nº 4. cinemascomics: la revista. mayo 2011

Abril 2011. Nº 4. Año 1 www.cinemascomics.com

La revista

Especial

UNA DE PIRATASSeriesUGLY AMERICANSLa animación no es cosa de niños

Especial Súper héroes animados

AMICUS PRODUCTIONSLa otra Hammer

LOS CAZAFANTASMASDE IVAN REITMAN

JERRY BRUCKHEIMEREl rey midas de Hollywood

¡CONCURSO

SKYLINE!

EstrenosEl sicario de DiosEl último exorcismoSin IdentidadPiratas del caribe IVUna mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos

ENTREVISTASDaniel StammJohnny Depp

DIRECTORCarlos Gallego

DIRECTOR DE ARTECarlos Gallego

MAQUETACIÓN & AUTOEDICIÓNCarlos Gallego

REDACCIÓN

Carlos GallegoManuel MorosDavid LarradPedro PinosDiego Sánchez (planta13.blogspot.com)Úrsula KarivdisJavier CalvoJosé Joaquín González(www.defanafan.com)Gerard Fossas(www.butacapreferente.com)Sergio Reina(critico-de-cine-aficionado.blogs-pot.com)

TIRA CÓMICA

Diego Burdio(diegoburdio.blogspot.com)

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Carlos GallegoTelf. 637 52 01 [email protected]

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cinemascomicsla revista EDITORIAL

Capitán...¡Piratas a la vista!, no, no es una falsa alarma, pre-párense porque los piratas han invadido Cinemascomics, y no faltos de motivos, ya que este mes llega a nuestros cines “Pira-tas del Caribe: En mareas Misteriosas”, cuarta entrega capita-neada por el Pirata Jack Sparrow y que esta vez llega inspirada por la gran obra del escritor Tim Powers “En costas Extrañas”.

Y qué mejor manera de dar la bienvenida a esta nueva entrega que comenzando nuestro número hablando de su productor, Jerry Bruckheimer, de la mano de nuestro compañero David Larrad, continuando con un especial Piratas, de Manuel Mo-ros, que nos hablará de la presencia del género de Piratas en el celuloide. Y ya cambiando de tema Gerard Fossas de buta-capreferente.com nos descubre un joya del cine Chino, “Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos”. En clásicos del terror, Pedro Pinos recordará a Amicus Productions una pro-ductora de cine de terror que contó con grandes títulos pro-tagonizados por los siempre geniales Christopher Lee, Peter Cushing o Vicent Price entre otros.

En cine de los 80, Sergio Reina de critico-de-cine-aficionado.blogspot.com, nos habla de “Los Cazafantasmas” de Ivan Reit-man. Javier Calvo nos analizará la serie de animación Ugly Americans, mientras que José Joaquín González de www.de-fanafan.com, nos traerá un especial Súper Héroes animados. Además no os podéis perder las entrevistas a Daniel Stamm director de “El último exorcismo” y la de Johnny Depp que nos contará todos los secretos acerca del rodaje de la cuarta entrega de “Piratas del Caribe” y por supuesto la tira cómica de Diego Burdio, diegoburdio.blogspot.com y la sección “Qué leer” de Úrsula Karivdis.

Da comienzo Cinemascomics: La revista, y como diria el El Gran Wyoming, para despedirse, el mes que viene más, pero no mejor, porque es imposible, aquí, en Cinemascomics.

Carlos GallegoDirector de Cinemascomics

Mayo 2011Número 4

4 │ Cinemascomics │ Mayo 2011 www.cinemascomics.com

82Entrevista:Johnny Depp

106Ugly Americans

10Jerry BruckheimerEl rey midas de Hollywood

contenido

La tira de diego burdio. pag 7

Actualidad9│Capitán AméricaNuevas imágenes

16│Amanecer Parte INuevas imágenes

18│ The AvengersComienza el rodaje

criticas92│THOR

93│ El sicario de Dios

94│ Código Fuente

95│Rio

104 CAZAFANTASMASEntrevista:Daniel Stamm

50

www.cinemascomics.com Cinemascomics │ Mayo 2011 │ 5

22

106Ugly Americans

contenidoestrenos35 │ El sicario de Dios

6 de mayo

44 │ El último exorcismo

6 de mayo

54 │Arthur y la guerra de los mundos

13 de Mayo

60 │ Sin Identidad

13 de mayo

70│ Piratas del Caribe: En mareas misteriosas

20 de mayo

86│ Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos

20 de mayo98AMICUS PRODUCCTIONS:El reverso tenebroso de Hammer

112SÚPER HÉROES ANIMADOS

que leer120 │ Qué leer 122 │ Zona Cómic

Entrevista:Daniel Stamm

50Una de Piratas

Nuevas imágenes

El próximo mes de agosto se estrena “Capitán América: El primer Vengador” y siguen llegándonos imágenes del rodaje que se encuentra en su fase final. En esta ocasión se trata del rodaje de una de las escenas finales del film donde Steve Ro-gers (Chris Evans) se encuentra con Nick Fury (Samuel L. Jackson).



Coincidiendo con el estreno de la nueva entrega de “Piratas del Ca-ribe: En mares misteriosos”, va-mos a repasar la trayectoria de un componente imprescindible en el equipo de producción de la pelí-cula, Jerry Bruckheimer.

Este productor de cine, nacido en Detroit, Michigan, en 1945, posee una gran cantidad de éxitos a sus espaldas. Como productor, debe encargarse de los aspectos orga-nizativos y técnicos de la elabo-ración del filme, poniéndose de acuerdo con el director, y comple-mentando su tarea; además Jerry Bruckheimer siempre ha sido un genio a la hora de promocionar sus productos.

Su primer gran éxito se remonta a los años 80; la película “Flashdan-ce”, estrenada en 1983, donde una joven con pretensiones artís-ticas que trabaja en la industria del acero durante el día, demues-tra sus habilidades como bailarina en un club durante la noche. Su jefe –que no la conocía- acabará enamorándose de ella al contem-plar sus magníficas exhibiciones de baile.

Su carrera siguió adelante con éxi-to gracias a “Súper Detective en Hollywood”, estrenada en 1984, recordada por su banda sonora de fácil tarareo. En esos años, Jerry

Bruckheimer aprendió que una buena historia protagonizada de manera convincente por alguien con carisma, podía seguirse de un gran éxito si se trabajaba adecua-damente con ella.

La trilogía de Súper Detective en Hollywood se completó con dos entregas más, estrenadas en 1987 y 1994; sin embargo Bruc-kheimer intervino solamente en la segunda. Estos largometrajes supusieron un impulso definitivo en la carrera de su protagonista;

Eddie Murphy, quien interpretaba al inolvidable detective Axel Fo-ley.

Como no podía dejar de trabajar y de crear éxitos, en 1986 triunfará en las taquillas de todo el mundo, -además de recibir notables críti-cas- con “Top Gun”, en la que un jovencísimo Tom Cruise surcaba los cielos con su avión de comba-te F-14. De nuevo la fórmula de Bruckheimer: Un joven actor en ascenso; una historia apreciable para el público, toques precisos

JERRY BRUCKHEIMER EL REY MIDAS DE HOLLYWOOD

Eddie Murphy posando junto a sus compañeros de reparto en “Super detective en Hollywood” Martin Brest. 1984.


de rebeldía y una gran banda so-nora. La promoción a nivel mun-dial resultó sencillamente espec-tacular.

Parecía que todo le salía bien, así que siguió en la misma línea. En 1990 repitió con Tom Cruise, a quien puso en manos del director Tony Scott para rodar “Días de Trueno”. La historia de un joven corredor de carreras de la Nascar, quien tiene que sobreponerse a un accidente que le deja en coma.

La afición de Bruckheimer por el cine de policías, le hizo volver a este género en 1995; consiguien-do otro número uno en taquilla con la genial película “Dos poli-cías rebeldes” protagonizadas por dos grandes actores: Will Smith y Martin Lawrence. Fue dirigida por Michel Bay, de gustos similares a Bruckheimer, pues ambos son par-tidarios de las películas especta-culares, las cuales promocionan “a lo grande”.

En 2003 estrenó la segunda parte de “Dos Policías Rebeldes”; pero su calidad era muy inferior; aun-que intentaba ser más espectacu-lar, perdió la química tan especial

entre los dos protagonistas de la primera entrega. “Marea Roja” se estrenó en 1995, reclutando de nuevo a Tony Scott para la dirección; los actores con-tratados en este caso fueron Gene Hackman y Denzel Washington; quienes se disputaban el control de un submarino.

Ese mismo año estrenó también “Mentes Peligrosas”, con Miche-lle Pfeiffer, que interpretaba a la mentora de un grupo de alum-nos problemáticos de un institu-to marginal. El filme en sí no era muy espectacular, pero su banda sonora con Coolio y su “Gangsta’s Paradise” a la cabeza, es una de las mejores de la historia.

A continuación vendrán tres años de grandes películas, en los que se cosechará éxito tras éxito. En 1996 “La Roca”, con un Nicolas Cage en estado de gracia, acom-pañado por un Sean Connery ma-gistral; quienes se ven amena-zados por un gran Ed Harris. Un grupo de turistas están secues-trados en Alcatraz, solo un anti-guo inquilino y un policía cientí-fico pueden detener al grupo de militares que se han revelado y

han tomado la roca. ¿Quién no se acuerda de esas persecuciones por la ciudad de San Francisco?

Al año siguiente 1997 repitió con Nicolas Cage en “Con Air”; un gru-po de presos, liderados por John Malkovich, secuestran un avión supuestamente inexpugnable, pero uno de los ellos esta dis-puesto a impedirles su propósito y conseguir que no escapen.

1998 fue el año de “Armagge-don”, uniéndose de nuevo con Mi-chel Bay. El veterano perforador Bruce Willis tendrá que lidiar con el joven e impulsivo aprendiz Ben Affleck para salvar al mundo.

Jerry Bruckheimer es de los que piensan que cuando algo funcio-na… ¿Para qué tocarlo? Así que en 1998, junto a Tony Scot y Will Smith lanzó “Enemigo público”; la historia de un hombre corrien-te que por una confusión se con-vierte en el centro de una cons-piración, debiendo hacer todo lo posible para salir de ella.

En 2000, con Nicolas Cage como protagonista, regresó con una película repleta de adrenalina,

Fotograma de Black Hawk Derribado. Ridley Scott. 2001

llamada “60 segundos”; cuya ca-lidad no era la que esperaban sus fans, a pesar de lo cual tuvo una gran recaudación. Estaba claro que su productor quedaba satis-fecho si “hacía caja”, a pesar de no contar con el beneplácito de la crítica.

En ese mismo año estrenó “Bar coyote”, donde un grupo de chi-cas entretenían a la clientela de su establecimiento con eróticos bailes desbordantes de sensuali-dad; su banda sonora fue uno de los hits de ese año.

En 2001, con un presupuesto des-orbitado, estrenó “Pearl Harbor”. Las nefastas críticas no impidie-ron que recuperara lo invertido. No cabe duda de que esta película supuso un pequeño traspiés en la exitosa carrera de Jerry Bruckhei-mer. Aquel mismo año triunfó con “Black Hawk derribado”, un ro-tundo triunfo dirigido por Ridley Scott; donde se narraba la histo-ria de un grupo de marines que caían en territorio enemigo en la ciudad de Mogadisco, en Somalia, durante la guerra civil de aquel país africano.

En 2003 llegó uno de sus mayores éxitos: “Piratas del Caribe”, que-dando inaugurada la mítica saga. Se batieron récords de recauda-ción y fue alabado por crítica y público en general; incluyendo la gran actuación de Johnny Deep. Pronto veremos la cuarta entre-ga, y los planes para la quinta van “viento en popa” en los despa-chos del señor Bruckheimer.

Mientras el libro “El Código Da Vinci” se vendía en las librerías como rosquillas, Jerry Bruckhei-mer creaba su particular versión cinematográfica; nos referimos a “La Búsqueda”, donde un cazador de tesoros sigue las indicaciones dejadas en billetes de dólar para recuperar un tesoro legendario. Más tarde llegaría una segunda parte con el mismo protagonista Nicolas Cage; pero su calidad de-jaba bastante que desear.

No era la primera vez que el nivel de las segundas y terceras partes de las películas de Bruckheimer bajaba tan notablemente.

En 2006 llegó “Dejavu”, entre-tenido film de Tony Scott prota-gonizado por Denzel Washington,

donde aparecía una singular má-quina del tiempo gracias a la cual podían impedirse atentados.

2010 fue un mal año para Jerry Bruckheimer; “El aprendiz de Brujo” no obtuvo el resultado deseado y fue muy criticado; “El Príncipe de Persia” mejoraba la calidad de la anterior, pero no ex-plotó como se esperaba.

Ahora, en 2011 intentará redi-mirse con la cuarta entrega de su famosa saga; “Piratas del Caribe: En aguas misteriosas”; además de lanzar la tercera entrega de “La Búsqueda”, donde ha prometido mayores semejanzas con la pri-mera, dejando atrás los graves deslices de la segunda.

Pero no sólo del cine vive este productor; también ha trabajado en televisión con “Sin Identifi-car”, “La Hora 11”, “Fiscal Cha-se”, “Caso Abierto”, “Sin Rastro”, CSI: Las Vegas, New York y Miami” y “Dark Blue”.


Jerry Bruckheimer junto a Johnny Depp durante el rodaje de Piratas del Caribe: En mareas misteriosas. Rob Marshall. 2011.

Nuevas imágenes

El 18 de Noviembre por fin llegará a las pantallas cinematográficas la esperadísima cuarta entrega de La Saga Crepúsculo: Amane-cer (parte I). Y ya podemos ver algunas imágenes de lo que nos deparará el sobrenatural triángu-lo amoroso entre una humana, un vampiro y un hombre lobo. Y aquí os dejamos unas nuevas imágenes para ir abriendo boca.

La Saga Crepúsculo: Amanecer (parte I) está dirigida por Bill Con-don (Dreamgirls, Kinsey, Dioses y monstruos); de nuevo volveremos a ver a Kristen Stewart, Robert Pattinson y Taylor Lautner encar-nando a los protagonistas de la saga: Bella Swan, Edward Cullen y Jacob Black.


18 │ Cinemascomics │Mayo 2011 www.cinemascomics.com

Noticias

Comienza el rodaje de “The Avengers”


El pasado 26 de abril comenzó en Albuquerque, Nuevo México el rodaje de la esperadísima película “Marvel’s The Aven-gers”, dirigida por Joss Whedon (“Serenity”) con un guión adap-tado de Whedon. El rodaje de la cinta continuará en Cleve-land, Ohio y Nueva York. Robert Downey Jr. (“Iron Man”, “Iron Man 2”) regresa para encar-nar al icónico Tony Stark/Iron Man junto a Chris Hemsworth (“Thor”) en el papel de Thor, Chris Evans (“Captain Ameri-ca: The First Avenger”) dando vida al Capitán América, Jere-my Renner (“Thor”, “The Hurt Locker” [En tierra hostil]) en el papel de Hawkeye, Mark Ruffa-lo (“The Kids Are Alright” [Los chicos están bien]) como Hulk, Scarlett Johansson (“Iron Man 2”) encarnando a la Viuda Ne-gra, Clark Gregg (“Iron Man”, “Thor”) en el papel del Agente Phil Coulson, y Samuel L. Jack-son (“Iron Man”, “Iron Man 2”) interpretando a Nick Fury. El estreno de “Marvel’s The Aven-gers” está previsto para el 4 de mayo de 2012. Para Disney, que adquirió Marvel en 2009, esta será la primera película de la que detenta toda la propiedad, además de encargarse de su co-mercialización y distribución.

Continuando las aventuras épi-cas en la gran pantalla que em-pezaron con “Iron Man”, “The Incredible Hulk”, “Iron Man 2”, “Thor” y “Captain America: The First Avenger”, “Marvel’s The Avengers” representa la reunión más espectacular ja-más vista de Superhéroes. Un enemigo inesperado amenaza con poner en peligro la seguri-dad mundial, así que Nick Fury, Director de la agencia interna-cional para el mantenimiento de la paz conocida con el nom-bre de SHIELD, necesita encon-trar urgentemente un equipo que salve al mundo del mayor

de los desastres.

Basada en el famosísimo cómic que se publicó por primera vez en 1963, “Marvel’s The Aven-gers” reúne a los personajes de Superhéroes más emblemáticos y será la primera vez que apa-recen todos juntos en la gran pantalla. Al reparto estelar de Superhéroes se unirán Co-bie Smulders (“How I Met Your Mother) [Cómo conocí a vuestra madre] en el papel de la Agente Maria Hill de SHIELD, así como Tom Hiddleston (“Wallander”) y Stellan Skarsgård (“Angels & Demons” [Ángeles y demonios], “Mamma Mia!”) que retomarán sus respectivos papeles de Loki y el profesor Erik Selvig en el largometraje “Thor”, el próxi-mo estreno de Marvel Studios.

“Marvel’s The Avengers” está producida por Kevin Feige, Presidente de Marvel Studios. Sus productores ejecutivos son Alan Fine, Stan Lee, Louis D’Esposito, Patty Whitcher, y Jon Favreau. Jeremy Latcham y Victoria Alonso de Marvel Stu-dios serán coproductores.

El equipo de producción creati-va incluye el director de foto-grafía nominado al Oscar, Sea-mus McGarvey (“Atonement” [Expiación]), el diseñador de producción James Chinlund (“25th Hour” [La última no-che]), la diseñadora de ves-tuario ganadora de un Oscar, Alexandra Byrne (“Elizabeth: The Golden Age” [Elisabeth: la Edad de Oro]), el supervisor de efectos visuales ganador de un Oscar, Janek Sirrs (“Iron Man 2”, “The Matrix”), la produc-tora de efectos visuales Susan Pickett (“Iron Man”, “Iron Man 2”), el coordinador de especia-listas R.A. Rondell (“Superman Returns” [Superman vuelve]), y el supervisor de efectos espe-ciales con cuatro nominaciones

a los Oscar, Dan Sudick (“Iron Man”, “War of the Worlds” [La guerra de los mundos]). Los encargados del montaje son Paul Rubell (“Collateral” [Cola-teral]), nominado a los Oscar, y Jeffrey Ford (“Crazy Heart” [Corazón rebelde]).Marvel Studios produjo hace poco “Iron Man 2” que se estre-nó en los cines el 7 de mayo de 2010. La secuela de “Iron Man”, protagonizada por Robert Dow-ney Jr. y Gwyneth Paltrow así como por Don Cheadle, Scarlett Johansson y Mickey Rourke, fue la película más vista en su pri-mer fin de semana de estreno con una recaudación bruta en Estados Unidos de 128,1 millo-nes de dólares. Hasta la fecha, la película ha recaudado más de 620 millones de dólares en todo el mundo.

En el verano de 2008, Marvel produjo los éxitos veraniegos “Iron Man” y “The Incredible Hulk” (El increíble Hulk). En “Iron Man”, Robert Downey Jr. se pone por primera vez la im-pactante armadura de Super-héroe junto con los coprotago-nistas Terrence Howard, Jeff Bridges y Gwyneth Paltrow. La película se estrenó el 2 de mayo de 2008 y fue un éxito de taquilla inmediato. La cin-ta se colocó en el número uno durante dos semanas seguidas y recaudó más de 100 millones de dólares en su primer fin de semana, con una recaudación bruta mundial de más de 571 millones de dólares. El 13 de junio de 2008, Marvel estrenó “The Incredible Hulk” (El in-creíble Hulk) que se convirtió en su segunda película más vista de ese verano. El espec-tacular renacimiento del icó-nico Goliat verde obtuvo una recaudación bruta de más de 250 millones de dólares en las taquillas de todo el mundo.

Queridos amiguetes: seamos sin-ceros, ahora que no nos oye na-die. Todos hemos conseguido te-ner trabajos respetables, mejor o peor pagados pero respetables, una hipoteca que se nos come por los pies, un coche enorme, miles de facturas, una mujer que no para de dar mal y unos niños que no se callan ni debajo del agua. Pensad por un momento qué pensaría de nosotros aquel niño que fuimos. Y sentid pena por él, porque segu-ramente se sentiría muy decep-cionado. Muchos de nosotros cre-cimos bajo la sombra imaginaria de un flamear de banderas pira-tas, desde el poema de Espronce-da que nos hacían aprender en la escuela a las novelas de Salgari, desde el capitán Garfio de Peter Pan al Long John Silver de La isla del tesoro, desde Sandokán (¡Ah, esa Perla de Labuán...!) al Temi-ble Burlón. Todos, en un momen-to u otro, soñamos con embarcar-nos como grumetes en alguno de aquellos barcos que surcaban el Caribe y ya de mayores, perforar-

nos las orejas con enormes aros de oro, hacernos trencitas en la barba y asaltar galeones carga-dos de oro. Sentir la adrenalina correr por nuestras venas cuando el serviola gritara desde la cofa que había velas a la vista, correr para coger los ganchos de aborda-je, los sables, cuchillos y pistolo-nes, trepar por jarcias y obenques para saltar intespentivamente so-bre sus cubiertas mientras otros compañeros asomaban las negras bocas de los cañones por la banda y, entre carcajadas de burla, izar sus banderas para que nos cre-yeran de los suyos, y cuando se acercaran como mansas ovejas, cambiar el emblema por la cala-vera y las tibias cruzadas. Lanzar la primera andanada contra el palo mayor y el trinquete mien-tras el fuego de la mosquetería barría la cubierta y, una vez de-rrotado el enemigo, con la cubier-ta llena de cadáveres destripados y los tiburones dándose un festín, ordenar a los supervivientes que ellos mismos trasladasen a nues-

tro barco las barras doradas o los zurrones de oro. Después sólo habría que rasgarles las velas, re-gresar al bajel y largar los trapos para que el barlovento nos llevase a isla Tortuga y allí, y gastarnos el botín hasta caer borrachos en una vorágine de alcohol y hermo-sas mujeres. Un nuevo asalto nos resarciría. Total, teníamos todo el tiempo del mundo y todo el mar para cazar nuevas presas. Y nunca llegaríamos a viejos. Moriríamos en combate y reposaríamos en el fondo del mar, envueltos en una mortaja de agua y arena blan-ca, junto a grandes como Drake, Morgan, Barbanegra o el Capitán Kidd, al vaivén de las corrientes, junto a los restos carcomidos de los numerosos galeones hundidos por los Hermanos de la Costa y nuestras cuencas vacías mirando para siempre al mar... Pero bueno, soñar es gratis, y esto es lo que hay. Así que dedicare-mos este articulete a aquel niño que fuimos, cuyos sueños nunca

Una de PiratasPor Manuel Moros

Quince hombres sobre el cofre del muertoYo-ho-ho, y la botella de ron!El diablo y el ron hicieron el restoYo-ho-ho, y la botella de ron!

Robert Louis Stevenson. La isla del tesoro (1883)

se cumplieron y que se hizo viejo demasiado pronto, en el mismo momento en que dejó de soñar. Así que, ¡malditos bribones hijos de perra, soltad amarras y largad velas, que nos vamos al abordaje del cine de piratas!

La piratería nació con la nave-gación, desde el mismo instante en que unos rudimentarios nave-gantes lograron surcar los mares y otros los atacaron para robarles su cargamento. Tenemos noticias del asalto de los piratas tracios a un carguero fenicio en el año 1448 a. d. C, durante el segundo año del reinado del faraón Amenotep II, y piratas han existido en todas las épocas y en todos los mares del planeta. De hecho, siguen existiendo, solo que ahora llevan

ametralladoras en lugar de sables y pistolas y cobran sus rescates por medio de banqueros suizos. El imponente Imperio Romano tuvo que echar mano de 500 naves, 120.000 soldados y 24 generales, y su más brillante estratega, Pom-peyo, para acabar con el azote de los piratas del Mediterráneo. Du-rante la Edad Media, de las bru-mas septentrionales surgían las cabezas de dragón de los temibles drakkars vikingos, que asolaron los litorales del norte de nuestro continente, y durante un milenio luchó Europa contra los piratas musulmanes del norte de África, los berberiscos, como los míticos hermanos Barbarroja. Sin embar-go, hablar de piratas remite en el imaginario popular a su edad do-rada en el mar Caribe, entre los

siglos XVII y XVIII, con sus naves enarbolando la bandera negra de la calavera y las tibias cruzadas, sus capitanes audaces, sus fero-ces abordajes a los galeones es-pañoles que volvían de las Indias Occidentales cargados de oro y sus cofres del tesoro escondidos.

Primero fueron los bucaneros del siglo XVI (del francés, bouca-niers, “ahumadores”), llamados así por su costumbre de ahumar la carne de cerdo salvaje para llevar esa cecina como princi-pal reserva alimenticia, apoya-dos y protegidos por Francisco I, rey de Francia. Uno de ellos fue Francois Le Clerc, que había per-dido una pierna luchando contra los ingleses y la llevaba de palo, e hizo que esta característica se tomara como un tópico. El mayor botín capturado fue el fabuloso tesoro de Moctezuma, que Cortés enviaba al Emperador y que cayó en manos del capitán Jean Fleu-ry en 1521. Estos pioneros de la Edad de Oro de la piratería en el Caribe mantuvieron su hegemonía en estas aguas hasta bien entrado el siglo XVI, cuando el rey Carlos V decidió instalar cañones en sus galeones, ordenar que navegaran en convoys de no menos de diez naves y que se hicieran tan solo dos travesías masivas anuales, cuya fecha de salida se mantenía en riguroso secreto. Estas medi-das fueron tan eficaces que prác-ticamente pusieron fin al reinado de los bucaneros franceses en el Caribe. Cuando estalló la guerra con Gran Bretaña, en 1585, Inglaterra no disponía de una gran armada, por lo que concedió la llamada “pa-tente de corso” (de ahí el nombre “corsarios”) a aventureros ingle-ses (contrabandistas y trafican-tes de esclavos, como el famoso Francis Drake) para que intercep-taran a los galeones españoles y les aligeraran de su carga, atacar los puertos forticados y, si llegara el caso, incluso enfrentarse a los buques de guerra enemigos. Hubo

Retrato de Francis Drake


corsarios terriblemente crueles, como Henry Morgan o Barbanegra, y otros caballerosos y clementes como Jack Rackham o el propio Drake, pero la mayor parte iban de un talante a otro según la oca-sión y las circunstancias. Edward Teach, apodado Barbanegra, sal-taba al abordaje con sus dos me-tros de estatura, bramando como una bestia salvaje, llevando me-chas de cáñamo encendidas ata-das a la negra caballera y entre los rizos de la barba, al tiempo que disparaba sus pistolones con ambas manos. Tan feroz era su aspecto que muchos de sus ene-migos se rendían nada más verlo, pero tenía mucho de disfraz tea-tral, pues no era más cruel que cualquiera de sus colegas, cuya maldad se les suponía por oficio. La guerra terminó oficialmente en 1604, pero la gran aventura de los piratas británicos no había he-cho sino comenzar. Con patente de corso o sin ella, sus correrías abarcarían todo ese siglo y bue-na parte del siguiente. Serían co-nocidos como “filibusteros”, del francés flibustiers, adoptado a su vez del inglés freeboters (algo así como “libres botinistas”), ya que no recibían financiación de la Corona ni le entregaban parte de sus beneficios. Como dijo Daniel Defoe por intermedio de su per-sonaje, el capitán Bellamy, la di-ferencia con los corsarios era que estos robaban escudándose en la Ley, mientras que los filibusteros lo hacían escudándose en su co-raje. En territorio caribeño se dieron cita numerosos aventureros, de-lincuentes, antiguos corsarios, es-clavos negros fugitivos, apátridas y todo tipo de proscritos; hom-bres rebeldes que simbolizaban sus ansias de libertad en el mar, cuya filosofía vital se basaba en la fugacidad de la vida y en estru-jarle al presente hasta la última gota de placer y adrenalina y que merodeaban los litorales en busca de botín. Tenían sus bases en isla Tortuga y Jamaica, se hacían lla-

mar a sí mismos la Cofradía de los Hermanos de la Costa y formarían la ralea más terrible de los mal-ditos del mar, una auténtica pe-sadilla para los buques y colonias españolas en América. La temeri-dad fue la característica principal de los grandes capitanes filibuste-ros de la segunda mitad del siglo XVII, como Juan-David Nau, cono-cido como El Olonés, que rompió el mito de que los piratas no po-dían internarse en los territorios del interior o conquistar ciudades españolas fortificadas asaltando las ciudades de Maracaibo y Gi-braltar, o Henry Morgan, que sa-queó Puerto Príncipe y Panamá. Bartholomew Roberts, conocido

como Black Bart, llegó a capturar 22 barcos de una sola vez, y esta-bleció el record de 456 capturas en tan solo cuatro años (1718-22), muy lejos, por ejemplo, de las 30 del mucho más famoso Barbane-gra.

Al principio usaban unas banderas rojas en cuyo centro aparecía un jabalí o una calavera, pero des-pués se comenzaron a utilizar las insignias más aterradoras para infundir miedo a sus víctimas, negras y con cráneos y tibias cru-zadas, esqueletos enteros, cora-zones ensangrentados, cañones disparando, brazos portando sa-bles de abordaje...Se dice que el

El actor Ian McShane da vida al temible Barbanegra en Piratas del caribe: En mareas misteriosas. Rob Marshall (2011).


temor que imponía Black Bart era tal que ante la mera visión de su bandera (una representación suya brindando con un esqueleto), las tripulaciones abandonaban los barcos y los dejaban a su merced.El mejor momento de los Her-manos de la Costa era el regreso victorioso a la guarida. El reci-bimiento era siempre solemne y tras el reparto del botín venía una verdadera bacanal en todas las tabernas del puerto al que habían atracado. Los piratas afortuna-dos se gastaban en tres o cuatro noches en mujeres, juego y ron todo lo que habían robado, y que-daban nuevamente en la miseria, dispuestos para una nueva aven-tura. Lógicamente, no siempre había un regreso feliz y, a veces, ni regresaban, pues cuando caían en manos de españoles, ingleses y franceses, el castigo común era la pena de muerte. Según la creen-cia popular, los piratas escondían

sus botines y elaboraban un mapa difícil de descifrar pero, como hemos visto, esto no era lo usual, pues solían gastarse lo que roba-ban casi de inmediato. Es cierto, en cambio, que en los abundantes naufragios que sufrían, la tripu-lación se veía obligada a ocultar el producto del pillaje en alguna isla recóndita. Según la tradición, se hacía un sorteo entre los pira-tas, y el “afortunado” debía mo-rir para colocar su cadáver sobre el cofre antes de tapar el aguje-ro, de tal forma que si alguien lo excavaba encontraría primero al muerto y lo volvería a tapar creyendo que se trataba de una sepultura. La leyenda del fabulo-so tesoro enterrado del Capitán Kidd, cierta o no, inspiró a Robert Louis Stevenson para escribir La isla del tesoro, y se refleja en la tradición pirata que alude al “co-fre del hombre muerto”.

Durante 200 años, el acecho a las posesiones españolas de ultramar por parte de los filibusteros fue constante. Lenta y persistente-mente fueron asestando zarpazos mortales a los mercantes, a los buques de guerra que transpor-taban la plata, a los fuertes que sostenían el cinturón defensivo y a los principales enclaves portua-rios. Para mediados del siglo XVII, las flotas habían perdido su pe-riodicidad, se habían despoblado algunas regiones costeras antilla-nas y la plata americana llegaba a Madrid con cuentagotas. A ello se unió el agotamiento de las minas, la disminución del número de tra-bajadores nativos, la corrupción administrativa y los enormes gas-tos empleados en fortificaciones frente a los piratas. El Imperio español se tambaleaba. Ello per-mitió el establecimiento de otras naciones en el Nuevo Mundo. Pronto surgieron florecientes co-

Cartel de “La isla del tesoro”. Victor Fleming (1934)


lonias inglesas, francesas, holan-desas, y hasta suecas y danesas. Los piratas trataron de hacer con sus mercantes lo mismo que ha-bían hecho con los españoles, y el intento les costó ser perseguidos por todas las armadas nacionales, que acabaron con ellos cuando to-das las grandes potencias decidie-ron poner orden en los mares para salvaguardar el comercio con sus colonias. Incluso el más grande de los filibusteros, Henry Morgan, traicionó a sus antiguos compa-ñeros tras ser nombrado por las autoridades británicas caballero y gobernador de Jamaica. Fueron perseguidos implacablemente, especialmente por la armada bri-tánica, cayendo uno a uno y sus capitanes ahorcados en las princi-pales ciudades portuarias. El capi-tán Kidd subió al cadalso el 23 de mayo de 1701, y Jack Rackham, también conocido como Rackham el Rojo (sí, es el de Tintín) o Ca-

lico Jack, por gustar de vestir coloridas prendas de ese tejido y famoso por contar entre su tripu-lación con las mujeres piratas Ann Bonny y Mary Read, fue ahorcado frente a numeroso público en Port Royal el 28 de noviembre de 1720. Para la segunda mitad del siglo XVIII, ya no quedaban piratas en el Caribe. Desde sus comienzos, el cine se fijó en el fenómeno histórico de la piratería como fuente argumen-tal. Así, en 1913 se rodó Drake´s Love Story, de Hay Plumb, sobre el célebre corsario inglés, a la que seguirían títulos como The Little Pirate, de Elsie Jane Wilson o The Millonaire Pirate, de Rupert Julian, centrado en las correrías de Jean Laffite. En 1926 se estre-naron tres títulos importantes: El águila del mar (The Eagle of the Sea), de Frank Lloyd, Trípoli (Old Ironsides), de James Cruze y,

sobre todo, El pirata negro (The Black Pirate), de Albert Parker, el primer éxito comercial del género y uno de los títulos que encum-braron a Douglas Fairbanks como el actor ideal para protagonizar películas de acción. La escena en la que baja desde lo alto de un mástil a la cubierta del barco es una de las más famosas del cine mudo, habiendo sido repetida/homenajeada hasta la saciedad. Con la llegada del sonoro, los pi-ratas siguieron atrayendo al pú-blico, y en 1934, dirigida por Vic-tor Fleming, llegó una adaptación de La isla del tesoro que muchos consideran como la mejor de to-das las que se han realizado. Al año siguiente llegó a las pantallas El Capitán Blood (Captain Blood), de Michael Curtiz, donde se con-taban las aventuras de un médico que después de ser acusado injus-tamente de conspirar contra la Corona, acaba metiéndose a pira-

Errol Flynn en el “Capitán Blood”. Michael Curtiz 1935.



ta y enamorándose de la sobrina del gobernador. Se trataba de una adaptación de una famosa novela del escritor italiano de novelas de aventuras Rafael Sabatini, autor también, por ejemplo, de Scara-mouche, llevada al cine por Geor-ge Sidney en 1952, con Stewart Granger, y considerada la mejor de las películas de capa y espa-da. Curiosamente, por algún ex-traño motivo Hollywood le dio la espalda al gran Emilio Salgari, el máximo representante en lo que a novelas de piratas se refiere y autor de 130 relatos de aventuras y de 86 novelas, algunas tan ma-ravillosas como El corsario negro o Los piratas de Malasia, y fue tan solo en Italia, su país natal, donde sus obras fueron llevadas tanto a la gran como a la pequeña panta-lla). A pesar de su enorme éxito popular, Salgari fue un hombre sin suerte que, agobiado por las deu-das y su infame esposa, se suicidó el 24 de abril de 1911 en un claro del bosque clavándose un puñal en el vientre al estilo samurai.

El enorme éxito de El capitán Blood convirtió a su protagonista, un joven de 27 años llamado Errol Flynn en el sucesor de Fairbanks y un modelo a seguir por todos los astros de Hollywood duran-te la etapa dorada del cine nor-teamericano, hasta el final de los años 50. Se rodaron tres secuelas, Aventuras del capitán Blood (For-tunes of Captain Blood, Gordon Douglas, 1950), Bandera negra (Captain Pirate, Ralph Murphy, 1952) y El hijo del capitán Blood (Tulio Demichelli, 1962), donde se narraban las andanzas del hijo del capitán, encarnado precisamente por Sean, el hijo de Errol.

En 1938, Cecil B. De Mille rodó Corsarios de Florida (The Buc-caneer), basada en el libro La-fitte, el pirata, de Lyle Saxon, y dos años después, Flynn volvió a ponerse en manos de Curtiz para protagonizar otro gran éxito co-mercial: El halcón del mar (The Sea Hawk). La generalización del color en estos años dio un aspecto muy atractivo a las películas de

piratas, como en la magnífica El cisne negro (The Black Swan, Hen-ry King, 1942), también basada en una novela de Sabatini, que ganó el Oscar a la mejor fotografía o El pirata y la dama (Frenchman´s Creek, Mitchell Leisen, 1945), que ese año se llevó el de la me-jor decoración en color. También se llevó un Oscar, esta vez por los efectos especiales, y en 1942, Piratas del mar Caribe (Reap the Wild Wind), del gran Cecil B. De Mille, con Ray Milland, John Way-ne y Paulette Godard, cuyo títu-lo en español puede causar con-fusión, ya que estos piratas no eran de parche en el ojo y pata de palo, sino unos facinerosos que en el siglo XIX se dedican a hacer encallar barcos en los arre-cifes de Florida para apoderarse de sus cargamentos. De 1945 es El capitán Kidd (Captain Kidd), de Rowland W. Lee, con Charles Laughton interpretando al famoso corsario. El género produjo tam-bién preciosas adaptaciones mu-sicales como El pirata (The Pirate, Vincent Minelli, 1948), de Jac-ques Tourneur, con Judy Garland y Gene Kelly, o divertidas come-dias como La princesa y el pirata (The Princess and the Pirate, Da-vid Butler, 1945), con Bob Hope y la bellísima Virginia Mayo. Durante los años cincuenta se asistió a una gran eclosión de las películas de acción en general, y también de las de piratas, entre las que destacamos El temible burlón (The Crisom Pirate, Ro-bert Siodmark, 1952), que afian-zó la imagen de Burt Lancaster como un héroe atlético, ágil y simpático, y puso de manifiesto el gancho comercial que podían tener las pelis de acción con un toque de humor. En 1950 se es-trenó la más popular y recorda-da de las adaptaciones de La isla del tesoro, la dirigida por Bryan Haskin, con Robert Newton como Long John Silver, que fue la pri-mera película de imagen real de Disney, y a la que se le cambió el final del relato original para com-

El Halcón del mar (The Sea Hawk). Michael Curtiz 1940.


placer al público. Al año siguien-te, Haskin y Newton volvieron a trabajar juntos en Aventuras de John Silver (Long John Silver), y en 1952 Newton encarnó al mis-mísimo Barbanegra en El pirata Barbanegra (Blackbeard the Pira-te, Raoul Walsh). También pode-mos citar títulos como El capitán pirata (Buccaneer´s Girl, Frede-rick de Cordova, 1950), Gavilanes del estrecho (Sea Devils, Raoul Walsh, 1953), La isla de los cor-sarios (Against All Flaggs, George Shermann, 1952), El pirata de los siete mares (Raiders of the Se-ven Seas, Sidney Salkow, 1953), El secreto del pirata (Caribbean, Edward Ludwing, 1952), Los bu-caneros (The Buccaneer, 1958), de Anthony Quinn, y esa peque-ña joya por descubrir que es La mujer pirata (Anne of the Indies), dirigida por Jacques Torneur, con una gran Jean Peters. Y aunque no sea realmente una peli de piratas, tenemos que ci-tar también el Peter Pan de Dis-ney (Clyde Geromini, Wilfred Jackson y Hamilton Luske, 1953), cuyo éxito se debió en buena me-dida al divertido Capitán Garfio, auténtico icono de la villanía ci-

nematográfica, que ha soportado el paso de los años incluso mejor que el propio Peter Pan y Wendy, y al que Spielberg homenajeó en Hook (1991). En los años 60 y 70 disminuyó la producción de películas de pira-tas por parte de Hollywood, dan-do sin embargo interesantes títu-los como El niño y los piratas (The Boy and the Pirates, Bert I. Gor-don, 1960), Piratas de Isla Tortuga (Pirates of Tortuga, Robert Webb, 1961) o El pirata del rey (The King´s Pirate, Don Weiss, 1967). Sin embargo, la menor produc-ción de pelis de piratas yanquis fue compensada por el cine euro-peo, sobre todo por el italiano, en ocasiones en forma de coproduc-ción con nuestro país. En Italia se llevaba adaptando a Salgari desde la época del cine mudo. Al direc-tor Vitale De Stefano se le deben cinco películas rodadas a prin-cipios de los años 20 (Il Corsaro Nero, Jolanda, la figlia del Corsa-ro Nero, Gli ultimi filibustieri, Il Corsaro Rosso y Il figlio dil Corsaro Rosso), y Amleto Palermi rodó una versión de Il Corsaro Nero en 1936. La primera Edad de Oro de Salgari fue más adelante, durante la Se-

gunda Guerra Mundial, con títulos como La hija del Corsario Verde (La Figlia dil Corsaro Verde) y Los piratas de la Malasia (I Pirati della Malasia), dirigidas por Enrico Gua-zzoni. La segunda gran época fue durante los años 60, con el auge del peplum. Se inició con El hijo del corsario rojo (Il Figlio del Cor-sario Rosso, Primo Zeglio, 1958) y arrancó con Sandokán (Sandokan, la Tigre di Mompracem) y Los pi-ratas de la Malasia (I pirati della Malesia), ambas coproducciones hispano-italianas, dirigidas por Umberto Lenzi, protagonizadas por el musculoso Steve Reeves y basadas en el más popular de los héroes de Salgari: Sandokán, el Tigre de Malasia, el audaz, ro-mántico y caballeresco jefe de unos piratas con base en Mom-pracem, desde donde, ayudado por su lugarteniente Yañez, pre-para sus incursiones justicieras. Ambas presentaban una calidad superior a las producciones euro-peas de la época y tuvieron una aceptable aceptación popular, e incluso llegaron a estrenarse en Estados Unidos. El resto de títulos de la saga, como El leopardo de Sarawak (Sandokan contro il leo-pardo di Sarawak, Luigi Capuano,

El capitán Garfio de Disney en Peter Pan. Clyde Geronimi, Wilfred Jackson y Hamilton Luske.1953

1964) o Los tigres de Mompracem (Le tigri di Mompracem, Mario Sequi, 1970) eran productos de serie B, pero en los 70, por me-dio del actor indio Kabir Bedi, la televisión italiana encontró al Sandokán ideal en la exitosa serie de seis episodios dirigida por Ser-gio Solima, que tuvo su continua-ción con Sandokán, el tigre sigue vivo (La tigre è ancora viva: San-dokan alla riscossa). Todavía hubo un Il ritorno di Sandokan (Enzo G. Castellari, 1966) y Il figlio di Sandokan, una miniserie dirigida por Sergio Sollima, nuevamente con Kabir Bedi. También la Ham-mer se atrevió con el género con The Pirates of Blood River (John Gilling, 1962) y la interesante Los piratas del diablo (Devil-Ship Pira-tes, Don Sharp, 1964), ambas con

Christopher Lee.En 1976, James Goldstone dirigió el canto del cisne del cine de pi-ratas norteamericano: El corsario escarlata (Swashbuckler). Des-pués, prácticamente desapareció, e incluso Roman Polanski fracasó estrepitosamente con su Piratas (Pirates, 1986), como también lo hizo Renny Harlin en 1995 con La isla de las cabezas cortadas (Cutthroat Island), protagonizada por la que entonces era su mu-jer, Geena Davis, que costó más de 100 millones de dólares y solo recaudó 11, a pesar de su notable calidad. Hubo que esperar hasta 2003 para que una peli revitalizara de forma sorprendente un género que ha-bía hecho las delicias de millones

de espectadores y arrancara de las profundidades marinas el mal-trecho barco de los piratas. Esta-mos hablando, claro está, de Pi-ratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra, dirigida por Gore Verbinski, basada en la atracción de Disneylandia, la última en la que se involucró directamente Walt Disney. Fue un enorme éxi-to en todos los lugares en los que se exhibió y obtuvo unos ingresos totales en el mundo entero de más de 600 millones de dólares, inaugurando una rentable fran-quicia que pronto nos dará una cuarta entrega. Piratas del Caribe rinde un cariñoso homenaje a las aventuras cinematográficas que la precedieron, pero se adentra en un territorio nuevo, en mares desconocidos, rompiendo con la tradición al combinar las leyendas del mar con latigazos de humor irreverente gracias a la inspira-da y originalísima interpretación que hace Johnny Depp del capi-tán Jack Sparrow. Así que espera-remos con impaciencia el próximo estreno de Piratas del Caribe: En mareas misteriosas, pues como bien escribió Stevenson en su in-troducción a La isla del tesoro: Si las historias de piratas y tesoros enterrados contadas a la vieja usanza pueden agradar a los jo-venes más sabios de hoy en día como a mí me agradaron en su día...¡que así sea!

Para saber más: Las 100 mejores pelícu-las de Piratas de Miguel Juan Payan (Cacitel S.L.) 2005.

Polanski junto al reparto de Piratas. 1986


La Asoziazión Cultural Bente d’Abiento, convoca en colabo-ración con otras entidades pú-blicas y privadas, su II Certamen “Segundo de Chomón” de Corto-metrajes con Efectos Especiales. En esta edición, contamos con la colaboración del Festival de Cine de Zaragoza, por lo que, las dos obras seleccionadas por el jura-do, se clasificarán directamente para la fase final de concurso del Festival de Cine de Zaragoza del 2011, siempre y cuando cumplan los requisitos que se especifiquen en las bases del mismo.

BASESPRIMERA: La participación en el Certamen de Cortometrajes está abierta a todas aquellas personas físicas, que presenten uno o va-rios cortometrajes de temática libre en los que se hayan utilizado efectos especiales. No se admiti-rán ni videoclips ni trailers.

SEGUNDA: Las obras se presentarán a concurso en formato en DVD-Vídeo, PAL, o preferiblemente PAL Widescreen en cualquiera de los siguientes formatos: wmv, avi o mpg. Independientemente del formato de producción, su dura-ción máxima será de 20 minutos. Cada obra deberá presentarse en un soporte DVD independiente.

TERCERA: La fecha límite de re-cepción de las obras será el 30 de mayo del 2011 bajo la referencia y dirección siguiente:II Certamen de Cortometrajes “Segundo de Chomón”Talleres V. LongaresC/ Luis Antonio Oro Guiral (anti-guo Teniente Catalán) 1450.005 Zaragoza

CUARTA: Las obras deberán ser en-viadas en sobre cerrado y el dis-co DVD etiquetado con el título de la obra y su duración, junto con la correspondiente ficha de inscripción (que será facilitada

II Certamen “Segundo de Chomón”de Cortometrajescon Efectos Especiales.


por la organización electrónica a quien así lo solicite a la dirección de correo electrónico del certa-men) donde se recogerán todos los datos personales del autor o autores (apellidos y nombre, di-rección, teléfono, etc.) y a la que se acompañará fotocopia del DNI o de Residente. El correo de la or-ganización es [email protected]

QUINTA: La participación en este concurso implicará la cesión den-tro del ámbito del Certamen de los derechos de difusión de las imágenes enviadas, y en ningún caso se devolverán las obras reci-bidas, que quedarán depositadas en el archivo de la organización.

SEXTA: Sólo concursarán cortome-trajes y guiones que utilicen el idioma castellano en los diálogos o en los subtítulos.SEPTIMA: No podrán concursar cortometrajes que ya lo hicieron en la primera edición de este cer-tamen.

OCTAVA: El Jurado estará compues-to por figuras relevantes de la cultura y el cine, así como por un representante de la organización, siendo su veredicto inapelable. El Jurado elegirá entre los trabajos seleccionados tres premios fina-les:

•Cortometraje aragonés con los mejores efectos especiales: 400 euros y la clasificación directa para el Festival de Cine de Zara-goza, si cumple los requisitos del mismo.

•Cortometraje internacional con los mejores efectos espe-ciales: 400 euros y la clasificación directa para el Festival de Cine de Zaragoza, si cumple los requisitos del mismo.

•Premio especial del público al mejor cortometraje con efectos especiales: 200 euros.

Los premios se declararán desier-

tos si a juicio del Jurado los tra-bajos no presentan un mínimo de calidad.

NOVENA: El comité de selección, formado por miembros de nuestra Asociación, designara los trabajos que finalmente pasarán a la fase final de concurso. La proyección de dichos cortometrajes, fallo del jurado y entrega de premios ten-drá lugar el mismo día de la pro-yección de los cortos después de la proyección de los mismos.

Nuestra Asociación avisará a los participantes de la fase final de concurso, comunicándoles fecha, hora y lugar, unos días antes de dicho acto.

DÉCIMA: En caso de que los auto-res de las obras sean menores de edad, deberán acompañar corres-pondiente ficha de inscripción, la declaración responsable que se acompaña relativa a participa-ción de menores firmada por la/s persona/s que ejerzan su patria potestad o tutela, en la que de-berá constar nombre y apellido de la/s persona/s que ejerza/n la patria potestad o tutela sobre el menor, teléfono, domicilio a efecto de notificaciones, correo electrónico, fotocopia legitimada del DNI, y declaración de acepta-ción del contenido de las presen-tes bases, así como de que la obra presentada a concurso es original y que no infringe ningún derecho de terceros. La organización faci-litará los documentos a quien los solicite a través del correo elec-trónico del certamen.UNDÉCIMA: Los participantes exi-men a la Asoziazión Cultural Ben-te d’Abiento y sus colaboradores en este Certamen de cualquier responsabilidad derivada del pla-gio o cualquier otra trasgresión de la legislación vigente por parte de los participantes.

DUODÉCIMA: La organización re-solverá a su entender cualquier eventualidad no especificada en estas bases, reservándose expre-

samente el derecho a modificar el contenido de las mismas, con el fin de facilitar el mayor éxito del Certamen y de contribuir a la di-fusión del espíritu del certamen. Las bases del Certamen y sus po-sibles modificaciones serán publi-cadas de forma permanente en la Página Web del Certamen, que es la siguiente: http://certamense-gundodechomon.wordpress.com/

DECIMOTERCERA: La participación en este Certamen implica la ple-na conformidad y aceptación de estas bases.


Estrenos

6 de mayo

El Sicario de Dios

Un rebelde guerrero curtido en la lucha se embarca en una arries-gada cruzada para salvar a su so-brina de una bandada de vampi-ros asesinos en El sicario de dios, película apocalíptica de terror y acción del director Scott Stewart. Este filme visualmente asombroso en 3D panorámico es un home-naje a las películas de aventuras icónicas donde un solo hombre se interpone entre la humanidad y su destrucción total a manos de un ejército de merodeadores. Después de centenares de años de enfrentamiento, la raza humana ha derrotado a su más terrorífico enemigo, las hordas de vampiros. Los pocos vampiros que quedan han sido recluidos en reservas ais-ladas, y la mayoría de los huma-nos se han refugiado en ciudades amuralladas dirigidas por la Igle-sia. Los sacerdotes, entrenados como combatientes mortíferos durante las guerras contra los vampiros, ahora realizan trabajos menores, viven en completo ais-lamiento y marcados por sus dis-tintivos tatuajes, son evitados por los vecinos del lugar.

Cuando la noticia de un ataque vampírico y el secuestro de una joven de 18 años en una zona re-mota llega a oídos de Sacerdote (Paul Bettany), un veterano de guerra, este solicita a los mon-señores reinantes permiso para ir en busca de la rehén, su sobrina. Cuando ellos se niegan, rompe sus votos sagrados, desafía las órde-nes de sus superiores y se dispone a encontrar a la chica antes de que los vampiros la esclavicen. A su cruzada se une el novio de su sobrina, Hicks (Cam Gigandet), un joven sheriff e gatillo fácil y una antigua sacerdotisa guerrera (Maggie Q) que posee poderes de lucha sobrenaturales.

Pero cuando llegan al desértico pueblo de Jericho, Sacerdote, Hicks y Sacerdotisa se encuentran con una escena de devastación que lleva la marca de los vampi-ros y con ello una nueva y escalo-friante amenaza.

El sicario de dios está protago-nizada por Paul Bettany (Legión [Legion], El código Da Vinci [The


Da Vinci Code], Una mente ma-ravillosa [A Beautiful Mind]), Karl Urban (Star Trek [Star Trek], El se-ñor de los anillos: El retorno del Rey [The Lord of the Rings: The Return of the King]), Cam Gigan-det (Crepúsculo [Twilight], Bur-lesque), Maggie Q (La jungla 4.0 [Live Free or Die Hard], Misión Im-posible 3 [Mission: Impossible III]), Lily Collins (The blind side - Un sueño posible [The Blind Side]), la participación de Stephen Moyer (True Blood (Sangre fresca) [True Blood]) y del legendario actor Christopher Plummer (Una men-te maravillosa [A Beautiful Mind], Sonrisas y lágrimas [The Sound of Music]).

Basada en la popular serie de no-velas gráficas de TokyoPop, escri-tas por Min-Woo Hyung, El sicario de dios está dirigida por Scott Stewart, cofundador del recono-cido estudio de efectos visuales The Orphanage (Iron Man [Iron Man], Piratas del Caribe - El cofre del hombre muerto [Pirates of the Caribbean: Dead Man’s Chest], Frank Miller’s Sin City - Ciudad del pecado [Sin City]). El guión es

de Cory Goodman. Los producto-res son Michael De Luca (21: Black Jack [21], Ghost Rider. El moto-rista fantasma [Ghost Rider], La red social [The Social Network]), Joshua Donen (Spider-Man 4, Blin-dado [Armored]) y Mitchell Peck (Bio-Dome). La producción eje-cutiva está a cargo de Glenn S. Gainor (Habitación sin salida [Va-cancy], Quarantine), Stephen H. Galloway y Stu Levy.

El equipo de producción incluye al director de fotografía nomi-nado al Oscar® Don Burgess, ASC (Forrest Gump, Spider-Man, Náu-frago [Cast Away]), el director artístico Richard Bridgland Fitz-gerald (Resident Evil, Alien vs. Predator), a la montadora nomi-nada al Oscar®, Lisa Zeno Chur-gin, A.C.E. (Las normas de la casa de la sidra [The Cider House Ru-les], Gattaca, La cruda realidad [The Ugly Truth]), la diseñadora de vestuario Ha Nguyen (Shoo-ter: El tirador [Shooter], La más-cara [The Mask]) y el compositor Christopher Young.

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN

El autor del guión de El sicario de dios, Cory Goodman, está fami-liarizado tanto con el mundo de la novela gráfica contemporánea como con el cine clásico. Ambien-tada en un páramo postapocalíp-tico, la historia combina terror gótico, devastación nuclear y un estilo de lucha “gun fu” que crea un mundo inmediatamente fami-liar pero a la vez completamente original.

La primera inspiración de esta historia surgió del artista y escri-tor coreano Min-Woo Hyung y su serie manga de 16 volúmenes muy aplaudida por la crítica. Titulada de la misma forma que la película en ingles, “Priest”, fue publicada en Estados Unidos por la editorial líder en novela gráfica TokyoPop. “Priest es una combinación de es-tilos del cómic asiático y occiden-tal”, apunta Stuart Levy, editor de TokyoPop y uno de los produc-tores de la película. “Dado que Min-Woo Hyung está extremada-mente interesado en el cine, su trabajo tiende a ser muy cinemá-tico”.

www.cinemascomics.com Cinemascomics │Mayo 2011 │ 37

Goodman utilizó la ambientación histórica de la serie como punto de partida para una nueva histo-ria situada en un futuro postapo-calíptico, explica Levy. “Utilizó bastantes elementos de los que Min-Woo puso en la novela gráfi-ca, pero a partir de ahí creó una idea totalmente original. La pelí-cula se nutre de lo mejor de es-tos dos talentosos contadores de historias: el increíble colorido y estilo de Min-Woo y los persona-jes y el argumento de Cory. Es el caso en que uno más uno da por resultado tres”.

La historia de El sicario de dios se pone en movimiento con el secuestro de una joven. “Lucy es una chica de pueblo pequeño que ha crecido en tierras desoladas”, explica Goodman. “Quiere ver más del mundo. Entonces llegan los vampiros que le dan experien-cia, pero no lo que ella tenía en mente. Su secuestro lleva a Sa-cerdote, el protagonista del fil-me, a abandonar la ciudad en su intento de salvarla”.

La historia de Goodman de un mundo devastado por siglos de guerra entre los hombres y los vampiros atrajo la atención del productor Mitchell Peck. Como en una escena de una película de Hollywood, la primera vez que Peck escuchó hablar del guión fue durante una partida nocturna de póquer. “Hice la pregunta típica que hacemos en el negocio de Hollywood”, recuerda. “¿Habéis leído algo bueno últimamente?’ Y uno de los jugadores me contó acerca de un guión sobre vampi-ros en una teocracia postapoca-líptica”.

A pesar de que, según él mismo admite, Peck no es fan de las pe-lículas de ciencia ficción o terror, encontró irresistible el extraño nuevo mundo de Goodman. “Cory entretejió varias ideas inusuales que hicieron que leer el guión fuese un verdadero placer”, afir-ma. “Los personajes estaban es-critos maravillosamente y la his-toria estaba enraizada en un sitio que sería familiar para el públi-co. Tiene una elegancia y comple-

jidad que no se ve con frecuencia. Cada página que leía era mejor y mejor”.

Peck rápidamente se hizo con la historia y trabajó con Goodman para desarrollar los temas del guión. Finalmente el guión llegó a manos de Michael De Luca, en Sony Pictures, a quien le intere-só esta escalofriante historia de vampiros en el marco de un clá-sico de acción. “El guión de Cory tiene un poco de todo lo que me gusta”, afirma De Luca. “Tiene la ambientación postapocalíptica de Mad Max 2, el guerrero de la carretera (The Road Warrior) y el tono fronterizo de Infierno de co-bardes (High Plains Drifter). Y el de vampiros es un gran género en sí mismo”.

Poco tiempo después, una de las grandes productoras de cine de género, Screen Gems, división de Sony Pictures Entertainment diri-gida por Clint Culpepper, se com-prometió a hacer la película.

El sicario de dios es el segundo


esfuerzo en la dirección de Scott Stewart después de la fantasía apocalíptica de 2010, Legión, también para Screen Gems. “Pro-veniente de los efectos especia-les, Scott ha aportado una gran riqueza de conocimiento en cuan-to a la creación del tipo de esti-lo y look para que este proyecto fuese realmente excitante. Pero también está muy involucrado en la historia y se entiende muy bien con los actores. Lo tiene todo”, asegura DeLuca.

Como uno de los cofundadores de la empresa de efectos visua-les The Orphanage, Stewart tiene mucho hecho en lo que a crear mundos originales se refiere. “Scott Stewart es un gran visio-nario”, afirma Glenn S. Gainor, vi-cepresidente senior y director de producción física de Screen Gems y productor ejecutivo de El sica-rio de dios. “Conoce el mundo ci-nemático que quiere. Crear este mundo fue un gran desafío. Cada fotograma de la película transcu-rre en un universo paralelo que empieza en la cabeza de Scott”. Antes incluso de estar involucra-do en esta película, Stewart es-taba familiarizado con la novela gráfica de TokyoPop y también había leído el guión de Goodman. “Durante tiempo fui un verdade-ro admirador del guión”, cuenta Stewart. “Cory creó una mitolo-gía realmente interesante junto con irresistibles personajes. Me centré en darle a la historia una línea emocional más poderosa y en focalizarla temáticamente”.

Stewart comenzó por enfatizar los aspectos que a él le resulta-ban más cercanos. “Se me ocurrió que era una historia de sacrifi-cio, y particularmente de solda-dos que van a pelear por lo que ellos creen es una causa justa y regresan devastados por ella”, elabora el director. “La sociedad los ha dejado atrás. En lugar de ser recibidos como héroes se con-vierten en verdaderos parias. Y

eso es lo que les ha pasado a los sacerdotes”.

Ve una fuerte analogía post-Viet-nam como telón de fondo. “Los sacerdotes han cambiado por completo la situación para la hu-manidad. Han sacrificado sus fa-milias y su individualidad. Incluso no poseen nombres. Una gene-ración después de su regreso, el mundo no se vislumbra tan mara-villoso. ¿Es eso por lo que han lu-chado? Ese sacrificio se convirtió en un punto central para mí”.

Antes de que comenzara la pro-ducción de El sicario de dios, los realizadores quisieron contar con la aprobación del creador de la novela gráfica, Min-Woo Hyung. Este último viajó desde Corea a Hollywood para reunirse con el equipo y ver el concepto artísti-co. “Estaba nervioso porque no sabía cuáles eran sus expectati-vas”, admite Stewart. “La pelí-cula se aparta significativamente de la novela gráfica. Por ejemplo, la historia transcurre en el futuro mientras que la suya está situada en el pasado”.

“Todos estábamos muy ansiosos por ver su primera reacción”, afirma Levy. “Min-Woo es un tipo muy serio y muy intenso. Observó el concepto artístico y lo enten-dió inmediatamente. Saber que Scott era uno de los fundadores de The Orphanage le dio con-fianza. Todos sentimos un gran respeto por lo que ya ha hecho y sabíamos que alguien como Scott le aportaría una extraordinaria visión al proyecto”.

De hecho, Min-Woo Hyung y Tokyo-Pop se sintieron inspirados a crear una nueva serie de novela gráfi-ca, “Priest Purgatory”. “Donde se mostrará el origen del mundo del filme”, continúa Levy. “Habrá un montón de historia de fondo. Veremos las guerras con los vam-piros y también a Sacerdote y sus pares en sus comienzos. También nos enteraremos de cómo se ori-

ginaron las guerras con los vam-piros. No quiero desvelar nada, pero para los fanáticos de la no-vela gráfica, diré que la clave del original es el ‘Domas Porada’”.

EL MUNDO DE EL SICARIO DE DIOS

“Esto es lo que se sabe:

Siempre ha habido hombres…

y siempre ha habido vampiros.”

Para la película El sicario de dios, Cory Goodman y Scott Stewart crearon una elaborada historia de origen para explicar cómo un mundo muy parecido al nuestro, pero básicamente extraño, se convirtió en el lugar de una lucha a muerte entre dos razas antagó-nicas tratando de coexistir.

“Humanos y vampiros han estado fundidos a lo largo de su historia en un combate mortal”, explica el productor Mitchell Peck. “Los humanos en general han llevado ventaja, pero cuando los recursos escasearon se volvieron los unos contra los otros con armas nu-cleares y diezmaron el planeta. Con la humanidad en su estado más débil, los vampiros ganaron terreno”.

Enfrentada a una amenaza ate-rrorizadora y aparentemente so-brenatural, la gente se recoge en ciudades amuralladas gobernadas por el clero. Los poderes teocrá-ticos responden a la amenaza de los vampiros con una nueva casta de guerreros que son entrenados especialmente para esta lucha. Esta elite elegante y brutalmen-te efectiva, es conocida como los Sacerdotes. “Los Sacerdotes en la película no son como los de nuestro mundo”, aclara Stewart. “Son más como caballeros Jedi. Son soldados de la iglesia. Están entrenados en el arte de matar vampiros y tienen poderes espe-ciales. Puede parecer fantástico

eso de convertirse en un sacerdo-te guerrero, pero de hecho, son alejados de sus familias y se les prohíbe tener relaciones. Se con-vierten en una especie de mon-jes”.

Elegidos directamente por el clero cuando son aún niños, los Sacer-dotes dedican su vida a eliminar a los vampiros del mundo. Su estilo de lucha es una letal combinación de artes marciales del mundo real y un poder especial que los rea-lizadores han denominado “foca-lizar”, un poder que no es tanto sobrenatural sino más bien “hipe-rreal”. “Los Sacerdotes pueden extender los límites de lo que los humanos son capaces”, explica el actor Paul Bettany, quien es la estrella que da título a la pelícu-la. “A través de la plegaria, son

capaces de ralentizar el tiempo a su alrededor pero seguir movién-dose a la misma velocidad. Todo parece transcurrir a una veloci-dad increíble, pero en realidad, el mundo que los rodea va a una velocidad mucho menor”.

El productor De Luca señala que la idea de “focalizar” es un tribu-to a películas como La Guerra de las Galaxias (Star Wars) y Matrix (The Matrix). “La cualidad ‘zen’ de controlar la conexión entre la mente y el cuerpo es un sello del género. En nuestra película lo llamamos ‘estar en contacto con la mano de dios’. Es la maes-tría sobre el espacio físico lo que permite que un individuo haga determinadas cosas que parecen sobrenaturales”.

Los Sacerdotes hicieron su traba-jo con una despiadada eficiencia que eliminó la amenaza de los vampiros; los pocos vampiros que quedan están recluidos en “reser-vas” de alta seguridad. Y luego los Sacerdotes tuvieron que ser rein-corporados dentro de la socie-dad a la que salvaron. La guerra concluyó años antes del comien-zo del filme, pero la destrucción ha sido casi total. La mayor parte del mundo es un vasto páramo. La mayoría de la población humana aún vive dentro de ciudades amu-ralladas gobernadas por el clero. “Las ciudades son una distopía to-talitaria”, explica Goodman. “En este mundo, un Sacerdote sería lo que un boina verde o un agente encubierto es en nuestro mundo. Un tipo duro, con gran talento y entrenamiento en el arte de


combatir vampiros. Los Sacer-dotes han cambiado la situación por completo en la batalla por la humanidad, pero con la guerra concluida, no tienen espacio en la sociedad y han caído entre sus grietas”.

Uno de los obstáculos que se in-terpone a su integración es la que antes fuera la marca de honor de los Sacerdotes. Cada uno de ellos lleva un tatuaje rápidamente identificable, una gran cruz sobre su rostro. “La cruz representa el pecado de la guerra”, continúa Goodman. “Para Sacerdote, es un constante recordatorio del despo-jo en que se ha convertido desde el final de la guerra. Es una man-cha que no puede lavarse, pero también es una señal de orgullo”.

En una de las primeras escenas de la película, un niño, demasiado joven e inocente como para saber la historia le pregunta a Sacerdo-te si el tatuaje duele. “Esto fue lo que hizo que quisiera hacer esta película, mucho más que la acción o los efectos especiales”, asegura Stewart. “Paul Bettany y yo hablamos mucho acerca de esa escena. Los Sacerdotes tienen un gran talento, habilidad y espiri-tualidad, pero la gente no quiere sentarse junto a ellos en el bus. Tienen trabajos que nadie quiere. Han perdido mucho, incluyendo la conexión con los demás. Inclu-so los niños los observan como ra-rezas. En esa escena, entendemos lo mucho que Sacerdote ansía co-nectar con el resto de la gente”.

Los enemigos contra los que los

sacerdotes luchaban son tan dife-rentes a sus homólogos de ficción convencional como los sacerdo-tes lo son de sus corolarios en el mundo real. El productor Michael De Luca cuenta que en lugar de decantarse por el vampiro gótico o romántico tradicional, desearon volver a la idea del vampiro como ser terrorífico. “Nuestros vampi-ros son una especie más cercana a los murciélagos que a los huma-nos”, aclara.

Con piel húmeda, blanca y trans-parente, afiladas garras y colmi-llos, se parecen más al retrato de Nosferatu de Max Schreck que al Edward Cullen de Robert Pat-tinson. “Son criaturas a las que nadie en su sano juicio se le ocu-rriría o desearía besar”, asegura Goodman.


Más criaturas que humanos, han vivido y se han reproducido en enormes nidos semisubterráneos antes de ser recluidos en las re-servas. “Realmente me gustaba la idea de que existieran en ese tipo de refugio que era como de insectos”, agrega el guionista. “Son parte del paisaje natural, pero al mismo tiempo son de otro mundo. Me recuerda a esos paisa-jes de John Ford que me gustan tanto, pero les hemos dado un lado bellamente escalofriante”.

Diseñados por el aplaudido artista visual y diseñador de personajes Chet Zar, los vampiros están prin-cipalmente generados por orde-nador, lo que permitió a Stewart manipularlos de forma imprede-

cible. “Una vez que nos libera-mos del aspecto práctico, pudi-mos dejar que hicieran todo lo que queríamos”, afirma Stewart. “Los vampiros se convirtieron en criaturas humanoides que al no haberse expuesto jamás al sol evolucionaron sin ojos. Se pueden mover de forma impredecible y son mucho más veloces que los humanos. También se puede ver su estructura ósea bajo la piel y es muy diferente a nuestro es-queleto. Las proporciones son muy diferentes a las de una per-sona. Tienen un gran oído y sen-tido del olfato para compensar su ceguera”.

La leyenda detrás del monstruo también fue reinventada para la

película. Por ejemplo, los huma-nos que son mordidos y no mue-ren, no se convierten en vampiros. En su lugar, son transformados en los llamados “familiares”: seres pálidos, con aspecto de muertos y sin cabello que hacen lo que los vampiros les mandan mientras duermen. El gran temor de Sacer-dote es que Lucy sea convertida en uno de esos esclavos sin alma. No hay cura para ello y antes de abandonarla a esa suerte prefiere acabar con su vida.

“Hay algo que es aterrador y esti-mulante acerca de los vampiros”, afirma Paul Bettany. “La idea de la inmortalidad es bastante fas-cinante. Pero esos vampiros son algo nuevo”.


Estrenos

6 de mayo

Cuando el reverendo Cotton Mar-cus llega a la granja de la Luisia-na rural de Louis Sweetzer espe-ra realizar otro “exorcismo” de rutina al típico fanático religioso perturbado. Sweetzer, un fervien-te fundamentalista, se ha puesto en contacto con el carismático predicador como último recurso, convencido de que su hija adoles-cente, Nell, está poseída por un demonio que es necesario exorci-zar antes de que su terrible expe-riencia acabe convirtiéndose en una tragedia inimaginable.

Incapaz de aguantar el cargo de conciencia que soporta tras años de sacar dinero a creyentes des-esperados, Cotton pretende fil-mar junto a su equipo un docu-mental confesional del que quiere que sea su último exorcismo. Sin embargo, al llegar a la granja fa-miliar, completamente bañada en sangre, no tardará en hacerse evidente que nada podría haberlo preparado para el auténtico mal que allí encuentra. Ahora que ya es demasiado tarde para echarse atrás, el reverendo Marcus verá puestas a prueba sus más pro-fundas creencias cuando, junto a su equipo de rodaje, tengan que encontrar una forma de salvar a Nell, y a sí mismos, antes de que sea demasiado tarde. EL ÚLTIMO EXORCISMO está escri-ta por Huck Botko y Andrew Gur-land y dirigida por Daniel Stamm. Está producida por Eric Newman, Eli Roth, Marc Abraham y Thomas A. Bliss.

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN

Ya sea practicado por sacerdo-tes católicos, pastores evangéli-cos o cristianos carismáticos, el antiguo rito del exorcismo sigue vivo y goza de buena salud en el nuevo milenio, y, de hecho, mu-chos académicos y practicantes afirman que su práctica ha au-mentado en los últimos años. El resultado de un sondeo de opinión de 2005 arrojó que el 42% de los norteamericanos cree en la pose-sión por el diablo. El año pasado, la Archidiócesis de Chicago nom-bró a su primer exorcista a tiem-po completo en sus 160 años de

historia; por otro lado, en Nueva York, un grupo de cuatro sacer-dotes ha investigado oficialmente unos 40 casos al año de posible posesión desde 1995. El padre Ja-mes LeBar, antiguo exorcista de la Archidiócesis de Nueva York, afirmó recientemente que uno de cada diez católicos de Estados Unidos ha presenciado o forma-do parte de un exorcismo. “Hace diez años, no tenía ningún caso”, informa, “y ahora tengo 300”.

Esta creciente tendencia ha lle-gado a las más altas esferas del Vaticano. En medio de las preocu-paciones de la Iglesia Católica por el creciente interés en todo el mundo por el satanismo y el ocul-tismo, el padre Gabriele Amorth, principal exorcista del Vaticano en los últimos 25 años, anun-ció una iniciativa apoyada por el papa Benedicto XVI para “enfren-tarse cara a cara al Diablo” al for-mar a cientos de sacerdotes como exorcistas. Muchos asisten ahora a la Universidad Pontificia Regina Apostolorum, una universidad ca-tólica conservadora a las afueras de Roma que cuenta con el res-paldo del Vaticano y ofrece un programa de estudios especializa-do en exorcismo para sacerdotes.En el terreno evangélico, pasto-res populares como Bob Larson, “el Auténtico Exorcista”, en Ca-rolina del Sur, o Tom Brown en El Paso, Texas, ejercen de consulto-res o realizan ellos mismos cien-tos de exorcismos al año. Michael Cuneo, profesor de Sociología en la Universidad Fordham, decla-ra: “Según estimaciones conser-vadoras, hay un mínimo de 500 ó 600 ministerios evangélicos de exorcismo en funcionamiento en la actualidad, y es muy probable que la cifra real sea el doble o el triple de la estimada”.

Solo en los últimos meses, los medios han informado sobre la muerte de un niño ruso de 4 años provocada por un brutal rito de exorcismo y sobre el preocupan-te aumento de exorcismos a niños realizados por predicadores por toda África.

¿Son reales estos exorcismos? ¿Es la posesión demoníaca una reali-dad, o es simplemente un síntoma

de un fanatismo religioso desafo-rado o de enfermedad mental? El estreno de EL ÚLTIMO EXORCISMO examina estas cuestiones desde el punto de vista de un escéptico mediante la historia del reveren-do Cotton Marcus. El reverendo Marcus, criado como fiel creyen-te en la fe evangélica, ha pasado más de un cuarto de siglo llevan-do a cabo exorcismos que sabía que eran falsos. Con intención de confesar, confía a un equipo de rodaje de documentales los se-cretos de su profesión mientras realiza un último exorcismo sobre Nell, una chica de una granja de Luisiana... solo para encontrarse cara a cara por primera vez con el mal encarnado.

“A lo largo de la película, la pre-gunta que se formula es: ¿es algo sobrenatural o se trata de maldad humana? ¿Es Nell esquizofrénica o está poseída?”, explica el direc-tor Daniel Stamm. “Esa es para mí la cuestión verdaderamente inte-resante. La película trata sobre la fe, el papel que desempeña la fe en nuestra vida y lo que ello supone, cómo puede ayudarnos y cómo puede destruirnos”. “La película trata sobre cómo se perciben el bien y el mal”, agre-ga Patrick Fabian, que interpreta al reverendo Cotton. “Trata sobre cuáles son tus convicciones y si no te fallarán cuando más las nece-sites”. EL ÚLTIMO EXORCISMO surgió a partir del interés del productor Eric Newman en hacer una pelí-cula sobre posesiones demoníacas que se ciñera lo más posible a la realidad. Se puso en contacto con los guionistas Andrew Gurland y Huck Botko, cuya cinta anterior, MAIL ORDER WIFE, utilizaba un estilo de falso documental muy efectivo que encajaba a la per-fección con la idea de partida que se le había ocurrido a Newman. Mientras elaboraban el guión, Gurland y Botko usaron como ins-piración un famoso documental de los años 70 titulado MARJOE. Según explica Gurland: “MARJOE trata de un predicador que per-mite que hagan un documental sobre él, y te lleva entre basti-dores y te permite ver cómo todo

el asunto es una gran estafa. No cree en ello y pretende dejarlo. Nos pareció que sería un buen punto de partida para nuestra historia”. Aunque el principal objetivo de EL ÚLTIMO EXORCISMO es aterro-rizar a los espectadores, Gurland y Botko no cejaron en ningún mo-mento en su empeño de crear una historia dramáticamente absor-bente. “Queríamos que la pelícu-la funcionara aunque se tratara simplemente de un documental, incluso antes de meternos en el tema sobrenatural”, explica Gur-land. “Pensamos que sería un buen documental para mostrar los entresijos de un tipo que se dedica a realizar falsos exorcis-mos, de modo que, aunque no fuera más que esa película, sin ningún elemento sobrenatural, seguiría siendo una buena pelícu-la. Así que decidimos abordar así el proyecto: cómo sería un buen documental y luego cómo nos desviaríamos de ello”. Según los guionistas, el estilo do-cumental de EL ÚLTIMO EXORCIS-MO también les ofreció más liber-tad creativa. “La realidad supera

a la ficción”, asegura Botko. “Po-demos permitirnos hacer muchas cosas que no podríamos en una narración normal, que tiene una estructura de tres actos y ciertos puntos que todo el mundo espera. En un documental puedes hacer cosas que en una película normal la gente diría que son demasiado raras o demasiado extrañas”.

El productor Eli Roth, que tam-bién es actor y director (MALDI-TOS BASTARDOS (INGLOURIOUS BASTERDS), HOSTEL), aceptó asociarse con Eric Newman nada más leer el guión ya terminado. “Era uno de los guiones más ate-rradores y originales que he leído nunca”, asegura. “No podía dejar de leerlo y de sentir escalofríos hasta el final. Me encantó la idea de que fuera una película que trataba de desacreditar los exor-cismos, mostrar que todo es fal-so, solo para darse cuenta poco a poco de que hay fuerzas que escapan a tu comprensión y con las que no conviene meterse. Me tuvo en ascuas de principio a fin”. En su búsqueda de un director adecuado, a Newman y Roth les llamó la atención el pujante ta-

lento del director Daniel Stamm, cuyo filme anterior, A NECESSARY DEATH, fue una galardonada cinta narrativa de estilo documental. “La película de Daniel era real-mente increíble en lo referente a su realismo y a sus interpretacio-nes”, afirma Newman. “Es un tipo de película diferente, un ejerci-cio mucho más psicológico. Pero demostraba que podía trabajar dentro de este estilo tan bien como cualquiera”. Aunque la aptitud de Stamm para trabajar en el terreno del horror psicológico era evidente, el gé-nero del cine de terror era algo inexplorado para el director. “Mu-chas de las escenas de terror eran algo nuevo para mí”, comenta Stamm, “así que eso me resultaba en cierto modo un desafío desde el punto de vista técnico. Las es-cenas más emocionantes de rodar eran las centradas en los perso-najes, donde puedes dejar hacer al actor y no sabes muy bien cuál va a ser el resultado final. Cada vez que lo haces, obtienes algo distinto”.

Stamm cree que la presencia de la cámara en el mundo de la pe-


lícula, un aspecto característi-co del cine documental, es una pieza clave para lograr el realis-mo alcanzado en el filme. Según explica el director: “El cámara existe en la película como un personaje más, y representa al público, algo que me encanta, porque crea en el espectador un forzoso grado de intimidad con lo que está sucediendo que a veces puede resultar incómodo. Y creo que para una película de terror es algo genial, cuando haces que el espectador se sienta más cerca de la acción de lo que él querría”. Agrega: “En una película narrati-va normal seguramente no reali-zarías esos primerísimos planos que haces con el estilo documen-tal. Así que nos acercamos a la gente mucho más de lo que acos-tumbran, lo que creo que ayuda mucho a transmitir intensidad”. Como preparativo previo al ro-daje, los actores Patrick Fabian (“Veronica Mars”, “Big Love”) y Ashley Bell (“United States of Tara”) estudiaron grabaciones de auténticos exorcismos para evitar recurrir a los tópicos de la cultura popular del aspecto que tendría un típico exorcismo. En palabras de Stamm: “No queríamos tra-tar de imitar películas como EL EXORCISTA. Queríamos dar a los aficionados al género algo nuevo

y diferente, un giro original al tema, en lugar de repetir los mis-mos clichés de siempre”. “Queríamos que nuestro exor-cismo resultara más crudo, real y novedoso, como si realmente estuvieras en el cuarto con una persona que pudiera estar poseí-da”, agrega Roth. “Lo que se ve es 100% Ashley Bell, no utilizamos maquillaje, infografía o efectos especiales en sus escenas, ella hace todo lo que se ve, hasta las venas hinchadas del cuello y la espalda doblada”.

Bell, además de mantener viva la cuestión de si la posesión de-moníaca es posible o no, también estudió una serie de trastornos psicológicos como posibles expli-caciones de la conducta de Nell. “Me documenté sobre el tras-torno de estrés postraumático y distintas manías”, explica. “Pero siempre acababa volviendo a las cintas de exorcismos reales que había oído. Escuchabas a lo que podías reconocer como personas y, entonces, de repente se oía un sonido que no era ni masculino ni femenino, ni humano ni animal. Te helaba la sangre”.

Durante el rodaje, Stamm mantu-vo el plató estrictamente cerrado para crear una sensación de inti-

midad entre los actores. “No ha-bía nadie más presente”, recuer-da. “No había más que un monitor en el plató de rodaje. No había un centro de monitores desde donde observaba la gente, de modo que los actores sabían que no tenían 50 ojos mirándolos”. También hizo que los actores rea-lizaran más tomas de las habitua-les, hasta llegar en ocasiones a agotarlos. “Intento meter a los actores en la escena para que se les ocurran cosas que a mí nun-ca se me ocurrirían”, explica el director. “Dejo que sean ellos mismos y que simplemente reac-cionen. Hacemos muchas tomas, y lo que realmente me funciona es hacer tantas que acaben can-sados, disgustados o molestos, porque entonces es cuando ver-daderamente consigues auténti-cas emociones que quedan muy bien en pantalla. Podemos hacer 15 ó 20 tomas hasta llegar a ese punto”. “Daniel sabe perfectamente has-ta dónde puede presionar a los actores y cómo sacar lo mejor de ellos”, agrega Roth. “Además, tiene un sentido del humor muy negro y sabe cómo sacar miedo de momentos de humor y humor de momentos de miedo. Tiene un talento increíble”.


Stamm animaba a improvisar du-rante el rodaje y permitía a los actores dejarse llevar por sus ins-tintos y desarrollar sus personajes de maneras inesperadas. “Lo más importante para mí”, asegura el director, “es que los actores de-sarrollen el personaje a su gusto, que es el mismo estilo que utilicé en mi anterior película”.

En opinión del productor Marc Abraham, la fortaleza de Stamm como director mantuvo la historia y a los personajes por buen cami-no incluso cuando se desviaban de lo escrito en el guión. “Tiene un punto de vista muy claro, gracias a lo cual los actores confían ple-namente en él”, asegura.

“Fue agotador”, recuerda Fabian. “Idear algo nuevo cada vez que fuera necesario resultó muy duro y a veces desconcertante. Pero Daniel logró reducirnos a nues-tros verdaderos instintos sin que ni siquiera nos diéramos cuen-ta. Echando la vista atrás, ahora

entiendo que tenía muy claro en todo momento durante el rodaje la clase de película que estaba creando”.

“Como actriz, disponer de tantas oportunidades para probar distin-tas cosas fue un regalo”, observa Bell. “Y Daniel se mostró muy re-ceptivo a nuestras ideas y siem-pre nos pedía nuestras opiniones. Es la clase de experiencia que te pasas toda la vida deseando te-ner”.

“Tanto Patrick Fabian como As-hley Bell son increíblemente sim-páticos. Te caen bien inmediata-mente”, confiesa Roth. “Patrick es tan gracioso que Cotton nos cae bien sobre la marcha, a pesar de ser un farsante. Ashley parece al principio una especie de cone-jillo asustado así que, cuando se transforma, resulta mucho más sorprendente, resulta realmente increíble que sea ella. Su regis-tro como actriz, tanto física como emocionalmente, es tan especta-

cular que puede resultar encan-tadora un instante y horripilante al siguiente”.

EL ÚLTIMO EXORCISMO se rodó en exteriores de la Luisiana rural, en una auténtica granja, rodeada de caimanes, serpientes y alimañas. La propia historia de la casa apor-taba un grado de verosimilitud que habría resultado complicado de lograr artificialmente. El dise-ñador de producción Andrew Bo-finger descubrió que buena parte de su trabajo ya estaba hecho. “La propia casa ya tenía una at-mósfera espeluznante”, explica. “Y ya estaba amueblada con apa-radores centenarios y mobiliario antiguo de sobra”. A fin de intensificar el horror de lo que sucede en las habitacio-nes de la planta superior, Stamm y Bofinger optaron por usar tonos anaranjados de fondo, mientras mantenían tonos frescos en las habitaciones de la planta inferior de la casa. “Queríamos un con-


traste drástico de colores entre las dos plantas”, señala. Bofinger intentó usar también el diseño y la decoración del plató para transmitir información sobre los personajes que no resulta evi-dente a primera vista en el guión. “Con Nell, queríamos indicar su sensación de aislamiento de la comunidad”, explica. “Tiene 16 años y hace unos seis años ya que murió su madre, así que intenta-mos que su cuarto casi pareciera el de una niña de diez años que apenas ha madurado o crecido”. Aunque en la película se mues-tra al reverendo Cotton como un farsante que gusta de montar su particular espectáculo, Bofinger decidió seguir un enfoque distin-to al diseñar la oficina del perso-naje. Según explica: “Quería dar la sensación de que se trataba de su santuario, donde todavía tiene sus sueños de la infancia”.

Para Stamm, trabajar con los otros dos responsables principales de la atmósfera de la película, el director de fotografía Zoltan Hon-ti y la montadora Shilpa Khanna, resultó algo totalmente natural. “Zoltan, Shilpa y yo llevamos trabajando juntos desde nuestro primer proyecto estudiantil en el AFI”, señala. “Nos pasamos tres años trabajando juntos en nues-tra anterior producción. Conoce-mos nuestros respectivos gustos. Hay muchas cosas que ni siquiera necesitamos hablarlas, ya sabe-mos directamente qué hacer”. Stamm agrega: “En un documen-tal, estás construyendo la histo-ria con el montaje y queríamos simular ese aspecto en la medida de lo posible, para que el resul-tado final no pareciera preesta-blecido. Queríamos que parecie-ra como si se hubiera extraído de cientos de horas de grabación, lo que en realidad es cierto”.

“Me quedé anonadada al ver cómo había montado Daniel la pelícu-la”, admite Bell, “tanto por la forma de construirla como por lo magníficamente que manipula las expectativas del público”. “El contenido de la cinta, en lo que se refiere a los detalles, cambiaba constantemente”, afir-ma Newman. “Pero, en su aspec-to general, no ha cambiado gran cosa desde su concepción inicial. Es básicamente la misma película que ideamos en un principio, lo que dice mucho de la capacidad de Daniel Stamm de llevar a cabo el proyecto. Los actores y el rea-lizador han llevado la película a las cotas que deseábamos, pero no imaginábamos que fueran po-sibles”.

Si os gustan las películas de exor-cismos no os podéis perder el número 2 de Cinemascomics: La revista.


Hoy en día se hacen muchas pe-lículas sobre exorcismos, ¿qué elementos nuevos aporta El Úl-timo Exorcismo?

Creo que se pueden hacer miles de historias que traten sobre el exorcismo de la misma forma que se pueden hacer distintas pelícu-las sobre vampiros. Las películas sobre el exorcismo pueden ser tan diferentes como lo son las películas sobre vampiros entre sí, está Drácula, está Crepúsculo y muchas otras historias de vam-piros. Creo que sucede lo mismo con la posesión, se trata de un campo muy amplio. Creo que no hay que abandonarse a los efec-tos especiales, tienes que crear tu propia historia, que tus perso-najes sean únicos y que la gente los recuerde, unos personajes que tengan su propio conflicto. Se tra-ta de una historia muy humana que planteé con Eli. Eli siempre cuénta la historia de cuando nos conocimos. Le pregunté y me dijo que El Exorcista era su película de terror preferida. Rápidamen-te me puse serio y le dije que no había hecho una película de te-rror, que lo que había hecho era un drama, sólo que había salido realmente oscuro. Creo que gran parte de esa afirmación es cierta, hemos hecho una película sobre personas, sobre su lucha interna, y lo sobrenatural es sólo el catali-zador de esa lucha. Podrías hacer

otras quinientas películas sobre exorcismos, igual que se pueden hacer de vampiros u hombres lobo. La clave está en tener una historia potente y unos persona-jes con mucha presencia.

Nos han impresionado mucho los increíbles movimientos de As-hley Bell, ¿cuál es el truco para que sean tan aterradores?

Creo que el truco es que no hay truco. Ashley Bell tiene articu-laciones ultraflexibles y puede moverse así. No parece un efecto porque no es un efecto, y tam-bién implica que se suscite en el resto de actores nuevas reaccio-nes que no están limitadas a una pantalla verde. Podrás ver cómo reaccionan ante esta chica que es capaz de doblarse de esa forma. Se trata de realismo y autentici-dad, hemos hecho un gran esfuer-zo para que todo pareciese com-pletamente real, y esa es una de las mayores diferencias con res-pecto a una obra maestra como El Exorcista, en la que hay muchos efectos especiales.

Patric Fabian también parece muy convincente en su papel de reverendo Cotton Marcus, ¿se documentó mucho para alcanzar tal realismo?

Sí, investigamos bastante, to-dos nosotros lo hicimos. Fui muy

afortunado, ya que el reparto ha aportado mucho a la pelícu-la. Para mí era muy importante que ellos pudieran experimentar cómo es ese mundo, que ellos pu-dieran escuchar los sermones y leer libros sobre el tema. Inves-tigaron mucho y me lo presenta-ron después. Se metieron mucho en sus papeles según investigaban el tema, hablaron con gente que sufrió posesiones y también vimos todas las películas sobre posesio-nes, porque quería asegurarme de que no hacíamos nada pareci-do a El Exorcista o El Exorcismo de Emily Rose. También contamos con un exorcista real, fue algo genial, porque allí es algo muy normal. Nos enteramos de que el hermano de nuestro conductor era un exorcista de verdad, así que nos lo llevamos como nues-tro asesor en la materia durante el rodaje. Lo que fue realmente increíble es que no resultó nada fuera de lo común para él, porque se lo tomaba como si fuera un tra-bajo cualquiera. Tiene un trabajo real y también hace exorcismos. Patrick Fabian intimó muchísimo con él e incluso calcó algunas de sus expresiones. La escena del sermón es una reinterpretación de uno de los sermones que le oyó pronunciar en la realidad.

La película ha sido número uno en la taquilla estadounidense, ¿qué se siente al lograr un éxito

ENTREVISTA

DANIEL STAMM EL DIRECTOR DE “EL ÚLTIMO EXORCISMO”

LAS PELÍCULAS SOBRE EL EXORCISMO PUEDEN SER TAN DIFEREN-TES COMO LO SON LAS PELÍCULAS SOBRE VAMPIROS ENTRE SÍ


así con tan poco presupuesto?

Te hace sentir muy bien, llegar a los 41 millones de dólares con un presupuesto de 1’8 millones es un gran éxito. Pero también soy consciente de que tiene mu-cho que ver con el marketing. La apertura de una película de terror en la primera semana de-pende mucho del marketing. En Estados Unidos se ha hecho un trabajo de promoción increíble. Es auténtico poder ver los pósters de la película por todas partes. Un día estaba en un atasco en Los Ángeles y miré un gran cartel de la película con mi nombre debajo y pensé “voy a mirar a otro lado, nunca he sido narcisista y así no hago más que alimentar mi ego”. Miré al otro lado y había un auto-bús con el póster de la película en una parada. No podías ir a ningu-na parte sin encontrarte con ella. Fue tan surrealista que tardé una o dos semanas en digerirlo, es una locura.

La película se rodó en Luisiana, tierra de supersticiones. ¿Hubo alguna anécdota que nos quieras contar?

Luisiana es históricamente muy especial, porque fue ocupada por muchos países, creo que hasta seis naciones diferentes ocuparon esas tierras, así que allí están to-das esas culturas enfrentándose, así como distintas religiones. Hay protestantes, mormones, sectas, hay vudú, está también la Iglesia Católica… Y todas se enfrentan entre sí, de alguna forma luchan por captar tu atención para que su mensaje llegue a más y más gente para prevalecer sobre otros cultos. Es un entorno en el que la religión es muy extrema, muy fanática, y es algo de lo que no puedes escapar porque están por todas partes y las supersticiones son algo con lo que viven todos los días. Cuando los actores se sen-taban para comer con el equipo de Luisiana, era bastante normal que surgiesen historias de terror

y asuntos sobrenaturales. Suce-dieron cosas raras en esa atmós-fera, pero no sobrenaturales… Por ejemplo, un día de pronto apare-ció un caimán en el set de rodaje a un metro de nosotros, mirándo-nos fijamente. Luisiana es como hacer un viaje en el tiempo, se trata de un mundo completa-mente distinto en sí mismo y es alucinante que los actores hayan vivido en ese mundo y se hayan sumergido en esa atmósfera. En lo que a lo sobrenatural se refie-re, yo siempre estaba esperando que algo ocurriese, por todos esos sucesos que tuvieron lugar en el rodaje de El Exorcista, pero no sucedió nada durante el rodaje. Pero cuando la película se estre-nó, hubo un cine en Oklahoma que la estaba proyectando y se quemó hasta los cimientos. Salió en todas las noticias y allí estaba, en un fondo humeante sobre las ruinas se podía ver el cartel de El Último Exorcismo, eso fue bastan-te inquietante… ¿Qué tal es tu relación con el productor, Eli Roth?

Bueno, fue muy íntima y muy in-tensa, porque si trabajas con al-guien en una película durante un año y medio, acabas conociéndo-lo muy bien. Lo conoces en pro-fundidad porque una película es básicamente cómo ves el mundo, cómo lo retratas. Y si al traba-jar con el productor, él también es director y guionista es genial, porque acabas debatiendo mucho sobre asuntos creativos. Fue in-creíble contar con alguien como él, no siempre opinábamos igual, pero siempre llegábamos a un acuerdo. Había muchas negocia-ciones, mucha colaboración y eso es genial para alguien como yo que nunca había tocado el género del terror. Estoy muy agradecido por eso.

¿Crees en la existencia de dios, el demonio, las posesiones y los exorcismos?

No me crié en una familia religio-sa, por lo que no crecí creyendo en dios. Pero resulta interesante, porque siempre pensé que la gen-te se hacía más cínica a medida que crece, pero tengo la sensa-ción de que a mí me ha pasado al revés. En mi niñez tenía claro que no existía nada, y ahora no lo tengo tan claro. Creo que in-cluso me estoy moviendo en otra dirección, y al trabajar con gen-te como Night Shyamalan, que ha plasmado la espiritualidad y lo sobrenatural en su obra y su vida, he conectado con otra face-ta. Es muy interesante y tengo la sensación de que debería ver mi aspecto espiritual mucho más de lo que lo he hecho en el resto de mi vida.

Al público español le encantan las buenas historias de terror, ¿quieres enviarles un mensaje?

Queridos amantes del terror, por favor, continuad apoyando las películas de terror independien-te, únicas y originales, porque es la única forma de que acabemos con todos esos remakes, secuelas y películas que sólo se estrenan para hacer dinero y no tienen nada más que ofrecer. Muchas gracias y un abrazo a todos.


Estrenos

13 de mayo

Arthur y la Guerra de los MundosMaltazard ha conseguido colarse en el mundo de los humanos. Su objetivo es sencillo: reclutar un ejército de gigantescos secuaces y dominar el universo. Arthur pa-rece ser el único capaz de frus-trar sus planes, pero primero ten-drá que volver a su habitación… ¡y recuperar su tamaño normal! Aunque sigue atrapado en un di-minuto cuerpo de minimoy, con-tará con la ayuda de Selenia y Be-tameche, y, sorprendentemente, también la de Darkos, el hijo de Maltazard, que afirma estar de su lado. A pie, en bici, en coche o

incluso en una Harley Davidson, Arthur y sus amigos emplearán cualquier medio a su alcance para librar su batalla final contra Mal-tazard. ¡Que empiece el comba-te!

EL BUENO, EL MALO Y EL HIJO INGRATO

Son jóvenes, atractivos y llevan la aventura en los huesos: Arthur, Selenia y Betameche conectaron desde el principio con el públi-co infantil. Son el aventurero, la princesa y el bufón, unidos en la batalla contra la encarnación de

los poderes de la oscuridad, el malvado Maltazard. Hay algo de mí en todos los personajes de la trilogía, pero diría que el 50% de Arthur proviene de recuerdos in-fantiles personales. Luc Besson, director. Todos los niños desean creer que en algún lugar hay un mundo mágico que es distinto al suyo. Me ha encantado interpre-tar a un personaje que no es es-pecial, no es un héroe —es como cualquier niño de su edad— pero resulta ser un verdadero héroe cuando empieza la aventura. Freddie Highmore (Arthur). El


diseño de los protagonistas exigió el 100% del tiempo del equipo de artistas durante los primeros seis meses de preparación de la trilo-gía. Aunque se los ha hecho crecer un poco en la tercera entrega de la saga de Arthur y los minimoys, las modificaciones de los persona-jes principales son casi impercep-tibles a simple vista. Un persona-je cómico, que es por lo tanto una caricatura, resulta más fácil de animar que uno realista. Darkos, en concreto, funcionó a la prime-ra. Pierre Buffin. Darkos siempre ha sido divertido de animar. El

diseño del personaje, con su as-pecto de «monstruo entrañable», proporcionó a sus animadores la oportunidad de divertirse encon-trando el equilibrio entre su lado espantoso y su lado estúpido. La idea era jugar con esa contradic-ción. Yves Avenati, supervisor de animación. Con Maltazard, era importante evitar caer en lo fácil. Su personalidad es ambigua, muy sutil, de modo que requería más precisión y por tanto más esfuer-zo. Stéphane Naze, supervisora general.

UN RETO VISUAL

Resulta digno de mención, por su carácter excepcional, que to-das las imágenes digitales de la trilogía de Arthur y los minimoys han empleado sistemas creados por BUF Compagnie, una factoría de efectos visuales cuya fama in-ternacional se debe a su partici-pación en películas como El club de la lucha (Fight Club, de David Fincher), Matrix (de Andy y Larry Wachowski), Batman Begins (de Christopher Nolan) y 2046 (de Wong Kar-Wai). En la tercera


parte, los programadores de BUF se centraron en la fase de com-posición para que el resultado fi-nal fuera todavía más realista. El mayor reto de la tercera entrega era el de animar con éxito perso-najes completamente ficticios en un entorno de imagen real. El público se acostumbra muy rápido a los avances tecnológicos, y por eso siempre quiere más. Cuando ves una película de hace quince años, los efectos se ven desfasa-dos aunque en el momento deja-ran a la gente sin aliento. Para la trilogía de Arthur, la gran priori-dad siempre ha sido el realismo de los personajes digitales. Por eso, en la tercera película, resul-ta natural verlos en una ambien-tación de imágenes reales. Pierre Buffin, efectos e imágenes digita-les. En las dos últimas entregas de la trilogía hay más de 3.000 pla-nos de animación. Desde el pun-to de vista técnico, la parte más difícil era la interacción entre los escenarios digitales y los reales.

La imagen no es de ningún modo la misma. Una imagen de 35 mm es mucho más suave que una ge-nerada por ordenador, por lo que lleva muchísimo trabajo hacer que casen con naturalidad. Eso es lo que hace que la tercera parte de Arthur, más que una película de animación, sea un espectáculo de efectos especiales. Pierre Bu-ffin, efectos e imágenes digitales. Combinar imágenes reales con digitales es especialmente difícil porque el ojo tiene un punto de referencia. Si la iluminación no es buena, se ve al kilómetro. Te-nemos el mismo problema cuan-do Darkos se encuentra frente al abuelo de Arthur: el punto de referencia del ojo es la piel del abuelo, y tenemos que recrear esa textura. Stéphane Naze, supervi-sora general. Una de las escenas más difíciles de La guerra de los mundos fue la secuencia digital de la colmena. La cuestión era, ¿damos a las abejas un enfoque «dibu» o el realismo propio de un

documental de animales? Al final, intercambiamos ambos enfoques según las necesidades artísticas y narrativas de cada plano. Yann Avenati, supervisor de animación.

DIEZ AÑOS, UNA SAGA

Luc Besson tuvo la idea que des-embocaría en Arthur y los mi-nimoys en 1999, cuando vio una foto que le envió el guionista de cómics Patrice Garcia. Fueron necesarios cinco años de trabajo duro y de innovación tecnológica con BUF Compagnie y su equi-po de 120 supervisores y artistas gráficos para hacer realidad la primera entrega de las aventuras de Arthur y sus amigos. Siendo padre yo mismo, sé lo difícil que es tratar temas de respeto y mo-ral con los hijos. Escribir Arthur, y convertirlo después en película, fue una forma de hablarles a mis hijos a través del personaje. Luc Besson. Arthur dio sus primeros pasos cinematográficos en el año


2001, cuando se rodó un piloto para poner a prueba la combina-ción de animación digital y acción real prevista para el largometra-je. Cuando rodamos el piloto, Ar-thur tenía un aspecto mucho más «insectoide», y Selenia era más infantil que sexy. El diseño defini-tivo fue resultado de un largo pro-ceso de trabajo para los equipos de artistas y diseñadores, tanto digitales como tradicionales. Fue un poco como juntar las piezas de un puzle. Patrice Garcia, director artístico. La venganza de Malta-zard y La guerra de los mundos es una sola historia dividida en dos episodios. Ambas partes fueron

rodadas simultáneamente para que no se percibieran cambios físicos en Freddie Highmore (Ar-thur), al crecer y hacerse mayor. El reto de los equipos de creación digital fue producir dos películas en el mismo tiempo que se tardó en hacer la primera: dos años y medio. ¡Lo más extraordinario de esta trilogía es que hemos con-seguido hacerla! Hemos logrado aplicar todo el esfuerzo humano y organizativo necesarios para ha-cer estas películas y convertirlas en un éxito de público. Hace diez años, no contábamos con ninguna garantía en ese aspecto. Pierre Buffin. Luc Besson trabajó en las

tres entregas con el mismo equipo de leales colaboradores: el dise-ñador de producción Hugues Tis-sandier, el director de fotografía Thierry Arbogast y el diseñador de vestuario Olivier Bériot, a los que se unieron los jóvenes artistas de animación formados por Pierre Buffin, de BUF Compagnie. ¿Qué ha sido lo más difícil de toda esta aventura? Cada vez que hacía equipo con Luc Besson para jugar al baloncesto contra los bogo-ma-tassalai. ¡A su lado, nosotros dos nos sentíamos minimoys de ver-dad! Freddie Highmore (Arthur).


El Dr. Martin Harris (Liam Neeson) tiene un accidente de coche en Berlín. Al despertar descubre que, de repente, su mujer (January Jones) no le reconoce y que otro hombre (Aidan Quinn) ha adquiri-do su identidad. Las autoridades le ignoran porque no le creen y unos asesinos le persiguen. Martin se encuentra solo y cansado y se ve obligado a huir.Sin nadie a quien acudir, en un país desconocido, Martin le pide ayuda a una reticente descono-cida (Diana Kruger) al sumergir-se en un terrible misterio que le hará dudar de su cordura y de su identidad. ¿Hasta dónde estará dispuesto a llegar para descubrir la verdad?

Jaume Collet-Serra (La Huérfana) es el director de Sin Identidad,

una película basada en la novela de Didier van Cauwelaert y escri-ta por Oliver Butcher y Stephen Cornwell.

Los protagonistas de este nuevo thriller son el nominado al Ós-car® Liam Neeson (La lista de Schindler), Diane Kruger (Maldi-tos bastardos) y January Jones (serie de televisión Mad Men). También aparecen Aidan Quinn (serie de televisión The Book of Daniel), Bruno Ganz (The Reader, El lector) y el nominado al Óscar® Frank Langella (El desafío: Frost contra Nixon).

Los productores de la película son Joel Silver (Sherlock Holmes), Leonard Goldberg (saga Los án-geles de Charlie) y Andrew Rona (The Apparition, pendiente su es-

treno en España). Los productores ejecutivos son Susan Downey, Ste-ve Richards, Sarah Meyer y Peter McAleese.

En el rodaje de Collet-Serra tam-bién colaboraron el director de fotografía Flavio Labiano, el di-señador de producción Richard Bridgland, el editor Tim Alverson y Ruth Meyers, la diseñadora de vestuario dos veces nominada al Óscar® por Emma y La familia Addams. La banda sonora de la película corrió a cargo de John Ottman y Alexander Rudd.

SOBRE LA PRODUCCIÓN

¿Qué pasaría si no pudieras de-mostrar quién eres, aunque tú su-pieras perfectamente quién eres en realidad? ¿Y qué pasaría si otra

Estrenos

13 de mayoSin Identidad


persona, alguien a quien no co-nocieras, se hiciera pasar por ti y todo el mundo le creyera? He aquí el dilema del argumento de Sin Identidad.

¿Quién o qué determina quiénes somos? ¿Nuestros amigos? ¿Nues-tros recuerdos? ¿De dónde ve-nimos? ¿Un trozo de papel? ¿Hay alguna prueba de nuestra exis-tencia? Basada en la novela de Didier van Cauwelaert, Sin Iden-tidad analiza precisamente eso. El Dr. Martin Harris, interpretado por Liam Neeson, compite, por las frías calles de Berlín, en una carrera por recuperar su vida, perseguido a su vez por unos tipos que intentan matarle y que le van pisando los talones. Sin embargo, él no tiene ni idea de por qué.

Jaume Collet-Serra comenta: “Mis películas favoritas son los thrillers al estilo de Hitchcock, esos que envuelven al especta-dor en una atmósfera de miste-rio, llegando a confundirle tanto como a los propios personajes y uno no sabe adónde le va a llevar en realidad la historia”.

El productor Joel Silver afirma: “A mí me encanta el suspense. Estar en el cine mordiéndose las uñas y acabar sentado al borde de la butaca. Eso es lo que más me gus-tó de la película. Uno no sabe si Martin Harris es el bueno de la película o si se ha vuelto un poco loco y la historia no es más que el fruto de uno de sus delirios.”

El productor Leonard Goldberg fue quien le recomendó a Silver

la novela del autor francés van Cauwelaert. “Cuando me terminé la novela, pensé que sería perfec-ta para que Joel y yo hiciéramos una producción juntos, porque se trataba de un thriller único cuyo final me dejó totalmente perple-jo”, cuenta Goldberg. “Me alegro de que a Joel le intrigara la histo-ria tanto como a mí”.

“Leonard tenía razón, me engan-chó tanto que no podía dejar de leer”, confirma Silver. “Desarro-llamos el guión con dos fantásti-cos escritores, Oliver Butcher y Stephen Cornwell.”

Para dirigir la película, Silver eligió a Jaume Collet-Serra, con quien había trabajado anterior-mente en dos películas. “Jaume tiene mucho estilo y sabe cómo


revelar un misterio. Tenía mu-chas ganas de volver a trabajar con él”.

“Me encantó la idea del hombre que se despierta un día y descu-bre que alguien le ha sustituido en el mundo”, afirma Collet-Se-rra. “Y lo que añadía más drama-tismo a la historia: otra persona podía demostrar que era él, pero el protagonista no. Aquel era sólo el primero de algunos de los in-geniosos giros de la historia. Me gustó el hecho de que a pesar de todas las pistas buenas que hay a lo largo de la trama, no fui capaz de desentrañarla.”

El protagonista de Sin Identidad fue el elegido para su papel des-de el principio. “Para mí, lo im-portante es el guión, y este era increíblemente adictivo”, con-fiesa Neeson. “Antes de aceptar hago la prueba de fuego: si lle-go a la página 50 sin haber hecho una parada para tomarme un té, es buena señal. Era un material tan bueno que tuve que leérmelo entero de una sentada”.El productor Andrew Rona está

de acuerdo. “Era un guión que no podía rechazar. Era una lectu-ra tan estimulante que me moría de ganas de ver cómo quedaría la versión cinematográfica”.

“Sin Identidad es como un tren de mercancías, simplemente te coge y te lleva”, afirma Joel Silver. “Y puede que pienses que sabes adónde va, pero no creo que lo averigües”.

Liam Neeson interpreta al Dr. Mar-tin Harris, un botanista que llega con su esposa Liz al Hotel Adlon de Berlín para asistir a una confe-rencia de biotecnología. Cuando Martin se da cuenta de que se ha dejado el maletín en el aeropuer-to, coge un taxi inmediatamente para ir a recuperarlo. Pero por el camino, sufre un terrible ac-cidente. La taxista, Gina, le sal-va la vida a Martin con valentía, pero después desaparece miste-riosamente. Tras haber estado en coma cuatro días, se despierta y sin ningún tipo de identificación, Martin lucha por recordar quién es. “Cuando consigue recordar su

identidad, lo primero que hace es intentar localizar a su esposa, su-poniendo que estará muy preocu-pada”, relata Neeson.

Pero cuando encuentra a Liz de nuevo en el hotel, ella no le co-noce, y lo que es peor, hay otro hombre que afirma ser él, y Liz cree a este “otro” Martin.

“Es como la amnesia, pero al revés”, revela Collet-Serra. “Es como si el mundo tuviera amne-sia y no se acordara de él, él sabe perfectamente quién es, pero el resto del mundo lo ha olvidado”.Todos los realizadores estuvieron de acuerdo en que Neeson era el actor ideal para el papel por su buena presencia en pantalla.

“Siempre he admirado el traba-jo de Liam”, dice Collet-Serra, “y para un director, es un actor ge-neroso, siempre lo da todo, tanto en el plató, como en la pantalla. Puede llegar a ser muy apasiona-do y muy sutil a la vez”.

Necesitábamos ambas cualidades, era imprescindible que el perso-


naje lograra transmitir al espec-tador su estado de ánimo, para que éste intentara descubrir a la vez que él por qué le ocurría todo aquello.

El director continúa, “una de mis preocupaciones era que el es-pectador tiene muy poco tiem-po para conocer a Martin antes de que todo se tuerza. Pero con Liam, hay una conexión inmedia-ta. Te gusta y le crees”. “Queríamos a alguien a que ins-pirara confianza”, añade Silver. “Liam tiene un carisma increíble y además es totalmente accesi-ble. Ésas son precisamente las ca-racterísticas que necesitábamos para Martin Harris.” “Para los espectadores, Martin Harris parece tener el matrimo-nio perfecto y una vida interesan-te”, explica Neeson, “pero en un instante lo pierde todo. No solo está solo y abandonado, sino que además, todos aquellos a quienes piensa que conoce lo rechazan. Cada uno de sus impulsos aumen-

ta su determinación para descu-brir la verdad, y lo que es más im-portante, demostrar que es quien dice ser”. A Neeson le atrajo la idea de la identidad perdida. “Interioricé por completo todo por lo que Martin estaba pasando”, dice. “Cuando era pequeño era boxea-dor aficionado y me noquearon unas cuantas veces. Recuerdo perfectamente esa sensación de no acordarse de nada, aunque fuera momentánea. Interpretar este papel ha sido una experien-cia interesante”. A Martin le rechazan en casi todos los sitios a los que acude en busca de ayuda, aunque la primera vez es la más dura: cuando va a ver su mujer. Esperaba que se alegra-ra de verle y que corriera a abra-zarle, pero se queda de piedra cuando ella se limita a saludarlo con la indiferente mirada de una desconocida. El papel de Eliza-beth Harris lo interpreta January Jones, a quien, como Neeson, le sedujeron las cualidades únicas

de la historia. “Nunca antes había leído algo así, era muy interesan-te e intrincado”, dice la actriz. “Me recordó a esas películas an-tiguas de espías, llenas de peligro e intriga, pero también con un to-que de glamour”. A Jones también le gustó el modo enigmático en que fue creado su personaje. “Liz no sigue un pa-trón fijo; es muy inteligente, pero también inescrutable y me encantó lo impredecible que es. Sabemos que Martin la quiere, pero su parte de la historia no está tan clara, así que podía ju-gar con muchas cosas”, comenta. “January es una actriz inteli-gente y muy perfeccionista en su trabajo”, afirma Collet-Serra. “Además, su belleza recuerda a las mujeres fatales de los años 50, así que tenía exactamente to-das las cualidades que queríamos para el papel de esta indefinible figura”. “Liz Harris es la rubia sexy de ciu-dad que está siempre metida en


todo”, explica Silver. “January no tuvo problema para dejar entre-ver lo justo para que se supiera que había algo más detrás de su historia, pero sin revelar nada.” Cuando ni siquiera su propia espo-sa le reconoce, Martin tiene que encontrar a la única persona de todo Berlín que le vio antes del accidente, la taxista, Gina. Tras el accidente, ella le salva de una muerte segura en el fondo del río, pero luego desaparece inexplica-blemente. Diane Kruger interpreta a Gina, quien, según revela la actriz, tie-ne sus razones para evitar a las autoridades. “Gina es de Bosnia y vive en Alemania ilegalmente. No quiere que la policía la inte-rrogue en el lugar del accidente porque tiene miedo de que ave-rigüen que está sin papeles. Así que huye en cuanto ve que Martin está en buenas manos.” Cuando Martin la busca con la es-peranza de encontrar respuestas, ella no quiere tener nada que ver

con él. “No quiere saber nada de él ni de su disparatada historia”, afirma Kruger. “A Gina le da mie-do la tierra de donde viene y las malas experiencias que ha tenido en la vida. Teme que el hecho de ayudar a Martin pueda afectar a la pequeña coraza que por fin ha logrado construirse para prote-gerse.” Igual que Martin intenta contar su verdad al mundo, Gina lucha por ocultar su propia existencia y vivir en el anonimato. Las circunstan-cias les unen, aunque por motivos diametralmente opuestos. “A pesar de que quiere esconder-se, ella le ve desesperado y sabe lo que es pensar que el todo el mundo está contra ti”, continúa Kruger. “Además, Gina necesita dinero para conseguir los papeles y comenzar una nueva vida y Mar-tin promete conseguírselos.” “Gina huye de su pasado, busca una nueva identidad, lo cual, en cierto modo, es algo que tiene en común con Martin. Para ellos lo

más importante es sobrevivir, y harán lo que sea para conseguir-lo”, señala Collet-Serra.

Parte de esa lucha por la supervi-vencia se ve reflejada en algunas desafiantes secuencias de acción. “Para interpretar este papel, Diane también tuvo que realizar mucho trabajo físico. Tenía que estar a la altura de Liam duran-te toda la acción, las peleas, las persecuciones en coche... Hizo un trabajo increíble, llegó a formar parte de la verdadera acción”. Goldberg dice: “Tenemos suer-te de tener a Diane Kruger y a January Jones junto a Liam Nee-son. Ambas son actrices hermosas y con talento que aportan a sus personajes cualidades personales que contrastan”. El hombre que parece haber usur-pado la vida de Martin robándole a su esposa, amigos e incluso su trabajo, es el personaje al que, para no complicarnos, llama-remos Martin B, el actor Aidan Quinn. “Martin B es la otra cara


de la moneda”, dice Collet-Serra, “y Aidan bordó su interpretación. Se puso de verdad en la situación de qué ocurriría si otro tipo de repente dijera que es él. Princi-palmente se enfrenta al mismo problema que Martin, excepto por una cosa: Martin B puede de-mostrar que él es el verdadero Dr. Martin Harris. Así que lo único que tiene que hacer es sentarse y dejar que el otro tipo actúe como un loco”. A Quinn le encantó interpretar al doble de Neeson, quien además es un buen amigo suyo. “Para mí era una historia absorbente con una premisa muy interesante que incita a pensar de forma constan-te. El hecho de que Liam estuvie-ra también en la película era el novamás, fue muy divertido te-ner que actuar como enemigos”, sonríe.

Neeson añade: “Hay una escena donde tenemos una pelea que dura bastante. Tuvimos que en-trenar y ensayar mucho, algo

que puede llegar a ser duro, pero cuando lo haces con un amigo, te sientes mucho más relajado y dis-frutas con ello.”

Desesperado por demostrar que Martin B es un impostor, Martin pide ayuda a Ernst Jürgen, un ex miembro de la Stasi, la policía secreta de la Alemania del Este. Jügern es como una reliquia, el mundo ha avanzado, pero él se ha quedado en el pasado, atrapa-do por lo que hizo hace casi una eternidad. El aclamado actor suizo Bruno Ganz retrata al personaje que describe como “un hombre cuya vida ya no tiene sentido porque él era un verdadero creyente. Creía en algo que ya no existe, por eso también él ha dejado de existir. Protegía a su país, su ministerio, su estado... ha perdido lo que ha-cía que la vida valiese la pena. Sin embargo, es increíblemente listo y está dispuesto a ayudar a otra persona que, como él, se siente perdida”.

“Bruno le dio un toque inespe-rado de apacible dignidad al pa-pel”, comenta Silver. “Fue un verdadero placer verle trabajar”.

Otro respetado actor veterano que se unió al reparto fue Frank Langella en el papel del buen ami-go y compatriota de Martin, Rod-ney Cole. El director Collet-Serra estaba emocionadísimo por poder trabajar con Langella y Ganz en una misma película. “Tienen una de mis escenas favoritas de la pe-lícula”, declara. “Acababan de conocerse aquella misma mañana y yo había estado probablemente solo una hora con ellos antes de que llegara el equipo de rodaje y paralizara la escena. Los dos hi-cieron una actuación con mucha fuerza y estilo. Estaba tan con-tento que no podía dejar de son-reír. No podía creer que estuviera dirigiendo a Bruno Ganz y Frank Langella”. “Busco papeles en los que pueda causar impresión y éste era uno


de ellos”, dice Langella. “Bru-no y yo estuvimos hablándolo el día que grabamos nuestra escena juntos. De de vez en cuando uno da con este tipo de papeles, que a pesar de ser breves, tienen mo-mentos muy significativos y vale la pena aceptarlos. Estoy real-mente convencido de que todo thriller internacional debería ser como esta película, del estilo de las películas entre las que crecí. Compras la bebida, las palomitas y comienzas el viaje”. El toque final del reparto inter-nacional lo dan el aclamado actor alemán Sebastian Koch, como el científico de investigación Profe-sor Bressler y Olivier Schneider y Stipe Erceg como Smith y Jones, los incansables asesinos que per-siguen a Martin Harris por las ca-lles de Berlín. Schneider tuvo dos funciones en la película, además de actuar, trabajó como coordina-dor de escenas de riesgo junto a Collet-Serra y el resto del reparto para coreografiar las intrigantes secuencias de acción de la pelí-cula.

Los hechos transcurren en la ca-pital de Alemania, Berlín, donde también se rodó la película. Co-llet-Serra dice que la ciudad era perfecta para la temática de la historia. “El núcleo de la historia es una crisis de identidad y Berlín la tiene, habiendo estado dividi-da durante tantos años. Ahora, incluso después de su reunifica-ción, con los nuevos edificios ir-guiéndose entre los antiguos, todavía se pueden ver las cicatri-ces. Hay dos mundos diferentes que coexisten en la ciudad, así que para mí, Berlín era una ex-tensión del personaje principal de la película”.

Una de las ventajas de rodar en Berlín era que, según Silver, “de verdad han invertido y se han to-mado el tiempo necesario para construir una infraestructura. Grandes equipos, grandes insta-laciones. Se ha convertido en una de mis ciudades favoritas para rodar”.Collet-Serra describió la misión de Martin Harris al diseñador de pro-ducción Richard Bridgland como

un viaje a través de un laberin-to, donde a menudo topa con un callejón sin salida, tiene que vol-ver sobre sus pasos y probar otro camino para descubrir quién es. Bridgland trató de usar los distin-tos emplazamientos de la cuidad para ilustrar las dos caras del di-lema de Martin, el mundo al que cree que pertenece y el mundo en el que se encuentra cuando le arrebatan su identidad. Esta dico-tomía se observa de forma natural porque, después de que el Muro de Berlín cayera y los comunistas empezaran a dispersarse hace 20 años, Berlín experimentó un cre-cimiento masivo cuando las dos mitades de la ciudad volvieron a unirse.

La producción utilizó los anti-guos Berlín Oriental y Occidental con distintos barrios, desde los suburbios del distrito Friedrichs-hain-Kreuzberg hasta otros luga-res más emblemáticos, como la Puerta de Brandemburgo y la Isla de los Museos. “Nuestro perso-naje principal no tiene casa, así que le seguimos por la ciudad en


taxi, a pie y en U-Bahn (metro de Berlín)”, indica el director. “Ro-damos en 40 sitios diferentes en 48 días”.

Al principio, Cuando Martin y Liz Harris llegan a la ciudad, van di-rectamente a su hotel, el famo-so hotel de cinco estrellas Hotel Adlon. Está situado cerca de la representativa Puerta de Bran-demburgo, en la avenida Unter den Linden. El hotel sobrevivió a los bombardeos de la guerra, pero se quemó por culpa de un incen-dio 10 años más tarde. Entonces lo restauraron para dejarlo en el lujoso estado en el que estaba an-tes.Rodar en un hotel funcionando, con más de 100 miembros del rodaje, toneladas de equipo y numerosos extras fue un desafío para la producción, que tuvo que tener mucho cuidado para no mo-lestar a los demás huéspedes del hotel. Bridgland afirma: “Tenía-mos que grabar las escenas sin interferir en la vida normal del hotel y nos construimos nuestro propio mostrador de recepción

para no molestar a los verdaderos clientes. Pero nos permitieron grabar en el espacioso vestíbulo, en el comedor, los pasillos y en la cocina, bajo las escaleras. Nos permitieron acceder a muchas zo-nas, para ser un hotel con tantos clientes”. Sin embargo, hay una secuencia con escenas de riesgo y efectos pirotécnicos que no podíamos ro-dar allí. En lugar de eso, el equipo de diseño de producción constru-yó una réplica del salón de baile del hotel en un plató del Studio Babelsberg, uno de los estudios de grabación más importantes y el más antiguo del mundo, crea-do hace casi 100 años. Lo que sí rodaron fuera del emplazamien-to real fueron las secuelas de una explosión. El equipo artísti-co creó cráteres de escombros y destrucción por todo el exterior del Adlon. A los creadores de la película les hizo gracia cuando se enteraron de que, debido al prós-pero vanguardismo de la ciudad, mucha gente que pasaba por allí se paraba a preguntar si aquello

era algún tipo de obra de arte y se interesaba por saber quién era el artista. Mientras trata de localizar a Gina, Martin recuerda el logotipo de su taxi, la Torre de Televisión, un punto de referencia del Berlín Oriental construido intencionada-mente para que destacara sobre la ciudad. Para reproducir el ga-raje de taxis, la producción uti-lizó una fábrica de cerveza del siglo XIX. La centralita de taxis la construyeron a partir de una de las vistas favoritas de la ciudad de Bridgland, una cabaña de metal como las que usaban en la ciudad los trabajadores de la construc-ción para hacerse el té. Otro lugar que a Bridgland le en-cantó recrear fue el apartamen-to de Gina. “Vive en Kreuzberg, donde se establecieron los pri-meros trabajadores inmigrantes turcos”, dice. “El edificio de su apartamento es el hogar de mu-chos trabajadores temporales, legales e ilegales y nos imagina-mos que ella escogería el ático


para intentar convertir este am-biente frío y deprimente en su hogar. Tiene las paredes forradas con tela y algunos objetos per-sonales como fotos y ese tipo de cosas, para que le recuerden a su vida anterior. Lo que ella se está haciendo es un nidito en un am-biente inhóspito.” Una casa muy diferente que vi-sita Martin es la de Herr Jürgen, ex miembro de la Stasi, la policía secreta que infundió a amigos y vecinos la idea de espiarse entre ellos. Bridgland quiso plasmar la anterior vida de Jürgen en aque-llo que le rodeaba. “Está claro que Jürgen disfrutaba de su tra-bajo y de la vida privilegiada que llevaba y reflejamos esto deco-rando su apartamento tal y como habría sido antes de la caída del Muro. Se pueden ver sus medallas

y menciones de honor y su mobi-liario es de mucha mejor calidad que la que los ciudadanos de a pie de la Alemania Oriental po-drían permitirse. Es casi el museo de una vida de poca monta de la Stasi del siglo XX, una vida que disfrutó y que ahora echa de me-nos”.

Los exteriores del apartamen-to de Jürgen se rodaron en Frie-drichshain, en la calle Karl-Marx Strasse, fuera de uno de los edifi-cios más antiguos, construido por el régimen soviético para alber-gar al personal que enviaban de Moscú para vigilar a los berlineses del Este. Irónicamente, hoy en día, la demanda de estos lumino-sos y espaciosos apartamentos es muy alta. La escena en la que Martin y Gina

se encuentran con Jürgen le re-cuerda a sus días en la Stasi: un encuentro clandestino en un puente de la Isla de los Museos, sobre el río Spree. El agua está empezando a descongelarse y enormes bloques de hielo pasan flotando por el fondo. El clima helado espanta a los muchos tu-ristas que normalmente habrían abarrotado la zona. De hecho, ro-dar principalmente en exteriores durante el invierno más frío de la ciudad de los últimos 20 años, dio bastantes problemas a los acto-res y al equipo de rodaje y causó dificultades en algunas escenas debido a la falta de luz y el mal tiempo, pero también sirvió para enfatizar la sensación de aisla-miento del personaje principal. En colaboración con Collet-Serra, el director de fotografía Flavio Labiano comenta: “grabé la pe-lícula pensando en la perspectiva de aislamiento de Martin como un hombre que busca la verdad”.

“Tuvimos la suerte y la desgra-cia de que hubo varias fuertes nevadas en diciembre, que du-raron hasta mediados de febre-ro”, recuerda Collet-Serra, “y nos permitieron mostrar la ciudad como quizá no habríamos podido de otro modo, toda cubierta de nieve. Por supuesto, luego des-apareció y eso supuso otro reto. Teníamos que continuar, así que tuvimos que fabricar nuestra pro-pia nieve”.

Uno de los acontecimientos más importantes de la película lo ro-damos por completo en el exte-rior, por las calles de Berlín. Una larga persecución de coches en la que Martin y Gina intentan esca-par de los asesinos que les siguen. Tardamos 10 noches en terminar la secuencia y, después de un ro-daje exterior tan largo pasando frío, el reparto y el equipo se mo-rían de ganas por volver a rodar interiores. En cambio, la escena del club


nocturno se rodó en uno de los garitos más conocidos de Ber-lín. Para quitarse a los asesinos de encima, Gina lleva a Martin a una discoteca, con la esperanza de estar a salvo ocultos entre la multitud. La secuencia se rodó en The Tresor, un local internacional-mente conocido por los apasio-nados de las discotecas como el lugar de nacimiento de la música tecno. Está situado en una enor-me estación abandonada, en la calle Köpenicker Strasse, en Mit-te. El equipo artístico inundó la zona del sótano industrial con un estridente espectáculo de luces de neón, que junto a la ruidosa y repetitiva música, contribuyó a aumentar la alienación de Martin del mundo en el que se encuen-tra. Otro lugar interesante que la producción pudo utilizar fue el espléndido y austero exterior de la nueva galería nacional Neue Nationalgalerie, construida alre-dedor de 1960 por el arquitecto Ludwig Mies van der Rohe. Para los interiores de la escena, sin

embargo, cambiaron al Museo de Fotografía del distrito de Charlot-tenburg, donde, por intereses de la película, Bridgland reprodujo una exposición real. “Sin Iden-tidad trata sobre la identidad y la pérdida de la misma, así que intentamos reflejar esto en la fo-tografía”, dice. “Encontramos a una estudiante que había hecho algunos retratos enormes y decidí utilizar su obra. El resultado fue-ron retratos a gran escala y pri-meros planos muy interesantes, cada uno parecía contar su propia historia”. La historia de Martin también es uno de diferentes rostros y entre ellos, en alguna parte, se encuen-tra la verdad. “Es realmente im-predecible”, afirma Liam Neeson. “Tiene algunos momentos que de verdad creo que pillarán al espec-tador por sorpresa”.

Leonard Goldberg señala: “La ra-zón por la que las películas de este género han existido durante tanto tiempo es porque las bue-nas permiten a los cinéfilos jugar

al perro y el gato con los directo-res de cine”. “Esta película te da lo mejor de ambos mundos”, dice Joel Silver. “Es un viaje que te mantiene en tensión en la butaca y hace que trates de averiguar lo que ocurre en todo momento”. Jaume Collet-Serra concluye: “Desde el momento en que Mar-tin Harris se despierta y le dicen que ya no es el hombre que pien-sa que es, no dejamos de intentar averiguar lo que pasa. Ninguno de nosotros se imagina cómo se-ría que alguien nos robara no sólo nuestra identidad, sino todo lo que nos hace ser quienes somos, incluso nuestra familia y amigos. ¿Qué haríamos? ¿Cómo recupera-ríamos nuestra vida?”


Estrenos

De Walt Disney Pictures y Jerry Bruckheimer Films llega PIRATAS DEL CARIBE: EN MAREAS MISTE-RIOSAS, producida por Jerry Bruc-kheimer y dirigida por Rob Mars-hall.

La cuarta entrega de la saga de PIRATAS DEL CARIBE presenta un elenco internacional que incluye a Johnny Depp, Penélope Cruz, Ian McShane, Kevin R. McNally, Astrid Bergés-Frisbey, Sam Claflin y Geoffrey Rush. Los producto-res ejecutivos son Mike Stenson, Chad Oman, John DeLuca, Barry Waldman, Ted Elliot y Terry Ros-sio. La historia y el guión perte-necen a Ted Elliot y Terry Rossio, basados en personajes creados por Ted Elliot, Terry Rossio, Stuart Beattie y Jay Wolpert, inspirados en la novela de Tim Powers.

PIRATAS DEL CARIBE: EN MAREAS MISTERIOSAS captura la diver-sión, la aventura y el humor que encendió la exitosa saga, ¡esta vez en Disney Digital 3D™! En una aventura llena de acción, Johnny Depp regresa a su icónico papel del Capitán Jack Sparrow. Cuando se cruza con Angélica (Penélope Cruz), una enigmática mujer de su pasado, él no está seguro de que sea amor lo que ocurre entre ellos, o si ella es una despiada-da impostora que lo está usando para hallar la famosa Fuente de la Juventud. Cuando lo obliga a abordar el Queen Anne’s Revenge, el barco del terrible pirata Barba

Negra (Ian McShane), Jack se en-cuentra en una inesperada aven-tura en la que no sabe a quién temerle más: si a Barba Negra o a Angélica, con quien comparte un misterioso pasado.

MÁS ALLÁ DE LA TRILOGÍA

PIRATAS DEL CARIBE: EN MAREAS MISTERIOSAS es la continuación de las tres anteriores películas, exi-tosas en taquilla y aclamadas por la audiencia: PIRATAS DEL CARIBE: LA MALDICIÓN DE LA PERLA NEGRA (2003), EL COFRE DEL HOMBRE MUERTO (2005) y EN EL FIN DEL MUNDO (2007). “Los números son maravillosos”, dice el productor Jerry Bruckheimer, “pero lo que es aún mejor es que son indica-dores de lo que estos films han significado para los espectadores. La audiencia se enamoró otra vez del género de piratas después de que este estilo estuviera ausente de la gran pantalla durante casi tres décadas. Por supuesto, ¡ni qué hablar de Johnny Depp inter-pretando al Capitán Jack! En esta nueva película hay más aventuras en las que Jack deberá involu-crarse. Nuestros guionistas, Ted Elliot y Terry Rossio, han creado todo un mundo para explorar”.

Johnny Depp, quien se enamoró perdidamente del personaje del Capitán Jack Sparrow durante el curso de los tres primeros films, estaba listo para otra aventura. “La idea de una cuarta película,

luego de que termináramos la tercera, era algo que resonaba en mi cabeza con la frase ‘espero que sí’”, apunta Depp. “Cuando termino de interpretar al Capitán Jack hay una especie de descom-presión para salir de ese papel, porque realmente me gusta me-terme en su piel. Me siento muy cómodo interpretándolo porque tengo licencia para ser comple-tamente irreverente, subversivo; absolutamente abstracto en to-das las situaciones. Conozco tan bien a ese personaje, que me sale naturalmente”.

Tanto Jerry Bruckheimer como Johnny Depp estuvieron comple-tamente de acuerdo con quién debía dirigir EN MAREAS MISTE-RIOSAS: Rob Marshall, realizador de Chicago, ganador del premio Oscar® a la Mejor Película por dicho film y director también de las ambiciosas Memorias de una geisha y Nine: una vida de pasión. “Rob no tiene miedo de asumir grandes desafíos y de tomar fuer-tes riesgos”, explica Bruckheimer. “Más aún, sus antecedentes en teatro con varios musicales y los films con coreografías fueron un gran beneficio a la hora de dirigir nuestra película. Rob es también un gran narrador; su gusto es im-pecable”.

Rob Marshall es una de las reales fortalezas del cine estadouniden-se contemporáneo. No en vano su estilo ha sido descripto como ‘un

20 de mayo

hierro envuelto en terciopelo’. El caballeroso pero contundente primer film de Marshall, Chicago, fue nominado a 13 premios de la Academia® ® de Hollywood y se hizo acreedor de seis, incluido el de Mejor Película, en 2002. Sus dos siguientes trabajos, Memorias de una geisha y Nine: una vida de película fueron nominados a 10 premios Oscar® ® en conjunto, y se convirtieron en receptores de tres de ellos.

El director se sintió atraído por NAVEGANDO AGUAS MISTERIOSAS debido a su profundo cariño por las tres películas anteriores de la saga PIRATAS DEL CARIBE, su amor por el juego de piratas del par-que temático de Disney y por la posibilidad de trabajar junto con Johnny Depp y Jerry Bruckheimer.

“Como la mayoría de la gente, siempre adoré ese juego de Dis-neyland. Para mí, la idea de ha-cer un film de acción y aventuras –algo que nunca antes he hecho- resultaba increíble. He sido el primero en la fila para ver las pe-

lículas anteriores de la saga; así que, como realizador, pasar de Chicago, Memorias de una geis-ha y Nine: una vida de película a ésta fue realmente excitante”.

Ted Elliot y Terry Rossio, el acla-mado equipo que antes de la pri-mera PIRATAS DEL CARIBE ya ha-bía escrito clásicos como Aladdín y Shrek, buscó aún más profundo dentro del cofre del tesoro para encontrar más historias de pi-ratas y de mares, apelando a la tradición y a la mitología para EN MAREAS MISTERIOSAS y con el aporte de la novela homónima es-crita por Tim Powers. “La directi-va era crear una historia con per-sonalidad individual en lugar de una continuación de la trilogía”, apunta Rossio.

Con las historias de Will Tur-ner (Orlando Bloom) y Elizabeth Swann (Keira Knightley) resueltas en EN EL FIN DEL MUNDO, Elliot y Rossio buscaron crear nuevos personajes, reteniendo a la vez algunos de los personajes favo-ritos de la saga, en particular el

Capitán Héctor Barbossa (Geof-frey Rush), Joshamee Gibbs (Ke-vin R. McNally) y, por supuesto, el Capitán Jack Sparrow. La novela de Tim Power incluía al legenda-rio Barba Negra, el más temido de todos los piratas, como uno de los personajes centrales. Difícilmen-te podría haberse inventado un mejor villano para esta película. A la vez, una nueva protagonista femenina fue recreada en Angéli-ca, una mujer que puede igualar al Capitán Jack en cada detalle.

Elliott y Rossio escribieron con la cercana colaboración de Jerry Bruckheimer, Rob Marshall, John DeLuca y Johnny Depp. También con Mike Stenson y Chad Oman, líderes del equipo de producción de Bruckheimer. “Johnny fue cla-ve en el diseño de EN MAREAS MISTERIOSAS”, afirma Terry Ros-sio. “Desde la historia central hasta el diseño de los personajes, la ambientación, los decorados y, por supuesto, las líneas de diá-logo. No hubiéramos tenido el guión que logramos de no haber contado con él. Johnny conoce el


personaje de Jack Sparrow tan profundamente que uno quiere escuchar cada instinto e idea que tiene, sea grande o pequeño. To-dos podemos imaginar el persona-je de Jack Sparrow, pero Johnny realmente lo vive”.

LA REUNIÓN DEL ELENCO

Jerry Bruckheimer, Rob Marshall, Ted Elliot y Terry Rossio cono-cían las grandiosas ventajas de desarrollar nuevos personajes y de continuar las historias de los preexistentes, pero lo que tenían más claro desde el punto inicial de este proyecto era que el Capi-tán Jack Sparrow permanecería, como siempre, como el eterno Capitán Jack Sparrow, ahora y siempre. “Esta cuestión del desa-rrollo de los personajes, de cómo se encuentran a sí mismos y esto y aquello…”, dice Johnny Depp. “Yo, honestamente, creo que el viejo y querido Capitán Jack se encontró a sí mismo hace un lar-go tiempo”.

Rossio comenta: “Jack Sparrow es uno de esos personajes que no cambian; la audiencia no quiere que cambie y yo tampoco. En lu-gar de ello, él genera cambios en los personajes que lo rodean. Fue especialmente divertido oponer a Jack y Angélica, puesto que Jack nunca se había enfrentado con una mujer que es completamente igual a él en términos de egoísmo y astucia”.

Por cierto, ese aspecto de la pe-lícula fue sólo uno de los atracti-vos para Penélope Cruz, ganadora del premio Oscar® ® y estrella de renombre internacional, tan-to como la idea de reunirse con Johnny Depp, con quien ya ha-bía trabajado anteriormente en Blow. También ayudó que Cruz haya sido ya una admiradora de la saga. “Soy muy fanática de las tres primeras películas”, confie-sa, “y de lo que Johnny hizo en ellas. Esta es una gran aventura para cualquier actor. Es un acon-tecimiento nuevo cada día; nunca puedes aburrirte”.

Para Cruz significó también vol-ver a reunirse con Rob Marshall, quien la dirigió en Nine: una vida de película, un trabajo por el cual fue nominada al Oscar® . “Dos de las mejores experiencias que tuve trabajando con gente en esta in-dustria ocurrieron gracias a Jo-hnny y Rob”, asegura Cruz. “Rob puede manejar un enorme caudal de presión y siempre ser un caba-llero con todo el mundo. Es un ser humano muy especial y creo que cualquier persona a quien se le pregunte al respecto responderá lo mismo. Con Johnny nos encan-tó trabajar juntos hace diez años, así que me pone muy feliz poder hacerlo nuevamente. Es tan hu-milde y listo, y además es una de las personas más divertidas que conozco. Su talento es increíble; es otro caballero tal como Rob”.

“No hay muchos actores que pue-dan realmente encajar a la per-fección con su personaje como Jo-hnny con Jack Sparrow”, comenta Rob Marshall. “Entonces, para acompañarlo, necesitábamos a una actriz que personificara mu-


chos aspectos diferentes: humor, sensualidad, poder, fortaleza, belleza y pasión. Habiendo traba-jado con Penélope, sabía que ella posee esta única combinación de todas las cualidades”.

“Angélica tuvo una relación en el pasado con Jack Sparrow, pero él la traicionó y le rompió el cora-zón”, explica Cruz. “Ahora ella disfruta buscando su venganza. Angélica tiene la mente de un pi-rata y es una gran manipuladora, muy mentirosa y una genial ac-triz. Realmente sabe cómo enga-

ñar a la gente, aunque en el fondo es un alma bastante pura y tiene un buen corazón. Para llegar a la Fuente de la Juventud necesita a Jack Sparrow tanto como Jack la necesita a ella”.

Para el desafiante rol del pirata más famoso del mundo, Bruckhei-mer y Marshall convocaron al ac-tor Ian McShane, cuya remarcable carrera en cine y televisión –que ya ha sobrepasado los 50 años- tomó aún más fuerza desde su impresionante y aclamada inter-pretación de Al Swearengen en la

serie de HBO “Deadwood”.

“Barba Negra es probablemente el pirata más infame que jamás haya vivido”, apunta McShane. “Hay una cantidad enorme de historias acerca suyo y, sean éstas ciertas o no, él es parte de la mi-tología pirata”.

“La belleza del personaje de Barba Negra”, reflexiona Johnny Depp acerca de su rival EN MA-REAS MISTERIOSAS, “es que, su-perficialmente, parece ser un hombre racional. Pero cuanto


más se lo conoce, más se advierte que es en realidad un asesino frío y calculador, sin un ápice de sen-timiento. Pisaría cualquier cabe-za con tal de lograr su objetivo; esto es lo que lo hace tan peligro-so. No creo que haya una mejor elección para darle vida en esta película que Ian McShane, cierta-mente”.Encarnando por cuarta vez a Héc-tor Barbossa está Geoffrey Rush, quien en los films previos de la saga creó a uno de los más per-versamente amados personajes de la franquicia. “Estaba muy

entusiasmado cuando supe que habría una cuarta película, por-que me encanta trabajar con Jo-hnny”, dice Rush. “Considero que la relación Jack Sparrow/Bar-bossa es un constante y delicioso conflicto con el cual me encanta involucrarme”.

“Aún cuando el Capitán Jack y Barbossa están del mismo lado”, apunta Johnny Depp, “siempre son, de alguna manera, un poco rivales. Siempre sentí que estos dos personajes discuten como lo haría una pareja de amas de ca-

sas ya ancianas en algún club de bridge, poniendo en evidencia los más pequeños e insignificantes detalles de cada una. Así es como Geoffrey y yo encaramos los per-sonajes desde el primer día y él es, definitivamente, un oponente muy valioso”.

También de regreso a la saga como el clásico Joshamee Gibbs está Kevin R. McNally, ahora todo un veterano de los cuatro films de PIRATAS DEL CARIBE. “Cuando me preguntaron si quería hacer otra película de ‘Piratas’”, confiesa



McNally, “me quedé sorprendido porque durante todos esos años atrás, cuando comenzamos, ja-más pensé que ¡aún hoy estaría-mos haciéndolas! Es fantástico porque muy raramente en el cine tienes la oportunidad de regresar a tu personaje y de volver a revi-sarlo una y otra vez”.

Para dar vida a los dos protago-nistas jóvenes de la historia –la hermosa y seductora Syrenia y el incondicional misionero Philip Swift- Bruckheimer y Marshall, junto con el director estadouni-dense de casting Francine Mais-

ler y con las directoras de casting británicas Lucy Bevan y Susie Fig-gis, se embarcaron en una clásica búsqueda de talento internacio-nal. Seleccionados de entre mi-les de candidatos quedaron Astrid Bergès-Frisbey, de Francia, y Sam Claflin, de Inglaterra, ambos vein-teañeros y con algo de experien-cia actoral en sus respectivos paí-ses pero aún sin reconocimiento internacional.

“Astrid y Sam hicieron pruebas de cámara que nos gustaron enor-memente. Supimos que ambos tenían lo que se necesita para

causar una buena impresión en la pantalla grande”, explica Jerry Bruckheimer.

“Yo interpreto a un misionero lla-mado Philip Swift, que defiende las causas en las que cree y tra-ta de corregir los vicios de Bar-ba Negra”, apunta Claflin. “En el transcurso de la historia, Philip atraviesa una sorpresiva trave-sía, especialmente cuando conoce a Syrenia. Él nunca antes había tenido contacto con mujeres, así que es todo un ‘evento’ para él, por llamarlo de algún modo”.


Al describir su personaje, Bergès-Frisbey dice: “Syrenia es diferen-te de las otras criaturas marinas porque, en la historia, se conec-ta con los personajes humanos y esto la modifica profundamente. Philip influye en Syrenia y Syrenia influye en Philip porque, desde el primer momento en que se ven, descubren que ambos tienen algo en común”.

El resto del elenco se completó con un grupo de figuras interna-cionales de renombre y recono-cido talento, que incluye a Ste-phen Graham, de Gran Bretaña,

quien ya había trabajado con Depp en Enemigo público; Richard Griffiths, Roger Allam, Greg Ellis y Damian O’Hare (los dos últimos repitiendo sus personajes de Gro-ves y Gillette). También está Ro-bbie Kay, de 13 años de edad, el primer niño que interpreta a un pirata en la saga; los españoles Oscar Jaenada y Juan Carlos Ve-llido; Yuki Matsuzaki, de Japón; la supermodelo australiana Gem-ma Ward (como la sirena Tamara) y la belleza argentina Jorgelina Airaldi, también como una de las sirenas.

Además, nuevamente de regreso luciendo el sombrero pirata está Keith Richards, el legendario gui-tarrista de The Rolling Stones, en su rol del Capitán Teague.

LOCACIONES Y ESCENARIOS: UN FESTÍN VISUAL

“Definitivamente queremos lle-var a la audiencia a una trave-sía diferente de todo lo que han visto en las películas anteriores de la saga”, comenta Jerry Bruc-kheimer. “EN MAREAS MISTERIO-SAS tenemos un brillante ganador del premio Oscar®: el diseñador de producción John Myhre, quien fue convocado por Rob Marshall. Con él filmamos en nuevas loca-ciones, desde Hawái hasta el Ca-ribe y Londres”.

Los realizadores y Myhre (quien ganó varios Oscar® s® por su di-námica recreación de la era del jazz en Chicago y por su poderosa evocación de Kyoto en Memorias de una geisha) armaron un equipo para explorar ideas, conceptos y sueños para la película. En este grupo estaba el decorador Gordon Sim (quien compartió el premio Oscar® con Myhre por Chicago), el supervisor de dirección de arte Tomas Voth, el supervisor de di-rector de arte Gary Freeman y un amplio conjunto de diseñadores, dibujantes y artistas, que traba-jaron a ambos lados del Pacífico y el Atlántico.

“Pese a que filmamos las prime-ras tres películas mayormente en el Caribe”, explica Jerry Bruc-kheimer, “para EN MAREAS MIS-TERIOSAS requeríamos paisajes tan hermosos que representaran prácticamente una belleza de otro mundo”. Tras muchas bús-quedas de locaciones, los realiza-dores eligieron las islas hawaianas de Kauai y Oahu, cada una con sus particulares atributos de tierra y mar. “Ambas islas, especialmente Kauai, tienen extraordinarias sel-vas, montañas y costas”, agrega Rob Marshall. “Son tan exube-rantes, grandes y sorprendentes. Oahu también tiene preciosos paisajes, así que filmamos allí to-das las escenas del mar, incluidas las que suceden a bordo del barco de Barba Negra”.

Tal como lo imaginó John Myhre, el navío de Barba Negra es una imponente, aterradoramente hermosa y brutal bestia del mar; una prolongación de la visión os-cura de la vida (¡y de la muerte!) que el propio Barba Negra posee. Con los huesos de sus víctimas ex-puestos en él –moldes de huesos de brazos y piernas, paredes he-chas de calaveras- y la noción de que Barba Negra quema a sus víc-timas en una caldera gigante ubi-cada en la popa del barco, el set –una nave completamente funcio-nal- es uno de los escenarios para tener muy en cuenta. Su masca-rón de proa está inspirado en la bandera del real Barba Negra; un esqueleto con grandes cuernos sosteniendo una copa de vino en una mano y una lanza en la otra, como si estuviera brindando con sus víctimas. “La Venganza de la Reina Ana” no sólo fue el escenario de numero-sas escenas de acción y choques sobrenaturales, sino también de un baile a la luz de la luna entre el Capitán Jack y Angélica, con toques de romance, decepción y enfrentamiento, coreografiado


por el productor ejecutivo John DeLuca y basado en la música que, con la mandolina, interpretó Stephen Graham como Scrum. Dejando atrás las celestas costas de Hawái, el elenco y equipo de EN MAREAS MISTERIOSAS voló a Los Ángeles, donde filmaron por unos pocos días en la costa de Long Beach a bordo del crucero ‘HMS Surprise’, una hermosa ré-plica de la fragata británica de 1757 ‘HMS Rose’, que sirvió como sustituto del Providence, bajo el comando del Capitán Barbossa.

Después trabajaron en el extraor-dinario set de White Cap Bay, de 105 metros de largo y casi 7 de profundidad, diseñado por John Myhre y erigido con gran pericia por el supervisor de construccio-nes Greg Callas y su equipo de los estudios Universal en Los Ángeles.Perfecto para las complicadas escenas de agua, el escenario de White Cap Bay –una serie de tanques de concreto interconec-tados- era un ambiente comple-

tamente controlado que permitió construir un set por encima o arri-ba de éste y luego hundirlo.

“White Cap Bay es el comienzo del viaje en busca de la Fuente de la Juventud”, comenta Myhre. “Es donde, se sabe, las sirenas se han juntado durante cientos de años, implantando el terror en los corazones de marineros y pi-ratas”.

Junto con Syrenia, la criatura que encarna Astrid Bergès-Frisbey, otras sirenas se encarnaron en siete estupendas modelos y ac-trices, y en un talentoso equipo de 22 nadadoras sincronizadas (algunas de ellas competidoras en los Juegos Olímpicos de Pekín, en 2008), organizado y coreografia-do por Candace Hipp. Este grupo fue registrado con trajes de cap-tura de la interpretación para ser luego convertido en un conjunto de verdaderas sirenas gracias a los efectos especiales de Charles Gibson y Ben Snow, de Industrial Light & Magic.

Por último, la cuadrilla de EN MA-REAS MISTERIOSAS se mudó, final-mente, al Caribe auténtico, para filmar en Puerto Rico el Castillo San Cristóbal (ubicado en el Vie-jo San Juan), que sirvió como el exterior del castillo español, y en una isla desierta llamada Palomi-nito, al este de la ciudad costera de Fajardo.

La última parte de la travesía lle-vó al equipo y elenco a Inglaterra, una locación muy especial para la saga PIRATAS DEL CARIBE. “Uno de los aspectos más emocionantes de este film”, cuenta Bruckheimer, “es que, por primera vez, tuvi-mos a Londres como escenario para una parte de la historia, en lugar de quedarnos únicamente con las junglas, los océanos y los escenarios coloniales del Caribe. Realmente, eso da al film una apariencia y una sensación com-pletamente diferentes”.

A pesar de que los respetados es-tudios Pinewood, en las afueras de Londres, proveyeron a John

Las sirenas se han juntado durante cientos de años, implantando el terror en los corazones de marineros y piratas.


Myhre, al supervisor de direc-ción de arte Gary Freeman y a su gigantesco departamento de arte de un enorme espacio donde construir los sets, algunos de los más históricos edificios de la zona también estuvieron presentes en el film.

El Old Royal Naval College (anti-gua universidad naval) en Green-wich, Inglaterra, un extraordina-rio conjunto de edificios históricos que datan de finales del siglo XVII y mediados del XVIII, se convirtie-ron en el lugar de rodaje por más de tres semanas.

Una gran porción de ese lugar, in-cluidos los exteriores de la Capilla de San Pedro y San Pablo, Grand Square, Queen Mary Court y cons-trucciones que actualmente sir-ven a la Universidad de Greenwich y Trinity College of Music también se utilizaron para la emocionan-te secuencia de la persecución de carruajes que se ve en el film.

Pero el fuerte del trabajo de John Myhre fue, sin dudas, el coloso

set de la Fuente de la Juventud. Su concepto final fue diseñado por Myhre y su equipo de direc-tores artísticos, y brillantemente ejecutado por el departamento de construcción liderado por Andy Evans, en el célebre set 007 de los estudios Pinewood, los más gran-des de Europa. Ocupando prácti-camente cada rincón de sus casi 20 mil metros cuadrados –el único espacio lo suficientemente am-plio como para dar vida a la visión de Myhre- el set tomó tres meses en construirse.

Otros exteriores en Inglaterra se filmaron en el palacio Hampton Court Palace de Londres -que fue-ra antiguamente el hogar de Hen-ry VIII-, para la escena del sorpre-sivo arresto del Capitán Jack por los guardias reales, y en el histó-rico Knole House en Sevenoaks, Kent, una extraordinaria mansión campestre del siglo XV construida por el arzobispo de Canterbury, que sirviera de hogar a la familia Sackville desde 1604.

LA APARIENCIA DE LOS PERSONAJES

El Capitán Jack Sparrow, Angéli-ca, Héctor Barbossa, Barba Ne-gra, Gibbs, Philip, Syrenia y cer-ca de mil otros personajes de EN MAREAS MISTERIOSAS representan una colaboración sinérgica entre los actores que les dan vida, los realizadores y decenas de profe-sionales que contribuyeron con el vestuario, peinado, maquillaje y accesorios. La muy valorada Penny Rose, por cuarta vez, recorrió el mundo en-tero para vestir apropiadamen-te no sólo a los protagonistas y a los actores de reparto, sino a los cientos de extras que forma-ron parte del film. “Los trajes se armaron con absoluta autentici-dad”, insiste Rose. “No hay tru-cos modernos en ellos. ¡No hay ni cierres ni velcro!”. Aprovechando que, tal como se-ñaló Johnny Depp, “… el viejo Ca-pitán Jack se encontró a sí mismo hace mucho tiempo”, hubo muy poca necesidad de forzar dema-siado el ahora icónico look del


personaje. Sí, sus rastas han cre-cido un poco; algunas se han vuel-to canas y otras se han aclarado por el implacable sol del Caribe. Y también, en algún momento ha adquirido una misteriosa cicatriz roja en su mejilla izquierda y un diente de oro con una incrustación de una perla negra (en reemplazo de un diente que ahora cuelga de su bandana). Pero el look funda-mental del Capitán Jack estable-cido en LA MALDICIÓN DEL PERLA NEGRA sigue esencialmente intac-to.

Para Penélope Cruz en el rol de Angélica, Rose quería la román-

tica apariencia de un pirata ban-dido. Así, creó para ella una cha-queta con corte de hombre, que completó con pantalones y botas altas. Para completar el vestuario le dio a Cruz un sombrero con una pluma, que le agregó un toque muy acorde con su personaje.

En tanto, para el Barba Negra que interpreta Ian McShane, a pesar de que había mucha documenta-ción histórica del verdadero pi-rata, el equipo creativo del film se preparó para darle su propia personalidad. “Sabíamos todo acerca de Barba Negra”, cuenta Rose. “No era muy glamouroso;

era realmente un mal bicho pero, obviamente, para la película qui-simos darle un toque de glamour también”.

Rose diseñó entonces un estilo de motociclista de los Hell An-gels que envolvió a Ian McShane en un montón de cuero gastado. Una vez que la icónica y larguísi-ma barba fue puesta en su sitio, el actor se transformó en un for-midable pirata.

Uno de los personajes presentes en los previos films que experi-mentó un profundo cambio en EN MAREAS MISTERIOSAS es Héc-tor Barbossa. En esta película, Barbossa se ha convertido en un comisionado, por lo tanto debe vestir un uniforme de comodoro naval que es muy diferente del atuendo de pirata que lucía en el pasado.

PIRATAS EN TERCERA DIMENSIÓN

“La única manera en la que po-díamos estrenar PIRATAS DEL CA-RIBE: EN MAREAS MISTERIOSAS en 3D”, asegura Jerry Bruckheimer “era filmando la película entera en 3D. Esta fue una de las prime-ras grandes aventuras de acción en realizarse con esa tecnología y en locaciones exteriores, en lugar de hacerse utilizando la pantalla verde y únicamente en estudios”.

PIRATAS DEL CARIBE: EN MAREAS MISTERIOSAS fue filmada en jun-glas, playas y en las calles del Londres del siglo XVIII, así que manejar todos estos elementos fue más difícil con dos cámaras en lugar de sólo una, algo que impli-có más tiempo y más presupuesto. Pero, tal como agrega Bruckhei-mer, “filmar en 3D digital aporta una dimensión y un tamaño real a la película”.

Rob Marshall agrega: “Esta tecno-logía es tan emocionante porque sientes que estás realmente den-tro del film. Es toda una nueva forma de mirar la saga PIRATAS


DEL CARIBE, porque ahora eres parte de la experiencia”.

EN MAREAS MISTERIOSAS es tam-bién el primer largometraje en ser filmado en 3D digital con las revo-lucionarias cámaras digitales RED.

CUANDO TODO ESTÁ DICHO Y HECHO…

PIRATAS DEL CARIBE: EN MAREAS MISTERIOSAS promete estar a la altura de la legendaria saga con esta nueva aventura épica lle-na de acción, que incluye tanto a los clásicos personajes como a algunos nuevos, mucho humor y alboroto, sorprendentes sets y lo-caciones mágicas.

EN MAREAS MISTERIOSAS engen-drará muchos recuerdos en los espectadores de todo el mundo; sin embargo, algunos de los mejo-res recuerdos permanecerán en el corazón de los realizadores, cuya travesía para filmar esta película los llevó a explorar nuevos terri-torios creativos y a forjar nuevas amistades.

Como sintetiza Jerry Bruckhei-mer: “Los mejores recuerdos de esta filmación son las relaciones entre el elenco y el equipo. Jo-hnny está de regreso, Geoffrey y Kevin también, y ahora encontra-ron nuevos amigos en Rob, John (DeLuca), Penélope, Ian, Sam y Astrid. La diversión de todo esto pasa por hacer nuevos amigos y trabajar con ellos”.

Con la original música del ganador del premio Oscar® Hans Zimmer –que incluye una colaboración con el dúo mexicano Rodrigo y Ga-briela-, PIRATAS DEL CARIBE: EN MAREAS MISTERIOSAS llegará a los cines de todo el mundo en mayo próximo, también disponible en Disney Digital 3D™.


ENTREVISTA

JOHNNY DEPP JACK SPARROW DESVELA LOS SECRETOS DE PIRATAS EN EL CARIBE: EN MAREAS MISTERIOSAS

Para Johnny Depp hacer “Pira-tas del Caribe: En mareas miste-riosas” ha sido un acto de amor. Esta es la cuarta vez que el actor encarna al Capitán Jack Sparrow y le encantó la oportunidad de volver a calzarse las botas de su viejo amigo Jack.

Johnny Depp. Tras terminar ‘Pi-ratas del Caribe: En el fin del mundo’, me dije que ojalá tuvie-ra la suerte de volver a encarnar a Jack. Esperaba que un par de años después alguien viniera a verme y me dijera: ‘Hey, hemos dado con una idea genial...’

Y para alegría de Depp, eso es exactamente lo que pasó. El pro-ductor Jerry Bruckheimer -que ha llevado a la gran pantalla todas las entregas de “Piratas”- y los guionistas Terry Rossio y Ted Ellio-tt escribieron una historia basada en una novela de Tim Powers y le presentaron la idea a Depp. El ac-tor accedió y “En mareas miste-riosas” levó anclas.

J.D. “En mareas misteriosas” es una aventura independiente de las anteriores. Esta vez, Jack em-prende una travesía épica para buscar la enigmática Fuente de la Juventud con una pandilla de enemigos. Algunos son viejos, otros nuevos, pero lo que está claro es que todos van a por Jack.

El máximo objetivo es encontrar la Fuente de la Juventud, pero Jack no es el único interesado en encontrarla; también está el Rey Jorge II de Inglaterra, los españo-les, sin olvidar otros piratas como él como Barbanegra.

Los guionistas crearon para Depp una historia apasionante, espec-tacular, divertida y también ro-mántica. Su estilo y su ritmo es un homenaje a “La maldición de la Perla Negra”, que hace ocho años inauguró una de las sagas de mayor éxito del cine contemporá-neo.

J.D. Creo que la historia se ha simplificado. “En ‘Piratas 4’ las cosas están más definidas y eso está más próximo del espíritu de la primera película. Hemos incor-porado estos personajes que van del punto A al D y luego al Z sin demasiados argumentos secunda-rios o complicaciones excesivas.

Me siento muy cómodo y seguro interpretando al Capitán Jack. Porque tienes libertad para ser lo que quieras.

Puedes ser completamente irre-verente, totalmente subversi-vo, absolutamente abstractos en cualquier situación. Y eso es una auténtica red de seguridad. Me gusta muchísimo interpretar a Jack y después de todo este tiem-po lo conozco también que me viene con toda naturalidad.

El agotador rodaje de 107 días llevó al equipo de producción por todo el mundo: desde Hawai a Puerto Rico, de Los Ángeles a Londres, donde se acabó la pe-lícula, antes de que el director Rob Marshall (“Chicago”, “Nine”) se metiera en la sala de montaje para dar los últimos toques a la película.

Gore Verbinski dirigió las tres pri-

meras películas pero el realizador deseaba implicarse en otros pro-yectos, así que había llegado la hora de que otro realizador apor-tara su propia magia al mundo de los piratas. Para Depp, y también para el resto de los miembros del reparto, Rob Marshall fue una elección perfecta para tomar las riendas del proyecto.

J.D. Se habló de algunos nom-bres, y cuando salió el nombre de Rob pensé: ‘Seguro que va a ser él, así que espero que sea un tipo legal’. He visto todas sus pelícu-las y tienen una enorme sensibi-lidad. Tiene un estilo muy perso-nal de abordar los personajes. Su estética es espléndida y domina a la perfección el ritmo. Así que nos sentamos a hablar y desde el primer segundo comprendí que era la elección perfecta. Lo supe inmediatamente.

No creo que nadie hubiera podi-do continuar mejor el trabajo de Gore. Rob respetó al máximo lo que había hecho Gore en las tres primeras películas pero también imprimió su propio sello. Lo vio desde un ángulo totalmente nue-vo y aportó una visión fresca y re-novadora.

El impresionante currículum de Marshall incluye teatro y musica-les y como dice Depp, esa forma-ción tuvo un valor incalculable a la hora de coreografiar las esce-nas de acción de “En mareas mis-teriosas”.

J.D. Marshall tenía una visión muy clara y esperaba que esas se-cuencias tan complejas tuvieran

un ritmo perfecto.

Fue increíblemente eficaz. Pres-cindía de todo lo superfluo. Su fi-losofía se basaba en ceñirse a la historia y pasárselo bien mientras lo hacíamos. Tiene un sentido in-creíble del tiempo y del ritmo.

Y su ritmo, su sentido del tiempo provienen de sus conocimientos de coreógrafo. Era increíble, lo controlaba todo al segundo.

La película empieza con una per-secución espectacular a través de un laberinto de calles empe-dradas del Londres del siglo XVIII, que Jack recorre a duras penas en un carruaje tirado por caballos mientras intenta escapar de los hombres del Rey.

Depp trabajó estrechamente con un doble pero rodó el mismo mu-chas de las escenas de persecu-ción.

J.D. Es importante porque el per-sonaje desprende un lenguaje fí-sico muy potente. Y aunque el do-ble lo hacía muy bien, hay veces que es absolutamente necesario ver la cabeza del Capitán Jack.La comedia física es una parte esencial de una película de “Pi-

ratas” y a Depp le encanta este aspecto.

J.D. Desde luego. Me encanta porque todos los grandes héroes que he interpretado apenas ha-blaban. Pero aquí contamos con el lujo de las palabras además del lenguaje del cuerpo. Y la belleza de los trozos especí-ficamente físicos de ‘En mareas misteriosas’ se debe sobre todo a Rob Marshall. El proviene del mundo de la danza y la coreogra-fía así que no podía equivocarse. Se entregó en cuerpo y alma al trabajo y estuvo genial en casa momento. No falló en ninguno de los números especiales.

En “Mareas misteriosas”, Depp se reunió con algunos miembros del reparto de las entregas de “Pi-ratas”. Está Kevin McNally inter-preta a Joshamee Gibbs, la mano derecha de Jack y también Geof-frey Rush que da vida al Capitán Héctor Barbossa, el archienemigo de Depp.

J.D. Kevin está genial interpre-tando a la mano de derecha de Jack. Y sigue estando el gran di-lema entre Jack y Barbossa.

En el pasado, Jack y Barbossa

eran enemigos mortales pero en “Mareas misteriosas” forjan una extraña alianza para buscar la Fuente de la Juventud. A Depp le encanta ese duelo verbal con Rush.

J.D. Entre Jack y Barbossa hay una relación de amor-odio. Se pa-rece a la rivalidad entre Abbott y Costello. Siempre me he creído que a Geoffrey y a mí nos pusie-ron en las películas de ‘Piratas’ para hacer de dos amas de casa que se pelean jugando al bridge en su club, o algo parecido.

Estamos siempre criticándonos porque nos conocemos al dedi-llo. Y por eso es un rival tan pe-ligroso. En esta ocasión Barbossa ha cambiado bastante y no para mejor. La verdad es que todo el mundo va a lo suyo.

Geoffrey es un actor fantástico que está siempre investigando las posibilidades de una escena, la excepcionalidad de algunos mo-mentos. Siempre tiene algo nue-vo que ofrecer, eso es lo intere-sante de Geoffrey.

Otro veterano de “Piratas” es Keith Richards, la leyenda del rock. El guitarrista de los Rolling


Stones apareció por primera vez interpretando al Capitán Teague, el díscolo padre de Jack. Fue en 2007 en la tercera entrega “Pira-tas del Caribe: En el fin del mun-do” y ha vuelto en la cuarta para hace las delicias de Depp.

J.D. Keith estaba deseando vol-ver. Pero siempre que tuviese algún sentido para la historia. Y la forma en la que Terry [Rossio, guionista] se las arregló para in-corporarle a la película fue mara-villosa. Llega en el momento jus-to y se ocupa de su niño, se ocupa de Jack.

Conocí a Keith en 1994 o 1995 y desde entonces somos amigos. Fue genial volver a contar con el en “Mareas misteriosas” porque ha estado genial y divertidísimo.

Es un hombre fascinante. Le co-nozco hace mucho. Así que es ge-nial poder estar con él. Pasamos muy buenos ratos charlando solos en la caravana de música, de cine y de muchísimas cosas.A esta aventura de “Piratas” se incorpora un bueno número de personajes nuevos. Penélope Cruz interpreta a Angélica, una mujer del accidentado pasado de Jack. Ella tiene sus propios planes y

es su igual en todos los sentidos. Hacía diez años que Depp y Cruz trabajaron juntos por última vez. Fue en el thriller “Blow” y son amigos desde entonces.

J.D. Penélope es un prodigio de la naturaleza. Hace años hici-mos una película juntos llamada ‘Blow’. Fue genial trabajar con ella y me encanta que esté en ‘Pi-ratas’. Es una maravilla.

Penélope es un bateadora de primera clase. Le puedes enviar cualquier cosa por los aires y ella se las arregla para devolverte una bola bien bombeada. Así que es tremendamente estimulante. La adoro. Es una de mis mejores amigas y es genial tenerla aquí.

Otro personaje nuevo es Barbane-gra, uno de los piratas más temi-bles de la historia que interpreta con maestría Ian McShane. J.D. La belleza del personaje de Barbanegra es que por fuera pa-rece un hombre racional. Pero cuanto más le conoces más com-prendes que es una piedra, un frío asesino sin una pizca de co-razón. Nada ni nadie se interpone en su camino.

Históricamente, Barbanegra era

el más temible de todos. Era un hombre que no se detenía ante nada y totalmente impredecible. Y no creo que hubiera mejor ac-tor que Ian McShane para inter-pretarlo.

Ian es tipo absolutamente genial Creo que la denominación que mejor le corresponde es la de ‘ac-tor avezado’ porque lleva mucho tiempo en este negocio. Pero le sigue gustado y le encanta su tra-bajo y lo hace impecablemente y con absoluta naturalidad.

La película se rodó en algunos de los lugares más emblemáticos de Inglaterra como Greenwich, Lon-dres, incluyendo la Real Escuela Naval, para una secuencia que enlazan con las escenas de per-secución rodadas en una muelle enorme construido en los Estudios Pinewood.

J.D. Creo que resulta muy inte-resante ver a Jack recorriendo las calles de Londres. Le vemos en un pub de Londres o muy cerca del Rey de Inglaterra.

Así que me pareció una gran idea rodar en la Real Escuela Naval. El escenario era espléndido. Para


mí era viajar por el tiempo. Era perfecto.

Durante el rodaje en Greenwich se presentó vestido de Capitán Jack Sparrow para sorpresa y ale-gría de los niños de un colegio de Londres. Una de las alumnas de la escuela primaria Meridian de Greenwich, Beatrice Delap de 9 años, se enteró de que Depp es-taba rodando cerca y escribió al Capitán Jack para pedirle ayuda.

“Somos un grupo de piratas en ciernes”, le escribió. “Tenemos algunos problemas para amoti-narnos contra los profesores y nos encantaría que vinieras a ayudar-nos”.

Y es exactamente lo que hicieron Depp y un grupo de extras de la película. Se presentaron por sor-presa en una asamblea escolar or-ganizada a toda prisa.

J.D. Fue genial. Todo fue muy inocente y por eso fue tan mara-villoso. La carta llegó del colegio y fue al equipo de producción; ellos se la pasaron a uno de los chicos que trabaja conmigo. La leí y me dije: ‘tengo que hacerlo’. La escuela estaba apenas a 300 me-tros. Así que un grupo de extras y yo nos disfrazamos de piratas e

improvisamos ante ellos durante 15 o 20 minutos. Fue maravilloso ver las caras de felicidad de los niños.

Además de la novedad de rodar algunas escenas en Londres, otra fue que “Mareas misteriosas” está totalmente filmada en 3D.

J.D. Es la primera vez que rodaba en 3D, aunque ‘Alicia en el País de las Maravillosas’ tenía forma-to 3D. Pero es diferente. Se trata de un proceso muy interesante.

En los últimos 25 años cuando re-cargaban la cámara con aquellos rollos gigantes que estaban de-trás. Y ahora se recarga con un chip informático. Es fascinante porque tu relación con las lentes es diferente.

Depp indica que las cuatro pelí-culas de Piratas no se hubieran hecho nunca sin el concurso del productor Jerry Bruckheimer.

J.D. Se conoce al dedillo las pe-lículas. He estado en miles de reuniones con él y siempre da en el clavo, siempre tiene grandes ideas.

Es un hombre que siempre te dice: ‘Tú no te preocupes de eso,

ya lo arreglaremos nosotros’. La mejor forma de definirle es di-ciendo que sabe producir y que sabe crear un ambiente propicio para que todos hagamos algo in-teresante, algo diferente.

Para Depp, regresar al maravillo-so mundo de los “Piratas del Ca-ribe” es una alegría inmensa y no descarta volver a interpretar al Capitán Jack en el futuro. De he-cho, confiesa que cuando terminó “En mareas misteriosas”, experi-mentó cierto sentido de pérdida al abandonar a Jack.

J.D. Cuando dejo de interpretar a Jack se produce una verdadera descompresión. En cierto sentido te ocurre con todos los personajes que interpretas. Pero con Jack es aún mayor porque cuando dejo de estar en su piel siento cierta tris-teza porque me gustar estar en su piel. Me encanta.

Y no me disgusta nada la idea de volver a calzarme las botas de Jack. Me encanta el personaje y no veo ninguna razón para que le falten nuevas situaciones, histo-rias nuevas que contar. Así que dependerá de cómo sea el guión y de lo que podamos hacer. Pero no lo descarto.


Estreno 20 de mayo

Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos

Por Gerard Fossas


El cine negro se vuelve de colores

Una mujer, una pistola y una tien-da de fideos chinos (A woman, a gun and a noodle shop, Zhang Yi-mou, 2009) llegará a los cines es-pañoles este mayo, con casi dos años de retraso, y seguramente no será un taquillazo, pero la pe-lícula de Zhang Yimou resulta muy interesante porque es una nueva vuelta de tuerca al cine negro y un ejercicio de estilo espectacu-lar por parte del director chino, ya que en Una mujer, una pisto-la y una tienda de fideos chinos abandona el barroquismo caracte-rístico de filmes anteriores suyos como Hero (id., 2002) o La Casa de las Dagas Voladoras (id., 2004) y se desmarca con una adaptación libre, austera y muy plástica de Sangre Fácil (Blood Simple, Joel Coen, 1980).

El filme de Zhang Yimou es un ejemplo más de la inventiva oriental en contraposición al es-tancamiento abundante de EEUU. Grandes cineastas como Seijun Suzuki, Park Chan-wook, Kinji Fukasaku, Takashi Miike, Johnnie

To o Takeshi Kitano han exportado un género de tradición norteame-ricana a oriente y han ofrecido grandes obras de yakuzas con to-dos los ingredientes del cine noir de gángsters (policías corruptos, hombres honestos, principios fuertes, venganza, crímenes, mu-jeres fatales, etc.) pero aliñados con guiones extravagantes, per-sonajes histriónicos y una mayor “estatización” visual con toques posmodernos como el homenaje o la mezcla de géneros, así como la presencia de cualidades propias del cine asiático, entre los cuales destaca la profunda reverencia al ritualismo o la iconización de valores como el respeto y la jus-ticia. Como veremos a continua-ción Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos bebe de la misma fuente, la película de Yi-mou se distingue del noir oriental porque es un remake manierista de una obra manierista - aunque no precisamente la más afortuna-da - del género.

El anticipo de un estilo

La ópera prima de los hermanos

Coen es una película de cine ne-gro poco convencional. En ella se empiezan a vislumbrar algunos de los rasgos que caracterizarán al cine de los Coen en un futuro, pero a pesar del modélico guión, adolece de una cierta vacuidad, que se intenta ocultar con forma-lismos estilísticos. Sangre Fácil es la historia de un crimen pasional que toma unos derroteros inespe-rados a raíz de una traición, y de las acciones de unos personajes emocionalmente disfuncionales. Dentro de unos escenarios reco-nocibles, la película habla del fracaso del sueño americano de una forma tangencial y, a pesar de durar sólo hora y media, llega a aburrir.

Tras el ritmo lento del filme no se escuda un buen desarrollo de los personajes, ni unos sucesos espe-cialmente inquietantes; de modo que lo más destacable es el prelu-dio de un estilo que consolidaría a los dos hermanos como unos de los grandes cineastas de la actua-lidad. En lo que sí destaca Sangre Fácil es, como hemos dicho, en los aspectos formales. El trato vi-

sual que los Coen le dan a la pe-lícula no es el habitual del cine negro, que vivió su apogeo entre los 40 y los 60, muy influenciado por el Neorrealismo italiano, la Nouvelle Vague y los nuevos cines europeos.

El cine negro clásico hereda la ilu-minación de la escuela expresio-nista, con un uso abundante del claroscuro y la creación de focos dramáticos, resaltando las figuras de los personajes o sus faccio-nes. La distinción con la que se iluminaban buenos y malos, así como los espacios, aportaba una gran riqueza descriptiva de las películas a nivel visual. La nueva tendencia, a raíz de la influen-cia europea, sobre todo a partir de los 70, se orientó más hacia la iluminación del ambiente que de la escena, buscando aproximarse más al realismo, utilizando la luz rebotada y apagando los colores.En Sangre Fácil, no obstante, lo

que vemos es una de las primeras muestras de fotografía manieris-ta, que marcaría tendencia en los 80. Sin abandonar la técnica de la luz rebotada, la extrema estiliza-ción de los 70 toma unos derrote-ros neobarrocos, donde se remar-can focos dramáticos y se recurre habitualmente a la “siluetiza-ción” de los personajes a través del contraluz. La opera prima de los Coen destaca por este subli-me embellecimiento estético. Se trata de una cinta de cine negro con una cuidadísima fotografía, la cual mantendrán en sus futuras películas, así como la selección de planos abiertos, la cámara en movimiento con lentos travellings y el poderoso uso del fuera de campo como parte primordial de la acción.

Por otro lado, esta película tam-bién es un anticipo del gusto de estos hermanos por lo absurdo, por rodar el silencio, donde des-

tacan personajes surrealistas con graves problemas de comunica-ción; puesto que la catarsis fruto del malentendido es una constan-te en la mayor parte de su filmo-grafía.

La llegada del color

Zhang Yimou tenía ganas de hacer Una mujer, una pistola y una tien-da de fideos chinos. El director chino es un fan confeso de Sangre Fácil por su desarrollo hipnótico y por las cualidades formales que ya hemos comentado. Por esto, el remake del filme de los Coen ha sido su primera película después de estar dos años trabajando en la ceremonia inaugural de los JJOO de Pekín 2008; y se lo ha tomado como un ejercicio casi placente-ro, en el que ha podido trabajar con un diseño de producción muy ajustado, ya que las exigencias a nivel argumental son mínimas.


Sangre Fácil es una película que ha envejecido mal, obsoleta a día de hoy; mientras Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos tampoco supera los lastres del guión original. De todos mo-dos, es un filme mucho más entre-tenido que el americano, gracias a su apuesta por unos personajes maniqueos, que parecen sacados de Humor Amarillo, circunstancia por la cual no se echa en falta una mayor profundidad descripti-va de todos ellos. Desde el princi-pio tenemos claros sus roles, sus características y sus objetivos, y esto nos ayuda a entrar de lleno en esta historia repleta de reco-vecos absurdos, lograda con una comicidad mucho mayor que San-gre Fácil. Zhang Yimou no busca una atmósfera ambigua, ni crear misterio ante la sucesión de he-chos, por lo que se acerca más a la comedia de situación con tintes de humor negro que al cine noir. Al igual que los hermanos Coen,

el ejercicio de Yimou es esencial-mente estilístico. En esta película no vemos las batallas épicas, las coreografías esplendorosas ni las grandes secuencias de acción tan habituales en la filmografía del realizador; aquí todo se reduce a un solo espacio y a un asesinato que se constituye en el centro de un espiral de locura.

La grandeza de Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chi-nos está en la belleza de su factu-ra. El homenaje a los Coen, más allá del propio remake, es el in-tento por romper con las estruc-turas formales del cine negro del mismo modo que lo hicieron los hermanos en Fargo (Joel Coen, 1996), una maravillosa película que cambió por completo el es-cenario de un filme de género, tiñendo de blanco todo el espa-cio y mostrando a la luz del día la violencia y las miserias que en muchos filmes sólo ocurren al am-

paro de la noche. Zhang Yimou le da una vuelta de tuerca a este esfuerzo manierista, y hace lo propio a su manera, dándole un colorido precioso al filme, con un desierto rojo intenso, la noche azul y un extravagante vestuario de colores vistosos. Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos es un regalo para los sen-tidos, un desfile de colorido que choca con la oscuridad de la tra-ma.

Transformar una película oscura en una especie de obra de tea-tro de títeres no es sencillo, pero Zhang Yimou lo consigue trasla-dando la acción a un territorio prácticamente onírico que se con-vierte en el principal protagonista de esta película hipnótica, de de-sarrollo lento y ritmo intenso que, ante todo, constituye una verda-dera delicia para los ojos.


criticas

“Thor” es una espectacular pelí-cula que combina a la perfección los mundos en los que se desa-rrolla la acción. Asgard es de una belleza increíble, esta muy bien rematado hasta el ultimo detalle. Contrastando mucho con la parte de la Tierra ya que se nos muestra un pequeño pueblo en mitad del desierto que parece prefabrica-do.

Los efectos especiales ayudan mucho a la historia ya que si fue-ran cantosos perdería todo su gran impacto visual.

El acierto a la hora de elegir a los protagonistas es rotundo, Chris Hemsworth cumple haciendo un gran trabajo y cuando se quita la camiseta se escuchan algunos murmuros de las feminas que ha-bia en la sala de cine. Anthony Ho-pkins está muy convincente como el gran Odin ya que le queda muy

bien el look de dios nórdico.

La película combina acción y es-cenas más cómicas haciendo que no nos resulte ni lenta ni perda-mos la atención en ningún mo-mento.

Si algo se puede reprochar algo al film, es el personaje de Loki, ya que aunque está perfectamente interpretado por Tom Hiddleston, tiene poca fuerza como villano, ya que todo le resulta muy sencillo, tal vez deberían haber hecho que fuera más cruel o más grandes sus artimañas. Aunque el enfrenta-miento final sea muy potente.

Quizás no llegue al nivel de pe-lículas que rozan la perfección como “Batman: The Dark Knight” o “Iron Man” pero sin duda es todo lo que se le puede pedir a una película sobre superheroes. Consiguiendo que te entretengas

mucho y deseando que saquen una segunda parte y de ver reu-nidos al grupo de “Los Vengado-res” formado por: Iron Man, Thor, El Capitán América, Hulk, Avispa, Ant-Man y Ojo de Halcón.

Hay que estar muy atentos a las referencias constantes a todo el Universo Marvel, sobre todo al ca-meo de Stan Lee, que no consigue levantar el martillo, es decir que no es digno y la intervención de Ojo de Halcón.

Como suele ocurrir en todas las películas de superheroes hay que quedarse después de los créditos, para ver la escena final que hará que intuyamos por donde van los tiros en la nueva película de “Los Vengadores”.el cine y dejándonos como en 300 con un nuevo grito de guerra. Retirada ¡Y un cuerno!

Thor «««««Fantástico. Comics / EEUU / 2011 / 130 minutos / Marvel Studios / Paramount PicturesDirector: Kenneth Branagh. Actores: Chris Hemsworth, Natalie Portman, Anthony Hopkins, Idris Elba, Colm Feore, Stellan Skarsgard, Rene Russo, Ray Stevenson, Jamie Alexander, Kat Dennings, Tom Hiddleston, Tadanobu Asano, Josh Dallas, Clark Gregg, Dakota Goyo, Guión: Ashley Edward Miller & Zack Stentz y Don Payne. Música: Patrick Doyle.

Por David Larrad


El Sicario de Dios es el segundo largometraje de Scott Stewart, realizador que viene del mundo de los efectos especiales y que ha trabajo en películas como Mars Attack o Jurassic Park entre otras, que debutó con la desas-trosa “Legión”, debo admitir que tras este trabajo no tenía mucha fe en El Sicario de Dios, pero fi-nalmente me ha sorprendido para bien, tras una magnífica introduc-ción con un corto de animación obra de Genndy Tartakovsky, que para aquellos que no lo conozcan es el responsable de la estupenda serie de animación “Star Wars: Clon Wars” de Cartoon Networks.

La película es entretenida de principio a fin y la mezcla West-ern con un mundo futurista post apocalíptico resulta interesante

al igual que la vuelta de tuerca a un género el de vampiros en el que parecía que todo estaba in-ventado, ofreciendo una versión muy distinta de los vampiros a los que estamos acostumbrados, so-bre todo al de tipazos dedicados para adolescentes tipo “Crepús-culo” o “Crónicas Vampíricas” , mostrándonos unas bestias más parecidas a topos gigantes que viven en colmenas.

La elección de los protagonistas es muy acertada que cumplen sin problemas, salvo el papel de Cam Gigandet, este chaval cada vez que salía a escena, la estropeaba no aportando nada a la historia y siendo el típico personaje al que te cargarías a mitad de película, también habría que destacar el papel de Karl Urban, como villano esta genial.

En cuanto a la adaptación del cómic es evidente que no resulta fiel al mismo existiendo muchas diferencias, la película sustituye a los caballos por motocicletas, y los orígenes de Priest son muy dis-tintos a los que el cómic describe al igual que sus aventuras, aún así creo que gustará tanto a los fans del cómic como a los que no lo conocen. También se puede apre-ciar en el film una influencia clara de Star Wars, tanto en el atuendo de los sacerdotes, que recuerdan al de Luke Skywalker en “El Re-torno del Jedi”, como la forma de reclutarlos por así decirlo.

El Sicario de Dios «««««Fantástico. Terror / EEUU/ 2011 / 87 minutos / Sony Pictures / Screen GemsDirector: Scott Stewart. Actores: Paul Bettany, Cam Gigandet, Maggie Q, Karl Urban, Lily Collins, Stephen Moyer, Mädchen Amick, Christopher Plummer, Brad Dourif. Guión: Cory Goodman. Música: Christopher Young.

Por Carlos Gallego


La película trata sobre un soldado americano que es introducido en una maquina con un programa in-formático que recrea los 8 últimos minutos de vida de una persona. Así después de un atentado en un tren le meten en la mente de un profesor que murió en ese vagón para que vea como se produjo y sobre todo quien es el culpable. Pero el soldado con su afán de protección intenta salvar a todos los pasajeros especialmente a la amiga del profesor, aun sabiendo que se trata solo de un programa de ordenador que recrea un mo-mento especifico y limitado.

En “Código Fuente” Duncan Jones ha intentado crear un mundo diferente a través de la física

cuántica y los programa de or-denador, el problema es que eso esta muy visto ya, por ejemplo tiene similitudes con “Matrix”, “Tron” o “Deja Vu”, es decir, la realidad es un mundo y la ficción informática otro aunque parezca muy real. Y es ahí lo que más falla en este film, no innova en nada y sobretodo esperas que el final tenga un giro inesperado, pero te quedas con las ganas.

Lo mejor sin duda son los ac-tores, ya que Jake Gyllenhaal siempre esta soberbio y el direc-tor también cumple. Por tanto si la película no es todo lo redonda que se esperaba sin duda es culpa del guión, que hace que al final solo pienses que han intentado

complicarlo pero no han sabido dar con la tecla adecuada. Deja una puerta abierta a más secuelas ya que el propio programa de or-denador tiene más poder del que sueñan los propios científicos que lo han creado, así que podrían verse secuelas aunque como el éxito ha sido más bien moderado, por ahora se dejara en el cajón de los posibles.

Al director esta claro que le gus-tan los espacios cerrados, el tren a pesar de ser de dos pisos se hace angosto al igual que la cáp-sula donde está metido el solda-do. Incluso al final se muestra una imagen bastante interesante de un mundo distorsionado.

Código Fuente «««««Ciencia Ficción / EEUU / 2010 / 93 minutos / The Mark Gordon Company / Vendome Pictures / VendomeDirector: Duncan Jones. Actores: Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan, Vera Farmiga, Jeffrey Wright, Russell Peters. Guión: Billy Ray, Ben Ripley. Música: Chris Bacon.

Por David Larrad


Divertida película que copia la formula que tanto éxito le dio a “Madagascar”, es decir un animal que es llevado a la civilización de pequeño y que se acostumbra a la vida humana, así que cuando vuelve a la naturaleza debe adap-tarse a la nueva condición. En este caso cambiamos guacamayo por león.

Lo más destacable es su banda sonora, repleta de samba y bossa nova brasileña, muy bien introdu-cida por los alocados pájaros que cantan en la película, ya que en algunos films puede hacerse pe-sado los numeritos musicales, en “Rio” al ser tan animados y mar-chosos quedan muy bien integra-

dos y no se hacen nada pesados.

En estos films suele destacar mu-cho los personajes secundarios, pero también funciona que haya gran variedad de pájaros que ten-gan pequeñas intervenciones, así el film resulta más vistoso y exó-tico.

La película parece diseñada por los publicistas que quieren animar a los turistas a que viajen a Brasil, sobre todo ahora que se acercan grandes acontecimientos como el Mundial de Fútbol de 2014 y las Olimpiadas de 2016. Se nos mues-tran el esplendor de la ciudad de Rio de Janeiro y el espectáculo visual que es su famoso carnaval.

La película merece mucho la pena porque a parte de ser muy vistosa debido a su gran colorido, tam-bién es muy entrañable y ensalza valores tan importantes como la naturaleza o el respeto a los ani-males.

En definitiva, muy recomendable para los pequeños de la casa, pero que sin ninguna duda hará las de-licias de los mayores. Dan ganas de viajar a Rio y volverse loco en carnaval (tu-tu-tú---tu-tu-turú).

RIO «««««Animación / USA / 2010 / 96 minutos / Blue Sky Studios / Twentieth Century Fox Animation Director: Carlos Saldanha. Reparto VO :Anne Hathaway, Jesse Eisenberg, Jamie Foxx, Jemaine Clement, Leslie Mann,George López. Guión: Don Rhymer. Música: John Powell.

Por David Larrad


En el ‘thriller’ de ciencia ficción Skyline, unas ex-trañas luces descienden sobre la ciudad de Los Ángeles, que atraen a la gente al exterior, como polillas a la luz. Una vez fuera, una aterradora fuerza extraterrestre empieza a llevarse a toda la población humana de la faz de la Tierra. En cues-tión de horas, no quedará nadie.

Se suponía que el viaje de Jarrod (ERIC BAL-FOUR, de La matanza de Texas) y Elaine (SCOTTIE THOMPSON, de Star Trek (Star Trek XI)) al sur de California iba a ser una simple escapada de fin de semana para ir a ver al mejor amigo de Jarrod, Terry (DONALD FAISON, de la serie de culto de te-levisión Scrubs), y a su novia, Candice (BRITTANY DANIEL, de Club desmadre (Club Dread)), por el cumpleaños de éste.

Pero, cuando el amanecer parece llegar dos horas antes, provocado por una intensa e inquietante luz procedente de una fuente desconocida, su vida tal y como la conocen ha llegado a su fin. Desde las ventanas del ático de Terry, observan aterrados mientras por toda la ciudad la gente se ve atraída al exterior y desaparecen en inmensas naves alienígenas que cubren el cielo de Los Án-geles.

Con Skyline, LOS HERMANOS STRAUSE (Aliens vs. Predator 2), maestros de los efectos especiales, cuya compañía, Hydraulx, ha creado efectos vi-suales para Avatar, 2012, Iron Man 2, El curioso caso de Benjamin Button y 300, han dirigido, pro-ducido y financiado una película independiente de proporciones épicas.

El DVD y el BD cuentan con extras muy interesan-tes como escenas alternativas y eliminadas con el audiocomentario de los dos directores.

Los dos formatos contienen esta lista de extras:

• Escenas eliminadas y extendidas*. • Escenas alternativas*. • Audiocomentario con los directores

Greg y Colin Strause. • Audiocomentario con el co-guionista y

productor Liam O’Donnell y con el co-guionista Joshua Cordess.

• Previsualización*. • Trailers*.

* Con audiocomentario opcional con los directores Greg y Colin Strause, co-guionista y productor Liam O’Donnell y co-guionista Joshua Cordes.

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¡Gran Concurso Cinemascomics!

Con motivo del lanzamiento en DVD / Blu-Ray el pasado 11 de mayo de Skyline,os traemos un nuevo concurso en el que Sorteamos 2 DVD y 1 Blu-ray

de la película de los hermanos Strause.Para participar tan solo debes responder a la siguiente

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¿Qué harias en caso de que la tierra fuera invadida por alienígenas?

Clásicos del Terror

El nacimiento de Amicus Films a mediados de los años cincuenta fue consecuencia de la enorme ilusión por el cine de terror y de misterio del montador amateur norteamericano Milton Subots-ky (Nueva York, 1921 – Londres, 1991). La fuerte amistad que le unía al productor Max Rosenberg (Nueva York, 1914 – Los Ángeles, California, 2004) -quien debía de encargarse de los asuntos finan-cieros- alumbró el nuevo proyecto y dio nombre a los estudios.

El amor de Subotsky por el cine de terror, las historias de fantas-mas y los relatos de ultratumba le condujo hasta Gran Bretaña, don-de la productora Hammer Films comenzaba a despuntar con sus producciones de horror, misterio y ciencia ficción de bajo presupues-to. Allí comenzó su ingente labor creativa, la cual le hizo contactar con James Carreras, a la sazón máximo responsable de Hammer Films, quien desestimó la colabo-ración con Subotsky por conside-rar sus obras carentes de fuerza. Mientras tanto, Rosenberg perma-necía en EE. UU. tratando de de abrir caminos para la distribución de los filmes de la nueva empresa cinematográfica en aquel país.

La primera producción de terror fue City of the Dead (John Llewe-llyn Moxey, 1960), más conocida

por su título norteamericano Ho-rror Hotel, ambientada en una ne-blinosa población estadounidense donde se esconde una comunidad de brujos comandada por el ubi-cuo Christopher Lee. Impregnada del verdadero espíritu del cine de serie B, se convirtió en una pe-queña joya del terror; a lo cual contribuyeron la convincente in-terpretación de los actores y la excelente fotografía en blanco y negro.

Curiosamente en los cinco años siguientes, Amicus no produjo ningún otro filme de terror, de-dicando su energía a melodramas simplones y comedias juveniles de poca monta. Subotsky estaba mi-diendo sus fuerzas y completando sus conocimientos técnicos y ar-tísticos para lanzarse posterior-mente de modo absoluto al ruedo del horror. En 1965 ya se conside-raba con la capacidad suficiente para competir con garantías con-tra el terror de Hammer Films; así que hizo un esfuerzo econó-mico para contratar a directores y actores que desarrollaban su trabajo habitualmente en la com-petencia. Aquel mismo año estre-nó Doctor Terror (Doctor Terror´s House of Horrors, Freddie Francis, 1965), con guión del propio Milton Subotsky, y la estelar participa-ción de Christopher Lee y Peter Cushing. La estructura de la pelí-

cula a base de episodios permitía la introducción de varios golpes de efecto y desenlaces inespera-dos, muy al gusto de Subotsky. La moda de las películas a base de episodios aislados o interconec-tados entre sí imperaba en aque-llos años en el cine europeo, pero nunca resultó tan exitosa como sus defensores creían.

En este estado de confrontación artística, las producciones Ham-mer resultaron claramente supe-riores en cuanto a creación de ambientes y profundidad argu-mental. Amicus Productions basó sus creaciones en la “sorpresa final”, renunciando claramente a la estética gótica, la abundan-cia de sangre y las referencias sexuales, tan numerosas en las producciones Hammer, y tan cele-bradas por los seguidores del cine de terror. El estilo impuesto por Milton Subotsky podría haber re-sultado exitoso si no hubiera sido por la fría resolución de sus obras, así como por la carencia de pulso tenso y las contundentes dosis de agresividad –bien sea explícita o implícita- en el desarrollo argu-mental que el cine de terror pre-cisa. El señor Subotsky se enrocó en la creencia de que una reso-lución imprevista y espectacular podía compensar por completo un guión flojo. Al mismo tiempo dejó que sus convicciones morales en

AMICUS PRODUCTIONS

EL REVERSO TENEBROSO

DE HAMMER…por Pedro Pinós.

cuanto al tratamiento del sexo y la violencia en la pantalla, impe-rasen por encima de la crueldad y el sadismo más o menos paten-te que el público adicto al terror siempre ha demandado.

La ambientación de la mayoría de las películas en la época moderna abarató costes, pues no eran ne-cesarios los suntuosos vestuarios de épocas pasadas ni la recrea-ción arquitectónica de castillos medievales o recargadas abadías románticas; pero contribuyó a dejar la producción en “tierra de nadie”, pues no presentaban el inquietante aire decadente de las producciones Hammer, ni el si-

niestro espíritu de las fortalezas y mansiones de siglos pretéritos que tanto refuerzan al cine de terror. Y si bien podían haber sido salva-das con la impronta del auténtico cine negro, tampoco gozaron de los aterciopelados contrastes del blanco y negro, la exquisitez de los cigarrillos a medio encender, la turbadora presencia de muje-res fatales o las andanzas de de-tectives decadentes y corruptos.

Robert Bloch, el afamado autor de la novela “Psicosis (Psycho, 1959)” aceptó la oferta de Subots-ky, convirtiéndose en guionista de lujo para Amicus Productions. Este prolífico escritor recreó con

acierto ambientes cotidianos y temores contemporáneos en las hojas que entregó a Subotsky; sin embargo otorgó demasiados to-ques humorísticos a sus composi-ciones, lo cual mermó a todas lu-ces el verdadero espíritu del cine de horror. Pero no sólo este reco-nocido autor colaboró con Amicus Productions, el dramaturgo britá-nico Harold Pinter -que obtendría el Premio Nobel de Literatura en el año 2005- escribió el guión de la película “The Birthday Party”, una rareza basada en su propia obra teatral del mismo título y dirigida en 1968 por un primerizo William Friedkin, que más tarde se encargaría de la traslación al cine de la novela de William Peter Blatty El Exorcista.

La tozudez de Subotsky por en-grandecer la leyenda de su pro-ductora le llevó a contratar al mí-tico Vincent Price, quien gozaba de gran reputación en el círculo del terror por sus interpreta-ciones de hombres torturados y enfermizos en las producciones de Roger Corman basadas en los relatos del magistral Edgar Allan Poe. No solo se buscaba prestigio cinematográfico, sino una mayor penetración en el mercado nor-teamericano, que tan de soslayo miraba a la producción europea en los circuitos comerciales. En el filme de 1969 “Scream and Scream Again”, Vincent Price daba vida a un científico émulo de Víctor Frankenstein, obsesionado en esta ocasión con la creación de seres humanos invulnerables. Aunque contaba con la colabora-ción de otros dos grandes actores como Peter Cushing y Christopher Lee, la realización del mediocre director Gordon Hessler actuó en franco detrimento de la obra. Vin-cent Price repetiría en Madhouse (Jim Clarke, 1974), que tampoco pasaría a la posteridad por su ca-lidad.

Durante estos años, Subotsky per-mitió que salieran a la luz asesinos sin entrañas, catastróficas inva-siones alienígenas, rocambolescas paradojas científicas propias de la

100│ Cinemascomics │ Mayo 2011 www.cinemascomics.com

ciencia-ficción, sanguinarios vam-piros, horrendos hombres lobo, incontrolables criaturas creadas por mad doctors, o los terrores propios de la naturaleza desbo-cada, como las abejas asesinas de “The Deadly Bees” (Freddie Francis, 1966).

Una de las grandes apuestas de Amicus, fue llevar a la pantalla grande al mítico doctor Who, per-sonaje creado por Terry Nation para BBC Televisión, y de cuya encarnación se ocuparía el no menos mítico actor Peter Cushing en “Doctor Who and the Daleks” (Gordon Flemyng, 1965) y “Da-leks, Invasión of the Earth 2150 A.D.” (Gordon Flemyng, 1966). Este Doctor Who, a veces llamado Doctor Misterio en Hispanoaméri-ca, era un misterioso viajero y ex-plorador del tiempo, que se des-plazaba en su nave TARDIS para solventar problemas y enmendar errores allá donde se le requería. El programa televisivo aparece en el Libro Guiness de los Récords como la serie de ciencia-ficción de mayor duración de la historia del medio, y ha impregnado pro-fundamente la cultura popular británica. Mundialmente recono-cida por sus historias imaginativas y sus singulares y originales efec-tos especiales de bajo presupues-to, ganó un premio BAFTA como la mejor serie dramática de 2006. Las incursiones cinematográficas no formaron parte de la continui-dad de la serie televisiva, aunque la versión del carismático per-sonaje interpretado por Cushing reapareció en comics intentando reconciliar el medio televisivo con el cinematográfico.

Entre tanto, aparecerían otros títulos como “La maldición de la calavera (The Skull, Freddie Francis, 1965)”, “El Psicópata (The Psychopath, Freddie Fran-cis, 1966)”, “The Terrornauts (Montgomery Tully, 1966)”, “They came from beyond Space (Freddie Francis, 1966)”, “El monstruo (I, Monster, Stephen Weeks, 1970)” -libre adaptación de El Extraño Caso del Doctor Jekyll y Mister

Hyde de Robert Louis Stevenson (1886)-, “What become of Jack and Jill? (Bill Bain, 1972)” o “La bestia debe morir (The beast must die, Paul Annet, 1974)”.

Por supuesto no deben olvidarse las películas de episodios, tan del gusto de Milton Subotsky, entre las que destacan: “Torture Gar-den (Freddie Francis, 1967)”, “La mansión de los Crímenes (The house that dripped Blood, Peter Duffel, 1970)”, “Refugio Macabro (Asylum, Roy Ward Baker, 1972)”, “Condenados de Ultratumba (Ta-les from the Crypt, Freddie Fran-cis, 1972)”, “Vault of Horror (Roy Ward Baker, 1973)” o “From be-yond the Grave (Kevin Connor, 1974)”.

Una singularidad muy del gusto de Subotsky para sus filmes de sket-

ches consistía en la aparición de un presentador, que habitualmen-te era un doctor o un científico, quien conducía el hilo de unión entre las diferentes historias; el doctor Terror (Peter Cushing) en la película homónima, el doctor Diavolo (Burgess Meredith) en la película Torture Garden, el doctor Martin (Robert Powell) en Refugio Macabro, o el inspector de policía Hollowoy –ideado por el escritor Bloch-, encarnado por Patrick Wy-mark en El Psicópata, y por John Bennett en La Mansión de los Crí-menes. Y así quedaba constancia de que el señor Subotsky, a pesar de su manifiesta anglofilia, disfru-taba adoptando modos de series televisivas norteamericanas de los años cincuenta y sesenta como Alfred Hitchcock presents o The Twilight Zone.

Peter Cushing como Dr. Who


En 1973, el director Roy Ward Baker, que había colaborado en numerosas ocasiones con Hammer Films se embarcó en un proyec-to más ambicioso para Amicus, puesto que And now the Screa-ming Starts buscó la ambienta-ción de época que tanto éxito le había reportado a Hammer Films, tratando así de remedar ¡por fin! de modo completo la estética de su filmes. No era otra cosa que un desesperado intento por re-flotar la compañía que había co-menzado a decaer claramente. Una típica historia de fantasmas cuya acción transcurría en 1795, y estaba basada en una novela de David Case, titulada “The Curse of Fengriffen”. Su tono fatalista inspirado en las viejas mansiones y las maldiciones familiares retro-traían al espectador al universo Poe y a las profundidades abis-males de inspiración Hammer. Sin embargo su director, uno de los más prolíficos dentro de Hammer, la rodó con unas características técnicas más propias del medio televisivo que del cinematográ-fico, tales como el abuso del te-leobjetivo y el zoom. A pesar de la cadencia mecánica y lánguida, ciertos toques de buen cine de te-rror salvaron el filme que supuso el canto de cisne de Amicus…

Los últimos años fueron catas-tróficos, pues la calidad cine-matográfica fue tan ínfima como lamentable. La compañía fue li-quidada a mitad de la década de los años setenta. Tras este triste final, Subotsky aún acopió fuer-zas para producir dos títulos en solitario: “The Uncanny (Dennis Héroux, 1977)” y “El Club de los Monstruos (The Monster Club, Roy Ward Baker, 1980)”.

A principios de los ochenta, Mil-ton Subotsky recuperó el nombre Amicus en los despachos, pero no lo utilizó en ninguna otra obra ci-nematográfica.

Subotsky era un luchador infati-gable que atesoraba el espíritu de los idealistas pioneros del ci-nematógrafo, y como se resistía a morir aún le quedó tiempo para plasmar su nombre en dos títulos norteamericanos basados en rela-tos de Stephen King: Una produc-ción de episodios –tan de su gus-to antaño- titulada “Los ojos del Gato (Cat´s eye, Lewis Teague, 1983)” con una jovencisima Drew Barrymore y “Maximum Overdri-ve”, dirigida en 1985 por el pro-pio Stephen King.

Si bien Amicus Productions no pa-

sará a la posteridad como modelo a imitar dentro de la cinemato-grafía de terror, no debe olvidarse el empeño que puso su creador en convertirla en una productora de postín. Para honrar su memoria no sólo quedan los cinéfilos con interés por las rarezas, también los amantes de la serie B y los que siempre disfrutan con los trabajos de Price, Cushing o Lee.

Que estas líneas sirvan de home-naje a esos dos idealistas aman-tes del Séptimo Arte, los señores Subotsky y Rosenberg, que si bien no lograron un cine de calidad, al menos pusieron todo su empeño en conducirnos por una vida más feliz y excitante; una vida tan si-niestramente hermosa como pre-tendieron que fueran sus pelícu-las de terror…

†Descanse en Paz Amicus

Productions

Los fanaticos del horror

cinematografico no te olvidan.

Drew Barrymore en “Cat´s eye”, Lewis Teague, 1983


114 │ Cinemascomics │ Abril 2011 www.cinemascomics.com

Por Sergio Reina

Cine de los 80


El espíritu ochentero que me in-vade me ha hecho recordar esta magnífica película de 1984.

Una película comercial, sin duda, pero como se hacían antes, con mucha más miga que ahora.

Puede ser cierto, que los efectos especiales de entonces, hayan envejecido peor que el conjunto de la película; por lo que los jó-venes de hoy no puedan verla con los mismos ojos inocentes y ávidos de fantasía con que yo la vi por primera vez. De todas maneras, se puede decir, que aún hoy en día, la película sigue siendo muy divertida, y disfrutable por cual-quier rango de edad. En marcha está la preparación de una terce-ra entrega, que verá la luz si al final se consigue reunir al equipo completo de la primera entrega.

Para quien no conozca aún el ar-gumento; la película nos presenta a tres doctores, especializados en psicología y fenómenos paranor-males, a los que la universidad les cierra el grifo de las subvencio-nes, y deciden crear su propio ne-gocio de cazafantasmas. Cuando las cosas empiezan a irles bien, y la actividad “ectoplásmica” pare-ce ir en aumento se cruza en su camino un agente medioambien-tal del ayuntamiento de Nueva York, que les cierra el negocio, y libera accidentalmente a todos los fantasmas que han capturado. Esto acelera el proceso que se estaba desarrollando con el au-mento de apariciones; entonces emerge el ser paranormal Sume-rio para hacerse con el poder del mundo. Menos mal que Los caza-fantasmas están ahí para arreglar el entuerto.

Pasemos pues a hablar un poco de su producción.

Con un guión escrito a cuatro ma-nos por dos de los actores prota-gonistas (Dan Aykroyd y Harold Ramis), la película fue dirigida por Ivan Reitman, director de en-

tre otras comedias de Los inco-rregibles albóndigas, El pelotón chiflado y Poli de guardería. Para Reitman, supuso su gran película, y no ha vuelto ha conseguir un éxito parecido, aunque lo ha in-tentado unas cuantas veces.

El trío protagonista, Ramis, Aykroyd y Bill Murray, vienen di-rectamente del Saturday Night Live. La estupenda química que puede apreciarse entre los pro-tagonistas, se deja ver muy bien a lo largo del metraje. De hecho, los momentos más divertidos, son siempre cuando los tres intervie-nen en la misma escena. Además de estos actores, tenemos a Si-gourney Weaver, que venía de protagonizar películas completa-mente diferentes como Alien, el Octavo pasajero. A pesar de ser una buena actriz, en esta pelícu-la, quizá por lo breve de su papel, o tal vez por algún pequeño fallo de guión, no luce como merece. Rick Moranis interpreta al vecino cotilla y pretendiente de Weaver, y su papel como contable, resulta muy divertido. También tenemos a Ernie Hudson, como cuarto ca-zafantasma, un papel, que origi-nalmente, estaba pensado para Eddie Murphy.

La película, se ha convertido en obra de culto, por lo que las cu-riosidades que aparecen en el film, han trascendido, y pueden consultarse en Wikipedia. Algu-nas de las más llamativas son por ejemplo que la canción nominada al Oscar y que da ritmo a lo largo de la película, interpretada por Ray Parker Jr., se parece sospe-chosamente a I Want a New Drug de Huey Lewis & the News. Tiene varias referencias a otras pelícu-las, como Fiebre del Sábado No-che; Rick Moranis en la fiesta que monta en su piso, lleva la misma ropa que John Travolta cuando so-naba la canción Disco Inferno en aquella película. Y otra curiosi-dad de la que podéis disfrutar en los extras del DVD, es el cabreo monumental que coge el actor

William Atherton con el director Ivan Reitman , cuando en las es-cenas finales, es rociado con una buena cantidad de merengue pro-cedente del muñequito de mars-hmallow, sin que éste lo supiera.

La película cosechó tal éxito, que era necesario una segunda en-trega, que aunque perdía la ori-ginalidad de la primera, también resultaba muy divertida. Se pro-dujo cinco años más tarde que la primera, y contó con todo el cast de la original. En esta ocasión, se introduce a Peter McNicol, como el Doctor Janosh, que será el ca-talizador para que la humanidad vuelva a estar en peligro de nue-vo, y se vuelva a necesitar a Los cazafantasmas.

Y 22 años después, estamos a la espera de que se realice la ter-cera entrega de la saga. Todo el cast ha aprobado el guión que hay para la película, incluso su direc-tor volvería a ser Ivan Reitman. Tan solo se espera a que Bill Mu-rray confirme su aparición, pues además de ser necesario para el buen funcionamiento de la peli, es una exigencia de la productora para que al final se filme la pelí-cula.

Estoy seguro que al final Murray aprobara el guión, aunque segu-ramente, tendremos que irnos más allá del 2012 (fecha hipotéti-ca para el inicio del rodaje) para poder ver la película terminada, pues el actor está comprometido con otros trabajos.

Espero os hayan entrado ganas de volver a ver esta divertida pelícu-la.

Especial series

Convivir con “Ugly Americans”

Por Javier Calvo

Que la animación es un campo altamente sugestivo es algo que ningún lector de esta revista debería poner en duda. Que, a través de ella, se han creado los productos más iró-nicos, incisivos y críticos con la sociedad de los últimos años, también es evidente. Y que permite disponer de seres sobrenaturales, humanos, escenarios infernales, contextos oníricos y situaciones surrealistas sin invertir millonadas en producción parece igualmente tangible. ¿Dónde? En Ugly Americans, una sitcom de dibujos animados que parodia la ciencia-ficción, la fantasía, los cuentos, los mitos del terror y el cine social bajo una apariencia totalmente influenciada por el cómic.


La animación no es cosa de niños. Eso quedó claro desde el primer capítulo de Los “Simpsons”, se-rie pionera en el uso de tramas adultas para una producción de dibujos animados. Los gamberros niñatos de “South Park” dieron el siguiente paso, elevando el insul-to políticamente incorrecto a la categoría de arte. Y ese camino fue seguido con fidelidad por “Pa-dre de familia”, el último bastión de la infancia corrupta que queda en todos nosotros.

La animación anti-Disney es una vía de exploración de dobles lec-turas, intertextualidades, soca-rronería y mucha, mucha mala leche que suele agradar al públi-co por su carácter liberador. El humor más negro parece haberse apropiado de este campo por su supuesto distanciamiento con la realidad (lo que le hace perder, en teoría, capacidad ofensiva), de modo que parece imposible encontrar una comedia con acto-res de carne y hueso capaces de ser tan mordaces. Además, reírse de las desgracias ajenas en una época en que el protocolo es más un asunto de imagen que de edu-cación puede tener una vertien-te curativa; eso sí, también hay que saber reírse de uno mismo. Por eso, recogiendo la tradición

de esa animación adulta y con el sano interés de autoparodiar a su cultura, nace en 2010 “Ugly Ame-ricans”, una sitcom de dibujos animados hecha por americanos y para americanos. Y para euro-peos. Bueno, y también para ex-traterrestres.

“Ugly Americans” es un proyecto del guionista Devin Clark desarro-llado junto a David M. Stern, que ya había trabajado en Los “Simp-sons”. Clark, cuyos intereses discurrían por la ilustración, el cómic y la narrativa, ideó una co-media que parodiara a la América contemporánea y a su habitante estándar: el “ugly american”, es decir, el estadounidense inculto, cotidiano y vulgar, cuya arrogan-cia es sólo comparable a su etno-centrismo: más allá de los USA, no existe nada de interés. Sería, además, un producto de dibujos animados, algo necesario si se planteaba extender la crítica ha-cia límites fantásticos.

Hasta aquí, podríamos estar ha-blando de cualquiera de las series mencionadas en el primer párra-fo. Lo que hace especial a “Ugly Americans”, sin embargo, es que la fealdad de su epíteto se hace extensible a todo el diseño de la serie. Para empezar, el concepto

artístico utiliza una estética muy cercana al cómic underground, con un esbozo de personajes hi-perrealista y grotesco. La paleta de color y el detallismo de los es-cenarios, ambos excepcionales, resumen un producto muy bien facturado, a pesar de su interés por acercarse a lo indigesto.

Pero el toque de gracia lo pone su peculiar y extenso catálogo de personajes. Los americanos de Ugly Americans son humanos retorcidos, egoístas, catastrófi-cos. Pero también son zombies, magos, demonios, alienígenas, hombres-lobo, espíritus, vampi-ros y todo el repertorio de infra y supra humanidades que uno pue-da imaginar. Una belleza terrorífi-ca y espantosa, tan variada como la polícroma población de nuestra aldea global.

Pasaporte, por favor En Ugly Americans tenían claro el punto de partida de la referencia: a día de hoy, Estados Unidos es un país multicultural, poblado de inmigrantes, seres descontextua-lizados que buscan su lugar en la llamada sociedad del Primer Mun-do. Por eso, el recurso de base consiste en hacer extensible ese crisol de orígenes a las descono-


cidas regiones de lo fantástico, a mundos que van más allá de la lógica.

De ahí que la serie esté plagada de todo tipo de seres sobrenatu-rales, desde monstruos clásicos hasta humanoides de nuevo cuño (especialmente adorable el hom-bre koala). Una idea de la que también partía “Men in Black”, pero que aquí se lleva a un lími-te surrealista. No hay una expli-cación coherente de por qué EE UU está lleno de estos persona-jes; simplemente aparecen ahí, integrados en la estructura social o como objeto de burocráticas cuestiones de inmigración.

Precisamente, el protagonista es Mark Lilly, un trabajador social del Departamento de Inmigración de Nueva York, ciudad donde se desarrolla la serie e icono de la multiculturalidad. Mark es un inocente y bienintencionado mu-chacho que lucha con todas sus fuerzas por ayudar a sus nuevos compatriotas a integrarse en el tejido social y buscarles un tra-bajo, vivienda digna o cualquier apoyo a sus problemas. El proble-ma es que éste es mundo agresivo y la bondad no suele encontrar su apoyo. Con un jefe déspota y tira-no –por algo es un demonio- y un

compañero de trabajo inepto y al-cohólico –y mago-, Mark encuen-tra un sinfín de cortapisas en su devenir, y de paso, va destripando los males endémicos de nuestra sociedad capitalista, aprovecha-da y excesivamente burócrata.

La fantasía, por tanto, se da por sentada en una serie que juega con los clichés de las diferentes monstruosidades populares. En este ámbito, resultan especial-mente jugosos los personajes de Randall Skeffington y Callie Maggotbone. Randall es el com-pañero de piso del protagonis-ta, un zombie post-adolescente obsesionado con las mujeres –se convirtió en zombie por una chi-ca, si eso es posible- y la ingesta de cerebros; sus cualidades como muerto viviente, combinadas con su síndrome de Peter Pan, son el principal foco de su comicidad. Lo mismo ocurre con Callie, la jefa de Mark, con quien mantiene un tórrido y pasional romance. El problema reside en que Callie es un demonio, y la hija de El Dia-blo, máxima autoridad del sub-mundo infernal (al que se puede ir en metro sin ningún problema). Su maldad congénita y absoluta saldrá a relucir en los momentos más inesperados, para desgracia de su pobre amante.

La historia se complementa en cada episodio con los diferentes clientes de Mark, individuos pro-blemáticos que requieren de su-pervisión social y que ponen de manifiesto lo duro que es sobre-vivir en su –nuestro- extraño pla-neta. Intente buscarle un trabajo estable a una babosa gigante y sabrá de lo que hablamos.

Un recibimiento desigual

Ugly Americans debería tener todas las papeletas para conver-tirse en objeto de culto. Su pre-sentación en Comedy Central en marzo del pasado año obtuvo una audiencia de dos millones de es-pectadores, favorecida quizá por el hecho de emitirse tras el co-mienzo de una nueva temporada de “South Park”. Los capítulos siguen una estructura de sitcom: duración escasa (21 minutos), con una trama propia bajo una línea argumental de fondo, y gags di-rectos y surrealistas. Las dos pri-meras temporadas, de siete capí-tulos cada una, han sido recibidas con agrado y en junio de 2011 se estrena una tercera hornada.

Sin embargo, la recepción crítica ha resultado más desigual. En ge-neral, se alaba la originalidad de la propuesta aunque algunas vo-

ces destacan la imperfección del conjunto total. Otros, por el con-trario, se muestran más favora-bles, y no faltan quienes destacan el diseño de la serie por encima de su guión.

Lo cierto es que “Ugly Americans” posee un humor muy particular, a veces agresivo, a veces violento, que recoge la tradición crítica e incorrecta de las series ya comen-tadas, y esto puede dificultar su accesibilidad al gran público. Lo cual, por otro lado, siempre ha sido un factor para la construc-ción de un objeto de culto.

Otro factor fundamental es su anonimato. “Ugly Americans” es

una serie poco conocida, cuya fama pulula más por la red que por las revistas especializadas. En España todavía no se emite, y no existe ninguna noticia al res-pecto. Sin embargo, la versión original es una auténtica delicia, como lo es su apabullante ab-surdidad, apoyada por un cúmu-lo de referencias que van desde las películas de terror hasta los espectáculos de magia, pasando por el cine comercial (parodia de Crepúsculo incluida) o la cultura pop. En su hiperbólica variedad, además, está presente el mensaje de la tolerancia y la aceptación, de una forma latente, sin necesi-dad de edulcorar el resultado. La serie habla sobre la diferencia, y

da por supuesto que esa diferen-cia puede estar presente en nues-tra cotidianeidad sin ningún tipo de problema.

La gran influencia del cómic y su facilidad de consumo la con-vierten en un producto muy loa-ble para un primer testeo. Por lo menos, para todos aquellos que puedan entender que nuestra so-ciedad nunca fue nuestra, y que los zombies, vampiros y cerebros parlantes, hombres-pájaro y sele-nitas, bebés gigantes y monstruos del lago, pueden esconderse de-trás de cada esquina para alegrar-nos el día.


Ilustracion de la Liga de la Justicia de Bruce Timm

Especial Súper Héroes Animados

Por Jose Joaquin Gonzalez Haro

Tras el exitoso estreno de Thor en cines, las productoras encargadas de las adaptaciones de los comics de Marvel y DC esperan volver a hacer caja con los estrenos de “X-Men: Primera Generación”, “Lin-terna Verde” y “El Capitán Amé-rica”.

El próximo día 3 de junio podre-mos ver la primera de estas tres películas (nos referimos a X-Men: Primera Generación), por lo que hemos decidido traeros un espe-cial de cine animado de superhé-roes en DVD con el que podéis ha-cer más agradable dicha espera.

El articulo está orientado como una pequeña guía de los principa-les títulos que podéis encontrar en el mercado doméstico nacio-

nal, esperando que os sirva de orientación a la hora de alquilar o comprar dichas cintas para su visionado. Además como extra, os adelantamos algunos de los tí-tulos que llegarán, y resaltamos algunas cintas que aún están in-éditas (no a la venta) en nuestro país.

Comentaros que la animación lleva años mostrando multitud de series de nuestros personajes favoritos; pero ha sido reciente-mente –ayudada por el boom de los superhéroes en cine- cuando se han producido largometrajes animados destinados a un públi-co más adulto, quienes veían un mercado con exclusivos huecos para DVDs con episodios especia-les de las series de televisión.

Empezaremos comentando dichos especiales, y posteriormente nos ocuparemos de cintas que no se inspiran en ninguna serie en par-ticular, sino que cuentan historias originales o intentan adaptar a formato animado ciertos cómics o sagas imprescindibles de los uni-versos Marvel y DC.

Especiales de Televisión

Primero, aclararos que llamamos especiales de televisión a pelícu-las que salieron al mercado DVD/VHS a cargo de los mismos crea-dores de las series televisivas. Sin menospreciar su calidad, no dejaban de ser un episodio más largo de lo habitual que intentaba alejarse de la continuidad de la serie.


Curiosamente no hay ningún es-pecial de televisión protagoni-zado por personajes de Marvel, aun habiendo tenido series pro-tagonizadas por Spiderman, Hulk, Iron Man, Los 4 Fantásticos y los X-Men. Nunca intentaron una in-cursión en el mercado domestico fuera de sus emisiones televisivas, dejando la exclusividad de estas producciones a las cintas protago-nizadas por Batman, Superman y la Liga de la Justicia. A excepción del primer especial televisivo de la lista, estaban casi todas a car-go del excepcional Bruce Timm.Sin más rodeos vamos a dicha lis-ta.

Scooby-Doo y Batman Forman Equipo (1972)

Esta cinta que es realmente una verdadera curiosidad nos presen-ta al sabueso detective Scooby-Doo compartiendo protagonismo junto al señor de Gotham y Robin en una aventura que les lleva a enfrentarse a villanos tan conoci-dos del universo DC como son el Joker y el Pingüino.

La cinta producida por Hanna Bar-bara fue un cruce que la produc-

tora llevo a cabo mientras estaba en antena la serie de televisión “Los Súper Amigos”, una diverti-da versión de las aventuras de la Liga de la Justicia protagonizada por Superman, Wonder Woman, Aquaman, Batman y Robin.

Sin duda una deliciosa rareza que os hará esbozar una gran sonrisa.

Batman: La Máscara del Fantasma (1993)

En pleno auge de la nueva serie de animación protagonizada por Batman, recibida de la mano de Bruce Timm, una película de ani-mación sobre el caballero oscuro llegaba a los videoclubs de las ciudades españolas con el título “La Máscara del Fantasma”.

Dicho largometraje presentaba, bajo la estética de la serie de televisión, a un villano conocido como “El Fantasma”. Dicho villa-no está sembrando el terror en Gotham a la vez que elimina uno a uno a los principales gangsters de la ciudad, haciendo creer a la policía que Batman se ha conver-tido en un justiciero que no duda en matar delincuentes.

La verdad es que la cinta es una autentica maravilla, como lo fue en su momento la serie de tele-visión, y muestra ciertos aspectos que no debes perderte sobre los orígenes de Batman y el Joker.

Superman: El Último Hijo de Krypton (1996)

Tras el cierre de la serie de Ba-tman, Bruce Timm se unió a un grupo de directores y animadores para intentar repetir el éxito de la anterior serie animada, pero con la figura de Superman. La se-rie, aunque no tuvo el mismo éxi-to que Batman, dio pie a diversos especiales en DVD, entre los cua-les se cuenta “El Ultimo Hijo de Krypton” donde podemos ver los orígenes de Superman y sus pri-meras aventuras en la tierra.

Batman del futuro: El regreso del Joker (2000)

Tal y como reza su nombre, este especial está basado en la serie de televisión que nos mostraba el futuro de Gotham; en el cual una nueva versión de Batman se dedicaba a repartir justicia en un mundo regido por nuevas reglas.


Imagen de Batman del Futuro

La cinta, sirvió para recuperar al villano por antonomasia de los cómics del hombre murciélago, y resulta tan curiosa como la serie en la que está basada.

Batman contra Dracula (2005)

Utilizando el equipo creativo de la serie animada de “The Batman” -la versión televisiva que antece-de a la actual “El Intrépido Bat-man”- el director Michael Goguen nos trae un episodio especial de 80 minutos en el que la identidad secreta de Bruce Wayne se ten-drá que enfrentar a un ejército de vampiros que azotan Gotham bajo el liderazgo de Drácula.

De esta serie no llegué a ver nada en televisión (no sé si fue emitida en España, pero algo llegaría al mercado, ya que tengo un pijama con licencia oficial, jajá) pero la película realmente resulta entre-tenida de ver.

Largometrajes Animados

Bajo esta definición, os traigo la parte del dossier dedicada a las historias creadas independiente-mente a las series de televisión, y que podemos encontrar en el mercado español. Aunque en esta ocasión encontramos cintas basa-das en los personajes del univer-so Marvel, hay que admitir que el predominio de DC bajo produc-ción Warner Bros ha generado un número mayor de títulos y con una calidad bastante más elevada que la de la competencia.

Batman y Superman: La película (1996)

La primera película animada que unía bajo el mismo título a los dos héroes del universo DC estaba di-rigida por Toshihiko Masuda, y nos presentaba a este estupendo dúo enfrentándose a sus dos mayores rivales: Lex Luthor y el Joker.

La cinta, con una duración de 58 minutos, resulta bastante insul-

sa. A pesar de que entretiene, no goza de la calidad de animación ni de guion de producciones ante-riores; algo que provocó la salida exclusiva en DVD de re-ediciones de series televisivas durante bas-tantes años.

Batman: El misterio de Batwoman (2003)

La primera aparición de Batwo-man en un largometraje deja bas-tante que desear en lo referente a animación, algo lamentable te-niendo en cuenta que la cinta fue realizada diez años después de una obra maestra como es la serie animada de Batman.

En esta cinta una nueva Batwo-

man hace aparición en Gotham y tras caer en las garras de Bane, tendrá que ser rescatada por Ba-tman.

Lo dicho, un titulo bastante flojo.

The Ultimate Avengers (2006)

Concebida como una versión para todos los públicos de la serie “Los Ultimates” de Mark Millar, hay que admitir que este título es po-siblemente una de las mejores in-cursiones que Marvel ha hecho en el campo de la animación.

La cinta narra la creación de esta nueva versión de los Vengadores y sus primeras aventuras.



Ciertamente muy recomendable, aunque la versión en cómic es muchísimo mejor

The Ultimate Avengers II (2006)

Continuación de las aventuras de esta versión de los Vengadores. En esta ocasión contaron con el wakandiano Pantera Negra para defender la tierra de una invasión alienígena.

Igual de recomendable que la an-terior entrega, pero más distan-ciada del cómic en el que preten-día basarse.

La Muerte de Superman (2007)

El regreso de Bruce Timm a la ani-mación del universo DC dio pie a la creación de esta película, que si bien interpreta de forma bas-tante libre la mítica saga de “La Muerte de Superman”, plantea la historia de forma más accesible al público infantil y sobre todo a los seguidores de la serie de Super-

man dirigida por Timm en los 90.A pesar de las licencias que se toma respecto a la historia origi-nal, no desmerece en absoluto al épico relato.

El Invencible Iron Man (2007)

Con las películas de los Vengado-res, la Marvel inauguro el sello “Marvel Animated Features”, con el que pretendía introducirse en el mercado de la animación en DVD. Tras narrar las aventuras del grupo de héroes más poderoso de la tierra, produjo esta cinta en la que Iron Man es el protagonista absoluto.

La cinta cuenta los orígenes del personaje, utilizando el mismo equipo creativo que los Vengado-res.

Doctor Extraño (2007)

Perteneciente a la misma colec-ción que Ultimate Avengers y el Invencible Iron Man, esta cinta

protagonizada por el Dr. Extraño actualiza los orígenes de este clá-sico personaje, dominador de la magia y los elementos esotéricos.

No soy gran seguidor del Dr. Ste-phen Strange, así que no puedo opinar sobre cuánto se distancia la aventura del personaje origi-nal, pero lo cierto es que la ani-mación esta genial, y la cinta re-sulta muy entretenida.

Batman: Guardián de Gotham (2008)

Aprovechando los buenos resulta-dos de “Batman Begins”, y poco antes de estrenarse su secuela “El Caballero Oscuro”, Warner asignó un proyecto de animación a los responsables de “Animatrix”. La cinta, al igual que aquellas basa-das en el universo “Matrix”, mos-traría aventuras del protector de Gotham con distintos estilos y di-bujantes.

Las historias no son gran cosa, pero merece la pena ver tantas


versiones de un mismo personaje en una sola cinta

Superman y Batman: Enemigos Públi-cos (2009)

Basado en el cómic del mismo tí-tulo que desarrollaron Jeph Loeb y Ed McGuinness, esta cinta cuen-ta con Bruce Timm como produc-tor ejecutivo, recuperando para la versión original a los actores que ponían la voz a las series ani-madas de Superman y Batman de los 90.

La historia narra como Luthor una vez que llega a presidente de los Estados Unidos, declara a Batman y Superman como proscritos de la justicia tras un intrincado plan para desacreditar y eliminar al hombre de acero.

Una buena cinta, con una historia excelente y con una animación a la altura.

Wonder Woman - La Mujer Maravilla (2009)

Narra los orígenes de Wonder Wo-man como cualquier seguidor/a del cómic se merece. La trama sitúa la primera salida de Diana al mundo de los hombres tras una

traición en el seno de la herman-dad de Amazonas. Dicha traición provoca la fuga de Ares, el dios de la Guerra, que pretende extender el terror y la destrucción en el mundo por el que hace siglos no camina.

Wonder Woman, es un personaje que me llegó a través de su parti-cipación en la Liga de la Justicia, por lo que desconozco sus origi-nes más allá de su historia básica: Una amazona que abandona su isla para poner paz en el mundo de los hombres. Aun así, me parece una cinta bastante entretenida, y bien llevada sobre un personaje cuyo funcionamiento en solitario resulta bastante desconcertante.

Linterna Verde: Primer Vuelo (2009)

La historia de Hal Jordan y cómo consiguió el anillo que lo conver-tiría en el primer miembro hu-mano de la orden de los Green Lantern. “Primer Vuelo” es prác-ticamente un anticipo de lo que podremos ver pronto en cines, y aunque en esta cinta el villano (al menos que se sepa de momento) es distinto al que aparecerá en la gran pantalla, sirve a la perfec-ción para orientar a quienes toda-vía no conocen al personaje y du-

dan acerca de cuál cómic deben elegir para iniciarse.

Liga de la Justicia: Crisis en Dos tierras

Presentando por primera vez al Sindicato del Crimen (la contra-partida malvada de la Liga en un universo paralelo) en forma-to animado, Crisis en Dos tierras supone un arriesgado argumento que encantará a los seguidores más avezados de este grupo super heroico, pero que puede generar dudas en quienes no conozcan es-tas curiosas variables del mundo de Superman y Cía.

Aunque toma de forma muy li-beral la historia original de este grupo de villanos, resulta muy interesante identificar a las con-trapartidas de superhéroes que se crearon expresamente para esta película.

Superman /Shazam: El regreso de Black Adam (2010)

¿Hay alguien capaz de rivalizar con Superman? Por supuesto que sí, Shazam, alias el Capitán Mar-vel es igual de poderoso que el kriptoniano, pero afortunada-mente para todos nosotros, forma

parte del bando de los buenos. La mala noticia es que Black Adam, una entidad muy antigua que comparte los poderes del Capitán no es precisamente una buena persona, y tras estar encerrado durante muchos años vuelve cla-mando venganza.

Superman y Shazam tendrán que hacerle frente, en un mano a mano que forzara al hombre de acero hasta límites insospecha-dos.

Acción a raudales y calidad es lo que ofrece esta película, a pesar de su brevedad (aunque inclu-ye un corto sobre Jonah Hex que tampoco está nada mal).

Superman / Batman: Apocalipsis (2010)

Una nueva historia protagonizada por Superman y Batman, y que para la ocasión recupera a uno de los villanos más poderosos de su Universo: Darkseid

Darkseid trama un plan para utili-zar a una joven kriptoniana (que resulta ser Kara, la prima de Su-perman) para intentar derrotar a

su archienemigo.

Sin lugar a dudas, una cinta épica que hará las delicias de quienes la vean.

Batman: Capucha Roja (2010)

Una verdadera obra maestra de la animación que nos trae una de las mejores historias de Batman que podrás encontrar en formato ani-mado.

Sin duda muchos aficionados ya sabrán quien es Capucha Roja, pero para los que no sigan tan de cerca al personaje, es una opor-tunidad para descubrir por qué ha habido distintos personajes tras la máscara de Robin.

Recomendable al cien por cien, pero orientada sin lugar a dudas a un público más adulto.

All Star Superman (Superman viaja al Sol) (2011)

Basado en el comic del mismo tí-tulo “All Star Superman” nos na-rra la historia final de un Super-man que ha sido envenenado por el malvado Luthor. Con los días

contados, Superman intentara poner punto y final a ciertas ta-reas que tiene pendientes en una cuenta atrás que le conducirá a las regiones más insospechadas de nuestro planeta y el universo.

Sinceramente no la he visto aún, pero sí que he leído el cómic en el que se basa, y he de decir que muestra a un Superman bastante distinto al conocido por el gran público; con lo que quizás las reacciones frente al filme sean muy diversas. En cuanto la vea espero contaros qué me parece.

Cintas Inéditas y próximos estrenos

Con All Star Superman, cerramos la lista de cintas que están dispo-nibles a día de hoy en el merca-do español sobre personajes de las dos principales editoriales de cómics. Con suerte podemos en-contrar algunas cintas inéditas en nuestro país, tanto pertenecien-tes a la categoría que hemos lla-mado “especiales de Televisión” como a las cintas con historias originales.


Entre dichos títulos encontramos “Batman y Mr. Freeze” (1998), un especial de televisión de la serie de Batman en los 90 y cuyo villano protagonista es el señor helado; “Superman: Brainiac Ata-ca” (2006), cuyo título como en el caso de Batman nos da pistas sobre el argumento; “La Liga de la Justicia: La Nueva Frontera” (2008), una aventura del grupo de superhéroes pero ambientada en los años 50; “Next Avengers: Hé-roes del Mañana” (2008) una serie donde los descendientes de los Vengadores tendrán que hacer lo posible por honrar la memoria de sus padres; y finalmente dos nue-vas cintas del sello “Marvel Ani-mated Features” con Hulk como protagonista: La primera es una sesión doble titulada “Hulk Vs Lobezno” (2009) y que muestra los enfrentamientos de Hulk con Lobezno (recordad que éste últi-mo nació en las páginas del gigan-te esmeralda), y posteriormente un encuentro contra el Poderoso Thor; la segunda cinta se titula “Planet Hulk”, y está basada en la reciente saga de comics en las que Hulk, una vez desterrado del planeta tierra, viaja a un planeta extraterrestre donde tras luchar

como gladiador se proclamara Rey.

Seguramente habrá mucha gente que haya visto estas cintas, pero lo cierto es que ninguna de los tí-tulos que califico como inéditos, han sido oficialmente doblados al castellano (algunos se pueden localizar por internet en español latino) o directamente no se han editado fuera del mercado ameri-cano, algo de lo que me he asegu-rado buscando en los principales portales de venta de DVD del país.

En cuanto a futuros estrenos, los más cercanos son los relativos a Thor y Linterna Verde, que apro-vechando sus pases en pantalla grande serán lanzados en DVD (suponiendo que no lo hayan he-cho en USA antes) los siguientes títulos “Thor: Relatos de Asgard” y “Linterna Verde: Guerreros Es-meraldas”. El primero de estos títulos contará las aventuras de Thor en Asgard antes de empuñar el martillo Mjolnir, mientras que la cinta de Linterna Verde esta cronológicamente ambientada antes del final del film animado “Primer Vuelo”.

Para finalizar, deciros que Warner está trabajando en la adaptación de las novelas graficas de Frank Miller “El regreso del Caballero Oscuro” y “Batman Año Uno”, dos obras maestras del cómic que es-toy deseando ver, y de las cuales ya hay incluso algunas imágenes circulando por internet.

Sin duda alguna, los aficionados a los personajes de estas dos edi-toriales nos podemos considerar privilegiados, y vistos los buenos resultados obtenidos en todos los medios audiovisuales que adaptan aventuras de dichos personajes, podemos estar seguros de que tendremos material que visionar hasta aburrirnos.


Hola amigos. Este mes destacaré una novedad edi-torial relacionadas con el legendario monstruo de Frankenstein.

La editorial T & B lanza al mercado Boris Karloff. En él, el autor Javier Cortijo realiza un retrato vital y fílmico del actor que dio vida al monstruo que James Whale adaptó de la novela de Mary Shelley en 1931.

William Henry Pratt (el verdadero nombre de Boris Karloff) nació en 1887 en Camberwell, Londres. Abandonó su carrera diplomática y se marchó a Canadá para realizar su sueño de convertirse en actor con solo 21 años. Una vez instalado en On-tario, compaginaba un trabajo de granjero con los papeles secundarios que le iban dando. En 1916 obtuvo su primer papel en el cine, apareciendo como figurante en “The dumb girl of portici”, una película muda protagonizada por Anna Paulova.

En 1931, por fin perdió el anonimato tras aparecer en la película El Código Penal, dirigida por Howard Hawks. Y en ese mismo año, después de que Lugosi rechazara el papel de monstruo en Frankenstein, Whale le ofreció el papel, y gracias al maquillaje de Jack Pierce, Karloff se convirtió en uno de los rostros más populares de los años treinta en el maravilloso mundo del terror.

La siguiente década estuvo cargada de éxitos. Apa-reció en películas como Sed de escándalo (1931, Mervyn Leroy); Scarface (1932, Howard Hawks); La máscara de Fu-Manchú (1932, Charles Brabin); La Momia (1932, Karl Freund); La patrulla perdi-da (1934, Alfred Werker); El Cuervo (1935, Lew Landers); La novia de Frankenstein (1935, James Whale); Los muertos andan (1936, Michael Cur-tiz); Son of Frankenstein (1939, Rowland V. Lee); así como muchos otros.

Posteriormente, en la década de los 40, 50 y 60, Boris no paró nunca de trabajar. Numerosas fue-ron sus apariciones tanto en el cine como en la te-levisión. Y no todas ellas fueron dentro del género del terror. Trabajó junto a la pareja humorística formada por Abbot y Costello parodiándose a sí

mismo e incluso utilizó su voz en animaciones de la televisión como en How the Grinch stole Christ-mas en 1965.

Desgraciadamente el 2 de febrero de 1969, poco tiempo después de aparecer en la película Inva-sión siniestra, Karloff se marchaba al mundo de los dioses y monstruos a causa de un enfisema pul-monar.

QUÉ LEERPor Úrsula Karivdis

Boris Karloff: El aristócrata del terrorDe Javier CortijoTB Editores

ISBN: 9788492626830Nº Edición:1ª Año de edición:2011264 páginas│ 20,00 euros


APOCALIPSIS DE STEPHEN KING 2:PESADILLAS AMERICANASGuión: Roberto Aguirre-SacasasDibujo: Mike PerkinsEdición original: The Stand: American Nightmares HC USAFormato: 144 págs.PVP: 17,95 €Editorial Panini

La mortífera gripe que algunos han dado en lla-mar Capitán Trotamundos ha devastado el país y ahora unos pocos supervivientes deben recoger las piezas y seguir adelante. Larry Underwood quiere escapar de de Nueva York; Lloyd descubre una muy desagradable cena en la prisión, y Stu Redman lleva a cabo un desesperado intento por liberarse de sus captores. Y mientras tanto, un hombre siniestro, Randall Flagg, continúa su te-rrible viaje a través de una América reducida a cenizas…

ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS: INTEGRALGuión: Leah Moore y John ReppionDibujo: Erica AwanoFormato: 176 págs.PVP: 19,95 €Editorial Panini

Toma una joven bien educada, pero terca y obsti-nada. Añade una imaginación hiperactiva. Agíta-lo en una mezcla surrealista y fabulosa. Reduce todas las lecciones morales hasta que nada ten-ga sentido y mándalo todo en un viaje a ninguna parte. Con esos ingredientes, Lewis Carroll creó un cuento de hadas como ningún otro. Ahora te ofrecemos la más completa y fiel adaptación de todas las aventuras vividas por Alicia en el País de las Maravillas, a cargo de la autora de Drácula: La adaptación definitiva.


WONDER WOMAN TPB(NUEVA SERIE) Nº01Guión/Dibujo: Gail Simone, Geoff Johns, J. Mi-chael Straczynski, Louise Jones Simonson/Adam Hughes, Don Kramer, Eduardo Pansica, Fran-cis Manapul, George Perez, Greg Horn, Guillem March, Ivan Reis, Jim Lee, Jock, Nicola Scott, Scott Kolins, Shane DavisEdición original: Wonder Woman 600 - 606 USFormato: Libro rústica, 200 págs. color.PVP: 16,95 € Editorial Planeta de Agostini

¿Quién es Wonder Woman? Ni siquiera ella misma, Diana de Themyscira, lo sabe ya... pero está más que dispuesta a averiguarlo. En un mundo en el que la superheroína jamás ha existido, Diana es una joven huérfana que sobrevive en Nueva York junto a algunas de las amazonas que quedan tras la destrucción de su isla natal. Privada de su lazo y de su capacidad de vuelo, será su determinación la que la guié en una odisea a través del planeta para proteger a sus hermanas proscritas y descu-brir la verdad.

EERIE Nº 01 (DE 2)Guión/Dibujo: VVAAEdición original: Eerie Nº 01 - 05 USAPrecio: 30 €Formato: Libro cartoné, 256 págs. Blanco y negroEditorial Planeta de Agostini

Los años 60 fueron una época de gran inspira-ción e innovación en la forma de narrar de los cómics, y pocos títulos mostraron aquella asom-brosa evolución como la revista Creepy. Ésta y la publicación de su incorregible prima, la revista Eerie, reinventaron las historias cortas de terror ilustradas e hicieron que algunas sensibilidades del mundo de la edición underground llegaran a la industria editorial establecida, dejando los in-olvidables legados de Alex Toth, Frank Frazetta, Neal Adams, Gray Morrow y muchos otros artistas impresionantes.


Avalon pondrá a la venta el próximo 30 de mayo el recopilatorio para DVD y Blu-Ray de los 6 capítulos de la serie de TV The Walking Dead. El lanzamiento contará con la colaboración de Planeta DeAgostini Cómics al incluirse en el pack para coleccionistas un libreto de 48 páginas del cómic Los Muertos Vivientes, origen del fenómeno televisivo de la década.

Además, la distribuidora también comercializará una versión para Blu-Ray (con el cómic digital de regalo), así como la edición sencilla del DVD. Todo ello con los más completos y exclusivos extras para estar a la altura de la calidad de The Walking Dead.

La serie, dirigida por Frank Darabont y protagonizada entre otros por Andrew Lincoln, ha batido récords de audiencia en más de 120 países durante su emisión en múltiples canales de televisión.

Planeta DeAgostini comenzó a publicar el cómic de Robert Kirkman en 2005. Inicialmente, se proyectó como una entrega única, pero debido al éxito de acogida se convirtió en una colección que cuenta ya con 13 entregas en el mercado. Además, desde este abril, está disponible el primer tomo de la edición de lujo que recopila los 4 primeros ejemplares más materiales inéditos.

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nº 4. cinemascomics: la revista. mayo 2011

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