula espinal. Muyinteresantes son las percusiones en laparte central del tema, acaparandotoda la atención del que lo escucha.Gran trabajo una vez más de Paco ala batería, incansable golpeando par-ches y platos. “Pretas” cambia unpoco el chip de contínua distorsiónque teníamos grabado a fuego ennuestros oídos, propiciando un temade tintes más progresivos, rozando in-cluso los sonidos árabe y en el quehasta prácticamente el final no encon-tramos una batería, que sirve de en-lace con “Yamantaka”, ahora sí conun claro sonido arábigo que abando-nan pasados dos minutos con la en-trada del bajo en la canción. Notasgraves, con un reverb que se alargahasta el infinito mientras la guitarrapuntea en una dura batalla por la su-premacía sonora. “Eta Carinae” es laniña bonita del disco. Una melodíamano a mano entre guitarra acústica ysintetizador que apenas dura dos mi-nutos y anuncia la tempestad sónicaque supone el cierre del disco deDOMO. Y esa tempestad no es otraque “Samsara”. Tras un calmado co-mienzo que no hace pensar en lo quepuede venir después, la canción vacreciendo en intensidad y fuerza hasta

que, acorde tras acorde, nos explicaqué es la música para DOMO. Efec-tos, riffs, una batería cojonuda. Sí, esun lujo volver a aquella época que nopudimos vivir y tanto admiramos. Seme vienen a la cabeza grupos comoPink Floyd, Hawkwind o TangerineDream, estos dos últimos sobretodopor ser conocidos pioneros en elspace rock. Pero no queda aquí lacosa, tras un silencio de cuatro minu-tos, nos espera una sorpresa. Un temaoculto que remata a “Samsara” conuna explosión de rabia que no había-mos escuchado antes. La crudeza dela guitarra junto a la fuerza del bajo yla batería sí nos trasladan directa-mente a las raíces del rock más ace-lerado y ponen el broche final a undisco que ya casi se ha convertido enun objeto de culto dentro del circuitounderground europeo.

Tal ha sido la repercusión que ha te-nido que la discográfica Radix Re-cords decidió remasterizarlo y dotarlode una mayor calidad para su reedi-ción a nivel físico. Y es que hacetiempo que un grupo de tan sólo trespersonas no sonaba así de bien y másen un campo tan difícil como es el quetransita DOMO. Porque tal vez nuestrarevista esté encaminada hacia la mú-sica indie, pero, ¿dónde habíamos fir-mado que no se podía hablar de másmúsica? Espero que déis una oportu-nidad a este viaje espacial por los so-nidos de la psicodelia y el rock y no osdejéis engañar por las etiquetas quese le ponen a la música para llegar amás o menos público. Están encami-nándose hacia su segundo disco ytengo muchas ganas de poder escu-charlo. Ah, una última recomendación,si pasan cerca de vuestra casa, inten-tad ver su directo. Porque eso sí esuna experiencia única, con gong in-cluido.

REVIEW

Por Jesús Daniel Marín

DOMO


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Jessie Ware prota-goniza uno de losmejores estrenosdel 2012, con undisco soul-pop re-pleto de cancionescon una calidad in-conmensurable y unencanto inglés queos enamorará desdela primera escucha.Señores y señores,

hagan paso para re-cibir a una de lasdivas del año. Lacantante británicalleva tan sólo un parde años efectivos enel mundo de la mú-sica, ya que tan sóloa partir de 2010 em-pezó a hacer algunacolaboración con ar-tistas de la talla de

SBTRKT (apare-ciendo también en elálbum debut deéste), y con Sam-pha, pero la magiase podía sentir porparte de la cantantey realizar única-mente colaboracio-nes no hacía justiciaa su calidad.


Por Joaquín Ollero

JESSIE WARE DEVOTION REVIEW

Partiendo de esta promesa, y desde finales del año pa-sado, Jessie Ware y bajo el sello discográfico PMR, sepondría a trabajar en “Devotion”, publicando 4 singlesantes del lanzamiento oficial del álbum. Desde el pri-mero, “Running” (aunque “Strangest Feeling” aso-mase su cabeza en 2011), hasta el último, “SweetTalk”, todos ellos nos han dejado la miel en los labiosya que queríamos más de ese estilo sofisticado y dulcecon el que Mrs. Ware impregna cada canción. Hastaque finalmente, y desde el 20 de agosto del 2012, po-demos disfrutar completamente de un gran listado decortes que hacen de Jessie Ware una dama de honor.

Desde el primer segundo sentimos que “Devotion” ins-pira lujo y sensualidad a partes iguales. Lo hace graciasa ese ritmo pausado existente en cada canción, ya quela pasión se cocina a fuego lento, utilizando los seissentidos y dejándose llevar por la voz de Jessie, la cualmaneja un tempo acorde a lo que ella quiere expresar.En “Running”, el estribillo nos dispara el pulso del co-razón gracias a un susurro muy cercano para rematar-nos con un espectacular solo de guitarra, aunque larosa que encontremos en nuestra tumba es un recursoinnovador muy utilizado a lo largo de todo el álbum:ciertas notas musicales, ya sean coros, frases cortas omatices que no salen de la boca de la cantante (y dehecho son producidas desde una de estas tabletas quetan de moda se están poniendo últimamente), pero queson fundamentales para darle ese sabor de champagney chocolate. Me refiero a esos “never give up, nevergive up!”, o en “Taking In Water” a esos “ooh” que es-cuchamos cada par de frases. Y hablando de este úl-timo tema: vaya auténtico lujo estar vivo y ser testigode tanta belleza en una misma canción. No habíamostenido la oportunidad de escucharlo hasta la salida delálbum, y bien podría ser el single líder, ya que funcionaa la perfección y te da a entender exactamente lo queJessie Ware desea: elegancia y grandiosidad.

Pero si queremos hablar de algo sencillamente exqui-sito, entonces tenemos que hablar de “Wildest Mo-ments”, tercer single oficial que fue lanzado el 29 dejunio y que desde entonces se ha proclamado comouna de las mejores canciones del año y sin lugar adudas, cuenta con el premio especial a canción conmás clase. Una historia que habla sobre una relación…“from the outside, everyone must be wondering why wetry?” Lo intentamos porque sentimos esos escalofríosque se convierten en los protagonistas durante nues-tros momentos más salvajes. A lo largo del tema, Jes-

sie, que ha adoptado el “moño” al más puro estiloAdele como su peinado favorito, se suelta la melena(figuradamente) para dejarnos boquiabiertos con la es-tructura de la canción sustentada en una batería ca-dente y profunda que no descansa ni un momento, unabase de piano acaramelado de fondo, la cual no se es-cucha conscientemente, pero se sabe que se encuen-tra ahí y obviamente en las cuerdas vocales de lacantante, porque esta es la mejor representación de lamagia y de las aptitudes de la artista. El videoclip biendemuestra todo de lo que estoy hablando: ella es laprotagonista tras esta textura de fina y blanca seda.

El resto del tracklist no baja ni un ápice en cuanto a ca-lidad. Quiero decir que “Sweet Talk”, “110%”, “NightLight”, “Something Inside” por poner algunos ejem-plos, nos seguirán demostrando el altísimo nivel al queha llegado Jessie Ware en este su primer álbum. Cadatema con su propio estilo pero todas cogidas de lamano haciendo justicia a comparaciones que han reco-rrido toda la red hablando de que la cantante británicarecuerda a la espléndida Sade o al más épico aún Mar-vin Gaye. ¿Exageraciones? Todo en esta vida dependede según como se mire cada asunto, pero desde luegono es para nada descabellado acordarnos de dichas le-yendas cuando escuchamos el sophisti-pop que ha cre-ado esta diva inglesa.

El mérito reside en que para componer este tipo de mú-sica, muy fácilmente se puede caer en el camino fácil:en hacer canciones monas y resultonas, pero que nose esfuerzan en ir más allá de la superficie, y sin em-bargo, Jessie Ware ha demostrado una habilidad únicapara dejar de lado las apariencias y mostrarse al mundotal y como es, así como su sincero objetivo: la bellezaen la música a través de complicados medios comopueden ser el lujo y la sofisticación. Cuando se correun riesgo de esta magnitud y se acierta, entonces loúnico que resta por parte del receptor es rendir pleitesíaante una jugada maestra de esta dimensión. Y de aquíen adelante tan sólo nos queda esperar que todo sigapor el mismo camino, y que los virus del dinero fácil yel poco esfuerzo no afecten a uno de los nombres demujer que recordaremos con cariño y admiración deeste 2012. Ah, y un apunte dirigido especialmente a lacantante: en tus próximo directos y videoclips suéltateel pelo, que estás mucho más guapa.


El que hizo historia como guitarristaen los Red Hot Chili Peppers, tam-bién tiene una carrera en solitariomuy extensa y de una calidad in-cuestionable, y tras la publicaciónde “The Empyrean” en 2009, JohnFrusciante está de vuelta en el2012 por partida doble: con un EP(este “Letur-Lefr”) y un LP que serápublicado en septiembre (“PBX Fu-nicular Intaglio Zone”). ¿Qué talsabor de boca nos ha dejado este

primer aperitivo tan esperado? Lasabiduría y experiencia de JohnFrusciante en el ámbito musical notiene discusión alguna: épico en laguitarra de Red Hot Chili Peppersdesde 1989 hasta 1993 y años mástarde desde 1998 hasta 2010. Ensolitario ha publicado más de unadecena de álbumes y EPs, asícomo también colaboraría extensa-mente con grupos como The MarsVolta, Omar Rodríguez-López,

Ataxia y Speed Dealer Moms.Vaya, lo que se puede traducir comotoda una vida dedicada a una pa-sión: la música. John engloba a suscomposiciones bajo la denomina-ción de Progressive Synth Pop, y taly como indica él mismo, combinaaspectos de diferentes estilos musi-cales para crear su propio sello deidentidad. Este género musical tanconcreto ya nos sorprendió haceaños en trabajos como “Curtains” o

L E T U R - L E F R E PPor Joaquín Ollero


“The Empyrean”, donde la inclusiónde elementos electrónicos acompa-ñando a la legendaria melodía deguitarra que él y sólo él puede crear,hacían acto de aparición para evo-lucionar en este camino tomado porel artista.

Las 5 canciones que encontramosen “Letur-Lefr” serían concebidas en2010, y no dejan de ser una compi-lación de canciones que realizó enaquel año. El título del EP, y basán-dome en las palabras del artista,significa la transición de de dos ele-mentos convirtiéndose en uno solo,y esto está representado simbólica-mente como que la 1ª canción delálbum es la secuela de la última.Salvo en “Glowe”, en todos losdemás cortes oímos colaboracionesde “amigos de John” (tal y cómo hadicho él), como pueden ser RZA,Kinetic 9 o Masia One.

La música presentada se sientecomo una evolución sobre su mú-sica, y es que John Anthony Frus-ciante es un espíritu inquieto encuanto a experimentar nuevas apro-ximaciones para visitar parajes úni-cos y repletos de sentimientosocultos. Si “Curtains” era un trabajomás acústico pero manejando in-igualables distorsiones de voz, y“The Empyrean” se presentasecomo un álbum mucho más celestialy místico que hablaba sobre un prin-cipio y un fin y el ciclo que se pro-duce en relación a estos extremos,este EP nos sorprende con nuevoselementos que seguramente mu-chos no encuentren adecuados.Hablo de secciones de beatboxing,de hip hop y… ¿algo de opera? (enel comienzo de “FM”, comienzomagnificamente unido con un granritmo). El resultado de incluir estasinfluencias en las canciones no dejade ser ligeramente anecdótica, yaque la voz de Frusciante siempreestá ahí como premio final, y jamásdejará de ser un auténtico lujo escu-charle entregarse en cuerpo y alma.

Esos conceptos de muerte y renaci-miento que tanto adora el cantantese ven representados por las doscanciones más importantes del EP:“In Your Eyes” y “In My Light”. Laprimera parece lo más cercano a loque conocíamos de él, pero sin em-bargo nos destroza todos los esque-mas con una parte de dubstepdestructivo que se carga todos losinstrumentos. Visto desde un planolejano, se puede considerar unajoya contemporánea muy ade-cuada, ya que la conjunción de estainnovación junto con el deleite vocalque se produce es una traducciónsincera de un producto que suenafamiliar y maduro. El segundo temanombrado anteriormente compartelazos de sangre con lo ya comen-tado aunque se sienta más electro-nicamente instrumental, creandomelodías crecientes y que cambiande forma y color continuamente.Aunque hablando de melodías seríaun delito dejarme en el tintero a

“909 Day”, que se lleva el aplausosonoro en cuanto a composición, yes gracias a ese sintetizador cons-tante que durante 2 minutos y 25segundos no deja de sorprendernospara finalmente marcarse el mejorfinal de canción del EP con un Frus-ciante agonizante y gutural.

Este primera muestra del artista eneste 2012 no son más que 15 minu-tos de miel en los labios, un cuartode hora de ideas innovadoras quefuncionan con soltura y originalidad.El cantante ha comunicado que elálbum que se publicará en septiem-bre se alejará en cuanto a esenciaa este EP, y ya sea porque estamosconvencidos de que volverá a en-contrar la tecla o porque haga loque haga este hombre nos encan-tará, no podemos mas que esperarcon ansia que el verano vuele y ten-gamos en nuestras manos unnuevo material más extenso quemagnífico EP.

JOHN FRUSCIANTE LETUR-LEFT EP REVIEW


Analizamos la discografía deFighstar, una banda de rockalternativo aunque más incli-nado al post-hardcore proce-dente de Londres.Comenzaron su carrera musi-cal en 2003 y hasta 2010 hanpublicado 5 trabajos de cali-dad con los cuales se hanconstruido un nombre el cualrespetar gracias a cancionescon una personalidad y unasensibilidad que a día de hoysiguen sorprendiendo. Pode-mos encontrar una serie deregistros muy diferentes entresí en Fightstar, predominandoel heavy, el rock y ciertos to-ques acústicos meláncolicosque yo definiría como post-apocalípticos, los cuales sonde una elegancia asombrosa.

Y es precisamente esa ver-tiente del grupo, la más soft laque destacaría por encima decualquier otra, ya que se pue-den encontrar temas rockerossuaves que son una maravillapara los oídos. Aún así, y aun-que personalmente las can-ciones heavys no me llenen,creo que sería justo conside-rar que son de una gran cali-dad y darles una oportunidadno será para nada una pér-dida de tiempo. Algo destaca-ble son las portadas de susdiscos (salvo “Be Human” y suprimer trabajo, que no siguenla misma línea), pero los tra-bajos centrales de la bandamanejan el mismo estilo me-lancólico de un mundo en susmomentos más tristes, así

como también espero que no-téis que ese toque apocalíp-tico que destacocontinuamente también estáimpregnado en los nombresde las canciones y de los ál-bumes, y en general en todala discografía del grupo, gra-bado con esa seña de identi-dad innegable y que se podríareconocer a leguas.

En estos momentos, los dife-rentes miembros del grupo seencuentran tomándose undescanso para volver a reu-nirse en 2012 (o incluso en2013) para dar forma al nuevoálbum del grupo y por el mo-mento están probándose aellos mismos en proyectos ensolitario.

DOSSIER


Por Joaquín Ollero

“They Liked You BetterWhen You Were Dead” (EP)(2005)

Escrito en 6 meses, las 9 can-ciones de este EP inicial apare-cerían más tarde en losálbumes oficiales de la banda,salvo “Cross Out The Stars”,

que además con una textura más suave a la que luegose convertiría en estándar de la banda, aunque con-tiene un delicioso fin de fiestas con una guitarra eléc-trica de protagonista que hace que se te caiga la baba.“Mono”, una de las banderas más importantes deFightstar, está escrita en honor al nombre japonés conel mismo nombre, y fue grabada durante una tormentay justo antes de que comience el final atronador es po-sible escuchar a Charlie Simpson, cantante y líder dela banda, gritar en la lluvia. Los pasadizos oscurosconstruidos en esta canción son de auténtica fabula yla inmersión que consigue producir en nuestras menteses sencillamente de reverencia.

El EP recibió críticas positivas de una manera instan-tánea, así como elogios muy prometedores por partede la prensa especializada británica, consiguiendo asíun lanzamiento en Estados Unidos al año siguiente, ycon ello, la expansión y el reconocimiento de la bandade manera internacional. Podemos concluir diciendoque “They Liked You Better When You Were Dead” fueuna carta de presentación ideal para esta banda post-hardcore, ya que con canciones de la talla de “PaintYour Target”, “Amethyst”, “Hazy Eyes” o las nom-bradas líneas más arriba (temas que luego serían pila-res fundamentales de los discos que estarían por venir)y un estilo muy definido con objetivos marcados desdeel principio, hicieron que Fightstar pudiese seguir cre-ando música.

“Grand Unification” (1erálbum oficial) (2006)

Visualizad mezclar el rojo fuegomás infernal y un gris indescrip-tible con palabras y que te dejaun sabor de boca que mezclaindiferencia y una tristeza sinsolución. En esa división juega

“Grand Unification”, álbum conceptual basado en elanime “Neon Genesis Evangelion” (cuya temática sepuede resumir en ángeles descendiendo del cielo paraexterminar a la humanidad, y el mundo se convierte enun lugar mejor después de eso, donde específicosseres humanos han sobrevivido). Quedamos total-

mente asombrados por la mezcla de estilos, ya que lossonidos tristes y dulces predominan en el prólogo, “ToSleep” y epílogo, “Wake Up”, (extremos relacionadosformando una circunferencia de este disco) mientrasque en los temas centrales encontramos fuerza (convoces desgarradoras) pero no por capricho, si no pornecesidad para dar esa sensación que desean del findel mundo que ellos imaginan y en lo que se converti-ría. Fightstar no quería escribir un disco post-hardcoretípico, y lo cierto es que se desmarcaron gracias a laoscuridad esparcida a lo largo de todo el metraje.

Pero es sin lugar a dudas en el tramo final de la “Uni-ficación” donde encontramos lo más destacable con“Mono”, “Hazy Eyes”, (estas dos directamente traídasdesde el EP) “Grand Unification 2″, con unos prime-ros compases que han ganado el premio especial almejor párrafo de toda la discografía: un discurso sobrela humanidad, una declaración existencial de orígenesy destinos, una reflexión profunda sobre el sentido devivir. Segundos después se narra en pocas palabras elfin del mundo que bien puede estar representado en laportada del álbum, de hecho se describe exactamenteesa escena con: “Hold my hand until the waves come”.¿Piel erizada? Tan sólo tenéis que imaginaros detrásde ese paraguas rojo y sentiros contemplar ese atarde-cer. “Wake Up” cierra el álbum con fuerza y contun-dencia, demostrando que Grand Unification es untrabajo redondo que ha sabido demostrar debilidad yfortaleza a partes iguales. En este broche de oro, losmiembros de la banda te suplican que despiertes, yaque el mundo se acaba y tienes que contemplar sus úl-timos instantes. Todas estas canciones que se hanmencionado hacen acto de presencia seguidas y tedejan una sensación desgarradora en el corazón.

“One Day Son, This Will AllBe Yours” (2º álbum oficial)(2007)

Grabado en Los Ángeles, “OneDay Son, This Will All Be Yours”continúa en la misma línea delprimer trabajo oficial, siendo enesta ocasión el comienzo del

disco lo más destacable, así como el epílogo, “Unfa-miliar Ceilings” (aunque todos los cierres de álbum alo largo de la discografía son de matrícula de honor)con el detalle de una voz femenina que hacen de lacanción el final perfecto para esta herencia utópica deun mundo en ruinas para nuestro descendiente mascu-lino. De esta manera, los temas de los que se hablan alo largo del tracklist de 12 temas son el calentamientoglobal, la guerra, así como la relación recién terminada

DISCOGRAFÍA


por aquel entonces de 7 años del cantante principal ysu pareja. El estilo que se encuentra presente tiene lamisma base que el que ya conocemos, pero apretaronligeramente la tuerca de la agresividad excesiva y en-contramos un par de ejemplos que hacen la guerra porhacerla, como “Deathcar” y “Tannhauser”, aunquepodemos encontrar algunos exquisitos pianos, como elque aparece en “Floods”, uno de los singles estrella(junto con “We Apologize For Nothing”) de esta 2ªiteración de Fightstar. También nos sorprendemos conintroducciones totalmente a capella dulzonas en “You& I”, que representa el concepto de balada (con el per-miso de la joya de la corona que conoceremos mástarde) . La interminable vista a un futuro gris y a un ho-rizonte infinito no desaparece del paisaje y como esobvio siguen siendo una seña de identidad.

“Alternate Endings” (recopi-lación de B-sides) (2008)

Estimados lectores, no piensenque porque “Alternate Endings”sea una recopilación de temasno considerados en principio,un conjunto de b-sides, sesio-nes en directo en la radio, algún

cover y algún lanzamiento en primicia, eso quiera decirque se deba pasar por alto, porque me atrevería a decirque nos encontramos ante el álbum más destacado detoda la discografía junto con “Be Human”. Este álbumfue una decisión del sello discográfico, Gut Records,que en declaraciones del batería de la banda, OmarAbidi, intentaron exprimir a la banda para sacarleshasta la última moneda que fuese posible. En opinióndel batería, le parecía arrogante que tan sólo tras dosdiscos, fuese lógico sacar un disco recopilatorio, peroasí fue.

El grueso más destacable está a mitad de trayecto ycomienza con “In Between Days”, para dar paso a laperfecta y no me tiembla el pulso al decirlo, “ShinjiIkari”, y es que sí quereis saber qué es Fightstar, de-beis comprender perfectamente esta canción. Este dia-mante en bruto desprende un frío innato que te hielalas entrañas, por la voz del cantante y por la guitarraen los primeros minutos. El “estribillo” produce un cam-bio de ritmo en la canción de manual, y el solo de gui-tarra de la parte final es una clase maestra visionaria yapabullante. “This Is Goodbye” lo resume todo: eldolor de una despedida así como el sabor de que algollega a su fin. Pero “Alternate Endings” no es tan sóloesto, ya que después del éxtasis la calidad no baja gra-cias a “Dark Star”, “Gracious” y “Fight For Us” aun-que la parte final del álbum es sencillamente muchomenos destacable.

“Be Human” (3er álbum oficial)(2009)

“Be Human” es el último discopublicado de la banda y se se-para considerablemente de esafilosofía decadente que hemosexperimentado en la parte cen-tral de la discografía para ofre-

cernos cosas más tangibles, reales, de otro calibre,aunque con una calidad incuestionable, y rivaliza muymucho con “Alternate Endings” por el primer puesto.Aquí encontramos lo más humano y lo más hardcore(“Damocles”), tanto que el batería y el cantante prin-cipal tuvieron que tocar la batería en tándem para poderafrontar la exacerbada agresividad que contiene eltema, y es que si hablamos de extremos, el riesgo espatente, aunque con muy buenos resultados. Fightstarse siente diferente en 2009 y lo expresa a través de 12canciones que inspiran más madurez. Dejan de soñary de imaginar demasiado y se centran más en la reali-dad palpable cotidiana. Nos resulta muy agradable en-contrar ciertos coros en las canciones, una innovaciónque hace puzzle con la filosofía del grupo, algo que elCharlie Simpson denominó rock opera.

Es un trabajo repleto de buenas canciones, las cualescasi todas podrían servir de estandartes, y es que “Ca-lling On All Stations”, “The English Way”, “War Ma-chine”, “Whisperer”, “Tonight We Burn” (más épicaincluso) tienen melodías características que conviertena “Be Human” en un disco definido, trabajado y con unacalidad incuestionable, donde se mezclan los instantesintensos con otros donde el mar está en calma perosiempre con las olas en el horizonte.


IMPRESCINDIBLES

A continuación se compone una lista que recoge los 21 mejores temas que podemos encontrar en Fightstar.Todos son sobresalientes y merecen una escucha, pero obviamente, siempre sobresalen unos por encima deotros. Aún así, los 10 primeros puestos son totalmente obligatorios, y es que cuando hay tanta calidad para cla-sificar… pasa lo que pasa. Quiero aclarar que no he incluído aquellos temás más hardcore/heavys que podemosencontrar en Fightstar, así que a quién le guste esa vertiente, que le eche un vistazo a los temas no mencionadosen este apartado, aunque igualmente algo habrá caído en este apartado.

01. Shinji Ikari (Alternate Endings)02. Dark Star (Alternate Endings)03. Tonight We Burn (Be Human)04. Hazy Eyes (Grand Unification)05. Mono (Grand Unification)06. Gracious (Alternate Endings)07. Floods (One Day Son…)08. Wake Up (Grand Unification)09. The English Way (Be Human)10. Calling All Stations (Be Human)11. Grand Unification 2 (Grand Unification)

12. Paint You Target (Grand Unification)13. Fight For Us (Alternate Endings)14. We Apologize For Nothing (One Day Son…)15. Cross Out The Stars (They Liked You Better WhenYou Were Dead)16. War Machine (Be Human)17. Whisperer (Be Human)18. You & I (One Day Son…)19. Follow Me Into The Darkness (Be Human)20. In Between Days (Alternate Endings)21. Unfamiliar Ceilings (One Day Son…)

CONCLUSIÓN

Fighstar es una banda de rock con un estilo muy especial que no podéis dejar pasar y mucho menos sisois de ese tipo de personas en las que en el corazón tenéis un rinconcito permanente para la melancolíay sentimientos grises adornados de fuerza y potencia. Por el momento tan sólo nos queda esperar que labanda se reúna lo antes posible para dar a luz al 4º álbum oficial de la banda, el cual, si finalmente llega apublicarse, estoy convencido de que gracias al paso del tiempo, habrá ganado fuerza y valores los cualesadornarán todas las canciones que contenga. Hasta ese momento, a disfrutar de todo el material que estoschicos ingleses nos han regalado con tanto cariño durante todos estos años.


CRÓNICAL O W C O S TF E S T I VA L 2012Tres días con sus tres noches. Y qué tres noches. Cada día ha habido algo nuevo que superaba ala anterior. Y para eso estamos aquí y estuvimos allí. Si bien a través de nuestro twitter íbamos co-mentando un poco la jugada, nada como hacer una recopilación de los momentazos vividos porparte de nuestra redacción y que también queremos compartir con todos vosotros.


Por Jesús Daniel Marín

Viernes 27 de julio

Desde primera hora estábamos en el recinto. Hacía unasemana que habíamos tenido el placer de conocer ycompartir escenario con la gente de Aardvark Asteroidy allí estuvimos para apoyarles en su apertura del LowCost. Subidos en el Red Bull Tour Bus daban la bien-venida a golpe de guitarra a todo el que fuera entrandoen el recinto, con media hora de retraso sobre la horaprogramada. Tomamos contacto con los tokens, nove-doso sistema monetario del festival y nos hicimos conunos vasos reutilizables y sostenibles para dirigirnos alprimer concierto del escenario Lower. Allí nos espera-ban luces de discoteca y bailes ochenteros gracias aVarry Brava, quienes supieron capear el temporal delas altas temperaturas con un sonido fresco y que porcircunstancias, les abandonó durante “Ritual”, cre-ando un improvisado coro con el público, que se lanzóa cantar la canción ante la ausencia de sonido exterioren el escenario “pequeño”. Tambien nos gustaría des-tacar que iniciaron su concierto deseando un feliz fes-tival a todos los asistentes brindando con una copa degazpacho. Muy grandes los Varry, una forma perfectade entrar en “Calor”.

Antes de pasar al siguiente concierto, una ronda de re-conocimiento del recinto. Comida, merchandising y elescenario de Sol Música. Pero es hora de ver a TheRight Ons y el renacimiento del rock’n'roll en el LowCost Festival. Potentes, contundentes, desgranando sutercer disco casi al completo. No hace falta decir que“On The Radio” desató la locura entre los asistentes.Cuando terminaron su actuación, se produjo un pere-grinaje hacia el escenario Budweiser (a partir de ahora,el grande, para evitar publicidad innecesaria). Lo queiba a suceder allí sólo se puede tildar de especial. IvánFerreiro, arropado por su gran banda, nos iba a trans-portar a un viaje íntimo hacia su propio ser. Desgra-nando poco a poco temas de su discografía completa,no faltaron temas clásicos que ha revisitado reciente-mente en sus “Confesiones De Un Artista de Mierda”.“Turnedo”, “El viaje de Chihiro”, “Farenheit 451″

(coreadísima con ganas) y las imprescindibles “Años80″ y “Promesas Que No Valen Nada” hicieron queun concierto ante miles de personas pareciera algo muyíntimo.

Llegaba el momento del primer cabeza de cartel. Losbritánicos Suede y su único concierto en España esteaño. Y se notaba, Mucho fan desde primeras horas,agolpados en las primeras filas. Y supongo que desdearriba del escenario notas esa predisposición del fanhacia tí. Y Brett Anderson salió a darlo todo. Sudandosu camisa gris plata desde el primer segundo y sinparar de moverse y de manejar la actuación a su an-tojo, dieron un concierto perfecto. Grandes perlas en susetlist, las necesarias “Beautiful Ones”, “Trash” o“Animal Nitrate” crearon un karaoke entre los muchí-simos asistentes que se concentraron ante el escenariogrande. Desde luego, Suede siguen teniendo ese algoque atrae a la gente y saben perfectamente cómo ex-plotarlo. Para despedirse de nosotros usaron “SaturdayNight”, dejándonos a todos con los pelos de punta. Elespectáculo atemporal que nos regaló Suede nos im-pidió ver a Is Tropical, pero sí tuvimos tiempo de dis-frutar un rato de We Are Standard que con sufunk-disco quemapistas tenían a todo el público bai-lando. Disfrutamos de temazos como “Other Lips,Other Kisses” que en directo suena imparable.

Con cierto retraso sobre lo programado, Supersubma-rina salían a defender “Santacruz” en el escenariogrande. Si bien su sonido ha mejorado con respecto asu actuación del año pasado, se les puede achacar unafalta de empatía con el público que no les sigue, puessus letras de temática más bien triste conectan perfec-tamente con sus fans, pero no así con el asistente a unfestival que elige verlos. Pese a esto, se vivieron gran-des momentos con “Ana”, “Kevin McAlister” o el pri-mer single de su último disco, “En mis venas”.Mientras tanto, en el escenario pequeño The Whip es-taban haciendo de las suyas, obligando a quemar za-patilla a ritmo de electro rock incansable. Los queestuvieron allí hablan de uno de los mejores conciertosdel festival.


Desde luego, fue impresionante ver a todo el mundosaltar al ritmo de “Trash”.

The Sounds tomaban el relevo en el escenario grande,dispuestos a agradar al público que se había quedadodespués de los jienenses. Nosotros ya no nos queda-mos a comprobar si lo consiguieron o no, pero pudimosescuchar a la salida los acordes de su hit “Tony TheBeat” y aún nos permitimos un ligero bailoteo. Así ter-minaba el primer día para nosotros (para casi todos,pues Alejandra se quedó a ver a One Many Dj, nuevonombre ante la adversidad del dúo belga) y sólo pode-mos decir que nos quedan dos por delante y vaya dos.El primer día fue un poco caótico a nivel general, debidoal desconocimiento del sistema de tokens, que porsuerte se solventó al día siguiente, el hecho de que losaccesos estuvieran desbordados por un problema in-formático y mal indicados, el retraso en la apertura depuertas y algun que otro problema de sonido en ambosescenarios, aunque no se puede tildar de problemasgraves, sino de una casualidad que puede suceder encualquier festival.

Sábado 28 de julio

Con los primeros síntomas de cansancio llegamos alescenario grande para comprobar como la encantadoraAnni B. Sweet presentaba su “Oh, Monsters!” en el fes-tival. Armada con su guitarra y sonriendo sin parar, losque nos quedamos viéndola bajo el sol de justicia queaún apretaba a las ultimas horas de la tarde. Un sonidomejor que el del día anterior y un público que comprobócomo varios componentes de Vetusta Morla colabora-ron con la artista malagueña. Y de aquí, pasamos a vera los murcianos Second. Merecedores de un horariomás cercano a los grandes nombres del festival, su le-gión de fans copó los alrededores del escenario pe-queño para disfrutar de un gran concierto. Aunque note gusten, hay que admitir que tienen un sonido com-pacto, de tintes épicos y que merece empezar a sermás reconocido a todos los niveles. “Rincón exqui-sito”, “Demasiado soñadores” o “Psicopático” fue-

ron de las más coreadas y una vez más pudimos com-probar como Sean adora a Spiderman, subiéndose porlos hierros del escenario.

A Fanfarlo no pudimos verlos y aprovechamos pararomper una lanza a favor de Second, porque no hubieraestado de más que ellos hubieran ocupado el puestoque ocuparon los de Londres. No estamos diciendo queFanfarlo no tengan calidad suficiente como para estarahí, pero tal vez Second ya se hayan ganado el dere-cho a talonear al cabeza de cartel. Los “flamenquindies”de Fuel Fandango estaban deleitando a sus incondi-cionales mientras en el escenario grande se iban su-mando asistentes para el plato fuerte del día. BrianMolko salta al escenario y empieza a descargar tematras tema, éxitos imperecederos como “Every You,Every Me”, “Teenage Angst” o “Slave To The Wage”alternados con canciones de su último disco, como laque daba título al álbum “Battle For The Sun” o el sin-gle de éste, “For What Its Worth”. Molko se presentóa si mismo en un castellano más que correcto para loque nos tienen acostumbrados los grupos internacio-nales, pero olvidó presentar al resto de la banda. Pa-rece ser que al resto de componentes no afectó estegesto, ya que siguieron sonando con la misma fuerza ypotencia desde el primer momento. “Song To Say Go-odbye” y “The Bitter End” sonaron antes de los bises,en los cuales Placebo nos regaló el estreno mundialde un tema nuevo titulado “B3” y la interpretación de“Running Up That Hill”, una versión de un tema deKate Bush. Desde luego, gran éxito de público el quetuvieron los ingleses acaparando la mayor audienciadel festival. Por algún motivo han repetido visita cuandotan sólo hace dos años que visitaron el festival por úl-tima vez.

Mientras en el escenario pequeño El Columpio Ase-sino repartía guitarrazos con claro sabor a Diamantesalcanzando el éxtasis mientras sonaba ese nuevohimno en el que se ha convertido “Toro”, sorprendíaver la cantidad de gente que se quedaba en el escena-rio grande para ver el show de La Casa Azul. Con sucasco espacial en la cabeza, Guille Milkyway salió dis-puesto a quemar la noche de Benidorm y lo consiguió.Con las proyecciones de la pantalla que estaba a susespaldas y la ayuda de dos “autómatas” que le acom-pañaban, tuvo al público bailando durante más de unahora, salvo en los momentos en los que se sentaba alpiano para suavizar el ritmo del concierto. “La PolinesiaMeridional” estuvo bien representado en el setlist conmomentazos como “Europa Superstar” o “Terry,Peter Y Yo”, pero no faltaron temas como “SuperGuay”, una coreadísima “No Más Myolastan” y unbroche final con todo el público saltando enfervorizadomientras disfrutábamos de una completa “RevoluciónSexual”. Desde luego, uno de los conciertos más di-vertidos de ver de todo el festival. En el escenario pe-


queño estaban actuando Citizens!, los apadrinados deAlex Kapranos que tanto están dando que hablar consu primer disco, pero cuando quisimos llegar a verles ydebido a su escaso repertorio, estaban terminando.Sondeamos la opinión general y parece ser que lescostó arrancar, pero una vez lo hicieron, cumplieron conlas expectativas. Se iba acercando el final del día y ca-minamos de vuelta hacia el escenario grande paracomprobar lo interesante de la propuesta visual y mu-sical de Etienne De Crécy. Con su espectáculo “Be-ats’n’Cubes live” el dj francés puso las pilas a todoslos asistentes a su espectáculo, centrado en la proyec-ción de diferentes haces de luz sobre una estructura decubos que parecía cobrar vida por momentos. Desdeluego, siempre ayuda a que el espectador disfrute siademás de una buena selección musical, la puesta enescena está cuidada. Un lujo para cerrar la programa-ción en el escenario grande y despedirnos del festivalpor esa jornada.

Lo sentimos por Make The Girl Dance y los ZombieKids, pero queríamos guardar unas pocas fuerzas parala jornada dominical.

Domingo 29 de julio

Tras dos días de fiesta y con el cuerpo cansado peroaún al pie del cañón, volvimos al recinto del festival conun añadido, el regalo de un token por parte de la orga-nización para disculparse por los pequeños problemasdel primer día. Es un gesto que demuestra su buenavoluntad por tener contentos a los asistentes y se agra-dece el haberlo hecho.

McEnroe acercó a los más tempraneros a su actuaciónen el escenario pequeño. Un pop intimista, con letrasmuy trabajadas y que cautivó a los que presenciaron laactuación de los vascos. A mitad de su actuación ydesde el escenario grande, las guitarras de The NewRaemon empezaron a atronar a un volumen ligera-mente más alto de lo normal. Como bien se encargó derecordarnos su vocalista, ése era el concierto de des-pedida de la gira de su último disco y querían hacerlo

especial. También sonaron temas de sus discos ante-riores e incluso versiones de Nueva Vulcano como “TeDebo Un Baile” o una alusión a su proyecto con Ri-cardo Vicente y Francisco Nixon tocando “Repar-tiendo El Sombrero”, adecuadísima para los tiemposque corren.

En el escenario pequeño iba a suceder algo imprevisi-ble. Bigott empezaba su concierto de forma más bienpoco afortunada, con ruidos inconexos y difíciles de es-cuchar. Menos mal que sabíamos a lo que íbamos ypronto cambió el chip. Asistir a un concierto de estehombre es, además de disfrutar de su música, vivir unafiesta que el mismo Bigott se encarga de transmitir me-diante sus extrañas coreografías. “Kinky Merengue”dio el pistoletazo de salida a la fiesta más descaradaque explotó con “Cannibal Dinner” y todos los asis-tentes coreando su pegadizo estribillo. Tanto gustó a lagente que una vez terminado su concierto y a peticióndel público, regresaron para interpretar “Dead Mum’s”y “Bar Bacharach”. Los que estuvimos allí disfrutamosde lo lindo. Mientras tanto, en el escenario grande losvalencianos de La Habitación Roja se dedicaban a loque mejor saben hacer, tocar en directo. No se lespuede reprochar nada a éstos chicos que siguen pre-sentando su gran disco “Fue Eléctrico”, con temazoscomo “Indestructibles” o “Ayer”. No faltaron referen-cias a trabajos anteriores y temas clásicos en sus di-rectos como “El Eje del Mal” o “Nunca GanaremosEl Mundial” e incluso dieron un susto a través de lasredes sociales cuando apareció una foto de su can-tante, Jorge Martí, comentando que éste iba a ser elúltimo concierto de La Habitación Roja. No os asustéis,se refería al último concierto de este mes, no se sepa-ran y nos queda grupo para rato. Disculpad que no vie-


ramos a Jero Romero, pero necesitábamos cenarantes de disfrutar de Kasabian.

Y sí, hablamos de disfrutar porque lo que se vivió allífue un cañonazo de concierto en toda regla. Desde losprimeros acordes de “Days Are Forgotten” se notabaque Kasabian venían a darlo todo y así fue. Siguieronsu actuación volviendo la vista hacia atrás y provo-cando saltos con “Shoot The Runner”. No podían fal-tar a la cita la muy brit “Underdog” o uno de los pilaresde sus conciertos, “Club Foot”. No defraudaron tam-poco con las versiones, como “Misirlou” o la más re-ciente “Everybody’s Got To Learn Sometime”.Sergio Pizzorno y Tom Meighan no paraban de alen-tar al público a que saltaran excepto en el momento enque tocaron “Goodbye Kiss”, dedicada a las parejasque había presentes. Con “LSF” se despidieron del es-cenario para volver a rematar el concierto con unosbises destructivos. “Switchblade Smiles” sonó máselectrónica que nunca y con “Vlad The Impaler” vol-vieron a conseguir una comunión perfecta entre públicoy artista. Como bomba final se guardaban la explosiva“Fire” en la cual hicieron que nos agacháramos parasaltar con más fuerza. Repitieron varias veces su agra-decimiento al público, a los cuales les dijeron que asíes como ellos hacían su trabajo e incluso Tom Meig-han regaló, una vez se habían ido sus compañeros delescenario, una versión a capella de “She Loves You”,de los Beatles, que todos los asistentes acompañaroncon su voz. Triunfal recital de Kasabian a los que ya seles espera de vuelta por España. Al salir del escenariogrande, Triángulo De Amor Bizarro estaba desgra-nando su ruido perfectamente orquestado llevando aléxtasis al público con su ya clásico “De la MonarquíaA La Criptocracia”. Pero aún quedaba un plato fuerteen el escenario grande y es que Vetusta Morla muevea legiones de fans en el mundo indie y así sucedió.

Desde el primer momento se notaba la magia entre losmadrileños y el público que se preparaba a escucharsu largo concierto, casi rozando las dos horas. Combi-naron canciones de “Mapas” con las de “Un día En ElMundo”, dejando como puntos álgidos “El Hombre DelSaco”, “Valiente” o “La Cuadratura Del Círculo”. Sa-bemos que Vetusta Morla son un referente nacional enlos festivales y una apuesta segura en cualquier cartel.

Putilatex orgasmaba en el escenario pequeño, encan-tados de encontrarse con su publico fiel y que cele-braba los temas más famosos del grupo y susirreverencias varias, masturbaciones incluídas. Y losnoruegos Kakkmaddafakka (cómo cuesta escribir sunombre bien) fueron los encargados de poner el brochefinal al escenario grande con una fiesta de risas ybuena música, donde se lo pasaron como niños e hi-cieron disfrutar al público de la misma forma. El éxtasisde los noruegos en calzoncillos y camiseta interior llegócon “Restless”. Habrá que seguirles muy de cerca,porque como sigan creciendo, tenemos fiesta asegu-rada para rato.

Buffetlibre cerraron el festival con un set que no podíaser más adecuado al papel que les tocó desempeñar.Un broche de fiesta mezclando canciones que puedentacharse de temazos y que incluso incluyeron la sinto-nía de “Mario Bros”. Hasta aquí llegó el Low Cost, por-que ya no asistimos a la fiesta de despedida de laplaya, pero desde luego, podemos decir que se coro-naron como una de las apuestas más en forma encuanto a festivales de verano en nuestro país. Si estu-visteis allí, sabéis de lo que hablamos. Si no, lo senti-mos por vosotros, por habéroslo perdido.


OPINIÓN

Cualquiera diría que estamos en elaño 2012. Tal vez tuvieran razón losmayas con aquella profecía del findel mundo, pero el apocalipsis socialsí está cada vez más cerca. A día dehoy, hemos visto como los ciudada-nos que están en el poder, militantesde un partido político determinado,están realizando una limpieza me-diática a conciencia.

Podríamos realizar una lista connombres muy importantes de comu-nicadores españoles, pero han sal-tado todas las alarmas tras uncambio de dirección en Radio 3, su-cursal musical de Radio Nacional.La última mañana de agosto amane-cía con una noticia incomprensible:la eliminación de “Carne Cruda” dela parrilla radiofónica. Como si deuna dictadura se tratara, ni siquierahan dejado a los miembros del pro-grama despedirse de sus oyentes,puesto que los programas de final deverano están grabados. Ha sido elpropio Javier Gallego, quien a tra-vés de un blog en eldiario.es, ha in-tentado hacernos ver a los oyentes(que somos más de los que parecía-mos) que si bien “Carne Cruda” teníaasegurada su continuidad, ha sidodespués de unas pesquisas delotrora progre Tomás Fernando Flo-res, actual director de RNE3,cuando esa promesa de continuidadse ha visto truncada por motivoseconómicos. En esta línea de lim-pieza ideológica de la radiotelevisiónpública hemos sido testigos de otrosgolpes de puerta al trasero a otrosprofesionales de la información. Enjulio se despidieron de las ondas ylas pantallas algunos como Toni Ga-rrido o Ana Pastor. Pero no seamosnecios. Tomás Fernando Flores esconocido por estar a la cabeza de“Siglo XXI”, programa famoso porlos incendiarios mensajes de su con-testador. Pero parece que, a la vista

de los hechos, lo único revoluciona-rio en dicho programa son las llama-das de los oyentes. Si han eliminadode la parrilla un programa como“Carne Cruda”, ¿qué pasará a partirde mañana con aquellos que insul-taban al Gobierno en el que ha sidosu programa de siempre? ¿Nos en-contraremos con un “Siglo XXI” edul-corado y que bien podría llamarse“Siglo XIX” con un claro servilismo albienestar de la Nación? Y seguroque esto no ha sido flor de un día.Podemos leer en El Mundo una en-trevista a Tomás Fernando Flores,un día antes de confirmar la cance-lación del programa, en la que sedan motivos diversos como “El pro-grama de Javier Gallego es muycaro para Radio 3: siete colaborado-res, cuatro guionistas para Gallego.‘Carne cruda’ no sigue por eso, yporque el toque sensacionalista quele ha dado en los últimos meses noconduce a nada”. Qué lástima queesa afirmación no sea más que unerror. Porque la evidente censuraestá tomando una fuerza inusitadaen nuestros días y no sólo en nues-tro país. Si miramos hacia paísescon un gobierno tradicionalmentemás “de izquierdas”, como puedeser Rusia, (madre de comunistas ydefensora del Comunismo y ahoraconvertida en paradigma del consu-mismo) nos sorprendemos ante lasentencia que ejecuta otro de esosgobiernos a los que parece que mo-lesta que el pueblo pueda ejercer suderecho a la libertad de expresión ylos medios, el suyo a emitir informa-ción veraz.

El 21 de febrero de 2012 tres de lasintegrantes del grupo de punk-rockfeminista Pussy Riot entraron en laCatedral del Cristo Salvador deMoscú y, con ayuda de megáfonos,entonaron una canción en contra deljefe de Gobierno, Vladímir Putin. En

prisión preventiva desde que las de-tuviesen por este acto, se ha dictadosentencia el pasado mes de agosto,condenando a dos años de prisión acada una por “gamberrismo moti-vado por odio religioso”. A día dehoy, es posible que se hayan decla-rado fervientes admiradoras de Ja-vier Krahe, juzgado este mismo añoen nuestro país por un corto reali-zado en los 70, en el que se cocinaun Cristo de madera. Sin embargo,quienes sitúen un poco la situaciónde la libertad de expresión en Rusiase darán cuenta de que semejantecirco judicial no se ha producido úni-camente por motivos religiosos.Quizá sería más adecuado hablar defalta de esa libertad de expresiónque en estos días compartimos conun régimen totalitarista. El Gobiernode Putin castiga muy duramente aaquellos que se atreven a manifestarsu oposición al mismo. La condenaa las Pussy Riot no solo es una ma-nera de penalizar una irrupción en elcentro ortodoxo, sino una demostra-ción de fuerza del régimen, para queaquellos que quieran protestar se lopiensen antes.

En un claro paralelismo, la criba devoces críticas que estamos sufriendotanto en radio como en televisión noviene sino a corroborar que tras laresolución de las últimas eleccionesgenerales, el individuo español haperdido el derecho a elegir cómopensar y qué escuchar. Demos lasgracias porque ellos, verdugos de laopinión contraria al librepensa-miento, nos salvan de esas palabrasque sólo nos hacen daño a losoídos, creándonos falacias sobre laposibilidad de desarrollar un pensa-miento crítico diferente al que nosquieren obligar a tragar. Palabras ex-plícitas para los pobres de espíritu.

Explicit lyricsPor Jesús Marín y Maje M.S.


Séptima edición del festival urbano enMatadero-Madrid con motivo del día inter-nacional de la música. Inagurando tam-bién el verano, el calurosísimo festival hareunido un buen puñado de importantes

bandas internacionales y haciendo bas-tante hincapié en las nacionales. Muchassorpresas, otras tantas consagraciones yalguna que otra decepción. Felicidades atodos los amantes de la música.

CRÓNICA


Por Quique Gómez

Jueves 21

El verdadero día de la música en todo el planeta (21 dejunio) fue el elegido para homenajear, por primera vezen Madrid, al genio del Albayzín Enrique Morente. LosEvangelistas arrancaron en la nave grande del Mata-dero, el escenario Spotify, con un sonido contundentey tremendamente noise, con menos deje flamenco ymás electricidad. Esto sirvió para ir escupiendo las can-ciones más místicas del álbum, las más llevadas a suterreno, las que también coinciden con los primeroscortes del mismo. Pero sin lugar a dudas, el clímax loalcanzaron, como era de esperar, con las dos artistasinvitadas, tanto de la grabación del disco como del con-cierto. A Carmen Linares le bastó con esa única peroespectacular versión de “Delante De Mi Madre” paradejar a todos los presentes con la boca abierta. En se-guida llegaría Soleá Morente y su imponente chorro devoz para interpretar de forma elegante y más que pro-metedora (está anunciada la continuación de la bandacon interpretación íntegra de la hija del cantaor paraeste mismo año) “La Estrella” y “Yo, Poeta Deca-dente” junto a Arias. El final, una fiesta mitad flamencoy mitad rock, en la que ambos extremos (rockeros ycantaores) se sintieron a gusto los unos con los otrosdemostrando que ahí había química y que esta aven-tura no se puede acabar aquí. Su propia hija se en-cargó de gritar al micrófono lo que todos pensábamosallí dentro: viva Morente!!!

Viernes 22

Es de sobra conocido el calorazo que pega en la capitalen cuanto empieza el verano, pero las restriccionesdesde el ayuntamiento no permiten comprimir un cartelen sólo la franja nocturna (a las 01:00 estábamos todosfuera del recinto). Lo que sí deberían hacer es intentarno programar tanto del festival en los escenarios exte-riores en mitad de la tarde. No es sano. Así, a las cincode la tarde, lo que uno busca es sombra, y el Sr.Chi-narro actuaba en el que al final fue el escenario conmejor sonido de todo el festival, el escenario Rockde-lux, una especie de teatro acondicionado y con una

acústica impecable donde se distinguían los cuatro ins-trumentos que allí sacaron a la perfección. AntonioLuque no estaba solo. La cantidad de registros del se-villano te hace ir a sus conciertos casi sin saber qué tevas a encontrar. En este caso, además de su acústica,le respaldó una elegante eléctrica, un soberbio bajo yun más que correcto batería. Menos del “¡MenosSamba!” (2012) de lo que esperaba pero bien integra-das en un repaso por, sobre todo, sus últimos discosdonde “Babieca” (antes del divertido pero previsiblefinal) resultó el temazo definitivo. Imposible aguantar latemperatura en los escenarios exteriores más que nadaporque veías el esforzado show de Lee Fields por unlado y la modernez cool de Twin Shadow (¿¿en serioorganización, 6 de la tarde??) y te subía aún más latemperatura. Una pena.

Para Azealia Banks daba igual porque a la “best newthing” había que verla sí o sí. El brevísimo pero a la vezintenso espectáculo no defraudó, aunque habrá quevolver a verla cuando edite LP, porque por muchas gim-nastas que aparezcan para animar el cotarro, sigue so-nando efectista el dúo DJ y cantante. “212” fue, eso sí,uno de los momentos del festival.

Cambios de horario para Tindersticks que me dejaronsin verlos, porque empezaba uno de los artistas másesperados de la jornada, James Blake. No entiendocómo este concierto fue programado para un escenarioexterior, cuando su intimista dubstep encajaba mejorcon la oscuridad del escenario Spotify de aforo similar.Lo sorprendente es que pese a todo consiguió dar unrecital de sonidos graves que yo nunca antes había ex-perimentado. Es lo más destacable de un injustamentedeslucido concierto en el que parte del público pedíasilencio a la otra gran masa que no supo disfrutarlo. Yade noche (por fin) pudimos asistir a lo que se convirtióen lo mejor de todo el festival: Two Door Cinema Club.Desde el minuto 1 los irlandeses pusieron a bailar atodos en un auténtico desparrame de hits que en di-recto deja en pañales a tan celebrado disco de debut.Acojonante. Reconozco que el factor sorpresa ayuda,pues no esperaba tanto (tantísimo) de este entregadí-simo cuarteto. Presentaron alguna que otra canción del


inminente nuevo álbum que, sin desentonar, supierona menos dentro de tanto single que contiene el primero.Amos. Y para cerrar la jornada había que decidirseentre The Raveonettes y La Casa Azul. Lo de GuilleMilkiway es de traca, porque la estrella en la que porfin se ha convertido lo justifica con un show impagable(hay que estar ahí dentro, Mefle). El atuendo, la pose,el teclado-órgano, las visuales, el guiño a eurovisión…todo lo hace a favor del disfrute. Lleno de singles, suespectáculo fue lo más divertido del fin de semana, yyo se lo agradezco. Crack.

Sábado 23

El decepcionante sonido que salía de la nave dondeestaban tocando Frankie Rose nos escupió corriendoa ver al intimista James Vincent McMorrow en su ver-sión más acústica. Él solito con su acústica conectómejor con un entregado público que con banda, ade-más de conseguir distanciarse del parentesco con BonIver con el que le asocian.

Al salir vimos cómo Fanfarlo se torraban al sol (camisade franela el listo) del escenario principal en una jor-nada aún más calurosa que la anterior, y en la que otrocambio de horario nos dejó sin ver a Julia Holter. Pe-queña decepción en el sonido de los londinenses peseal esfuerzo, pues ya no sabes si la temperatura distor-siona a peor el criterio. Las canciones las tienen, esoes una realidad, pero molesta no poder disfrutar de estasúper banda que es algo más que una copia de Beirut.Habrá que volver a verlos. Y corriendo al Spotify a dis-frutar de la principal razón de mi presencia en este fes-tival. Christina Rosenvinge estuvo genial pero comono soy objetivo con ella, las sensaciones me las que-daré para mí. Respaldada a la guitarra y coros por RaülFernández (Refree), el formato fue mucho más rockde lo que esperaba, dando un buen repaso a su nuevaetapa en castellano (los dos últimos álbumes de estu-dio) y sin rescatar casi ninguna joya que sí aparecenen el reciente recopilatorio “Un Caso Sin Resolver”(2011). Sin acústicas en el escenario, la madrileña sepasó medio concierto con otra eléctrica y la otra mitad


sentada al teclado. Es la más grande y encima jugabaen casa, lo tenía fácil. Pero es tan bestia su discografíaque los fans no nos saciamos con sólo una hora deconcierto.

Al salir casi flotando de allí nos encontramos con el yaempezado concierto de Spoon, con los cuales habíaperdido algo de interés tras verlos en el Coachella através de Youtube. Error, pues sonaron mucho mejorde lo que los recordaba, con un Britt Daniel especta-cular haciendo de verdadero líder que es. Buen sonidoy perlas del “Ga Ga Ga Ga Ga” (2007) reservadas parael final en un gran concierto de rock que, pese a la otravez mala elección en el horario, supieron salvar concreces.

Por muy buenos recuerdos que guardo del “Deserter’sSongs” (1998) de Mercury Rev, me daba pereza unconcierto tipo Sigur Rós con el sol aún dando por culo,así que me pasé a ver al majete Mikal Cronin defen-derse con su estupendo álbum de debut antes del par-tido de la selección, el cual coincidía con las casi doshoras programadas para Love Of Lesbian. Criticadapor una gran mayoría, la organización dispuso una granpantalla que permitía ver el encuentro contra Franciasin sonido mientras disfrutábamos de unos entregadí-simos cabezas de cartel. Pese a la extrañeza de la si-tuación, el llenazo de los barceloneses disipabacualquier duda de quién iba a interpretar el rol de losVetusta Morla del año pasado. A ratos muy moñas, conbaladas, para mi gusto totalmente prescindibles, sona-ron de maravilla en las canciones más potentes de susdos últimos álbumes, con el sabido éxtasis general quesupuso “John Boy”. Santi Balmes agradeció la elec-ción de los fieles pese a la coincidencia con el partidomientras nos recordaba los goles de Xabi Alonso enun gesto que le honra aún más.

Estructurado casi en su totalidad como el día anterior,los que hacían de Two Door Cinema Club y La CasaAzul para cerrar, en esta jornada les tocaba a MaxïmoPark y Metronomy respectivamente. Si nos hubiesendado a elegir, hubiésemos cambiado el orden de losdías, pues lo del sábado fue mucho más decepcionanteque el viernes. A los primeros sólo les salva la pose deun excéntrico Paul Smith y las canciones de su primerálbum. Nada más. Y la indietrónica mística y elegantede los segundos se queda a medio camino entre lafiesta y el sosismo en directo. Momentos chulos (porsupuesto “The Look”) pero sin chicha. Menos mal queentre los dos nos colamos un rato en la sorprendentepuesta en escena shoegaze de Apparat, con un sonidobrillante.


Ico Top: Julio Por Quique Gómez

Venga, vale, el primerdisco de FrankOcean, “NostalgiaULTRA” (2011) nocuenta como tal, sinocomo un puñado gra-tuito de mixtapes y vir-guerías varias. Ya nospodíamos hacer unaidea del talento deeste miembro de OddFuture y colaborador

de otros grandes artistas (Jay-Z, Tyler The Crea-tor, Kanye West, Beyoncé…), pero nunca pudi-mos imaginarnos hasta dónde llegaría con esteverdadero debut. Sin samples ni complicacionesdiscográficas, este original “Channel ORANGE” esjusto lo que estábamos esperando: el disco del ve-rano.

Desmarcándose precisamente de su propia banday sello (Def Jam), tan modernos y transgresoresellos, el bueno de Ocean nos presenta un disco decorte mucho más clásico, con una variedad insul-tante en estilos pero manteniendo el tipo en cadauno de ellos. Así, no es difícil compararlo a vecescon artistas tan dispares dentro de la música negracomo Drake, R Kelly, Curren$y, Marvin Gaye,Kanye West, 2Pac, The Weeknd o Stevie Won-der (el parecido en “Sweet Life” está fuera de todaduda). Salvo en contadas ocasiones, donde sehace uso de sintetizadores y bases más raperas, eldisco chorrea R&B en todas las direcciones. Peroes que con esa extraordinaria voz, no es de extra-ñar que acabe haciendo puro soul. Más allá de losestilos, aquí lo que cuenta son las canciones, y deesto va sobrado, puesto que sin contar interludiosy transiciones, son todas potenciales singles.Todas. Desde “Thinking Bout You”, donde el soulcon falsete pone cachondo al más pintado, hasta“Forrest Gump”, en la que, con sutiles referencias(nunca cayendo en lo evidente, el chico tiene clase)agradece a ese desacomplejado niño que le ense-ñase a correr sin necesidad de ayuda. Di que sí,

Frank, tú sin miedo. Por el camino habremos caídoen sus encantos con “Sierra Leone” y esa 100%Stevie (“Sweet Life”), con el pop negro más old-school en “Lost” y “Monks” o con esa otra joya ti-tulada “Bad Religion”. Además, y como no podíaser de otra forma, hay colaboradores, aunque muypocos: Andre 3000 (Outkast) rapea en “Pink Mat-

ter” contrastando con el vozarrón y Earl Sweats-hirt (colega de Odd Future) hace exactamente lomismo en “Super Rich Kids”. La otra canción debase rapera, “Crack Rock”, al más puro estiloKanye (pero mucho mejor cantada), es la que dapaso a la joya de la corona (de África). Si “Pyra-mids” estuviese dividida en tres tracks, optarían lastres a canción del año. Define en un solo corteexactamente lo que supone este álbum: estilos muydiferenciados que parece dominar a la perfeccióne impregnados de sutiles detalles (desde el roman-ticismo más apasionado a la vulgaridad menos ra-cional). Es como una película con final agridulce,donde la introducción narrativa (sencillamente aco-jonante) da paso a unos inevitables hechos queacaban, y gracias a John Mayer, en lo que nosqueramos imaginar.

Frank Ocean acaba de inagurar su propio reinado.Y va tan sobrado que parece que pueda hacer loque le salga de los huevos. No será el disco del año(por poco) pero sí el más variado. A sus pies.

FRANK OCEAN / Channel ORANGE

INTERNACIONAL


La banda de Dave Longstreth, que tocó techo con “Bitte Orca” (2009), nos presenta otroseñor disco a la altura de aquel. “Swing Lo Magellan” continúa el camino empezado entoncesapuntando hacia un sonido más accesible, más pop, que le da más rienda suelta a la origi-nalidad. Siguen sonando tremendamente reconocibles, pero lo que ocurre es que ese estiloincómodo de antes, esas referencias a la música negra y los tropicalismos se camuflan másy mejor ahora que se han destapado como creadores de melodías para el recuerdo. Difícildestacar canciones dentro de un conjunto tan regular, donde baladas, hits, nanas y demásperlas se pelean entre ellas por despuntar. Las comparaciones con Vampire Weekend yAnimal Collective se quedan cortas en las dos direcciones, así que los pondremos justo enmedio. Gran banda y gran disco que, si bien es cierto que no es el mejor del año, da la sen-sación de que están muy cerca de conseguirlo.

Dirty Projectors / Swing Lo Magellan

Las comparaciones son odiosas, es un hecho. Pues qué mal le ha venido al pobre MichaelAngelakos (bipolaridad recién diagnosticada) que comparen su música con la de Los Cam-pesinos! cuando la de Passion Pit, ahora podemos confirmar, le da mil vueltas. Mientraslos galeses se esfuerzan en, por lo menos, igualar el aclamado y tremendo “Hold On Now,Youngster…” (2008) con poca suerte, los de Angelakos en cambio no hacen más que supe-rarse a sí mismo desde aquel prometedor EP titulado “Chunk Of Change” (2008), pasandopor el magnífico “Manners” (2009) y que culmina ahora con su mejor trabajo, “Gossamer”.Euforia controlada y sin control son las dos únicas cosas que vamos a encontrarnos en esteálbum. Sin querer hacer el chiste fácil con tan desgraciada enfermedad, es como si tantosalto en intensidad tuviese mucho que ver. Lo importante es que el colega tiene tanto talentoque sabe controlarse en ambos extremos terminando (casi) todas las canciones de formaredonda.

Passion Pit / Gossamer

Como si de los propios The Flaming Lips a los que teloneaban se tratase, el camino deFang Island se ha suavizado en favor del mainstream. No mucho, vale, siguen sonando bi-zarros como ellos solos, con el mayor esfuerzo por el buen rollo posible, pero todo ahoraestá más controlado. Habrá quien prefiera este relax en cuanto al ruido, con punteos másrefinados, estribillos con más clase y loops para la galería. Son, indiscutiblemente, mejoresmúsicos, y el disco es buenísimo, gracias a temazos como “Asunder” (ese final), la tre-menda “Make Me”, la instrumental “Dooney Rock” y su cambio de tercio, lo que pareceser un himno heavy en “Chompers”, o ese señor final que firman con “Victorinian”. El pro-blema es que las mejores de este álbum son las que más nos recuerdan al homónimo debut,es decir, las menos normales. “Fang Island” (2010) era tan bueno que este gran “Major” loconvierte en aún mejor. ¡Banda sonora de “F-Zero” ya!

Fang Island / Major

Kristian Matsson, el hombre que hay detrás de esa guitarra acústica con la cejilla casi enla caja (o del piano en este álbum), nos cae bien. Con The Tallest Man On Earth se cumpleesa norma de que cuando una canción es buena, por muy desnuda que ésta se encuentre,prácticamente sin instrumentación, debería funcionar igualmente (incluso mejor, según semire). Tan grande es el mérito que tiene como las ganas de parecerse a Bob Dylan, el cualse agarra a esa misma regla desde hace cincuenta años. Tres de tres, este nuevo intento deel hombre más alto del mundo es un acierto más, si bien no alcanza el nivel del anterior eimprescindible “The Wild Hunt” (2010), sí que llega a empatar con el no menos importantedebut “Shallow Grave” (2008). La bajada de nivel de la segunda mitad del disco (la primeraes lo mejor de su discografía) y su acomodamiento al piano le bajan algún punto.

The Tallest Man On Earth / There’s No Leaving Now


Ico Top: Julio Por Quique Gómez

NACIONAL

Maria RodésSueño Triangular

La artista catalana Maria (sintilde) Rodés (con tilde), antes co-nocida como Oníric, presenta sutercer álbum, y si bien antes com-paginaba el inglés con la mayoríade las letras en castellano, ahoralo hace con su idioma materno.¡Bien! El catalán, tan de moda úl-timamente, sólo está presente en“Mirall”, la quinta del conjunto, yes una preciosidad más dentro deun disco sin una absoluta fisura.La sofisticación minimalista deCocoRosie y la sensibilidad emo-tiva de Joanna Newsom en unsolo disco y en español. Pasen yescuchen.

“Sueño Triangular” está tan bienhecho y tratado con tantísimo ca-riño que parece mentira quesuene tan bien haciendo uso delmínimo en instrumentación desdesu anterior “Una Forma De Ha-blar” (2010). Apenas suenanarpas, una caja de ritmos, algunaguitarra… ¡en todo el disco! Y suvoz, claro, otro desnudo e impres-cindible instrumento más. La coti-dianidad con la que trata cadahistoria, cada canción, es básicaen esa descarada desproteccióninstrumental. Gotas de agua alprincipio de “Algo Y Nada A LaVez”, a las que se le suma su vozjusto antes de ese arpa y esos rit-mos de fondo… es un solo ejem-plo de con cuánto mimo se hantratado aquí a las canciones. El

minuto y medio de “Lejos DePekín” nos traslada, precisa-mente, a la capital china con des-parrame sonoro en la únicacanción más o menos movida deldisco, y con una letra que nopuede tener más doble sentido. Aeso juega Maria Rodés durante elrecorrido completo del álbum, aconseguir darle la vuelta a cual-quiera de los significados másevidentes a priori, y donde enprincipio hay una lectura, segura-mente haya otra (s) más.

“Haz Lo Que Te Dé La Gana”suena a single sin serlo, porquemás de uno descartaría un intentoasí de acercamiento a una su-puesta fama. La arriesgada“Transiciones” y la inicial “TeVi” evocan el más bucólico de lospaisajes, con calmada intensidady coros de fondo. Cierran “Ana-beluna”, otro arriesgado intentopor acercarse a los juglares; y“¡Qué Fácil!”, una maravilla quete deja la piel de gallina de tantí-sima sensibilidad ascendentepuesta a medida que pasan lossegundos. Un cierre magistral, ala altura de este, desde ya, clá-sico disco de nuestro idioma.

El álbum pasa en un suspiro. Esemismo suspiro que das cuandoya estás echando de menos suvoz y con el deseo de que notarde en volver.


Ahora que mola tanto cantar en catalán, a Mishima se les debería reconocer su trayectoriaademás de su innegable calidad. Dentro del indie nacional, ni esa banda de Pep (Manel) lle-van tanto como ellos ni esos otros baleares (Antònia Font) son mucho mejores. Para muestraun botón, y es que aun empezando el álbum sin querer mostrar todas las cartas, va mejorandoy de qué manera hasta llegar a esa absoluta genialidad llamada “Ningú M’espera” que re-cuerda a cosas realmente importantes del pasado (Vainica Doble, La Buena Vida o, porqué no, Joan Manuel Serrat). Es una pena que el orden del disco sitúe los mejores corteshacia el final, porque con una mejor distribución, entraría todo mucho más fácil. Y es que degrandes canciones andan sobrados: “Ossos Dins D’una Caixa”, “No Obeir”, “El CamíMés Llarg” y “Els Crits” deberían oírlas la gran mayoría de bandas mediocres que tenemosen España a ver si se les pega algo.

Mishima / L’Amor Feliç

Ya os hablamos de Unicornibot con la publicación de “Perro Termómetro”, algo así comolo más parecido a un single que saben hacer. Incluida hacia el final, no desentona en absolutoen un discurso guerrillero en el que nadie pronuncia una palabra. Igual algún berrido a tiempo,al estilo Lisabö no hubiese hecho daño. Pero quedan claras las intenciones desde el corteinicial, “Lendakari” (¿y la h?) hasta esa breve outro titulada “Todos Contra El Fuego”, enla que la pura violencia (partir caras a pirómanos) se concentra en menos de un minuto. Unosfenómenos en crear paisajes molestos siempre dentro del sonido más punk-hardcore. Lafalta de voces los acerca al math-rock, pero en cuestión de etiquetas, fijo que se las pasanpor el forro. Tras el desapercibido debut que supuso “Hare Krishna” (2010) y en el que trabajóBob Weston (Shellac), este “Dalle!” debería suponer la fama. Canciones como “Julio Igle-sias Portero” lo merecen.

Unicornibot / Dalle!

Otros gaditanos para cerrar el top nacional, aunque “Sailin’” no es ni siquiera un disco, sinoun EP que, a modo de maqueta o carta de presentación, nos quieren (y nos deben) sorpren-der. Es muy satisfactorio ver que entre nuestras fronteras también haya gente que se arries-gue con esto del blues, el R&B, el soul, el jazz o el funk, y más siendo un grupo novel. Sitodo funcionase como debe ser, esta gente debería conseguir la fama con su primer disco.Esperemos que así sea. De momento nos quedaremos con estas cinco sensacionales can-ciones tan llenas de influencias como de procedencias entre los miembros de la banda (fun-dada en Cádiz, sí, pero los hay de Uruguay o Martinica). Lo bonito de este proyecto es quetodo ha sido autoeditado, incluso la portada, pero con la destreza que muestran en las can-ciones, poco van a tardar en ficharlos desde más arriba. Por el bien de la música, que hayasuerte.

Kingston Blues / Sailin’

No confundirse con el tema inicial (“Intro (Funeral De E.T.)”), donde haciendo referencia altítulo, parece que estemos ante un disco de ambient, sci-fi o IDM (la portada tampoco ayuda).El regreso en largo de La Hora Violeta está tan depurado que usa intros incluso en cancionescomo la segunda (“El Fin Del Mundo”), la que nos pone en marcha, la que los define porcompleto y la que nos hace mirar los créditos por si el que canta es Nacho Vegas o no. Trascinco años de silencio, el trío gaditano vuelve con fuerza y respaldados por espectacularescanciones como “Almas Oscuras” o “Nuevo Telescopio”, que los sitúan justo a mitad decamino entre los teclados etéreos de Banin (Los Pilotos, Los Planetas) y la emocionalidadagridulce de los vizcaínos McEnroe. Paisajismo mezclado con intensidad, un combo perfectopara una banda que debería consagrarse de una maldita vez tras éste, descaradamente sumejor disco.

La Hora Violeta / Reptiles


Ico Top: Agosto Por Quique Gómez

El debut del dúo ca-nadiense Purity Ringno es, desde luego, loque supuso el“Dummy” (1994) en lamúsica pop de la dé-cada de los ’90; tam-

poco está a la altura de aquel debut de 2009de unos jovencísimos The XX; ni siquiera escomparable con lo que ha supuesto el másreciente “Visions” (2012) de Grimes. Pero“Shrines” es importante, y tiene a priorimucho de lo que tienen esos tres álbumesmencionados. Megan James y Corin Rod-dick firman uno de los debuts del año por laespontaneidad, por el salero y por los huevosque le han echado al adentrarse en un estilomusical muerto casi desde su nacimiento: elwitch-house. Además, el mérito del debut, fu-sionando música electrónica de la más intro-vertida con la sencillez más desnuda del poptanto vocal como instrumental. Volviendo alas tres referencias previas, en sus diferentesescalas (a espera de la importante perspec-tiva temporal que pone a Portishead, toda-vía, a años luz de todo lo que se va a hablaraquí), los cuatro discos guardan algo encomún, y es la habilidad de cambiar la formade entender el pop a base de mezclar. Unoscon las bases del hip-hop, otros con los sin-tetizadores más evidentes y otros con el másactual dubstep. En este sentido, Purity Ring,en lugar de remar a favor del pop más fan-tasmagórico que ofrecen los ritmos al estiloBurial, Skream o John Talabot, nos ofrecenel más difícil todavía, jugando con voces y

quiebros más acordes a la radiofórmula.Mucho, pero mucho más allá de la vertienteThe Knife, porque la voz de Megan y el estilodel dúo en general es pura inocencia. Igualcon la madurez tienden a lo contrario, perode todo corazón, esperamos que eso no ocu-rra.

Con un inicio descomunal con “Crawler-sout” y “Fineshrine” el disco ya te ha ca-lado hasta los huesos. Una vez pasado elshock inicial te empiezas a dar cuenta, conlas escuchas, que esto va en serio, y quetodos esos sonidos, esas capas oscuras demúsica transgresora no están ahí para con-trarrestar con la pureza del pop, sino para ad-herirse a ella. Estilo raro, diferente, perosugerente como ninguno. Continúan con“Ungirthed” y su mezcla entre irresistible es-tribillo pop e innegable dubstep de libro. Nicon calzador, eso es habilidad. “Lofticries”convence ahora y hubiese convencido antespor temazo que es, independientemente dequé herramientas se usen para ella, y “Be-lispeak” y “Obedear” le saca los colores aFever Ray, su propia banda y a Zola Jesusya de paso.

Se han puesto el listón demasiado alto nosólo por la calidad del disco, sino por lo deli-cioso del sabor de algo nuevo que sabe adesconocido y adictivo a la vez. ¿Cómo de-monios intentarán superar algo así? Que lodejen ahí… es la mejor opción.

PURITY RINGShrines

INTERNACIONALComo adelantábamos en el anterior Ico Top, agosto da tanta pena en lo nacional, que para no deslucir el rankingcon uno o dos nombres, mandaremos éstos al siguiente mes donde, eso sí, difícil van a tener encontrar hueco de-bido al abusivo desparrame de discazos que se avecinan. Así pues, y sin que sirva de precedente, este mes nosquedamos sin top nacional a la espera de mejores épocas musicales entre nuestras fronteras.


WILD NOTHINGNocturne

Lo que hizo JackTatum (líder únicode Wild Nothing) enese debut para re-cordar, “Gemini”(2010), fue aunar en

un solo disco y con gusto exquisito la me-lancolía atemporal de lo retro con el sonidomás fresco e independiente. Es tan indieque lo vamos a convertir en la mascota denuestra revista.

Tras giras y reconocimientos, la banda sevuelve a disolver para dejar a Tatum en supropio laboratorio, donde esconde bajollave el secreto del pop. Si bien hay genteque habla de que el lo-fi es una mera ex-cusa modal para ocultar carencias, en este“Nocturne” se ha eliminado a concienciaese gustillo por la baja fidelidad. Así pues,todo el disco, aun con reminiscencias alpasado, ha dado un salto tanto en calidadsonora como en cronología, que a ratoslos llega a emparentar con bandas comoCut Copy o The Tough Alliance (“ThisChain Won’t Break”, “Nocturne” y,sobre todo, “Paradise”). Limpios y crista-linos ahora no se andan con tonterías nidan la sensación de “rellenar” algunoshuecos, sino que toda pieza está dondedebería estar. Todo encaja. El synth-pop alo M83 que también gastaban en los ini-cios sigue aquí presente con una delica-deza aún más refinada. “Through TheGrass” es la más evidente, pero unién-

dola con el otro extremo más etéreo quetambién practican los de Anthony Gonzá-lez tenemos “Midnight Song” (casi City)o “Only Heather”, la cual no desentonaríaen un recopilatorio de dream-pop dondeestarían los himnos de Beach House yThe Pains Of Being Pure At Heart. Pararizar el rizo, “The Blue Dress” recuerda,y mucho, a los primeros The Cure. Y, porsi fuera poco, la canción que abre el disco,“Shadow”, tiene mucho de los nuevos in-vitados a la fiesta, DIIV, donde las capasse suceden en favor de la fragilidad y me-lancolía. Meticuloso hasta lo enfermizo, en“Nocturne” suenan detalles impagablesque son los que lo convierten en uno delos discos del mes: los coros de la propiacanción que da nombre al álbum; el me-loso sinte en “Rheya” que, unido a esaguitarra a lo Jamie Smith (The XX, aten-ción al mes que viene), suena sí o sí adespedida; el momento subidón (si a esose le puede llamar así) en “Paradise” quenos hace levantarnos pero sin dar saltos…Jack Tatum lo tiene todo controlado y senota.

Para definir a Wild Nothing hemos recu-rrido a una buena cantidad de importantesbandas. Buen asunto si tenemos encuenta que, como sigan así, vamos a em-pezar a usarlos a ellos como referencia,no sólo de los siguientes que vengan, sinode los propios mencionados. Ahora sí,grandes.


El tercer álbum de la banda neoyorquina Yeasayer despista, aún más, que el anterior “OddBlood” (2010). Donde en un estupendo debut, “All Hour Cymbals” (2007), parecían ser losafortunados oportunistas que hacían pop con marcadísimas referencias árabes (ayuda lacoincidencia en el tiempo con el reconocimiento de Tinariwen), pasó a ser, ahora ratificado,una banda vanguardista de indietrónica sofisticada con algún pequeño toque saharaui. Defi-nitivamente, con este “Fragrant World”, se quieren situar en la estela de unos Radiohead singuitarras, y el caso es que tienen ideas tremendas, con canciones que, exprimiendo un pocomás, habrían convertido este álbum (y el anterior) en algo importante. Por vagos, no van aser nunca disco del mes, pese a que “lo tienen”, como demuestran, por ejemplo, la bailable“Reagan’s Skeleton” o la preciosa “Blue Paper” (pese a ese ridículo final). Irregulares comomuchos pero con talento como pocos. Ya lo demostraron con su debut, ¿por qué no seguirconfiando en ellos?

Yeasayer / Fragrant World

Sorprende la posición en el ranking de uno de los discos más esperados del año. Ariel Pink’sHaunted Graffiti se consagró hace justo dos años con el algo sobrevalorado “Before Today”(2010), que si bien obtuvo un reconocimiento mayúsculo (por fin), demostraba la montañarusa que es este hombre a la hora de componer: del surrealismo más insoportable a la joyapsicodélica perfecta en cuestión de saltar tracks. En “Mature Themes” ocurre exactamentelo mismo: si bien es cierto que contiene mejores canciones que los desconocidísimos “TheDoldrums” (2004) y “House Arrest” (2006), las bizarradas son menos soportables que antes,cuando parecía estar todo más en sintonía (si es que era posible). El marcado carácter lo-fiestá dando paso, a medida que crece su fama, a una pose que lo está alejando del DavidBowie del siglo 21. Es único, y cuando quiere, el mejor. Y aunque me jode reconocerlo, sumejor disco sigue siendo “Grandes Exitos” (2009) previo a la fama.

Ariel Pink’s Haunted Graffiti / Mature Themes

En el mundo loco en el que vivimos, tan lleno de hipsters y modernos varios, que Dan Deaconya no parezca el tipo más extraño sobre la tierra, es… extraño. Ser excéntrico en imagen oen música popular ya no es un valor seguro para el éxito. Por eso ahora lo que pega esvalorar exclusivamente lo segundo. El autor del hipnótico “Bromst” (2009) vuelve a las anda-das con “True Thrush” bajo el brazo, la cual junto al otro single en potencia (“Lots”) quizásno sean lo mejor de este nuevo viaje tripero. El manifiesto “America”, consistente en cuatrotemas con el subnombre USA, donde define qué ve a su alrededor en ese país del que élmismo forma parte, es el verdadero meollo del asunto. Hay muchos discos políticos o conreferencias patrias, pero lo suyo no iba a ser uno más. Igual debió extender esa idea y hacerde ese concepto todo un álbum. Habría sido la bomba.

Dan Deacon / America

Así da gusto. Este cuarteto de veinteañeros suecos van tan en serio que la pose de post-punk oscuro al estilo The Horrors te la vas a pasar por el forro porque lo suyo no es cuestiónde imagen. Estas son las bandas que deberíamos apoyar todos, más aún con la “suerte” quetienen, la que hizo que se quedaran tirados en la furgoneta en algún punto de Francia y nopudieran ganar casi un euro en una gira con la que iban a recaudar dinero para hacer lopropio en los USA (país donde sí siguen consumiendo este estilo). Cuatro muertos de hambreque sienten la música tal y como lo hacía Ian Curtis hace 30 años. Holograms tienen muchamadera y se nota en una variedad acojonante dentro de un estilo tan, en principio, acotado.Temas que enganchan desde la primera escucha y que tienen, como colofón, una perla per-fecta dentro de cualquier subgénero del rock casi al final llamada “Fever”.

Holograms / Holograms


No daba con el grupo al que me recordaba tantísimo este fresquísimo debut de Evans TheDeath. Siempre que llegaba a “Morning Voice” hacía el esfuerzo, porque es la que más separece (junto a la que tiene que ser single sí o sí, “Threads”), ahora sí, a The Long Blondes,la malograda banda de Sheffield que tras el magnífico “Someone To Drive You Home” (2006)no supo repetir éxito con “Couples” (2008) hasta su disolución por problemas de salud deuno de sus miembros. Al igual que ellos, la también británica banda practica un punk-pop delo más apetecible, música sin grandilocuentes aspiraciones pero capaz de sacarte tarareosy silbidos en cualquier tarde de este casi acabado verano. Ayuda, y mucho, la pegadiza vozde una tal Katherine Whitaker que, en canciones como la inagural “Bo Diddley” o las po-tentes “What’s In Your Pocket?” y “A Small Child” demuestra más registros de los comu-nes a este tipo de música.

Evans The Death / Evans The Death

Cuando se juntan Britt Daniel (Spoon) y Dan Boeckner (Wolf Parade, Handsome Furs)uno se puede imaginar qué tipo de música puede salir de ahí. Es más, el disco empieza bajoese supuesto guión en el que se alternan ambos líderes y que nada hace pensar que cuandouno canta, el otro está detrás colaborando. Así ocurre, más o menos, durante el disco al com-pleto, con la sorpresa de que se empiezan a alternar los estilos a partir de “What Gets YouAlone”. Es decir, las canciones más “tipo Spoon” las empieza a interpretar Boeckner y vice-versa. Cuando te quieres dar cuenta se han sucedido un buen puñado de canciones que, sinser más de lo que se espera de un proyecto como este, demuestra, además de admirarsemutuamente, lo grandes músicos que son, tanto por separado como conjuntamente. Nadade novedoso porque no mejoran a ninguna de sus respectivas bandas, pero siempre es deagradecer fusiones de este estilo.

Divine Fits / A Thing Called Divine Fits

El tercer asalto de Mica Levi y sus Shapes mejora y mucho el mayúsculo bajón que supuso“Chopped & Screwed” (2011) y que hizo que cogiéramos este “Never” con un más que justi-ficado canguelo. La autora de aquella sorpresa titulada “Jewellery” (2009) y que definieroncomo “música pop experimental” llegó en un momento discutible debido a esa explosión demúsica tan intrépida acogida por el mundo del pop que se dio justo a finales de esta décadapasada. Nada nuevo bajo el sol en este nuevo intento salvo que, si bien no llega al nivel deaquel debut (no hay algo a la altura de “Golden Phone”), se mea en el estrepitoso coñazodel año pasado. Vuelve a haber fusión de estilos y sonidos; vuelve a sonar todo raro en prin-cipio; vuelve a recordarnos a Beck; vuelve a pasar en un suspiro; vuelven Micachu And TheShapes en su mejor versión. Aunque ahora existe tUnE-yArDs y le toca a ella mover ficha.

Micachu And The Shapes / Never

Hace unos nueve meses os recomendábamos el “Carrion Crawler/The Dream” (2011), lo quesuponía la fusión de los dos EP’s previos con sendos títulos y que venía a suceder a “Cas-tlemania” (2011), el anterior LP lanzado pocos meses atrás. Viendo la velocidad a la que com-ponen y publican (y se lo permiten) no entiendo cómo otras bandas necesitan tantísimotiempo para lanzar nuevo material. Por favor, fijaos en Thee Oh Sees, una banda de SanFrancisco que comenzó a publicar discos en 2008 y que este “Putrifiers II” supone el novenode su corta (¿¿??) carrera musical. De momento, ellos se encargan de escupir psicodelia(ahora incluso con toques al estilo The Velvet Underground, ahí están “So Nice” o la queda nombre al disco) y nosotros de gozárnosla. Viendo el ritmo que llevan, a primeros de 2013volveremos a hablar de ellos en otro Ico Top, porque, seguro, volverá a estar, como éste, ala altura de aquel espléndido “Help” (2009).

Thee Oh Sees / Putrifiers II


El 2012 comenzó prometiendo un año sensacional en cuanto a música. Esperados lanzamientos seavecinaban y conforme han ido avanzando los meses las promesas se han visto cumplidas con tra-bajos de gran calidad que se recordarán durante mucho tiempo. Desde Indieferencia Magazine noshemos estrujado el cerebro escogiendo los mejores álbumes y canciones (tanto en el ámbito interna-cional como nacional) de la primera mitad del año, dando como resultado una lista variada en cuantoa géneros y estilos. Sin más, damos paso a la selección definitiva de la web

LO MEJOR DE LA PRIMERA MITADDE 2012 PARA INDIEFERMAG

INTERNACIONAL

DISCOS

Beach House – BloomAlt-J – An Awesome WaveCloud Nothings – Attack OnMemoryChromatics – Kill For LoveMarylin Manson – Born Villain

CANCIONES

Artic Monkeys – “R U Mine?”Cloud Nothings – “WastedDays”Beach House – “The Hours”The Shins – “Simple Song”Alt-J – “Tessellate”Muse – “Survival”Infadels - “The Future of theGravity Boy”Tennis – “Origins”Hot Chip – “Flutes”Sleigh Bells – “Comeback Kid”

NACIONAL

DISCOS

The Casters – Once WeWereJohn Talabot – FinGrupo de Expertos Soly-nieve – El Eje de la TierraVarry Brava – DemasiéLos Evangelistas – Home-naje a Enrique Morente

CANCIONES

Love of Lesbian – “Wio, An-tejas y Pijamas”The Casters – “Once WeWere”Maika Makovski - “Lan-guage”Nudozurdo – “Cementeriode Errores”John Talabot – “Last Stand”Los Punsetes – “Tráfico deÓrganos de Iglesia”Los Evangelistas - “En unSueño Viniste”Sr. Chinarro – “Todo Acercadel Cariño”Linda Mirada - “Mientras laMúsica No Pare”Varry Brava – “Miedo”


I N D I E Q U E TA S¿Tienes una banda?

Entonces estás en la sección adecuada. En este espacio tratamos de ayudar aesos grupos musicales que están comenzando y quieren darse a conocer, quie-ren que la música que han creado con tanta pasión sea escuchada por la mayorcantidad de personas posible.

¿Cuáles serán promocionadas?¿Qué sacan de beneficio lasbandas?

Una vez que escuchemos en la redacción los discos autoproducidos/maque-tas/EPs que recibamos en nuestro correo, elegiremos las que más nos gusteny serán promocionadas mediante una pequeña review que será publicada enla web, como también en nuestra cuenta de twitter y Facebook de la revista. Enesta review hablaremos sobre la banda y la maqueta. Además las 5 mejoresmaquetas de cada mes saldrán en la revista del PDF mensual en su seccióncorrespondiente.

El estilo musical nos es indiferente, aunque debería encajar dentro de los estilosque solemos hablar en la revista: indie, rock, rock alternativo, post-rock, shoe-gaze, indietronica, dreampop, psicodélica,..etc

¿Qué es necesario?

Tener un disco autoproducido/EP/Maqueta. Mínimo 2 canciones.Tener vuestro trabajo colgado en Soundcloud o BandcampNo tener sello discográfico

¡Envíanos vuestro trabajo!

Las demos/maquetas/EPs nos las tenéis que enviar a esta dirección de correo:

[email protected]


INDIESPENSABLES: Julio & Agosto 2012Quique Gómez

1. Frank Ocean - Channel ORANGE2. Dirty Projectors - Swing Lo Magellan3. Purity Ring - Shrines4. Wild Nothing - Nocturne5. Maria Rodés - Sueño Triangular

1. Frank Ocean - "Pyramids"2. Passion Pit - "I'll Be Alright"3. Ariel Pink's Haunted Graffiti - "Only In My Dre..."4. Mishima - "Ningú M'espera"5. Holograms - "Fever"

Jesús D. Marín1. Ariel's Pink Haunted Grafitti - Mature Themes2. Fang Island - Major 3. Kyte - Love To Be Lost4. The Vaccines - Please Please Do Not Disturb5. Thee Oh Sees - Putrifiers II

1. Mono - A Quiet Place (Together We Go)2. The Vaccines - Teenage Icon3. Tame Impala - Elephant4. Kyte - Love To Be Lost5. Swans - The Sheer

Ander Simón1. Summer Camp - Always EP2. Maria Rodés - Sueño Triangular3. Fang Island - Major4. Wild Nothing - Nocturne5. Dirty Projectors - Swing Lo Magellan

1. Mishima - "Ningú M'espera"2. Fang Island - Make Me3. Muse - Madness4. Passion Pit - "I'll Be Alright"5. Holograms - "Fever"

David G. Altarejos1. Passion Pit - Gossamer2. Netsky - 23. Fang Island - Major4. Frank Ocean - Channel Orange5. Bloc Party - Four

1. Passion Pit - I'll Be Alright2. Fang Island - Asunder3. Netsky - Puppy4. Bloc Party - Octopus5. Frank Ocean - Lost

F. Javier M. Bel1. Holograms - Holograms2. Summer Camp - Always EP3. Fang Island - Major4. The Chariot - One Wing (2012)5. JEFF the Brotherhood - Hypnotic Nights

1. Holograms - Monolith2. Summer Camp - Always3. Bloc Party - 3x34. Fang Island - Make Me5. The Chariot - First

Joaquín Ollero1. Passion Pit - Gossamer2. Twin Shadow - Confess3. Jessie Ware - Devotion4. Ariel Pink's Haunted Graffiti - Mature Themes5. Stagnant Pools - Temporary Room

1. Jessie Ware - Wildest Moments2. Ariel Pink's Haunted Graffiti - Only In My Dreams3. Passion Pit - Constant Conversations4. Frank Ocean - Pyramids5. Dirty Projectors - About to Die

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INDIESPENSABLES: Julio & Agosto 2012Alejandra Otero

1. Bloc Party - Four2. Blur- 213. Ariel's Pink Haunted Grafitti - Mature Themes4. Frank Ocean - Channel Orange5. Holograms - Holograms

1. Arctic Monkeys - Come Together2. Muse - The 2nd Law: Unsustanaible3. Bloc Party - Octopus4. Two Door Cinema Club - Sleep Alone5. The Vaccines - Teenage Icon

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LISTAS SPOTIFYURL - http://open.spotify.com/user/1113679117

Maje M.S.1. Passion Pit - Gossamer2. Dirty Projectors - Swing Lo Magellan3. Alanis Morissette - Havoc and bright lights4. Maria Rodés - Sueño Triangular5. Jessie Ware - Devotion

1. Dirty Projectors - About to Die2. Passion Pit - I'll Be Alright3. Frank Ocean - Pyramids4. Jessie Ware - Wildest Moments5. Muse - Madness

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INDIEFERMAG

REDACCIÓN

Ander Simón, Quique Gómez, Joaquín Ollero, F. Javier Moreno,Jesús Daniel Marín, David García Altarejos, Alejandra Otero, AleBetancort, J.N. Carretero, Sergio Herguedas, Maje M.S.

DISEÑO & MAQUETACIÓN

F. Javier Moreno

www.hrstudios.es

WEB

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MAIL

[email protected]

En INDIEFERENCIA Magazine tenemos el fin de divulgar informaciónsobre la música que nos gusta. Desde los grupos más destacados de laescena hasta las nuevas bandas que aún son desconocidas por la mayoríadel público.

A todos los participantes de INDIEquetasFotos del “Día de la Música” y su página web.

AGRADECIMIENTOS

indiefermag nº 13. julio/agosto 2012

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