Benoît Frachebourg · chargé de communication | benoit@theatredupassage.ch | +41 (0) 32 717 82 05Théâtre du Passage | 4, passage Maximilien-de-Meuron · CP 3172 · 2000 Neuchâtel | www.theatredupassage.ch

Saison 2011-2012 | Dossier de presse

La La La Human StepsNew Work chorégraphie Edouard Lock

19 avril 2012jeudi | 20h

Talia

Evt

ushe

nko

& M

árci

o Vi

níci

us P

aulin

o Si

lvei

ra ©

Édo

uard

Loc

k

NEW WORK The work is a contemporary reanalysis of Purcell‘s Dido and Aeneas and Gluck‘s Orpheus. I will explain how these two unrelated works interact later in this proposal. To begin, however, I want to give the reasons why I‘m interested in working with Baroque. Baroque musical structures tend to lend themselves well to contemporary dance due to their inherent coldness and musical construction. These defined rhythms offer points to which contemporary choreography can attach itself, while avoiding period emotionality, and mannerisms, which would be irrelevant in today's aesthetics. The inherent coldness of Baroque structures permits precise choreography to coexist with precise composition, encouraging the choreography to observe the theme from a "detached" point of view. Purcell‘s Dido and Aeneas and Gluck‘s Orpheus and Eurydice are, of course, master works that represent high points in Baroque opera. I recently finished a collaboration with the British composer Gavin Bryars on the deconstruction of Tchaikovsky's Swan Lake and Sleeping Beauty. In the New Work, I observe and restate these operas by Purcell and Gluck. Narrative in ballet can be dangerous because it often comes at the expense of burdening the choreography with a story line and potentially simplifying its structure. The New Work is my attempt to see whether story telling and movement structures can be independent of one another. A counter-intuitive proposition, but one that I feel has merit. Can the choreographic structure remain independent from the narrative it carries? In other words, can choreographic complexity coexist with clarity of theme? In addition, can purely narrative structures (acting, story telling, etc.) exist on stage at the same time as abstract dance structures, to the mutual reinforcement of both? Can decor advance the story separately from the dance so as to shape the meaning of the dance like a lens shapes light? Can film also be used on stage in order to advance narrative to an extent not desirable using choreography alone? These are questions that interest me. THE REFERENCE

The piece begins with Dido and Aeneas. As Dido dies, the ballet immediately leads into Orpheus and Eurydice. It moves from Dido‘s death to Eurydice‘s isolation in Hades waiting for the arrival of Orpheus. In my opinion these two works, though unrelated, will, because of their chronological proximity, encourage the audience to link them structurally and perceptually. The audience will essentially invent a new story made up of two older and separate ones. This is because, in my opinion, observation is by nature inclusive. An audience will always put things together regardless of whether they are in fact related to each other. Much like we put tree and wind together or sun and moon or ground and sky. In my opinion as soon as we see something it stops being part of a subjective reality and becomes a symbol. Symbols have properties that are fluid and can therefore be distorted to fit our own realities. This is of particular interest to me because I think that cultural memory functions in just such a way. Events over time are often bent and distorted to form new variations.

These hybrids are in a way translucent. We can see culture as layers of history combining and influencing each another – separate events that have no relationship to one another linking themselves together into one cultural space or memory. Orpheus will therefore be influenced by and seen through Dido and Aeneas. In addition I also introduce another perceptual distortion or element to this process. An ―alien‖ point of view that observes the second half of the ballet Orpheus from a remote vantage point. Remote as in removed from any knowledge, understanding or cultural context. It occurs in parallel to the Orpheus narrative and consists of a visual transcription of this same ballet/narrative in film form (on stage) representing the point of view of Cerberus. Cerberus is of course the three-headed dog guarding the way to Hades. A film is projected on stage representing how the ballet and stage narrative of the second half (Orpheus) would appear through the eyes of Cerberus. The eyes of a dog. The distortions, both visual and thematic stemming from observing the piece through the imagined perspective of a dog, create an out-of-culture and out-of-species point of view while still maintaining a thematic link to Orpheus (the dog as Cerberus). This mechanism represents both the vantage point of the thematic dog (Cerberus), and the wild, distancing point of view of a wild dog. The film extends its influence onto the stage by affecting the lights, the music, and the choreography. With regard to the music, in particular, sound textures emanating from the film introduce distortions to the music creating an interference that the audience has to reach through in order to "listen" to the music. The composer responsible for these textures was not in contact with the composer responsible for the main work, thus insuring a non-cooperation inherent to this type of work. By Édouard Lock

MUSIC FOR NEW WORK WITH ÉDOUARD LOCK The music is based on two baroque works: Purcell ‗s Dido and Aeneas and Gluck's Orpheus and Eurydice. It is played live by four on-stage musicians: saxophone(s), viola, cello, and piano, where the apparently inauthentic saxophone is a surrogate for the human voice in the lighter, more airy, Purcell-related material, and forms part of the "continuo" for the darker Orpheus material (accepting that the continuo had become obsolete by the early classical period). For the first part, the saxophone will be soprano or alto, and for the second part, baritone. This on-stage ensemble is amplified as part of an overall sound design, as with all Édouard's work, and will be directed from the piano. While the choice of saxophone as the main solo instrument may appear odd, given that it is a 19th century invention, there are many aspects of its character which make it eminently suitable. The natural choice for soloist might seem to have been the human voice, but the saxophone, on the other hand, happens to be an essentially "vocal" instrument – it is of course grouped vocally (soprano, alto, tenor, baritone, bass, etc.), and one player can play more than one of these within the same performance, impossible with the human voice. When I wrote my first opera 28 years, I noted carefully the instrumental ideas of Percy Grainger, who often used saxophones with choral groups mixing voices and instruments with the same name (soprano saxes with soprano voices and so on), and a sax ensemble is often referred to as a saxophone "choir." At the same time, while the sax does cover the same range as the equivalent human voice, its range is enormously wider (the alto, for example, can also play at least two octaves more). With the saxophone, too, there is the possibility of much longer phrase lengths than with the human voice, even without the use of circular breathing – which enables the player to play infinitely long phrases with no perceivable break at all. The sax's sound is a hybrid one and is not fixed by period – Grainger arranged a good deal of early music for saxophones and this choiceworks very well. The other instruments in the chamber ensemble are more clearly compatible with the baroque. While there would be no need to work in an entirely "authentic" way (baroque tuning, for example, would be problematic for the saxophone unless further transposition is used), the use of baroque bows and particular types of strings (not necessarily gut) would move some way in this direction. There is a strong contemporary lobby for simply using the baroque bow, and little else, to move towards a baroque sensibility. By Gavin Bryars

COMPAGNIE MANDAT

La La La Human Steps est fondée par Édouard Lock en 1980 à la suite d'une série de spectacles présentés pendant trois

semaines au Théâtre l'Eskabel du quartier St-Henri à Montréal, ce qui la mène au Kitchen à New York, haut lieu de la danse

contemporaine de l'époque. Depuis, La La La Human Steps est devenue l’une des compagnies de danse les plus reconnues

au monde, grâce à un langage chorégraphique unique qu’elle a su développer et constamment réinventer depuis sa création.

La complexité chorégraphique, l'altération des structures du ballet et l'alliage des trames chorégraphiques, musicales et

filmiques, font partie des éléments essentiels de la signature de la compagnie et créent un sens de distorsion et de renouveau

perpétuels, poussant les spectateurs à réinventer et à redécouvrir le corps et ses mouvements.

La compagnie exige constamment de ses danseurs qu'ils se redéfinissent, se questionnent, se renouvellent afin d'obtenir

d'eux des performances qui vont de l’extrême au plus grand lyrisme.

La compagnie montréalaise a collaboré avec des institutions aussi prestigieuses qu'éclectiques, de l'Opéra de Paris à Frank

Zappa.

Depuis les trente dernières années, la création musicale des différents spectacles a été confiée et conçue par des

compositeurs, tels Rober Racine, West India Company, Einstürzende Neubauten et David Van Tieghem, Iggy Pop, Shellac of

North America, My Bloody Valentine, Gavin Bryars et David Lang, lauréat du Pulitzer.

Depuis Human Sex en 1985, qui l'a propulsée à l'avant-scène de la danse internationale, La La La Human Steps présente ses

spectacles, sur un cycle de deux ans pour chaque création, dans les grandes capitales d’Europe, d’Asie et d’Amérique.

ÉDOUARD LOCK DIRECTEUR ARTISTIQUE

Fondateur, directeur artistique et chorégraphe de La La La Human Steps, Édouard Lock a commencé sa carrière de

chorégraphe à l’âge de 20 ans. Il a créé, de 1974 à 1979, des œuvres pour le Groupe Nouvelle Aire et a travaillé en 1979 pour

les Grands Ballets Canadiens de Montréal. En 1980, il a fondé La La La Human Steps.

Au fil des ans, Édouard Lock s’est vu commander des œuvres par quelques-unes des principales compagnies de danse au

monde telles que le Ballet de l’Opéra de Paris, le Nederlands Dans Theater et le Het Nationale Ballet de Hollande. Ses œuvres

ont remporté de nombreux prix dont le Chalmers de chorégraphie (1982, 2001), le Bessie (1986), le prix Denise-Pelletier

(2001), le prix du Centre national des Arts du Gouverneur général (2001) et le Benois de la Danse à Moscou en 2003 pour

AndréAuria, créé pour le Ballet de l’Opéra de Paris en octobre 2002. Édouard Lock a reçu, en mai 2010, le prix du Gouverneur

général pour les arts du spectacle saluant l’ensemble de son œuvre artistique. La même année, le Conseil des Arts du Canada

lui a attribué le prix Molson.

L’Université du Québec à Montréal lui a également décerné un doctorat honorifique en 2010.

En 1990, Édouard Lock a été le coconcepteur et directeur artistique de la tournée mondiale de David Bowie, Sound and Vision.

Il a aussi collaboré avec Frank Zappa pour les concerts de la série The Yellow Shark, exécutés par l’Ensemble Modern de

Francfort.

À l’invitation du metteur en scène Robert Carsen et de l’Opéra de Paris, Édouard Lock a signé en 2003 la chorégraphie de la

production des Boréades, interprétée par La La La Human Steps au Palais Garnier.

Plusieurs films ont été consacrés à ses œuvres. En 1994, Bernar Hébert a réalisé Le Petit Musée de Vélasquez. En 1997,

Édouard Lock et Louise Lecavalier sont invités, aux côtés notamment du peintre Roy Liechtenstein et de l’architecte Tadao

Ando, à faire partie du documentaire Inspirations, réalisé par le Britannique Michael Apted.

L’adaptation cinématographique d’Amelia réalisée par Édouard Lock en 2002 a été présentée en première américaine au

Festival du Film de Tribeca et au Slamdance Film Festival de l’Utah et en première européenne au Festival international du

Film de Karlovy Vary. Ce film a été le gagnant de sa catégorie à de nombreux festivals internationaux, tels le Festival

international du Film de Chicago, le Festival international du Film de Prague et le Festival Rose d’Or en Suisse. Amelia a

également remporté le Prix spécial du jury toutes catégories confondues au Banff World Television Festival ainsi que deux prix

Gemini pour la meilleure réalisation et le meilleur montage.

Édouard Lock a été fait Chevalier de l’Ordre national du Québec en 2001 et Officier de l’Ordre du Canada en 2002.

Several prestigious awards for Edouard.

Founder and artistic director of La La La Human Steps, Edouard Lock has had his work rewarded three times this spring. He received the highest honor in his field in Canada, the Governor General’s Award for the Performing Arts, during a gala at the National Arts Centre in Ottawa on May 1, 2010.

The Canada Council for the Arts also recently announced that Lock had won the Molson Prize in recognition of his “outstanding lifetime achievements” and for his contribution to the “cultural and intellectual life of Canada”. This prize will be awarded in May, 2011. at the Ottawa premiere of the new creation from La La La Human Steps.

Finally, the Universite du Quebec a Montreal has names Edouard Lock doctor honoris causa to acknowledge the originality of his artistic process and his international impact, and to highlight the variety of discipline in which he excels: dance, film, music and opera.

Below is a text Edouard wrote about his collaboration with Diana Vishneva:

I like to create detailed structures and Diana’s impeccable technique permits her to carry these details with perfect clarity. Her artistry also permits her to carry a narrative while still maintaining the colder, structural aspects of the choreography. Finally I’ve always found memory fascinating. By memory I mean the intangible and unpredictable associations that an audience brings with them to a performance. Some of these memories have to do with the subject matter or theme being explored in the work, some have to do with recognition inherent in the deconstruction or reference to an existing work. There is however another origin to a memory. That which the performer brings. Diana’s classicism and her powerful embodiment of those roles most central to classical ballet will bring memories of other stories onto the stage. The unpredictable interaction between the narrative of those memories and the narrative of the work is something that I have experienced in the past and that I enjoy.

Media Text:

Text: Ballet technique, rushed, precise and at the service of a narrative deconstructed from two iconic operas. Two tragic love stories awash in a Gavin Bryars score. Complex dance timed to micro moments uniting two operas into one seamless ode. Two operas whose stories and music are known enough to audiences that the pull and push of their own memories will create new and unpredictable stories. A romantic and technically challenging new work to mark the 30th anniversary of La La La Human Steps.

BIOGRAPHIE DANSEURS

DIEGO F. CASTRO

Venu tardivement à la danse, Diego F. Castro s’est pourtant rapidement hissé au firmament du ballet en Colombie. Après un

entraînement intensif, il a raflé les honneurs lors d’une compétition internationale à La Havane, puis est devenu danseur étoile

pour le Ballet Cali. En 2001, grâce à une bourse du Joffrey Ballet, il a entrepris une carrière aux États-Unis. À titre de soliste

invité, il a parcouru le pays, interprétant les plus grands rôles du répertoire classique. Il a rejoint les Grands Ballets Canadiens

de Montréal en 2007 puis, au printemps 2010, il a intégré La La La Human Steps.

MI DENG

Diplômée de l’Académie de Danse de Pékin en 2002, Mi Deng a commencé à travailler pour le Ballet national de Chine la

même année. Promue soliste trois ans plus tard, elle s’est mesurée aux œuvres des grands maîtres classiques, et a aussi

dansé du Balanchine. Diverses tournées internationales l'ont amenée à se produire notamment en Asie, en Australie et en

Europe. En 2007, elle est partie aux États-Unis pour le Tulsa Ballet avant d’être invitée par la compagnie de Yokohama en

2009, elle a dansé Coppélia durant quelques mois. Mi Deng fait partie de La La La Human Steps depuis 2010.

TALIA EVTUSHENKO

Née à Toronto, Talia Evtushenko a été membre de l’École du Ballet national du Canada. Elle a perfectionné sa formation à

l’École de l’American Ballet, à New York. Comme professionnelle, elle a travaillé pour le Ballet national du Canada, l’Alberta

Ballet et le Peter Schaufuss Ballet au Danemark. Membre de La La La Human Steps depuis 2006, elle a participé à la tournée

internationale d’Amjad et a pris part à l’hommage rendu à Édouard Lock, lors de la cérémonie de remise officielle du Prix du

Gouverneur général pour les arts du spectacle. Auprès du réalisateur Walter Salles, elle a agi à titre de consultante pour

l’adaptation cinématographique du roman Sur la route de Jack Kerouac.

SANDRA MÜHLBAUER

Formée au Conservatoire de Vienne, Sandra Mühlbauer s’est classée en tête de concours internationaux ; elle a notamment

pris la seconde place au concours de Rudolf Noureev à Budapest en 2000. Cette même année, à seulement seize ans, elle a

intégré le Wiener Staatsoper de Vienne. En tant que soliste, elle a ensuite exploré les répertoires classique et contemporain au

Théâtre national slovaque, avec lequel elle s’est rendue au Japon et en Chine. Avant de rejoindre La La La Human Steps en

juillet 2010, elle a été "Bluebell Girl" au cabaret Le Lido à Paris.

GRACE-ANNE POWERS

Native de Pennsylvanie, Grace-Anne Powers a commencé à danser en 2006 pour le Cuban Classical Ballet of Miami et est

devenue soliste principale l’année suivante. Elle a participé à des galas en Colombie, en République Dominicaine et au

Mexique. Elle s’est également illustrée lors de concours internationaux, notamment à Shanghaï. La La La Human Steps l’a

recrutée en 2010.

ALEJANDRA SALAMANCA LOPEZ

Alejandra Salamanca Lopez a commencé à étudier la danse en 1997 à l'Institut colombien de Ballet classique. En 2005, elle a

officiellement rejoint le Ballet de Colombie, avec lequel elle a tourné en Espagne et en Allemagne. Elle a également participé

au Festival international de Ballet de Cali en 2009. Un an plus tard, elle est devenue membre de La La La Human Steps.

JASON SHIPLEY-HOLMES

De 1989 à 1991, Jason Shipley-Holmes a étudié à l'École du Royal Winnipeg Ballet, sous la direction artistique de David

Moroni. Lors de la saison 1991-1992, il a été membre du Royal Winnipeg Ballet. L'année suivante, il est entré aux Grands

Ballets Canadiens de Montréal. Il a fait partie de la distribution d’Étude, œuvre créée par Édouard Lock en 1996. Il a rejoint La

La La Human Steps en 1997 et a participé à la création d’Exaucé / Salt, Les Boréades, Amelia et Amjad.

WILLIAM LEE SMITH

Natif de Floride, William Lee Smith a étudié au sein de plusieurs écoles de danse américaines, y compris l’Ailey School. En

2000, il est devenu soliste principal aux Ballets Grandiva à New York. Il s'est joint à La La La Human Steps l'année suivante et

a dansé dans Les Boréades de l'Opéra de Paris et Amelia. Il a travaillé deux saisons avec le CityDance Ensemble à Washington

avant de revenir à La La La Human Steps en novembre 2010.

ZOFIA TUJAKA

Zofia Tujaka a commencé sa formation professionnelle en danse à l'École du Cleveland Ballet à l'âge de 13 ans. Elle a ensuite

étudié à l'École du Royal Winnipeg Ballet puis a dansé pour la compagnie lors de tournées internationales. Elle s'est jointe à La

La La Human Steps en 1997 pour la tournée européenne finale de 2 et a depuis dansé dans

Exaucé / Salt, Amelia et Amjad.

MÁRCIO VINÍCIUS PAULINO SILVEIRA

Né à Barretos, dans l'État de São Paulo, Márcio Vinícius Paulino Silveira a étudié à l’École du Bolchoï de Joinville, seule annexe

hors de Russie du prestigieux théâtre moscovite. Il a aussi suivi des cours auprès de la compagnie dirigée par Mikhail

Baryshnikov, Hell’s Kitchen Dance, et de Grupo Corpo. Avec le jeune Ballet du Bolchoï brésilien, il s’est notamment produit en

Italie. Il s’est joint à La La La Human Steps en 2010.

KAI ZHANG

Issu du Conservatoire de Shanghaï, Zhang Kai a été soliste pendant dix ans, d’abord pour le Ballet Liaoning, puis pour le Ballet

national de Chine. Ensuite, il a mis le cap sur les États-Unis, plus précisément pour Tulsa, en Oklahoma. En plus d’y reprendre

des rôles qu’il avait déjà tenus dans Roméo et Juliette et dans Don Quichotte, il a joué entre autres dans The Great Gatsby

d’André Prokovsky. Invité par la compagnie de Yokohama en 2009, il a dansé Coppélia durant quelques mois. La La La Human

Steps l’a engagé en 2010.

BIOGRAPHIE MUSICIENS

NJO KONG KIE – DIRECTEUR MUSICAL ET PIANISTE

Njo Kong Kie travaille avec La La La Human Steps depuis 1996 (2, Exaucé / Salt, Amelia et Amjad). Il s’affaire à composer une

musique qui fait le pont entre le classique et le contemporain-populaire. Ses compositions, y compris celles enregistrées avec

son groupe Day OFF dans l'album Picnic in the cemetery (www.musicpicnic.com), ont été présentées dans les créations de

chorégraphes tels qu’Aszure Barton et Shawn Hounsell, sur le site Web de Margaret Atwood, dans une vidéo du Festival

international de Théâtre de Londres, dans la bande originale du film d’Édouard Lock Amelia, dans la série documentaire de

CBC China Rises et enfin dans le court métrage Deep Sleep d’Alejandro Alvarez. Njo Kong Kie a écrit des opéras de chambre

et a travaillé sur Playing Landscape, une pièce de théâtre multimédia qui mêle danse, mouvement, musique et peinture

contemporaine chinoise à l’encre.

JEAN-CHRISTOPHE LIZOTTE – VIOLONCELLISTE

Après des études avec Yuli Turovsky à l'Université de Montréal, le violoncelliste Jean-Christophe Lizotte a joué avec des

orchestres symphoniques et des ensembles comme l’Orchestre de chambre I Musici de Montréal. Il a également participé à

des productions théâtrales et cinématographiques et a travaillé avec de nombreux artistes dont Corneille, Michael Bolton,

Patrick Watson et Simple Plan. Il a fait des tournées au Canada, aux États-Unis, en Europe et en Afrique. Il a remporté de

nombreux prix, notamment au Festival canadien de Musique.

JENNIFER THIESSEN – ALTISTE

Originaire du Manitoba, Jennifer Thiessen vit actuellement à Montréal où elle participe à divers projets de musique de

chambre, musique contemporaine, musique improvisée, musique baroque sur instruments d'époque, musique orchestrale

mais aussi de musique pour le cinéma, le théâtre et la danse. Elle a souvent collaboré avec l'Ensemble Appassionata, Les

Violons du Roy et Michel F. Côté. Elle a commencé à travailler avec La La La Human Steps en 2007, dans le cadre du

spectacle Amjad.

IDA TONINATO – SAXOPHONISTE

Adepte de musique contemporaine et improvisée, Ida Toninato participe à divers projets de création et de collaboration qui ont

pour objet le développement d'un nouveau répertoire pour le saxophone. Elle est particulièrement impliquée dans le domaine

de la Live Electronic Music et a ainsi collaboré avec des compositeurs tels que Jimmie Leblanc et Robert Normandeau.

Diplômée du Conservatoire de Strasbourg, elle termine actuellement, grâce à une bourse d’études, son doctorat à l’Université

de Montréal.

BIOGRAPHIE COLLABORATEURS

GAVIN BRYARS – COMPOSITEUR

Né en 1943, Gavin Bryars a étudié la philosophie avant de se consacrer au jazz et à la contrebasse et d’être le pionnier de

l’improvisation libre. Ancien collaborateur de John Cage dans les années soixante, son premier album solo s’est vendu à plus

de 250 000 exemplaires. Les trois opéras qu'il a écrits ont été adaptés et mis en scène, entre autres, par Robert Wilson et

Atom Egoyan. Il a travaillé avec de nombreux chorégraphes comme William Forsythe, Merce Cunningham, Carolyn Carlson,

Lucinda Childs et Maguy Marin. Son catalogue comprend également de la musique de chambre, des concertos et de la

musique vocale (Hilliard Ensemble, Trio Mediaeval, Red Byrd, Chœur de la Radio lettone). Il dirige son propre ensemble depuis

1981.

BLAKE HARGREAVES – COMPOSITEUR

Auteur, compositeur et interprète canadien, Blake Hargreaves travaille principalement à Ottawa et à Montréal. Il est surtout

connu pour son travail d'interprétation sur plusieurs compositions originales à travers différents styles musicaux comme la

musique élétronique, la musique alternative et la musique actuelle. Depuis les dix dernières années, il a su se tailler une place

de choix en tant qu'artiste de la scène musicale montréalaise, rassemblant ainsi un public autant anglophone que

francophone. Au fil des ans, son style a évolué grâce à son contact privilégié avec des théories, des techniques et des idées

variées. Ses exploits artistiques jumelés à sa sensibilité classique et expérimentale ont fait de lui une personnalité reconnue

dans le monde musical et culturel au Canada, aux États-Unis, en Europe et en Australie.

ARMAND VAILLANCOURT – SCÉNOGRAPHE

Né en 1929, Armand Vaillancourt a étudié à l'École des beaux-arts de Montréal. Il est surtout connu pour ses sculptures

monumentales, exposées pour la plupart en Amérique du Nord, comme la sculpture-fontaine visible à la Plaza Embarcadero

de San Francisco. Tête d’affiche dans plus de 80 expositions, Vaillancourt a fait partie de plusieurs présentations en Amérique

du Nord et en Europe. Il est aussi un militant social, un artiste de performance et un artiste peintre. En 1993, il a reçu le prix

Paul-Émile Borduas du gouvernement du Québec et en 2004 il a été fait Chevalier de l'Ordre national du Québec.

LIZ VANDAL – COSTUMIÈRE

Liz Vandal a commencé sa carrière comme designer de mode en 1988. Sa créativité a rapidement atteint la sphère artistique : la danse, le théâtre, l’opéra et le cinéma. Sa collaboration avec Édouard Lock a débuté en 1990. Elle a ainsi conçu et réalisé

les costumes pour Infante (1991), 2 (1995), Exaucé / Salt (1999), Amelia (2002), AndréAuria pour l'Opéra de Paris (2002),

Amjad (2007) et en 2011 pour la Nouvelle Création. Elle a par ailleurs travaillé avec de nombreux chorégraphes dans

différentes compagnies de danse comme la Compagnie Marie Chouinard, Margie Gillis, Bill Coleman, José Navas, O Vertigo,

Kevin O'Day et Dominique Dumais pour le Theater Mannheim et le Ballet de Stuttgart (Allemagne), Weber Septime pour le

Washington Ballet. En mai 2009, pour la première fois elle a collaboré avec le Cirque du Soleil pour la réalisation des

costumes du spectacle OVO.

ANDRÉ TURPIN – DIRECTEUR PHOTO

En plus de scénariser, de réaliser et de diriger la photographie de plusieurs films dont Un crabe dans la tête, André Turpin est

l’un des cinéastes les plus doués de sa génération. Depuis ses débuts, il a signé la photographie de plusieurs longs métrages,

notamment Maelström et Incendies de Denis Villeneuve. Son travail lui a valu d’être récompensé à plusieurs reprises. Il a

notamment reçu en 2003 le prix de la direction photo de la National Association of Brodcasters pour le film Amelia d’Édouard

Lock. Plus récemment, en 2011, le prix de la meilleure direction photographique lui a été attribué, aux galas des Génie et des

Jutra, pour le film Incendies.

JEAN RANGER – CONCEPTEUR VIDÉO

Jean Ranger est un artiste de la vidéo et des arts interdisciplinaires. Il est le fondateur et directeur artistique de Mindroots, un

projet continu de création connective qui rassemble des créateurs innovateurs de la scène dans un travail narratif non linéaire

au travers de performances, de films multi-écrans et dans le VJing (improvisation vidéo). Il a exposé et présenté ses créations

au FILE Festival (São Paulo et Rio de Janeiro), au Ars Futura (Barcelone), au New Museum of Contemporary Art (NYC), à la

biennale de Montréal, au TransitioMX (Mexico) et au Centre culturel canadien (Paris). Il est actuellement un artiste en

résidence à la Société des arts et des technologies_SAT pour la création d'un film en 360 degrés. Il travaille régulièrement

avec divers chorégraphes, sa collaboration avec Édouard Lock et La La La Human Steps a débuté en 2007, dans le cadre du

spectacle Amjad.

Review: Edouard Lock debut in Amsterdam Friday, January 7, 2011 By Victor Swoboda, Special to The Gazette

Montreal’s La La La Human Steps were up to the demands of Edouard Lock’s latest, called New Work, at the premiere in Amsterdam. Deen van Meer, HET NATIONALE BALLET & HET MUZIEKTHEATER AMSTERDAM AMSTERDAM – La La La Human Steps began its fourth decade auspiciously in Amsterdam this week with the world premiere of Edouard Lock’s latest major work largely involving new dancers, a distinguished guest artist in the person of Diana Vishneva of Russia’s Maryinsky Ballet, and, most significantly, choreography of great depth, subtlety, range of movement and emotional resonance. Publicized rather oddly only as “Edouard Lock’s New Work,” the 95-minute piece could well be his finest creation. On Thursday (Jan. 6), throughout the second performance of the three-day Amsterdam run, there was evidence that Lock pushed beyond the parameters that he established in Amelia (2002) and Amjad (2007), works that emphasized brilliant duets for men fiercely gesticulating and women on point spinning like tops. Never fear, the new work had plenty of gesticulation and fantastic spinning by both the women on point as well as the men – the 12-member cast outfitted in familiar La La La black was a marvel. But at times for purposes of dramatic contrast, Lock allowed body lines to become looser, more relaxed, without the relentless tension seen in the earlier works. Instead of extended clinches, couples in duets separated for longer intervals and at a farther distance on the big Het Muziektheater stage (comparable to Salle Wilfrid Pelletier’s). Lock also unusually had his dancers often sprawling on the floor. Indeed, after the onstage four-member band played an overture of Gavin Bryars’ music (his pseudo-Baroque score was a highlight throughout the work, with a particularly poignant saxophone), the curtain rose on the floor-bound arched figure of Talia Evtushenko, her arm raised plaintively. Regularly the floor came into play during intense exchanges between couples. Each time that the dancers came together after separating or rose up from the floor to find each other, there was dramatic, emotional reconciliation (frequently followed immediately by another breakup – these were people bound by an emotional vicious circle). Lock is the most unsentimental of choreographers, but his work nonetheless regularly shows people trying desperately to make connections with other people, however brief or in vain. This was certainly evident in this latest piece, which was inspired, according to the publicity, by two classic tales of love, Dido and Aeneas, and Orfeo and Eurydice. Lock took not their plots, but

their evocation of passion and poignant awareness that all relations, not matter how intense, are slaves of human mortality. At intervals, two large vertical screens were lowered in parallel showing a pretty young woman on one side in a touching visual conversation with a version of her old self on the other. Aging and its ultimate end were inevitable, and no amount of spinning or vigorous movement, the entire work implied, could delay one’s fate. The final statement on this came in a closing duet with Vishneva and veteran company member Jason Shipley-Holmes, the coolest and most reliable of partners. With a lyricism unusual for Lock, the two calmly bid an extended farewell, Vishneva demonstrating the relaxed ease, fine line and expressiveness that make her outstanding as Giselle and Odette-Odile. The last image of Vishneva alone on the ground, her body arched over her one extended leg, patently evoked the Dying Swan, a coy but highly effective little homage from Lock. The participation of the world-famous artist came after she searched for some high-profile choreographers to prepare pieces for her in a one-off show. Lock was considered. Although the two were unable to collaborate on that show, Lock felt there was potential to work together. Vishneva spent an intensive month in Montreal preparing her role. Rehearsals regularly lasted until midnight. Though she was accustomed to memorizing big parts (she’s performing three large-scale classical ballets this year including La Bayadere with the Maryinsky in Ottawa in February), Lock’s work was demanding even for her. “This feels like ballet for the 21st century,” Vishneva said in a back-stage interview after the show. “After this, classical ballet feels like slow motion.” Almost everything connected with the rehearsal was a challenge. “First I learned the steps slowly, but then I was having sleepless nights wondering how I could ever perform them fast the next day. And we rehearsed without mirrors or music. Never had I worked that way! I heard the music for the final duet just two days before the premiere. But Edouard asked me to trust him, and I did. I danced through his eyes.” Vishneva will dance in selected cities on the company’s European tour and also in Montreal in May (but not in Toronto). Undoubtedly Lock will fiddle with the work before it gets to Montreal, hopefully adding a slow duet for Vishneva that was dropped because of an injury to her partner. But the performance this week showed unusual polish for a Lock premiere. Equally up to the challenge were the splendid company members hired last year – Diego Castro, Mi Deng, Sandra Muhlbauer, Marcio Vinicius Paulino Silveira, Grace-Anne Powers, Alejandra Salamanca Lopez, William Lee Smith and Kai Zhang. Statuesque veteran Zofia Tujaka rounded out the formidable cast. © Copyright (c) The Montreal Gazette

Frankfurter Neue Press

26 janvier 2011

Francfort, Allemagne

…Avant tout, lumière et chorégraphie chez Lock révèlent un sens aigu de la continuité, rehaussée à un plan

supérieur grâce aux 11 danseurs de haut niveau. Lock les fait danser et flotter dans l’espace à une vitesse de

casse cou et à travers une incroyable variété de combinaisons au milieu des lumières qui éclatent

spontanément juste pour se déplacer immédiatement, comme si ces éclairages chassaient les danseurs,

comme si Lock souhaitait démontrer par la passion de la vie et l’ombre du monde des enfers l’insécurité des

protagonistes quant à leur place dans le monde, et leur individualité. Il y a beaucoup de danse sur pointes, mais

décalée par rapport à son harmonie d’origine dans un style postmoderne, qui emporte les danseurs dans une

course précipitée nous rappellant un Charlie Chaplin qui se débattrait avec une machine chorégraphique, et qui

exhale un parfum d’élégance. ….

Et cependant nous restons conscients jusqu’à l’ultime mouvement, jusqu’au dernier salut après la dernière note

musicale, que certainement ceci est du ballet classique mais décalé sans compromis dans l’époque moderne.

…

Kommersant

February 4, 2011

Moscow, Russia

By Tatyana Kuznetsova

Dancing supermen // Diana Vishneva in “Edouard Lock’s New Work”

Ballet premier

The Canadian troop La La La Human Steps and its guest soloist

Diana Vishneva have unveiled the new show of the troop’s

founder and director, Edouard Lock, entitled “Edouard Lock’s New

Work.” The new show is now on a two-year world tour that may

find its way to Moscow. TATYANA KUZNETSOVA caught up with it

in Bonn.

The fact that the classical Mariinsky Theatre prima ballerina is dancing

as an equal with Lock’s artists is as improbable as if she suddenly

decided to become a Chinese acrobat. Because Lock himself, his

technique and his ballets are absolutely inscrutable and forbidding for

any “classical” ballet purist. Although La La La Human Steps last year

celebrated its 30th anniversary, and although the choreographer’s

unique style took shape 10 years ago, each of his ballets seems to be a

leap into the unknown.

Because it is impossible to imitate Lock’s technique, he has no imitators: his dancers move at a speed that

seems to defy what is humanly possible — like a movie of a conventional ballet turning at four times the normal

speed. Their legs move faster than the hands of a deaf-mute; their arms flitter about their bodies and faces,

executing thousands of minute operations. Without for one instant leaving their toes, the ballerinas shimmer on

pointe while performing frenetic tics. Male partners turn their ladies in both directions at the speed of a caveman

furiously trying to start a fire. And the most surprising thing is, when you break down the elements of this entire

avant-garde maelstrom, it is possible to pick out elements of a normal classical exercise, albeit one playing by

its own rules — not expanding the amplitude of movement, but compressing it — as if all the energy of a 30-

second pas had been condensed down into three seconds, like an electrical discharge. The relentless pace is

what makes for the almost unbearable fascination with Lock’s choreography.

One can only marvel at Diana Vishneva’s artistic selflessness in having the courage to leap into this hadron

collider. For she has no time to display her qualities as an actress or to show off her beautiful figure. She is not

even the central character in the ballet (in an 80-minute show, her entrance, pas de trois and duet take up no

more than about 20 minutes). The biggest praise for this world-famous ballerina may be the fact that, technically,

she can hold her own to Lock’s improbable dancers and, solidly grounded in classical forms, allows the

choreographer to explore new aspects of the interaction between classical and avant-garde culture.

Edouard Lock’s shock choregraphy can be seen in Diana Vishneva’s face

Photo : Sasha Goulaiev

Strictly speaking, the theme of transformation of collective cultural memory has also become the basis of

"Edouard Lock’s New Work," which is overlaid onto the music of two major Baroque operas, Purcell’s Dido and

Aeneas and Gluck’s Orfeo and Eurydice, which have been deconstructed and reassembled by the contemporary

composer Gavin Bryars, with a live piano, violin and cello replacing the orchestra, and a moaning saxophone

replacing the singers’ voices. There’s no point in looking for the operas’ mythological heroes (or the subjects as

one may know them) in Lock’s ballet — spectators use their own knowledge of the works to construct their own

myth based on the choreographed fragments that hit them like the luminous pulsations of a strobe light — that is,

of course, if their brains have the time to decipher all the signals hitting the retinas of their eyes.

Mine didn’t. As to what to make of the gigantic video portraits that were lowered from the rafters in three

sections (a young ballerina and an old lady, who have been prodigiously made up) — that they are meant to

serve as metaphors of the Styx dividing the world between the living and the dead — I didn’t guess until I had

left the theatre. The same goes for the kindly "old woman" with the evil look and hands primly folded on her lap,

which may embody the three-headed Cerberus keeping watch over its victims. The show also featured two

stately ballerinas, sternly turning on pointe, like ancient parks dancing the thread of the fates; and brutal heroes

flinging away women and stepping over them on their way to their own glory, with even the energy of

unrelenting passion reaching mythological proportions.

Among the main roles, there are at least three worthy of mention: the furious Talia Evtushenko, clinging to men

and abandoned by Dido; fragile and passionless like the shadow of Eurydice, Mi Deng — her partners juggling

her body like bandits fleeing pursuers with a valuable statuette. And Diana Vishneva, whose final, dynamic and

pathetic dance strikes the pose of the Dying Swan — a tribute to all the perished heroes of classical culture.

On the outer darkness of the stage, which is split into sectors with cones of dazzling white light —such that the

action is thrown from circle to circle while losing what remains of definition — it is impossible not only to craft

the show’s innumerable details into the mosaic of a distinct message but even to grasp those details. And, in

fact, this is the concept of the crafty choreographer, the inventor of "invisible dance" — that which remains

impervious to examination and to which each spectator is called upon to bring his or her own imagination, while

reaching back into cultural memory. If, of course, there is such a thing.

Kommersant

4 février 2011

Moscou, Russie

Tatyana Kuznetsova

Danser superman

...Puisqu’il est impossible d’imiter la technique de Lock, il n’a aucun imitateur : ses danseurs bougent à une

vitesse qui semble défier ce qui est humainement possible – à la façon d’un film de ballet conventionnel qui

passerait à une vitesse quatre fois supérieure. Leurs jambes bougent plus vite que les mains des sourds muets,

leurs bras donnent l’impression de s’envoler de leur corps et de leurs visages, exécutant des milliers de

mouvements. Hissées en permance sur leurs pointes, les danseuses, ondulent avec grâce tout en se mouvant

avec des accents de frénésie. Les danseurs font tourner leurs partenaires féminines dans des directions

opposées à la vitesse d’hommes des cavernes qui essaient furieusement d’allumer le feu…le rythme

implacable, c’est l’insupportable fascination de la chorégraphie de Lock.

NOUVELLE CRÉATION EXTRAITS DE CRIT IQUES

C'est sous les meilleurs auspices que La La La Human Steps a entamé cette semaine à Amsterdam sa quatrième décennie. Faisant appel à de nouveaux danseurs et à une invitée de marque en la personne de Diana Vishneva, du ballet russe Mariinsky, la compagnie a présenté en première mondiale la plus récente création d’Édouard Lock, une œuvre impressionnante de profondeur, de subtilité, de diversité de mouvements et de résonance émotionnelle. « J’ai le sentiment que c’est le ballet du 21ème siècle. »

« Édouard me demandait de lui faire confiance et c’est ce que j'ai fait. Je dansais à travers ses yeux. »

The Gazette, Victor Swoboda, Montréal, 8 janvier 2011

La première allemande de la compagnie de renommée internationale, La La La Human Steps, a lieu à un moment opportun. Il y a presque cent ans avait lieu l’inauguration du théâtre avec la présentation de l’opéra Orphée et Eurydice, œuvre dans laquelle Lock puise justement, trouvant dans l’opéra de Gluck et dans le Didon et Énée de Purcell les matériaux de base d’une grande danse infernale.

Tout ce que peut faire le public, c’est observer sans voix ce gigantesque spectacle physique. La lumière n’inonde la scène qu’à la fin du spectacle lorsque les danseurs se présentent à la vue des spectateurs pour accueillir leurs applaudissements frénétiques.

Sächsische Zeitung, Johanna Lemke, Dresde, 24 janvier 2011

Sur la scène, plongée dans la pénombre, une étonnante créature se déplace, gracieuse et agile comme une ballerine, sculptée comme un athlète et aussi déshumanisée qu’un automate. Dans son allure, on peut encore discerner des traces de danse classique : les jambes haut soulevées, les bras réalisant correctement les positions. Cependant, une sorte d’animalité imprègne chacun de ses mouvements. La Nouvelle Création traite de l’art de la danse classique en tant que tel, ou plutôt de sa décomposition. Techniquement, les danseurs de La La La Human Steps sont toujours aussi brillants. La vitesse à laquelle ils exécutent leurs mouvements est à couper le souffle. En même temps, Edouard Lock, à chacune de ses productions explore plus profondément le maniérisme. En toute conscience, Edouard Lock transforme l’image de la ballerine transcendante et surhumaine, celle qui exprime sans effort toutes les facettes de la beauté, en une chose sur-musclée, surmenée et même sur-maîtrisée. Sa tension extrême ne laisse aucune place à la douceur ou la sensualité : ce que nous voyons dans les faibles cônes de clarté, entre de forts contrastes de lumière et d’obscurité, ce sont les caricatures érodées d’une grande forme d’art. Et c’est l’impression qu’on gardera durablement de cette soirée : Edouard Lock ne se contente plus de fragmenter ce qui ressort de ses propres origines (la danse classique) et d’en faire un spectacle. Plutôt, il le décompose sans merci avec une virtuosité exacerbée, et, ce faisant, il produit comme toujours une danse de la plus haute qualité.

Deutschland Radio, Elisabeth Nehring, Dresde, 24 janvier 2011

Son style se distingue une fois de plus et hypnotise. Il transpose dans son propre langage chorégraphique la source du mouvement du ballet classique romantique.

Weiner Zeitung, Verena Franke, Vienne, 14 juillet 2011

Un noir et blanc électrisant, un érotisme de la vitesse et de la force, une stylisation théâtrale. Der Standard, Helmut Ploebst, Vienne, 14 juillet 2011

L’image se brouille sous nos yeux, la perception du mouvement devient floue, comme si l’œil devenait une lentille de caméra

incapable de suivre le rythme des gestes. La mort met fin à tout – tant à l’amour qu’au désespoir. Die Presse, Isabella Wallnofer, Vienne, 14 juillet 2011

Ce qui est montré ici semble correspondre à cet état que le philosophe français, Paul Virilio, décrivait comme de l’« inertie frénétique ». L’amour n’échappe pas, non plus, à l’érosion de l’implacable marche du progrès. Cela dit, nous sommes en présence d’un spectacle chorégraphique d’une discipline et d’une clarté remarquables par son attention au corps, qui tient davantage du ballet que de la danse-théâtre. Lock réussit de nouveau à produire une œuvre extraordinaire en symbiose avec son époque. Offenbach Post, Stefan Michalzik, Francfort, 24 janvier 2011

Commence alors la douce tyrannie d’un chorégraphe qui sait et montre puissamment que le sens de chaque tableau dansé est impénétrable, comme les ténèbres où se précipitent ses héros et d’où émergent une spirale suffocante, un instinct énergique et une abstraction perfectionniste d’une danse tant stylisée que poétique.

El País, Roger Salas, Madrid, 18 novembre 2011

Lock fait danser et flotter ses danseurs sans cesse, à une vitesse vertigineuse, dans un étourdissant éventail de variations, et ce, dans des cercles de lumière qui s’illuminent spontanément pour être aussitôt déplacés, comme s’ils poursuivaient les danseurs et comme si Lock voulait montrer, par cette touche de passion et par l’ombre du monde sous-terrain, l’incertitude totale des protagonistes quant à leur situation et à leur individualité. Pourtant, nous sommes sans cesse conscients, et ce, jusqu’à la toute fin, jusqu’à l’ovation qui suit la dernière note de la partition, qu’il s’agit bien du ballet classique résolument ancré dans les temps modernes.

Frankfurter Neue Press, Marcus Hladek, Francfort, 26 janvier 2011

Lorsqu’on assiste une deuxième fois à ce spectacle, son étourdissant langage chorégraphique (composé de mouvements asynchrones exécutés à une vitesse incroyable et liés en des combinaisons complexes, difficiles à percevoir à l’œil nu) frappe non seulement par sa maîtrise technique, mais aussi, étrangement, par son émotion. Cette émotivité ne naît pas de l’expression des danseurs (ils demeurent impassibles, trop occupés à se concentrer sur l’exécution de leurs mouvements), mais de l’art de Lock comme metteur en scène et chorégraphe. Les pas principaux, établis dès le début, sont combinés dans un jeu de variations et de développements, produisant un grand éventail d’effets – du détachement ironique à un érotisme désespéré.

Kommersant, Tatyana Kuznetsova, Moscou, 20 septembre 2011

Sa Nouvelle Création (c’est le titre de ce ballet) a bousculé la « nature pépère » du Palais du Kremlin et de son public d’habitués par son originalité, marquant ainsi une étape dans l’histoire de l’art contemporain. Le pouvoir artistique de cette œuvre de Lock dépasse tout ce que l’on a pu voir jusqu’ici. Le Kremlin n’avait jamais vu pareil travail sur pointes.

Rossiyskaya Gazeta, Aleksander Firyer, Moscou, 20 septembre 2011

Dynamique, virtuose, étrangement belle : la Nouvelle Création a permis à La La La Human Steps, la compagnie canadienne mythique de Lock, de faire sensation en ouverture du Festival ImPulsTanz de cette année.

Kurier, Silvia Kargl, Vienne, 14 juillet 2011

Dans son cas, le mot « ballet » réfère à un patrimoine de connaissances – non seulement techniques mais aussi chorégraphiques et musicales. Il s’inspire de ce répertoire avec respect et exactitude, bien qu’avec une totale liberté d’esprit et d’interprétation, le transformant en quelque chose de différent. En cela, il est véritablement un chorégraphe, dans le sens le plus pur du terme, c’est-à-dire un dessinateur qui trace avec précision la danse dans le temps et l’espace.

Ballet 2000, Elisa Guzzo Vaccarino, Rome, décembre 2011

Célèbre pour sa vitesse d’exécution, la compagnie montréalaise La La La Human Steps s’est montrée en pleine possession de ses moyens pour sa première au Royaume-Uni. La forme physique, la force et l’acuité mentale exigées des danseurs sont à couper le souffle. Pour une fois, fiez-vous à la véracité de la publicité. Une prestation exceptionnelle.

Dancing Review, Gerard Davis, Londres, 29 septembre 2011

La dynamique captive aussi longtemps que l’on se concentre sur la physicalité de la danse, sur son langage morcelé, éclaté, toujours proclamé. À l’inverse de ce qu’on rencontre souvent dans le ballet, aucune de ces créatures, les femmes notamment, n’est à la recherche d’un réconfort ou d’une complémentarité, certainement pas en tout cas auprès de ces cinq hommes constamment sur le bord de la chute. Cependant, la rigueur de la chorégraphie est telle que ceux-ci parviennent à injecter de petites secousses et feintes décisives dans leur façon extrêmement périlleuse d’effectuer leur travail de partenaires. J’aurais aimé voir ces détails cruciaux être mis davantage en relief. Il y a là un véritable langage qui claque, crépite, éclate.

The Arts Desk, Ismene Brown, Londres, 29 septembre 2011

Lock et sa compagnie demeurent toujours aussi avides de danger dans une chorégraphie qui semble défier non seulement les limites de la physiologie humaine, mais également les principes de base de la physique. De simples mortels ne peuvent bouger aussi rapidement! Pourtant, rien de truqué ici et il faut se rendre à l’évidence […] En plus, chacune des séquences stroboscopiques est ciselée comme du verre taillé.

The Independent on Sunday, Jenny Gilbert, Londres, 2 octobre 2011

Lock a su extraire du ballet classique un langage extraordinaire : un travail sur pointes saccadé, coupant et bondissant, de pas s’entrechoquant et de pirouettes exécutées à une vitesse folle. La scénographie accentue le drame des duos débordants d’énergie qui se succèdent : les puits de lumière éblouissante semblent avoir été dérobés à l’ombre environnante et au chœur des danseurs dont les corps tordus et en porte-à-faux les transforment successivement en amis endeuillés, en servantes, en sorcières ou en furies démoniaques.

The Guardian, Jubith Nackrell, Londres, 29 septembre 2011

Le baroque au tempo furieux de Lock : la plus récente création de la compagnie de danse canadienne La La La Human Steps est un pur régal. Aujourd’hui, l’immersion pointilleuse de La La La Human Steps dans la rhétorique du ballet (toutefois régénérée en une tekhnê neurasthénique) s’avère un défi paradoxalement humaniste de par sa fragilité humaine et sa finitude. Après Amjad (2008), inspiré par Le Lac des cygnes et La Belle au bois dormant, Lock a collaboré à nouveau avec le compositeur britannique Gavin Bryars, cette fois pour effectuer un voyage dans les 17e et 18e siècles. Dans le métissage sophistiqué aux milles formes, en particulier celles du jazz, un piano, un saxophone, un violon et un violoncelle rendent brillamment des fragments étiolés des opéras Didon et Énée de Purcell et Orphée de Gluck. Il Sole 24 Ore, Marinella Guitterini, Ferrare, 13 février 2011

C’est sans aucun doute l’un des créateurs les plus révolutionnaires du monde de la danse en ce 21e siècle.

Transparaissent immanquablement dans cette proposition les styles de Cunningham, de Carlson, de Marin et de Forsythe, réunis dans une essence qui en parfume l’ensemble et qui, loin d’évoquer l’imitation, singularise l’apport de Lock au travail accompli par les grands maîtres de la danse contemporaine au cours du siècle dernier. Il s’agit d’une réflexion intéressante, très bien montée du point de vue musical et tout à fait innovante dans le monde actuel de la création. Le public du Teatro Bretón l’a applaudie chaleureusement.

La Rioja, Perfecto Uriel, Logroño, 16 mars 2011

Une leçon de perfection. Kathimerini on Sunday, Semina Sarantopoulou, Athènes, 16 octobre 2011

On ne peut être qu’ébloui par l’inventivité de cette gestuelle accélérée inspirée du ballet […] De vertigineux tourbillons, d’innombrables pirouettes et des pointes parfaites, un soudain jeté renversé d’un des danseurs du trio et la pureté classique des arabesques de deux merveilleux pas de deux lyriques. Une impossible quête vers l’amour et l’espoir. Eleytherotypia, Mikra Psaropoulou, Athènes, 17 octobre 2011

Les partitions des deux opéras ont été superbement déconstruites et réinventées par Gavin Bryars et Blakes Hargreaves. Elles ont été revues pour piano, alto, violoncelle et plusieurs saxophones. Les grands airs sont déphasés, distordus, mais toujours reconnaissables. Le résultat nous semble à la fois familier et entièrement nouveau, magnifiquement interprété par le quatuor de musiciens.

Ottawa Citizen, Natasha Gauthier, Ottawa, 20 mai 2011

Je ne pense pas avoir déjà vu la lumière aussi judicieusement utilisée dans un spectacle de danse que dans la Nouvelle Création d’Édouard Lock, au Centre in Vancouver for the Performing Arts. L’utilisation de l’éclairage est très cinématographique. À plusieurs moments de cette pièce de 90 minutes, l’éclairage venant du haut se déplace d’un côté à l’autre de la scène, ce qui crée un effet de raccord syncopé comme dans un film et qui a pour effet de ralentir ou accélérer le temps. Cet effet n’est pas un simple truc – rien de truqué dans cette œuvre de Lock. Je me suis retrouvé complètement fasciné par cette gestuelle complexe exécutée à la vitesse de l’éclair. Qui aurait cru que des danseurs pouvaient bouger aussi rapidement? Cela semble surhumain.

Vancouver Sun, Kevin Griffin, Vancouver, 23 janvier 2012

Des pirouettes exécutées par les femmes à la vitesse de foreuses à diamant. Imaginez du ballet en accéléré, féroce dans le bon sens du terme. Il semble presque impossible de croire que des corps puissent bouger aussi rapidement avec autant de précision technique.

Straight, Janet Smith, Vancouver, 23 janvier 2012

Depuis plus de trente ans, Lock réécrit les règles de la danse contemporaine et force le public à reconsidérer sa façon de percevoir le mouvement.

Los Angeles Times, Laura Bleiberg, Los Angeles, 27 janvier 2012

Le plus fascinant, c’est de voir comment Lock s’inspire du vocabulaire du ballet classique pour le tordre, le réimaginer et se le réapproprier, en saisissant l’instant et en amenant le spectateur à établir des relations personnelles avec l’œuvre. Untitled est véritablement l’œuvre d’un grand artiste contemporain. Canada Arts Connect, Catherine Romano, Toronto, 27 mai 2011 Les danseurs, simplement hallucinants de technique, précision, rapidité, force cardiaque et souplesse, mangent de plus en plus l’espace. La chorégraphie est signée, intelligente, d’une cohérence et d’une logique formelle indiscutable. La nouvelle création de Lock est magnifique, lisse, imperméable, pompeuse par moments. Une pièce, étrangement ennuyante, de grande beauté.

Le Devoir, Catherine Lalonde, Montréal, 6 mai 2011

Édouard Lock n’a plus à faire ses preuves évidemment, et ça se palpe. Sa création sent l’artiste accompli qui explore d’autres

formes de transgressions que celles d’une longue carrière. Pas la forme provocante moderne, davantage l’anti-code : d’où l’idée d’exploiter la danse classique et ses pointes, la musique classique et ses redondances de phrases, pour détourner leurs apparences académiques. Codes recodés à l’opposé. Ça fait penser à du Gainsbourg qui se fout de tout.

Df Danse, Marion Gerbier, Montréal, 6 mai 2011

Édouard Lock connaît ses ballets classiques. L’exploit de ses interprètes – femmes et hommes – n’en est que plus remarquable. Solos et pas de deux se succèdent à rythme époustouflant dans cet éclairage ambivalent de soleil noir. On en ressort ébloui et tourneboulé.

Ouest France, Xavier Alexandre, Caen, 10 décembre 2011

Invité en ouverture du Festival de danse de Cannes (le 22 novembre) nouvellement dirigé par Frédéric Flamand, Édouard Lock

a décontenancé le public : éclairages rasants, double écran montrant la jeunesse et la vieillesse des visages, danse d'un

niveau de technicité rare, cette nouvelle création emporte tout sur son passage.

Les Echos, Philippe Noisette, Cannes, 5 décembre 2011

Réussissant une symbiose étonnante de l’histoire de la danse, Édouard Lock ne s’interdit rien : ni l’usage des pointes, ni les chutes au sol, ni les legato qui semblent étirer le temps dans des mouvements stylisés à l’extrême, ni les convulsions vibratiles qui semblent contracter l’instant. La vidéo, les lumières extrêmement travaillées, la composition musicale qui s’appuie sur un quatuor inédit s’altèrent et induisent d’autres symbioses, d’autres textures visuelles et sonores qui s’épanouissent dans une sensualité animale. Vivre à Chalon, Chalon-sur-Saône, 7 décembre 2011

Millimétrée à chaque pas et geste, la performance réalisée par les danseurs de La La La Human Steps a transporté le public dans une légèreté singulière.

Le Journal, Pauline Guyonnet, Chalon-sur-Saône, 7 décembre 2011

THÉÂTRES HISTORIQUE

Allemagne

Berlin Hebbel Theater, Komische Oper,

Haus des Berliner Festpiele

Cologne Schauspielhaus

Dortmund Schauspielhaus

Dresde Schauspielhaus

Düsseldorf Opernhaus, Tanzhaus

Francfort Schauspiel Frankfurt, Opernhaus

Fürth Stadttheater

Hambourg Kampnagel

Hanovre Theater am Aegi

Helbronn Heilbronn Theater

Kassel Staatsstheaters Kassel

Leverkusen Forum

Ludwigsburg Theater im Forum

Münich Alabama-Halle, Deutsches Theater,

Prinzregententheater

Neuss Stadthalle

Oldenburg Oldenburgisches Staatstheater

Remscheid Theater der Stadt Remscheid

Weimar Deutsches Nationaltheater

Wuppertal Opernhaus

Autriche

Bregenz Festspielhaus

Innsbruck Dogana Hall

Linz Posthof

Salzbourg Stadtkino, Perner-Insel, Szene

Salzburg

Vienne Wiener Secession, Volkstheater,

Burgtheater

Australie

Adelaide Her Majesty’s Theatre

Brisbane Lyric Theatre, Queensland Perf.

Arts Complex

Perth His Majesty’s Theatre

Sydney Everest Theatre

Belgique

Anvers deSingel

Bruges Stadsschouwburg Brugge,

Concertgebouw Brugge

Charleroi Palais des beaux-arts

Gand Vlaamse Opera

Hasselt C.C. Hasselt

Liège Festival du Jeune Théâtre

Louvain Klapstuck

Mons Salle du Téâtre Royal

Turnhout C.C. de Warande

Brésil

Porto Alegre Teatro do Sesi

Rio Teatro Municipal

Sao Paulo Teatro Municipal, Teatro Sergio

Cardoso, Teatro Alfa

Canada

Amos Théâtre des Eskers

Banff Banff Centre Theatre

Calgary Dancers’ Studio West, Centre for

the Perf. Arts, Performing Arts

Center, Jubilee Auditorium

Chicoutimi Auditorium Dufour

Edmonton University of Alberta, Students’

Union Theatre, Sub Theatre,

Jubilee Auditorium

Montréal Théâtre de l’Eskabel, Musée d’art

contemporain, Théâtre

Conventum, Rialto, Spectrum,

Théâtre du Nouveau Monde,

Théâtre Maisonneuve et Salle

Wilfrid-Pelletier de la Place des

Arts,

Lennoxville Centennial Theatre

Ottawa Centre national des arts

Québec Institut canadien, Grand Théâtre

Red Deer Red Deer College

Regina Saskatchewan Centre

St. Catherines Brock Centre for the Arts

Sept-Îles Théâtre de Sept-Îles

Sherbrooke Salle Maurice O’Bready

Toronto Harbourfront (Brigantine Room),

Premiere Dance Theatre,

Danforth Music Hall Theatre,

St. Lawrence Center, O’Keefe

Center, Hummingbird Centre

Vancouver Simon Fraser University, East

Cultural Centre, Vancouver

Playhouse, Queen Elizabeth

Theatre, The Center for the

Performing Arts

Chine

Hong Kong Academy for Performing Arts

Lyric Theater

Corée du Sud

Séoul LG Arts Center

Danemark

Copenhague Musikteatret Albertslund

Espagne

Madrid Teatro de Madrid. Teatro del Canal

Barcelone Théâtre Grec, Mercat de les Flors

Séville Teatro Italica, Teatro Central

Olite Recinto Festivales

Valence Parco de Riveros, Comédie

de Valence

États-Unis

Boston Boston Shakespeare Theatre,Dance

Umbrella

Chicago The Chicago Music and Dance

Theatre

Iowa City Hancher Auditorium

Irvine Irvine Barclay Theatre

Los Angeles Royce Hall

Missoula University of Montana

Los Angeles Embassy Theatre, Wiltern Theatre

New York The Kitchen, The Performing Garage,

Dance Theatre Workshop’Bessie

Schönberg Theater, Brooklyn

Academy of Music

Philadelphia Kimmel Center

Pittsburgh Benedum Center

Pullman Washington State Univesity

San Francisco New Performance Gallery, Yerba

Buena Center for the Arts

Santa Barbara Granada Theater

Seattle Washington Hall Perf. Gal, Moore

Theatre

Finlande

Helsinki City Theatre

France

Angers Théâtre municipal

Angoulème Théâtre de Angoulème

Annecy CAC de la Région ancienne,

Bonlieu-Scène nationale

Bordeaux Conservatoire national,

Salle J. Thibaud, Théâtre

National de Bordeaux

Caen Théâtre de Caen

Cannes Palais des Festivals

Châlon-sur Saône Espace des Arts

Châlons-en- Théâtre du Muselet, La

Champagne Comète Scène Nationale

Clermont-Ferrand La Comédie de Clermont

Scène Nationale

Dijon Le Duo, Auditorium de Dijon

Épinal Parc des expositions

Frouard Théâtre Gérard-Philippe

Tarbes Le Parvis, Centre le

Méridien

La Rochelle La Coursive

Le Havre Le Volcan

Lille Salle du CAC

Lyon Maison de la Danse

Marseille Théâtre du Merlan

Martigues Théâtre des Salins

Maubeuge La Luna

Metz Théâtre de Metz

Montpellier Opéra Berlioz, Le Corum

Mulhouse La Filature

Narbonne Scène Nationale de Narbonne

Nîmes Théâtre Verdure

Ollioules Centre de Châteauvallon

Paris Centre culturel américain,

Théâtre de la Bastille, Théâtre de

Bobigny,

Théâtre de la Vile

Rennes Maison de la Culture

Rouen Hangar 23, Théâtre des

Arts, Opéra de Rouen /

Haute Normandie

Saint-Étienne Maison de la Culture, Grand

Théâtre Massenet

Saint Brieuc Grand Théâtre

Saint Quentin Théâtre de Saint-Quentin et

Yvelines

Sète Théâtre de Sète

Strasbourg Le Maillon

Toulouse Théâtre National de

Toulouse

Villeneuve d’Ascq La Rose des Vents – Grande salle

Grèce

Athènes Megaro Mousikis Athinon

Thessalonique Macedonian Studies Theatre

Hongrie

Budapest Palace of Arts, Festival Theater

Israël

Haifa Haifa Auditorium, The Israeli Opera

Jerusalem Herover Theatre

Tel Aviv Cinerama, Performing Arts Center

Italie

Ancona Festival de Polverigi

Bari Teatro Petruzelli

Ferrara Teatro di Communale

Gênes Teatro Gustavo Modena

Milan Teatro dell’Elfo, Teatro di Porta

Romana

Rome Sistina, Teatro Argentina,

Teatro Olimpico

Torino Lavanderia a vapore

Turin Teatro Regio

Japon

Aizu Aizu Fuga-do Theater, Fukushima

Prefecture

Fukushima

Chiga Biwako Hall

Kochi Kochi Prefecture Museum Hall

Oita Oita Oasis 21

Otsu City Shiga Biwako Hall

Saitama Saitama Arts Theater

Tokyo Orchard Hall

Mexique

Mexico Sala Miguel Covarrubias,

Palacio Bella Artes

Pays-Bas

Amersfoort C. C. de Flint

Amsterdam De MerrvarT, Stadsschouwburg,

Het Muziektheater

Arnhem Schouwburg

Dordrecht Schouwburg Kustmin

Eindhoven Stadsschouwburg

Enschede Twentse Schouwburg

Gröningen Martinihalcentrum, Stadsschouwburg

Maastricht Theater aan het Vrijthof

La Haye Lucent Danstheater

Leeuwarden SSB De Harmonie

Rotterdam Staadsschouwburg

Sittard C.C. De Stadsschouwburg

Tilburg Schouwburg Tilburg, Theaters

Tilburg

Utrecht Staadsschouwburg

Zoetermeer Stadstheater

Portugal

Lisbonne Centro cultural de Belém

Porto Teatro Rivoli

Royaume-Uni

Birmingham Hippodrome

Bristol Arnolfini Theatre

Édimbourg Edinburgh Playhouse, Festival

Theatre

Glasgow King’s Theatre

Leicester Phoenix Theatre

Leeds Grand Theatre

Londres Riverside Studios, Institute of

Cont. Arts, Town & Country Club

Sadler’s Wells, Royalty Theatre

Manchester Royal North Coll. of Music,

Manchester Festival

Northampton Derngate

Salford Lowry The Lowry

Russie

Moscou Gorky Theatre

Saint-Pétersbourg Alexandrinsky Theater

Singapour

Singapour L’Esplanade, Singapore Arts

Festival

Slovénie

Ljubljana Cankarjev Dom, Linhart Hall

Suède

Stockholm Dansens Hus

Göteborg Stadsteatern

Suisse

Zurich Werfthalle

République Tchèque

Prague State Opera Prague

FESTIVALS HISTORIQUE

Aarhus Festival 2002

Carlton Dance Festival, Sao Paulo, Rio 1989, 1992

Charleroi Danses 1996

Dance Umbrella, London 1983, 1988, 1996

Dance Umbrella, Boston 1988

Dance 95, Münich 1995

Eindhoven Festival 1991

Edinburgh International Festival 1991

Festival Centro Historico, Mexico 2008

Festival d’Automne, Madrid 1986, 2000

Festival de Chateauvallon 1984

Festival Danse au Canada, Ottawa 1985, 2000

Festival d’Été de Seine-Maritime, Rouen 1985, 1988

Festival de Lille 1988

Festivales de Navarra, Olite 1988

Festival de Polverigi 1984, 1985

Festival grec, Barcelone 1988, 1992

Festival international de nouvelle danse, Montréal 1985, 1987, 1991, 1992, 1995

Festival internacional de Danza, Italica, Sevilla 1988

Festival du Jeune Théâtre, Liège 1986

Göteborg Dans & Theater Festival 1996

Gran Festival, Mexico 1992

Holland Festival, Amsterdam 1985, 1988

Hong-Kong Arts Festival 1992

ImpulsTanz Wien 2002, 2007, 2011

Internationale Ballett-Tage Oldenburg 1997

Internationales Festival des Staatstheaters, Kassel 1988

International Festival Madrid en Danza 2011

Internationell Scen Seminar, Stockholm 1992

Internationales Sommertheater Festival, Hambourg 1988, 1995, 1999

Internationales Tanz und Theater Festival, Hanovre 1986, 1988

Internationales Tanzfest, Berlin 1996, 1999

Internationales Tanzwochen, Vienne 1995, 1996, 1999

Jerusalem Festival 1992, 1996

Julidans Festival, Amsterdam 1993, 1995

Klapstuck, Louvain 1989

Kopenhaven International Theater (KIT), Copenhague 1996, 1999

Lithdance Festival, Vilnius 2002

Los Angeles Festival 1987

Manchester Festival 1986

Nordrhein Westphalen Festival, Germany 1988, 1996

Octobre en Normandie, Le Havre, Rouen 1991, 1995

Olympic Arts Festival, Calgary 1988

Perth Festival, Perth 1989

RomaEuropa 2007

Szene Festival, Salzbourg 1988, 1991, 1995, 2000

Sigma 24, Bordeaux 1988

Singapore Arts Festival 2008

Spring Dance Festival, Utrecht 1991

Sydney Festival, Sydney, Australia 1989

Théâtre des Nations, Frouard, Épinal, Metz 1984

Tanz im August, Berlin 2002, 2007, 2011

Zürcher Theater Spektakel, Zürich 1986, 1988, 1991