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FINNISHMUSIC

THEATRE

LA COMÉDIEMUSICALE

FINLANDAISE

T H E A T R ET H E A T R EF I N N I S H

F I N L A N D A I S

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Finnish music theatreis booming

Music theatre has always been a big favourite with Finnishtheatre audiences, and there was even a time in the 1920swhen light opera was so popular that, despite the small size ofthe city, the same piece could be performed in three differentHelsinki theatres.

Nowadays international hit musicals have taken over thenumber one slot in the popularity stakes. As a genre, the Finn-ish musical was really only born this century, but it has grownat an amazing rate. In the 1990s a total of seven new Finnishmusic theatre pieces were performed in Finnish theatres, butsince 2000 there have been nearly 70 already. About ten ofthese can be classified as musicals, in which the music neverstops.

It is actually surprising that Finnish music theatre has notboomed before now, for we have had and still have great thea-tre composers such as the pioneers Heikki Aaltoila, KajChydenius, Toni Edelmann and Matti Puurtinen, and singingwas also an essential part of the political theatre of the 1960sand ‘70s. There have also been successful Finnish music theatreclassics, such as Teuvo Pakkala’s Tukkijoella (The Loggers).

The most popular topic seems to be artists’ destinies; thelives of the country’s best-loved pop musicians, singers, com-posers, actors and even sportsmen have all been made into mu-sicals, while the tango composer Unto Mononen and popsinger Laila Kinnunen have been subjects on a number of oc-casions. Works based on the lives of foreign artists such asMarilyn Monroe and Elvis Presley have also been enormouslywell received.

The makers of new musicals have not shied away from seri-ous themes either; e.g. Spin at the Swedish Theatre takes acritical look at scandal sheets and their lack of morals, whileLeyla and Daniel at the Lahti City Theatre deals with the sametheme alongside the even more serious issue of racism againstimmigrants. Themes like this constitute a risk for the theatrebecause music theatre audiences expect to be entertained andserious issues might frighten them away, but music theatremakers believe that there should also be room to provokethought.

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La comédie musicalefinlandaise est en plein essor

La comédie musicale est depuis toujours la favorite desspectateurs de théâtre finlandais. L’opérette avait autrefois unsuccès tel que, dans la petite ville qu’était Helsinki dans années1920, la même œuvre pouvait se trouver au répertoire de troisdifférents théâtres en même temps.

Après les opérettes, les comédies musicales du palmarèsinternational ont pris la première place. La comédie musicalefinlandaise n’est en fait née qu’en notre millénaire. Et à quelleallure. Alors que, dans les années 1990, il y avait en tout dansnos théâtres sept nouvelles comédies musicales finlandaises, lesannées 2000 en ont déjà vu à près de 70. Une dizaine d’entreelles sont des oeuvres entièrement musicales.

Il est à vrai dire étonnant que la comédie musicalefinlandaise n’ait fait sa percée que maintenant. La Finlande aeu et a encore d’excellents compositeurs de drames lyriques,parmi lesquels entre autres les précurseurs Heikki Aaltoila, KajChydenius, Toni Edelmann et Matti Puurtinen. Dans le théâ-tre politique des années 1960 et 70, le chant constituait unepartie essentielle. Il y a eu aussi des comédies musicales finlan-daises classiques populaires, telle Tukkijoella (La rivière au boisflotté) de Teuvo Pakkala.

Thème de la comédie musicale finlandaiseLe thème principal est sans doute le destin de l’artiste.

Des comédies musicales ont été dédiées à des musiciens, à deschanteurs, à des compositeurs, à des acteurs et même à dessportifs aimés du public. Le compositeur de tango UntoMononen et la chanteuse Laila Kinnunen sont tous les deuxdéjà les personnages principaux de plusieurs comédiesmusicales. Et les vedettes nationales ne sont pas les seuls sujets.Les comédies musicales sur Marilyn Monroe et Elvis Presleyont connu un grand succès.

Les auteurs de nouvelles comédies musicales n’ont pasesquivé les sujets, même graves. Par exemple, la nouveauté Spin(La vrille) du Svenska Teatern a une approche critique del’absence de morale dans la presse à scandale. Le même thèmeest abordé aussi dans Leyla ja Daniel (Leyla et Daniel), duThéâtre Municipal de Lahti, bien que son thème principal soitsi possible encore plus grave – le racisme envers les immigrés.Un tel choix de thèmes constitue pour les théâtres aussi bienun défi qu’un risque. Le public des comédies musicales attendde la représentation un divertissement et les sujets difficilespeuvent effrayer. Les auteurs pensent cependant que le théâtremusical peut également faire penser.

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Publisher Editeur Finnish Theatre Information Centre Centre d’Information du Théâtre FinlandaisPresident Présidente : Raija-Sinikka Rantala

Director Directrice : Riitta SeppäläAdress Adresse : Meritullinkatu 33, 00170 Helsinki Finland Tel. +358-9-25112124, fax 25112125

e-mail anneli.kurki@teatteri.org Internet www.teatteri.orgEditor Rédactrice Anneli Kurki

Translations Donald McCracken, Eija Heikkinen-Sanderson, Traductions Gabriel de BridiersArt Director Heikki Vanhatalo ISSN 1238-6057 Printed by Uusimaa

Cover photo :Spin by DouglasPashley at theSwedish Theatre inHelsinki. On thephoto Maria Ylipää.Photo: CharlotteEstman-Wennström

CouvertureSpin de Douglas Pashleyau Svenska Teatern. Sur

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○FINNISH THEATRE FINLANDAIS

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in this issue dans ce numero

4/5● Where is the Finnish Musical?Anneli Kanto interviews KariRentola, director of Lahti CityTheatre, and Kurt Notio, PasiToivanen and Petri Kaivanto, thedirector – composer –scriptwriter team of Leyla andDaniel● Qu’en est-il de la comediamusicale finlandaise? Directeurdu Théâtre municipal de Lahti,Kari Rentola et le metteur-en-scène Kurt Nuotio , l’auteurPasi Toivanen et le compositeur Petri Kaivanto sontinterviewée par la journaliste Anneli Kanto.

9/9● Spin – new musical at the SwedishTheatre in Helsinki.● La comédie musicale Spin auThéâtre Svenska Teatern.

10/11● A serious person is very amusing. The playwright and di-rector Sirkku Peltola is interviewed by Anneli Kanto.● Toute personne sérieuse est tres comique. La metteuse enscène et auteur dramatique Sirkku Peltola est interviewèe par

la journaliste Anneli Kanto.

14/15● “You cannot go there with the final truth.” Kaisa Korhonenis a famous director whose works impress, raise debate, andeven sometimes irritate. Professor Irmeli Niemi discusses her work.● “On ne peut y apporterune vérité toute faite”. KaisaKorhonen est une célèbremettuse en scène, don’tchaque création impressionne,éveille la controverse, parfois agace. Le professeur Irmeli Niemiécrit sur ses oeuvres.

18/19● Kari Heiskanen is a brilliant theatre, televi-sion and film actor, and also theatre directorand dramatist. He is interviewed by AnnukkaRuuskanen.● Ce sont le theatre, la television et le cinemaqui ont fait connaitre Kari Heiskanen commeun acteur brilliant. Heiskanen travaille aussicomme metteur en scène et comme drama-turge. Il est interviewèe par la jurnalisteAnnukka Ruuskanen.

24● New Finnish productions.● Les noveautés Finlandaises.

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OPERA ANDROCK SUCCEED– BUT WHERE ISTHE FINNISHMUSICAL?We have all the preconditions for success: Finland is a well-known land of music, ten to fifteen new operas are composedeach year, and Finnish rock music is doing well overseas.There is a good network of conservatories and the teachingis of high level. Finnish contemporary dance is thought-provoking and also of a high level, but where is the excitingFinnish music theatre that creates something new, asks theLahti City Theatre manager Kari Rentola.

Lahti City Theatre has strongly backed thedevelopment of new Finnish music theatre. Ithas so far organised two Silver Moon compe-titions, where you don’t participate with com-pleted pieces but with outlines for librettosand the music. Of the prize-winning ideas,one is chosen to be written and composed incooperation with the theatre and then per-formed. Two new music theatre performanceshave already been made in this way.

The first competition produced themusical Astoria, which was composed byJukka Linkola and scripted by JukkaItkonen on the basis of Ari-MattiHedman’s original idea. Astoria is set in oc-cupied Budapest during the Second WorldWar, and strains of gypsy music permeateits music world.

The winner of the second competition,composed by Petri Kaivanto and scriptedby Pasi Toivanen, was Leyla and Daniel,which tells the tragic love story of an immi-grant girl and a Swedish boy. The musicalreceived its premier in autumn 2005. Ori-ental folk and pop music add exciting fla-vours to the music, which has also been in-fluenced by western rock and pop.

– Leyla and Daniel is a topical subjectwhich will be understood all over Europe,Rentola says.

There is no tradition

Lahti City Theatre is too big for its home-town, which was growing and developingvigorously when the theatre house wasplanned in the 1970s and built in the1980s. This growth was expected to con-tinue, but the sudden demise of the USSRnext door had an enormous impact on Fin-land’s eastern trade and especially Lahti asan established commercial centre.

Lahti City Theatre has to draw an au-dience from the surrounding province and

nearby towns, not to mention the capital it-self. It aims to attract 100 000 viewers ayear, which is a pretty tall order consideringthe town has the same number of inhabit-ants. Music theatre is charged with bringingin around a third of this figure.

– Usually the musical is the economiccornerstone of a theatre, but for us it is theother way round. Producing a new Finnishmusic theatre show means taking a risk,says Rentola.

The theatre has good conditions formaking music theatre as there is a musictheatre study programme in the local poly-technic which provides a source of musi-cians and performers.

– There were a lot of participants in thefirst Silver Moon competition, about forty,but we only received about ten entries forthe next one.

Rentola is surprised at the lack of in-terest, but surmises that the majority ofwell-known Finnish theatre composersmight have so many orders that they areunable to find the time to develop piecesfor the competition. Maybe a competitionevery other year is too much for composersand scriptwriters – after all, even the theatreis hard pushed to produce a new Finnishmusical every other year. In the future thepace of the competition will be more re-laxed.

But Rentola also thinks that lack oftradition may be one of the reasons for thehard work involved in creating somethingnew, as it is difficult to get the ball rollingwhen there are no inspiring examples tolook up to. One aim of the Silver Mooncompetition has been to help create newcomposer-scriptwriter pairs or teams.

– Composers also have prejudices.They think that we are looking for somekind of Finnish Hello Dolly, but this isn’tthe case. We are not even looking for a mu-

sical, but rather distinctive new music thea-tre. It would be great if the beginning of theseason found the audience eager to find outwhat kind of new music theatre was on offer,as they are now waiting to see what KristianSmeds or KOM theatre will be doing.

New and previously unseen

Rentola is hoping for new music theatrethat will capture the zeitgeist with regards toboth themes and music.

– When it comes to music theatre, re-cycling seems to be in – themes are recycled

● Theatre manager Kari Rentola is looking for new, creative,unseen and unheard Finnish music theatre.● Le directeur de théâtre Kari Rentola milite pour unecomédie musicale finlandaise innovante jamais vue et jamaisentendue.

● Leyla and Daniel is set in Stockholm, but the forbiddenlove story of an immigrant girl and a Swedish boy is trulyinternational. On the photo Elsa Saisio and Timo Välisaari.

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L’OPÉRAET LE ROCKPROSPÈRENT– MAIS QU’EN EST-ILDE LA COMÉDIEMUSICALEFINLANDAISE ?Nous remplissons toutes les conditions : la Finlande est unpays de musique bien connu, 10 à 15 nouveaux opéras y sontcomposés chaque année et la musique rock finlandaise a dusuccès à l’étranger. Notre réseau de conservatoires est bon etl’enseignement qui y est donné est d’un haut niveau. La dansemoderne finlandaise est intéressante et d’une grande qualité.Mais où est la comédie musicale finlandaise innovante etcaptivante ? demande Kari RentolaKari RentolaKari RentolaKari RentolaKari Rentola, directeur du Théâtremunicipal de Lahti.

nés est réalisé, ce qui signifie que son livretet sa composition sont achevés en collabo-ration avec le théâtre, puis l’œuvre estjouée. Deux nouvelles comédies musicalesont vu le jour de cette manière.

Le premier concours avait donné nais-sance à la comédie musicale Astoria compo-sée par Jukka Linkola et écrite par JukkaItkonen d’après l’idée originale d’Ari-MattiHedman. L’action d’Astoria se situe dans laBudapest occupée durant la SecondeGuerre mondiale et sa musique s’inspire dela musique tsigane.

Le deuxième concours a été remportépar Leyla ja Daniel (Leyla et Daniel) com-posée par Petri Kaivanto et écrite par PasiToivanen. Cette comédie musicale racontel’histoire d’amour tragique d’une jeune filleimmigrée et d’un garçon suédois. Sa pre-mière a été donnée cette automne 2005. Lamusique populaire et la musique pop orien-tales donnent des tons palpitants à cetteœuvre qui a également subi l’influence dupop et du rock occidentaux..

– Leyla ja Daniel traite d’un sujet d’ac-tualité que l’on comprend partout en Eu-rope, dit Rentola.

Il n’y aucune tradition

Le Théâtre municipal de Lahti est tropgrand pour cette ville. Lorsqu’il a été conçu,dans les années 1970, et construit dans lesannées 1980, Lahti connaissait une fortepériode de croissance. Cette croissance étaitsupposée se poursuivre, mais elle s’est arrê-tée avec l’effondrement du système socia-

liste dans le pays voisin de la Finlande et leralentissement du commerce avec lui. Lahti,qui était un centre d’affaires célèbre, en aparticulièrement souffert.

Le Théâtre municipal doit donc trouverdes spectateurs dans toute la province, les vil-les voisines et même la capitale. Il a pour ob-jectif de recevoir 100.000 spectateurs par an.C’est un objectif ambitieux pour une ville de100.000 habitants. La comédie musicale doiten représenter environ un tiers.

– La comédie musicale constitue en gé-néral la base économique d’un théâtre, maisc’est le contraire chez nous. Nous prenonsun risque en produisant une nouvelle comé-die musicale finlandaise, explique Rentola.

Les conditions sont favorables au Théâ-tre municipal de Lahti pour produire des co-médies musicales dans sa ville, car l’Institutuniversitaire professionnalisé local possèdeune section de comédie musicale qui fournitdes musiciens et des acteurs au théâtre.

Le nombre de participants du premierconcours Hopeakuu a été élevé, une quaran-taine, mais celui du second n’a été que d’unedizaine.

Rentola s’étonne du faible nombre d’in-téressés. Il pense que les compositeurs drama-tiques finlandais les plus célèbres sont si em-ployés par des œuvres commandées qu’ilsn’ont pas le temps de développer des idéespour le concours. Un concours tous les deuxans laisse peut-être trop peu de temps auxcompositeurs et aux auteurs. Il est égalementdur pour le théâtre de produire une nouvellecomédie musicale finlandaise tous les deuxans. Le concours sera à l’avenir organisé à deplus grands intervalles.

Mais Rentola pense aussi que le man-que de traditions explique en partie la faiblecapacité de produire du nouveau. Il est dif-ficile de commencer à créer du nouveaulorsqu’aucun modèle existe. L’un des objec-tifs du concours Hopeakuu a été d’associercompositeurs et auteurs par paires ou decréer des équipes de travail.

– Les compositeurs ont également despréjugés. Ils imaginent que nous recher-chons une Hello Dolly finlandaise, mais cen’est pas le cas. Nous ne recherchons mêmepas une comédie musicale, mais une piècemusicale originale d’un nouveau genre.Cela me ferait grand plaisir que le public at-tende avec intérêt, au début de la saison, lacomédie musicale que nous allons produirecette année – comme il attend maintenantce que Kristian Smeds va faire ou ce que leThéâtre KOM va présenter.

Du nouveauet du jamais vu

Rentola souhaite que des comédies musica-les dans lesquelles les sujets et la musiquesont nouveaux et actuels soient composées.

– L’actualisation semble être l’atoutmaître de la comédie musicale. Les piècesclassiques sont transformées en comédiesmusicales ou bien les sujets sont pris dans

Le Théâtre municipal de Lahti a forte-ment contribué à la naissance de la nouvellecomédie musicale finlandaise. Il a organisédéjà à deux reprises le concours Hopeakuu(Lune d’argent) qui n’est pas destiné à desœuvres toutes prêtes, mais à des idées de li-vret et de musique. L’un des projets couron-

● Leyla ja Daniel se situe à Stockholm, mais l’histoire d’unamour interdit entre une fille immigrée et un garçon sué-dois peut être comprise dans le monde entier. Sur la photoElsa Saisio et Timo Välisaari.

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by changing classics into musicals, choosinga famous person’s life for the subject, or re-cycling music. The text is written and theshow is built around popular music that hasbeen previously composed, but I for onemiss the element of something new andpreviously unseen.

– The subject of music theatre is notdefined by its style; many musicals are trag-

edies which deal with serious issues. Creat-ing music theatre is after all a question ofskill, the defining condition being that themusic must work from the first hearing.

Kari Rentola has also held the post ofRector of the Finnish Theatre Academy,during which time he started the musictheatre training programme that was laterintegrated into the academy’s curriculum.This has resulted in a few highly talentedmusic theatre-makers graduating from theacademy every year. Rentola howeverstrictly rejects setting music theatre apart orspecialisation in it.

– It wouldn’t be a good thing to pro-duce music theatre directors or music thea-tre actors - I think it is important that di-rectors and actors are involved in dramaand music theatre alike.

Forget what has gone before

Director Kurt Nuotio has directed a lot ofmusic theatre, and music features signifi-cantly in his drama directions too.

– I suppose Finnish music theatre isjust about to arrive. We have very talentedcomposers, and the younger generation hasa lot of multitalented people we will soonbe hearing about. The problem may lie indeveloping the texts, Nuotio says.

– If music theatre has any limits, theyare between the ears of the makers. Writers

● Director Kurt Nuotio● Metteur en scénen Kurt Nuotio

Leaning on the same grand piano

to get bogged down in them, he says.Leyla and Daniel is the fourth work the

pair have made together. The children’s mu-sical Pinocchio followed the course exercisework, and they entered the first SilverMoon competition with the political satireSpiritus Fortis, which describes a transferralof power in a small town.

– We saw an old Hollywood film wherethe scriptwriter and composer were creatinga musical by leaning on a grand piano. Forus it is an ideal way of working, Kaivantolaughs, and Toivanen affirms that works doindeed come together at the same piano. Hesays that he prefers to apply the finishingtouches to his script with the composer athis side and be able to test the songs at thesame time as Kaivanto is composing them.

A lot of the dialogue in Leyla and Danielis sung, and the music carries the events andthe storyline.

Toivanen puts it in a nutshell;– When the drama is compressed, there

will be singing. Content determines theform. Music is no mere icing for the story’scake – it has a definite dramaturgic effect.

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should forget all the music theatre that hasbeen made so far and erase certain formulasfrom their minds. Composers can breakwith the mould, as Jukka Linkola showedwith the thrilling jazz that formed the mu-sical backdrop to Astoria.

Nuotio is the director of Leyla andDaniel. New text and music that is sung al-most all the way through is a challenge forthe director.

– With a first premiere, it still takes alot of work to turn the libretto and the mu-sic into real situations and relationships be-tween people. The action on the stage is themost essential thing, and a lot depends onthe team as well.

On the other hand making a premiere

gives the director’s own creativity someroom. It can be inspiring, which cannot besaid about those foreign musicals that mustbe directed as clones of the originals.

– It is painful when the agent is sittingin the auditorium with a close eye on thecontract, making sure that it is being fol-lowed and that the show is a carbon copy.The making of that kind of musical is nofun at all.

Nuotio has noticed that old music, e.g.theatre music from 1950s, has to be rear-ranged for contemporary audiences, whosetastes and listening habits have changed somuch that the old music fails to do its job.

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T E X T : A N N E L I K A N T O

The scriptwriter – composer team of PasiToivanen and Petri Kaivanto got to knoweach other in a music theatre trainingcourse about ten years ago.

– The training was meant to help peo-ple from different fields understand eachanother, which was a great idea. Us com-posers had to do a bit of acting and learnabout dramaturgy, says Kaivanto.

Both young men are multitalentedtheatre people. Kaivanto is a better knownas a lyricist and is often asked in astonish-ment if he has really written all the noteshimself too. He has also studied Arabic.Toivanen has studied dramaturgy, workedas a director-manager of a small theatre,and written texts, dance librettos anddramatisations. His own musical hobby issinging.

– It’s good for the scriptwriter to ob-serve the theatre from a different aspect aswell. Directing has its uses, but if the writeris not musically oriented, he can’t write mu-sic theatre. I imagine my texts being sung,so when I write I think about stresses, sylla-bles, rhymes and form. It is good to knowthe classical forms although you don’t need

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...des vies de personnes célèbres. Ou bien onopère une sorte de recyclage de la musiqueen choisissant une musique populaire déjàexistante autour de laquelle on écrit un texteet on construit la mise en scène. Je voudraistoutefois voir et entendre quelque chosed’entièrement nouveau.

– Le genre de la comédie musicale nelimite pas le choix du sujet. Beaucoup decomédies musicales traitent en fait de sujetssérieux tout en étant tragiques. Le savoir-faire ne doit pas être absent de la comédiemusicale. Une condition restrictive est quela musique fasse son plein effet dès la pre-mière fois qu’elle est entendue.

Kari Rentola a également été directeurde l’Ecole supérieure d’Art dramatique. Il

avait alors initié un cursus de comédie mu-sicale qui a par la suite été intégré dans l’en-seignement de l’école. C’est pourquoi desdiplômés en comédie musicale sortent cha-que année de cette école. Rentola rejettetoutefois catégoriquement que la comédiemusicale soit séparée des autres formes dethéâtre et qu’elle fasse l’objet d’une spéciali-sation.

– Il n’est pas bon que les metteurs enscène et les acteurs se spécialisent unique-ment dans la comédie musicale. Il est im-portant à mon avis qu’ils s’intéressent tantau drame qu’à la comédie musicale.

Oublier ce qui a été déjà fait

Le metteur en scène Kurt Nuotio a mis enscène de nombreuses comédies musicales etla musique joue également un rôle impor-tant dans ses mises en scènes d’œuvres dra-matiques.

– Je pense que la comédie musicale fin-landaise n’en est qu’à ses débuts. Nousavons des compositeurs très doués et des ta-lents multiples dans la nouvelle générationdont on entendra parler. La difficulté gîtpeut-être dans les textes, dit Nuotio.

– Si la comédie musicale a des limita-tions, celles-ci se trouvent dans l’esprit desauteurs. Ceux-ci devraient oublier toutes lescomédies musicales faites jusqu’ici et chas-ser également de leur tête les modèles deforme. Les compositeurs sont bien capablesde briser les modèles – Astoria par exemplefait apparaître le passé de musicien de jazzde Jukka Linkola.

Nuotio a mis en scène Leyla ja Daniel.Le texte qui est nouveau et la musique pres-que entièrement chantée lancent un défi aumetteur en scène.

– Dans une création originale, l’adap-tation du livret et de la musique aux scèneset aux rapports entre les personnes de-mande beaucoup de travail. L’essentiel estl’action sur la scène. Beaucoup dépend éga-lement des membres de l’équipe de travail.

Accoudés au même piano à queue

il n’est pas nécessaire de s’y accrocher, dit-il.Leyla ja Daniel est la quatrième œuvre

commune de Kaivanto et de Toivanen.L’œuvre qu’ils ont composé à la fin de leursétudes a été suivie par la comédie musicalepour enfants Pinokkio et, pour le premierconcours Hopeakuu, la satire politique Spi-ritus Fortis sur la passation de pouvoir dansune petite ville.

– Nous avons vu un vieux film hol-lywoodien dans lequel l’auteur et le compo-siteur étaient en train de créer une comédiemusicale, accoudés au même piano à queue.C’est pour nous le mode de travail idéal, ditKaivanto en riant et Toivanen témoigne queles œuvres communes voient réellement lejour autour d’un piano. Celui-ci peaufinevolontiers le scénario conjointement avec lecompositeur et essaie les chansons en mêmetemps que Kaivanto les compose.

Une grande partie du dialogue de Leylaja Daniel est chantée et la musique faitavancer l’action et l’histoire.

– Lorsque le drame prend de l’intensité,les personnages chantent. Le continu condi-tionne la forme. La musique n’est pas làpour enrober l’histoire, mais elle joue unrôle dramaturgique, précise Toivanen.

L’auteur Pasi Toivanen et le compositeurPetri Kaivanto ont fait connaissance en ac-complissant leur cursus de comédie musi-cale il y a une dizaine d’années.

– Cette formation répondait à la belleidée de permettre à des personnes de diffé-rents domaines de se comprendre. Nousautres compositeurs nous avons dû jouer unpeu et apprendre la dramaturgie, dit PetriKaivanto.

Ces deux jeunes hommes ont des ta-lents multiples en matière de théâtre. PetriKaivanto est connu comme parolier et onlui a souvent demandé s’il avait vraimentécrit lui-même ses partitions. Il a égalementétudié la langue arabe. Pasi Toivanen aquant à lui étudié la dramaturgie, il a étémetteur en scène-directeur dans un petitthéâtre et a écrit des paroles, des livrets pourla danse et des adaptations. Le chant est sonhobby musical.

– Il est bon pour un auteur de voir éga-lement le théâtre sous un autre aspect. Il estutile de mettre en scène des œuvres. Mais sil’auteur n’a pas de sens musical, il ne peutpas écrire des comédies musicales. Mes tex-tes seront chantés et c’est pourquoi je penseaux accents toniques, aux syllabes, aux rimeset à la forme au moment de les écrire. Il estbon de connaître les formes classiques, mais

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Mais la mise en scène d’une créationoriginale donne en revanche place à la créa-tivité du metteur en scène. Les comédiesmusicales étrangères doivent souvent êtremises en scène exactement de la mêmemanière que la représentation originale, cequi n’inspire pas le metteur en scène.

– C’est vraiment pénible que l’agentdes auteurs soit assis dans la salle et suive detrès près si nous respectons le contrat et fai-sons une mise en scène exactement con-forme. A ce moment-là, il n’est plus drôlede mettre en scène une comédie musicale.

Nuotio a remarqué que l’ancienne mu-sique dramatique datant par exemple desannées 1950 doit être réarrangéeaujourd’hui. La musique que le publicentend et le goût musical de celui-ci onttellement changé que l’ancienne musiquene fait plus d’effet telle quelle.

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Leyla and Daniel– A bold musical

The musical Leyla and Daniel won LahtiCity Theatre’s Silver Moon competitionand received its first premiere in autumn2005. The play is based on the Romeo andJuliet story in the same manner as West SideStory, but this time the protagonists are aSwedish boy and an immigrant Muslimgirl. This is not a work of light entertain-ment, but was inspired by the ‘honour kill-ing’ of a Muslim girl in Sweden a couple of

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years ago. In the show, immigrants holdingon to their traditions clash with Swedishsociety’s hidden racism and openly violentneo-Nazism, leaving no room for the futureof the young lovers.

Leyla’s parents have already decidedwhich elderly and wealthy man she willmarry, while Daniel’s well-off Swedish fam-ily expect him to study and have a career.Falling in love makes things hard for theyoungsters’ families as well as themselves.

The work also deals with the themes offreedom of speech and the media’s increas-

ing focus on entertainment and the creationof scandals without a second thought forthe victims.

Kurt Nuotio directed the musical witha fast tempo and bold contrasts, while PetriKaivanto’s music successfully supports theplay’s dramatic turns using oriental tradi-tions as well as western rock. The musicalhighlights of the play are Leyla and Daniel’sheart-renderingly beautiful duets.

Elsa Saisio (Leyla) and Timo Välisaari(Daniel) played the leading roles extraordi-narily well.

Leyla et Daniel – unecomédie musicale dans uneinterprétation audacieuse

La comédie musicale Leyla et Daniel qui aremporté le prix Hopeakuu, organisé par leThéâtre Municipal de Lahti a été prête pourla scène l’automne dernier. Cette œuvren’est pas un divertissement léger. Elle sebase sur l’histoire de Roméo et Juliette –comme West Side Story. Ici un amour vouéà l’échec naît entre un garçon suédois et unefille immigrée musulmane. Le meurtre ditd’honneur d’une fille musulmane en Suèdeil y a quelques années constitue les faitsréels qui sont à l’origine de cette pièce.

En confrontation se trouvent les immi-grés attachés à leurs traditions et le racismelatent de la société suédoise ainsi que lenéonazisme ouvertement violent. Il n’y apas de place pour l’avenir des jeunes amantsentre ces lignes de front.

Les parents de Leyla ont décidé quelhomme, vieux et riche, sera le futur épouxde la fille. Quant à Daniel, il a devant luises études et la carrière d’un fils de familled’un milieu prospère suédois. L’amour entreles jeunes ne convient à aucun des deux mi-lieux d’origine et n’est pas facile pour lesamoureux non plus.

La pièce traite aussi de la liberté d’ex-pression, de l’accentuation du rôle de diver-

tissement des médias, et de la rechercheéhontée du sensationnel sans égards pour ladestinée des gens.

Kurt Nuotio a mis en scène cette co-médie musicale avec une virulence vive ethardie. La musique du compositeur PetriKaivanto souligne avec succès les rebondis-sements dramatiques de la pièce en utilisantdes éléments tant traditionnels orientauxque le rock occidental. Les moments musi-caux importants sont les duos entre Leyla etDaniel d ‘une beauté déchirante

Elsa Saisio (Leyla) et Timo Välisaari(Daniel) ont magnifiquement interprété lesrôles principaux de cette comédie musicale.

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SPIN – EXCITEMENTAND MEDIA CRITICISM

The main Swedish language theatre in Fin-land, the Swedish Theatre in Helsinki, has inrecent years produced highly successful Finn-ish musicals, most of which are targeted atyoung people. Hype, which received its firstpremiere in 2002, has already found an inter-national market.

This year’s large-scale production is Spin,which has been written and composed by Doug-las Pashley, a Canadian who lives in Finland.

Spin is actually a thriller. The leading char-acter, journalist Daniel Jackson, has found a se-

SPIN – SUSPENSEET CRITIQUE DESMÉDIAS

Le Svenska Teatern, la plus importante desscènes finlandaises de langue suédoise, aproduit ces dernières années des comédiesmusicales nationales à succès, le plussouvent à l’intention de la jeunesse. Hype,créée en 2002 a déjà trouvé son chemin surles marchés internationaux.

La grande production de cette années’appelle Spin. Douglas Pashley, Canadienqui a acquis la nationalité finlandaise en estle compositeur et le scénariste.

Spin est en réalité une pièce à suspense.Le personnage principal, le journalisteDaniel Jackson, a retrouvé la piste d’unesociété secrète. Celle-ci cherche à contrôlerla production de la musique pour lajeunesse et en particulier son message. Lesidoles qui ont bouleversé la musique légère,comme Elvis, Jimi Hendrix, John Lennon,Janis Joplin ont été éliminées ou abruties dedrogues pour les faire taire.

cret society which aims to control the productionof youth music, particularly its message. Big idolswho do not fit their idea of light entertainment,such as Elvis, Jimi Hendrix, John Lennon andJanis Joplin, have been disposed of or pumpedfull of drugs to shut them up. Jackson discoversthat the society is still functioning, and that theyouth idol Chantal, whom he recently inter-viewed, is at risk. The wealthy music tsars andtheir cruel agents are trying to ruin Chantal’sreputation with help from the tabloid press, andJackson’s quest for the truth sees him fighting forhis life in the labyrinths of power. Despite itshigh entertainment value, Spin also has an im-portant message, and its criticism of the media is

consistently sharp and accurate.Spin employs a wide range of musical

genres, from rock and pop to romantic solos,and the same diversity characterises the cho-reography, which mixes light and sometimescomic dances with unbelievably skilful streetdance numbers.

The work was directed by Gunnar Helga-son and choreographed by Raija Wäre, andNicke Lingnell, Maria Ylipää / Eeva Vilkkumaa,Anna Hultin and Jonna Järnefelt played theleading roles.

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A N N E L I K U R K I

Daniel Jackson découvre, que cette so-ciété continue à agir et que Chantal, l’idolede la jeunesse qu’il a interviewée, est aussien danger. Les parrains du pouvoir de l’ar-gent avec leurs cruels agents noircissent laréputation de la fille – à l’aide de la presse à

Maria Ylipää

scandale. En cherchant la vérité, Jackson setrouve dans une situation où il doit lutterpour sa vie dans les labyrinthes du mondede la musique.

Malgré son caractère de divertissement,Spin délivre un message important. Lacritique des médias est mordante et pertinentesur toute la ligne.

Les styles de musique sont des plusvariés, allant de la musique pop et rock auxsolos romantiques. La même diversitéd’expression concerne la chorégraphie: auxnuméros de danse légers et comiques sejoignent des numéros d’ensembles de dansede rue d’une très grande virtuosité.

Cette comédie musicale a été mise enscène par Gunnar Helgason, la chorégraphieen a été faite par Raija Wäre. Les rôlesprincipaux ont été tenus par Nicke Lingnell,Maria Ylipää / Eeva Vilkkumaa, Anna Hul-tin et Jonna Järnefelt.

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A N N E L I K U R K I

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A SERIOUSPERSON IS VERYAMUSINGSirkku Peltola is a distinc-tive director and play-wright. Audiences all overFinland recognise themselvesand those around them inthe stereotypical carica-tures, at once ridiculous anddeeply tragic, that featurein her frequently performedplays. Her latest work,The Finnhorse (Suomenhevonen), depicts a rurallifestyle that has beendoomed by the EU.

Peltola has also recently dramatised anddirected a Finnish classic, Minna Canth’sThe Worker’s Wife. She has revitalized it byturning it into a musical called The Carefree(Suruttomat), and it has been a huge successat Tampere’s TTT Theatre where she works.A hundred years ago, Canth’s controversialplay was banned because it showed howpowerless women were before the law, buteven today the work is astonishingly accu-rate in its painful depiction of substanceabuse and the destructive impact this hason the drunkard’s family. Peltola also fo-cuses on Finnish Romany people, the otherdisenfranchised group in the play.

Peltola explains that the peculiar un-dertones in her writing are born of its si-multaneously comic and tragic nature.

– The people in my plays are puzzledwith life, but make a serious effort to tryand make some sense of it, which results incomedy. I simply do not see tragedy andcomedy as separate elements – the very coreof drama lies in combining the two.

Sirkku Peltola entered her profession inthe same manner as Juha Hurme, who fea-tured in our previous issue; they both stud-ied dramatic literature at the University ofJyväskylä and were active members of theJyväskylä Student Union Theatre.

– We did an enormous amount of prac-tical theatre work at the Student Theatre,about five times more than the actual thea-tre students. The Student Theatre’s anarchicspirit makes it quite unlike traditional ama-teur theatre; there were no authority fig-ures, just our own group that we couldwrite for. I mean, I was able to write know-ing that next thing it would be performedon stage. I was writing, directing and act-ing, as well as studying and teaching at theuniversity and working for the JyväskyläCity Theatre. This diverse range of activi-

ties meant that I had to find my own path.It was not self-evident that I would becomea professional – I had to make my ownbreaks, she says.

At the Student Theatre Peltola had thechance to experiment and look for her ownvoice, but the dramatist’s attitude to lifehad already been forged at home with herfamily, where there were big age differencesbetween the children. The eldest, the well-known actor Sulevi Peltola, left to go totheatre school when Sirkku, the youngest,was only four, so it was through her brotherthat the theatre became a part of the fami-ly’s life, although she also has vivid memo-

ries of them all listening to the Sunday ra-dio play together.

The atmosphere in the family wasmade heavy by the wars Finland fought be-tween 1939 and 1945 against Russia andGermany, as her carpenter father had spentfive years off fighting and her mother hadlost her Karelian home.

– War does not usually figure in mygeneration’s childhood memories, but my

father had been trauma-tised by its horrors andnightmares. He was bittertowards society and feltthat life had let him down.The mystery of war puz-zled me from a young age– I actually wallpaperedmy playhouse with photosfrom the Vietnam War.

People areillogical

– An unusual, discordantfamily background pro-duces writers, Peltola says,explaining that the comicaspects of her texts springfrom tragedy and the com-bining of things that donot really fit together. It isactually funny when some-body is really serious.

– I am melancholy bynature, which means thatI have to look for thefunny side of things justto stay alive. This meansthat I always see at leasttwo sides to every story.

In Peltola’s opinionthe other key thing is theimpossibility of trying tomake sense of people.

– Of course we havethis need to understand and solve things,and when the actors are building their char-acters they yearn for a bit of logic, but thebottom line is that I can’t find any logic inreal life. People are unpredictable, unex-plainable and absurd, and it annoys me ifthe characters in a play are consistent.

Peltola says that she still writes every-thing “directly for the stage”, with her di-rector-self firmly seated next to her writer-self. Even as she writes she can see thetempo, lighting, atmosphere and even theactors, although things do not always nec-essarily turn out as she imagines. She alsotests the rhythm of the text by playing allthe parts herself.

– I find it hard to watch other people’sdirections of my texts because I have imag-ined everything so vividly beforehand. Italso disturbs me that the tragic features areoften wiped away by an excessively light in-terpretation, she says.

● Sirkku Peltola is a director and a playwright whose textsare an original mix of comedy and tragedy about peculiarpeople. On top of everything else she is also more thanwilling to tackle social issues.● Sirkku Peltola est une metteuse en scène et un auteurdramatique dont les pièces originales sur des personnesbizarres combinent le comique et le tragique. Elle est enmême temps un auteur très social.

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TOUTE PERSONNESÉRIEUSE EST TRÈSCOMIQUESirkku Peltola est unemetteuse en scène originaleet elle est également unauteur dramatique dont lesœuvres sont beaucoupjouées. Partout en Finlande,le public se reconnaît dansses pièces où il se voitlui-même dans son milieu,caricaturé, typé, ridicule eten même temps profondé-ment tragique. Sa pièce laplus récente, Suomen hevo-nen (Le cheval finlandais),a pour sujet le mode de vierural condamné à disparaî-tre par l’Union européenne.

Elle a récemment adapté et mis en scèneune œuvre classique de la littératurefinlandaise, la pièce Työmiehen vaimo (Lafemme de l’ouvrier) de Minna Canth. Peltolaa rafraîchi cette pièce en en faisant unecomédie musicale et en lui donnant unnouveau nom, Suruttomat (Les insouciants).Cette pièce a connu un énorme succès auThéâtre TTT de Tampere où Peltolatravaille. Les représentations de la pièce deCanth avaient été interdites il y a cent ans,car le texte mettait nettement en évidence laprécarité de la condition des femmes. Il estétonnant que la pièce évoque encoreaujourd’hui vivement et avec pertinencel’alcoolisme et son effet destructif sur lafamille de l’ivrogne. Peltola a égalementdonné plus d’importance à l’autre groupedénué de droits qui apparaît dans la pièce,les Roms.

Peltola explique le ton original de sespropres textes par la simultanéité ducomique et du tragique.

– Les personnages de mes pièces sontdésemparés dans la vie, mais ils essayentsérieusement de trouver une solution. Celaproduit le comique. Je ne peux absolumentpas considérer le tragique et le comiquecomme étant séparés. A mon avis, leurréunion crée le cœur du drame.

Sirkku Peltola est venue au théâtre parla même voie que Juha Hurme que nousavons présenté dans notre dernier numéro.Les deux ont étudié la littératuredramatique à l’Université de Jyväskylä etparticipé aux activités du Théâtre desétudiants de Jyväskylä.

– Nous faisions énormément de théâtrepratique au Théâtre des étudiants, au moinscinq fois plus que les étudiants en art dra-

matique. Le Théâtre des étu-diants ne représente pas le théâ-tre amateur traditionnel, car uncertain esprit anarchique y atoujours régné. Nous n’étionspas soumis à une autorité, nousétions entre égaux et nous pou-vions écrire les uns pour lesautres. J’ai pu donc écrire despièces directement pour la scène.J’écrivais, je mettais en scène etje jouais, j’étudiais et j’enseignaisà l’université et je travaillais éga-lement au Théâtre municipal deJyväskylä. Cette multitude d’ac-tivités me donnait la possibilitéde trouver ma propre voie. Jedevais également me constituerun métier par moi-même – cen’était pas du tout évident, ditPeltola.

Le théâtre des étudiantsétait pour Sirkku Peltola une« école » pour rechercher sapropre écriture et faire des ex-périences, mais l’âme du dra-maturge existait déjà dans safamille dont les membresavaient des âges très divers.L’aîné des cinq enfants de lafamille, l’acteur Sulevi Peltola,est entré à l’Ecole supérieured’Art dramatique lorsque labenjamine, Sirkku, avait qua-tre ans. Le grand frère avaitapporté le théâtre dans la viede cette famille, mais SirkkuPeltola se rappelle également l’habitude fa-miliale commune d’écouter les pièces radio-phoniques tous les dimanches.

La guerre pesait sur l’ambiance fami-liale, car le père, qui était charpentier, avaitperdu cinq ans de sa vie à la guerre et lamère avait dû abandonner sa maison en Ca-rélie.

– La guerre n’a en général pas influésur l’enfance des personnes de ma généra-tion, mais elle avait rempli l’âme de monpère d’horreurs et de cauchemars. Mon pèreressentait de l’amertume vis-à-vis de la so-ciété et considérait que la vie l’avait trahi.J’ai tenté de résoudre le mystère de la guerredès mon bas âge. Le fait que j’avais tapisséles murs de ma petite cabane de jeu avec desphotos de la guerre du Vietnam le montrebien.

L’homme est illoilloilloilloillogiquegiquegiquegiquegique

– Une famille bizarre et contradictoire donnenaissance à un écrivain, dit Peltola en riant,et elle ajoute que le comique de ses textesprend source dans le tragique et la réuniond’éléments hétérogènes. Une personnesérieuse qui ne plaisante pas est comique.

– Je suis encline à la mélancolie. Il fautque je voie le côté comique des choses pour

rester vivante. Je vois donctoujours deux côtés. Aumoins.

L’énigme de l’homme estselon Peltola un autre pointessentiel.

– Nous avons bien unbesoin d’expliquer et demettre au clair et les acteursrecherchent une logique encréant un rôle, mais je netrouve pas de logique dans lavie réelle. L’homme est unêtre imprévisible, inexplicableet absurde. C’est pourquoi jesuis gênée si les personnagesd’une pièce sont logiques.

Peltola dit qu’elle écrittoujours « directement pourla scène ». Son moi de met-teuse en scène est solidementinstallé à côté de son moid’auteur. Elle pense au tempo,à l’éclairage, à l’ambiance etmême aux acteurs au mo-ment d’écrire le texte, bienque ses idées ne se réalisentpas nécessairement. Elle testeégalement le rythme du texteen jouant elle-même.

– Il m’est difficile deregarder une mise en scène demon texte par un autre, vu laforte idée que j’en ai moi-même. Je suis égalementgênée si mon texte estinterprété avec trop delégèreté et que le tragique en

soit absent, dit-elle.

Le dialecteest une mentalité

Sirkku Peltola décrit le monde d’aujourd’hui,les familles bizarres et les personnes marginalesétonnantes qui caractérisent l’évolution de lasociété. Les textes de Peltola ont un aspect trèssocial. Mummun saappaassa soi fox (Ça fox-trotte dans la botte de Mamie) raconte l’histoired’une famille dans laquelle les parents se sontentièrement détachés de leur responsabilité etont relâché leur emprise sur leurs enfants.Haikarapolska (La dance de la cigogne) a poursujet la stérilité et la relation d’un couple miseà l’épreuve par le traitement de la stérilité.

Les pièces de Peltola sont caractériséespar un dialogue aéré qui se poursuit ici et là àla vitesse de la pensée, qui donne à l’acteurune grande marge de manœuvre et qui est

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A dialect isa way of thinking

Peltola depicts today’s world, it’s weird fami-lies and the amazing characters at the mar-gins of society in whom features of societaldevelopment are crystallized. Her texts em-brace social issues; Foxtrot from Granny’s boot(Mummun saappaassa soi fox) is the story of afamily where the parents have totally relin-quished all responsibility and washed their

hands of their children, while The storkpolska (Haikarapolska) is about a couple whoare unable to have children and how the fer-tility treatments wreck their relationship.

Peltola’s plays are characterized by airydialogue that flashes to and fro, giving theactors a lot of room for interpretation. Sheemploys all the richness of modern slangand is no stranger to dialects, pointing outthat her mother is from Karelia, her hus-band is from Ostrobothnia, and she herselfgrew up in Häme and has worked in Jyväs-kylä, Kuopio, Joensuu, Lahti, Tampere,Rauma and Helsinki - in other words all overFinland save the north.

– I take dialects very seriously; it isn’tjust a way of talking but a way of thinkingtoo. I feel close to the Häme dialects butI’ve also learned to understand theOstrobothnian dialect and way of thinking,which actually suits my mentality very well.I have my 13-year-old daughter to thankfor my familiarity with the way the youngones use language.

Peltola wonders whether translations ofher texts into other languages work out, as away of talking is also a way of thinking andthe words might say one thing but actuallymean another on a deeper level. That said,The crow’s brother (Variksen veli) is an exampleof one of her plays that has been successfullytranslated into English and received well.

– I suppose that the English must alsohave their share of ageing bachelors who havestayed too long with their mothers, she says.

Disappearing, cherishedFinnish horse

Peltola’s latest play, The Finnhorse, depictsthe traditional respected rural lifestyle,which is being gradually eroded by absurdEU rules and regulations. This lifestyle issymbolized by the Finnish horse, a serious-minded, dignified and patient animal whosefate in the play is to end up on the choppingblock, sold off to the Sicilian Mob.

Like many other Finns, the Peltolasspent their summers at a cabin in the coun-tryside, and the roots of the play can befound in the time the family spent in thisfashion in Kangasala, not far from theirTampere home.

...– That’s where I got to know about

farmers and Finnish horses, and also whereI witnessed the death of farming in Finland.The bread we eat is no longer made ofFinnish grain, and even dough is importedfrom Estonia! We are losing our heritageand I’m astonished at how little attentionthis gets and the lack of protest againstthese developments.

EU regulations are driving down thenumber of farms, which are themselves be-coming larger. All this results in absurdsituations such as dairy farms having tofind more land, solely in order to secure theright to spread their cows’ manure on thefields. EU regulations demand that theremust be 1.5 hectares of land per cow.

– What is happening in the country-side is the same kind of madness that seesus dressing up in clothes that have beenmade in Asia.

Sirkku Peltola

Sirkku Peltola was born in 1960. She ismarried to the musician and lyricist HeikkiSalo. She works as a director at the TTTTheatre in Tampere.

Plays:Small giant 1985Global bar 1986The crow’s brother 1990Starry sky street 3 1993The missing piece 1994Beauty and the Beast 1995Beatlehem(with Heikki Salo) 1996Sugar! Sugar! 1996Everything in a plastic bag 1996We all limp 1997Free! Wedding dress 1997Reverend Tarsalainen and theJungle Laws 1997Knut Longfoot 1999The stork polska 1999Foxtrot from Granny’s boot 2000The Finnhorse 2004

English translations have been made of Thecrow’s brother (Anselm Hollo 1991) and TheFinnhorse (Ewa Buchwald 2005). Everythingin a plastic bag has been translated into Ital-ian (Tutto una di plastica / Cilla Back1998).

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A N N E L I K A N T O

● The Finnhorse by Sirkku Peltola at the TTT-theatre ofTampere. On the photo Maria Aro, Aimo Räsänen, TuireSalenius and Antti Litja.● Le cheval finlandais de Sirkku Peltola au Théâtre TTT deTampere. Sur la photo Maria Aro, Aimo Räsänen, TuireSalenius et Antti Litja.

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écrit dans la langue parlée d’aujourd’hui, avectoutes ses nuances délicieuses. Les dialectessurgissent également. L’auteur rappelle que samère était Carélienne, que son mari estOstrobotnien, qu’elle est elle-même originairede la région du Häme et qu’elle a travaillé àJyväskylä, Kuopio, Joensuu, Lahti, Tampere,Rauma et Helsinki – donc un peu partout àl’exception du Nord.

– Le dialecte est important pour moi.Il n’est pas uniquement fait de mots, maisreprésente une mentalité. Les dialectes duHäme me sont proches, mais j’ai égalementappris à comprendre les dialectes et lamanière de penser de l’Ostrobotnie. Ilsconviennent bien à ma mentalité. Ma fille,qui a 13 ans, m’a quant à elle permis deconnaître le langage des jeunes.

Peltola se demande comment sesœuvres peuvent être traduites dans d’autreslangues, car la langue des œuvres est unmode de pensée et les mots peuventsignifier tout à fait autre chose que lapensée qui leur est sous-jacente. Sa pièce

...– C’est là que j’ai fait connaissance

avec les agriculteurs et les chevaux finlan-dais et que je vois mourir l’agriculture enFinlande. Nous ne mangeons plus de painfait avec des céréales finlandaises et la pâteelle-même est importée d’Estonie ! Nousperdons ce qui nous appartient. Je suis sur-prise que cette évolution soit passée sous si-lence et que personne ne proteste contre cetétat de choses.

Les exigences fixées par l’UE fontdiminuer le nombre de fermes et augmenterleur taille. Cela entraîne des opérationscompliquées lorsque par exemple les fermesd’élevage doivent agrandir leurs superficiesde terres cultivées pour avoir le droit d’yétendre le fumier produit par le bétail. Ladirective de l’UE exige d’avoir 1,5 hectarede champ par vache.

– Ce qui se passe à la campagne relèvede la même absurdité que le fait de s’habillerdans des vêtements fabriqués en Asie.

Sirkku Peltola

Sirkku Peltola est née en 1960. Elle est ma-riée avec Heikki Salo, musicien et parolier.Elle est metteuse en scène au Théâtre TTTde Tampere.

Pièces :Pikku jättiläinen 1985Maailman baari 1986Variksen veli 1990Tähtitaivaankatu 3 1993Puuttuva pala 1994Kaunotar ja hirviö 1995Beatlehem (conjointement avecHeikki Salo) 1996Sokeria! Sokeria! 1996Muovikassissa kaikki 1996Kaikkihan me onnumme 1997Annetaan hääpuku pois 1997Pastori Tarsalainen javiidakon lait 1997Knut Pitkäjalka 1999Haikarapolska 1999Mummun saappaassa soi fox(Ça fox-trotte dans la botte deMamie) 2000Suomen Hevonen 2004

Parmi ses pièces, Variksen veli (The Crow´sBrother/Anselm Hollo 1991) et Suomenhevonen (Ewa Buchwald 2005) ont ététraduites en anglais. Muovikassissa on kaikki(Tutto una di plastica/Cilla Back.1998) aété traduite en italien.

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A N N E L I K A N T O

Aimo Räsänen and/et Maria Aro.

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Variksen veli (Le frère de la corneille) a ététoutefois traduite et comprise par exempleen anglais.

– Les vieux garçons qui sont restésdans le giron de leur mère doivent bienexister aussi en Angleterre, pense Peltola.

Le précieux cheval finlandaisen voie de disparition

La plus récente pièce de Peltola, Suomenhevonen (Le cheval finlandais), décrit l’an-cien mode de vie rural inappréciable qui estbrisé et détruit par les directives abracada-brantes de l’Union européenne. Ce modede vie est symbolisé par le cheval finlandais,un animal sérieux, précieux et patient qui,dans cette pièce, est abattu et dont la viandeest vendue à des mafiosi siciliens.

Cette pièce tire son origine des étéspassés à Kangasala. Comme tant de famillesfinlandaises, les Peltola passent leurs étésdans leur chalet situé dans une communevoisine de Tampere, la ville où ils résident.

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YOU CAN’T GOTHERE WITH THEFINAL TRUTHKAISA KORHONEN HAS TRAVELLED A LONGROAD AS A SEEKER AND A FINDER

Every now and then the radio plays somenostalgic songs from the ’60s, and it is im-possible not to recognise Kaisa Korhonen’sstrong appealing voice. Political songs werea popular and widely influential art formback then, and young theatremakers wereintroducing them to the public.

Nowadays Korhonen is a famous direc-tor whose works impress, raise debate, andeven sometimes irritate – something like thewoman herself, who is an amazing hybrid ofwell brought-up daughter of a priest andhard-hitting prestigious theatre guru. Formaleducation has not been her thing, althoughas a teacher she has had a big influence ontheatre tuition. Seldom has anyone been sodeterminedly aware of their calling as a di-rector; she even quit her studies in set designwhen making real works at the student thea-tre started taking up all her time.

Society, women, power and family arethe main themes that have remained strongin her work; only the perspectives andplaces have changed. The political plays shemade with her peers depicted mockery, self-deception and a search for change, andcritical appraisal revealed an alternative re-ality; ethically wholesome, forward-orientedand demanding action. Theatre trips andunofficial excursions were to Berlin, whereBrecht was the main influence. Korhonensaid later that his ideas about making thea-tre were strange to her, but that she valuedhis critically ironic view of a human beingas both a social being and a product of his-tory. At a later stage she came to admire Al-fred Hitchcock’s abilities as a director tosuffuse ordinary situations with an atmos-phere of strangeness.

Korhonen has never hesitated to ques-tion herself, for only by asking the rightquestions can one find the right answers.Her sharp and contradictory female charac-ters of the ’70s were born of introspectionand a growing self-knowledge. Gorky’sVassa Zeleznova, Mary Tyrone in O’Neill’sLong Day’s Journey into Night, Vuolijoki’sWomen of Niskavuori and Chekhov’s ThreeSisters all include a series of complicatedand violent family relationships from thefemale point of view. The woman’s role isnot simple; it stretches to include Vassa’sgreed, Mary’s giving up, the joyless loneli-ness of the Niskavuori women and thethree sisters’ compulsive dreams. At thesame time Korhonen supplies the tools tounderstand their actions, circumstances,

possible solutions and the obstacles in theirway. They reflect the director’s growing self-understanding and an acceptance of her fe-male side. This is done without grand femi-nist gestures, but all the same recognises theshadow, if not threat, that male director au-thorities cast over females.

Each of her directions since the turn ofthe century has strengthened the image ofwomen in a triangle of family relations, de-ceit and death. Heta of Niskavuori is a studyof almost unbelievable selfishness, Under theNorth Star brings women out of the shadowsof Finnish history and Tennessee Williams’sSweet Bird of Youth reveals the ugly and self-ish side of nostalgia. Korhonen’s female roleshave revealed so much about the deepest se-crets of human existence that the family cannow be viewed through the eyes of a malecharacter, as in Korhonen’s latest directionFamiljen Bladhs barn (The Bladh’s child).Here the women act as catalysts who forcethe men to look to the past for solutions,and cause their lives to collapse around themlike a house of cards.

The director’s x-ray vision

Space and music are important elements forKorhonen; it was as a singer that she first ex-perienced the draw of the stage, while study-ing set design clarified her understanding ofspace. She usually sticks to strict sets; roomsare not rooms but open places where a fewmeaningful items or pieces of furniture per-form a dramaturgically planned task. Visualsolutions are the result of dialogue betweenthe director and set designer, which in thebest cases gels with the director’s own imagesand associations from the very beginning.Often stimuli from other art forms, espe-cially music, take one’s imagination furtherand help to create the visual world.

Since her student theatre years Korho-nen has resisted being drawn into regularwork. One memorable result of the shorttime she spent as the theatre manager ofHelsinki’s Lilla Theatre was her adaptationof Hagar Olsson’s Easter Passion playLumisota (Snowball Fight), which wasframed as a Finnish political drama. A largepart of Korhonen’s directing has been as avisiting director in theatres throughout Fin-land, often and especially more recently inthe countryside. They are always theatreevents with a real air of education and pro-fessionalism. Moving from one theatre to

another doesn’t weaken her set of aims orthe results, because she has an excellentknowledge of people and an ability to un-derstand them both as builders of roles andas independent actors. No wonder many ac-tors say that she has x-ray vision.

In directing a play one has to have apersonal relationship with its theme; anurge to relate stories about people; and awillingness to filter one’s own ideas throughother people’s. What a director feels in her-self can’t be taken to the stage as the finaltruth; it comes together as an interactionbetween private and common, hidden andpublic, and as communication looking forinner motivation.

Successful cooperation between the di-rector and actors starts already during thecasting phase. Korhonen has a few actorsthat she really trusts as they go back a longway together - when the work flowed well,the group worked together ‘like a band’. Ashared intuitive perception helped themcombine things in an unconventional way,e.g. when searching for a suitable piece ofmusic for a practice method. The actors re-hearsing Long Day’s Journey Into Nightunanimously accepted Ravel’s Pavanen tointerpret their inner selves, and such anawareness of the ensemble was rewardingfor both the director and actors alike.

Strength from weakness

The creation of an atmosphere of trust is es-sential, especially with an educationalproject or a new unknown group of per-formers. The longest lasting encounters areto be found teaching at theatre schools, theFinnish Theatre Academy and TampereUniversity, where she was invited to becomea professor of theatre work and educate stu-dent actors in the face of strong advanceopposition, much of it political.

It is easy to understand that the pomp-ousness and stiffness of the academic world

Kaisa Korhonen

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ON NE PEUT YAPPORTER UNEVÉRITÉ TOUTEFAITEKAISA KORHONEN A FAIT UN LONG CHEMINPOUR CHERCHER ET TROUVER

Sans arrêt, on nous fait entendre à la radiodes chansons tintées de nostalgie des années60. Il est impossible de ne pas reconnaître laforte voix émouvante de Kaisa Korhonen.Les chansons politiques constituaient undomaine en vogue exerçant une grande in-fluence dans l’art de ce temps-là et les jeu-nes acteurs les faisaient connaître au publicavec enthousiasme.

Kaisa Korhonen aujourd’hui: une célèbremetteuse en scène, dont chaque créationimpressionne, éveille la controverse, parfoisagace. Tout comme Korhonen elle-même, unmélange surprenant de fille de pasteur bienélevée, de critique cinglante et de gourou dethéâtre prestigieux. Elle n’a pas choisi la voiede la qualification formelle, bien qu’elle aitjoué en tant qu’enseignante un rôle importantdans la formation des acteurs. Elle n’a pasachevé ses études de décoratrice de théâtre,ayant été irrésistiblement aspirée, lorsqu’elleappartenait à la troupe du Théâtre desétudiants, par son activité de metteuse enscène. Rarement quelqu’un a eu, avec autantde détermination, conscience de sa vocationde metteuse en scène.

La société, la femme, le pouvoir et lafamille constituent la structure permanentedes mises en scène de Kaisa Korhonen toutau long de sa carrière. Seuls les points devues et les localités ont changé. Les représen-tations politiquement orientées, montéesavec des contemporains passionnés, interpré-taient l’ironie, l’illusion et la recherche dechangement. La critique permettait de mon-trer une réalité alternative, éthiquement co-hérente, porteuse de progrès, qui demandedes actes. Les pérégrinations et les voyagesd’études informels l’amenaient à Berlin.Brecht était sa grande idole et son inspira-teur. Par la suite Kaisa Korhonen a dit nepas aimer les directives de Brecht en matièrede, mais apprécier sa vision critique et iro-nique de l’homme en tant qu’être social etproduit de l’histoire. Plus tard, Alfred Hit-chcock a été pour elle un modèle de met-teur en scène avec son talent de créer uneatmosphère étrange dans des situations ba-nales.

Kaisa Korhonen n’a jamais hésité à seposer des interrogations. Ce n’est qu’aprèsse les être posées clairement qu’on peutchercher les bonnes réponses. La perspectivedonnée par l’introspection et la plus grande

connaissance de soi font naître les images defemmes claires et contradictoires des années70. Vassa Zeleznova de Gorki, Mary Tyronedans Long voyage vers la nuit de O’Neill, Lesfemmes de Niskavuori de Vuolijoki et Lestrois sœurs de Tchekhov décrivent toutes desrapports familiaux compliqués et violents,vus sous un angle féminin. Le rôle de lafemme n’est pas sans ambiguïté, il se traduitpar la cupidité de Vassa, le renoncement deMary, la solitude sans joie des femmes deNiskavuori et les rêves obsessionnels desTrois sœurs. Korhonen fournit en mêmetemps les moyens de comprendre leursactes, leurs conditions et les solutionsqu’elles ont à leur disposition ainsi que lesobstacles auxquels elles se heurtent. Celareprésente aussi pour le metteur en scèneune plus grande connaissance de soi etl’acceptation de sa féminité sans grandsgestes féministes, mais avec la conscience del’ombre ou de la menace que présentent leshommes qui font autorité en matière demise en scène.

Les créations des années 2000renforcent pour leur part l’image de lafemme dans le triangle de la famille, de latraîtrise et de la mort. Heta de Niskavuoriest l’étude d’un égoïsme presque incroyable,Ici sous l’étoile polaire fait ressortir lesfemmes de l’ombre de l’histoire de laFinlande et Doux oiseau de jeunesse deTennessee Williams dévoile le côté infirmeet égoïste de la nostalgie. On a été conduitprogressivement à travers les femmesjusqu’à une profondeur cachée de l’être tellequ’il soit possible de choisir l’hommecomme centre de l’image de famille, ou leshommes, comme dans la récente mise enscène de Korhonen, Familjen Bladhs barn(Les enfants de la famille Bladh). La femmey tient une position de catalyseur quiamène les hommes à chercher des solutionsdans le passé et précipite l’effondrement desfigures de leurs vies comme un château decartes.

Une metteuse en scène àl’œil de radiologue

L’espace et la musique sont des élémentsimportants pour Korhonen – c’est en tantqu’interprète de musique qu’elle a d’abordété attirée par la scène et l’importance de

l’espace a commencé à lui apparaître àtravers ses études de décoratrice de théâtre.Korhonen s’en tient à des décors réduits :les pièces ne sont pas des pièces mais desespaces ouverts où quelques meubles ouobjets significatifs remplissent une fonctiondramaturgique. Les solutions visuelles sontle résultat d’un dialogue entre le metteur enscène et le décorateur qui, dans le meilleurdes cas, se fond dès les idées initiales dansles fictions et les associations du metteur enscène lui-même. Dans beaucoup de cas, lesimpulsions données par d’autres branchesartistiques, en particulier la musique,donnent un essor à l’imagination etcontribuent à la naissance des visionsscéniques.

Après les années passées au Théâtre desétudiants, Kaisa Korhonen n’a pas étéattirée par des postes fixes. En tant que di-

rectrice de théâtre, elle a fait un bref passageau Lilla teatern à Helsinki. Un résultat mé-morable en a été la création du Mystère pas-cal dans La bataille de boules de neige deHagar Olsson dans le style du drame politi-que finlandais. Kaisa Korhonen a donnéune grande partie de ses représentations entant que metteuse en scène invitée dans di-vers théâtres finlandais, en particulier en

● Familjen Bladh by Christer Kihlman at the Viirus Theatre,directed by Kaisa Korhonen. On the photo Dick Idman andMarika Parkkomäki. Photo: Kari Junnikkala.● Familjen Bladh de Christer Kihlman au Théâtre Viirus,mis en scène par Kaisa Korhonen. Sur la photo Dick Idmanet Marika Parkkomäki.

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at the end of the ’80s didn’t make the newleft-wing professor feel much at home, pos-sibly because it was too middle-class andreminiscent of a world which she had strug-gled so long to escape from. She cast her in-auguration speech as a poem in which thea-tre was depicted as a poetic art of presenceand transience, as well as an art form thatproduces collective experiences. Theatre hasto have an emotionally healing influence; ithas to jolt the spectator awake and providea cathartic experience.

Korhonen was fond of teaching – aftershe learned to close her eyes to the stiffnessof the academic world – and it took her toTampere and later on to the Theatre Acad-emy in Helsinki to meet a new generation

whose experience and mental world had de-veloped in front of the television screen. Apowerful teaching method is to use one’sown experience to help the acting studentsto find themselves – not only their goodsides but also their weaknesses. Korhonenhas observed, and demonstrated on thestage, that sometimes it is in those weakpoints that one’s courage can be found.

Dark Love – A successfulensemble experience

Korhonen’s years as a professor in Tamperewere followed by a significant time in pro-fessional theatre with the group Dark Love,which made small-scale productions andemphasised collaboration between the di-rector and the actors. The idea was tochange the stiff structure of institutionaltheatre and renew working methods fromthe inside. The eight-member group workedseparately from the main theatre and they

loved their ensemble. The guiding principalof the two-year experiment was, besidescloseness and openness, to create a responsi-ble and creative atmosphere in the rehearsals.

The performances were made one at atime, although the repertoire and even theroles were agreed from the beginning. Thisway it was possible to free institutionaltheatre actors from jumping from one roleto another and back again. The season’s rep-ertoire included both Finnish and foreignclassics, Shakespeare, Dostoevsky andStrindberg. The aim was to make the spec-tators, ordinary people, feel part of and wel-comed into the world of theatre, where highartistic quality did not exclude anyone.

During this experiment Korhonen di-

rected ten plays for the group. Historicalchanges, current trends and the theatre’s eco-nomic troubles affected each play and resultedin contemporary themes manifesting on thestage. Dark Love started at the same time asthe Berlin Wall was collapsing, and the soundof Czechoslovakia’s Velvet Revolution couldbe heard during rehearsals for Othello.Kroetz’s Riistapolku (The Hunting trail), oneof the group’s most touching performances(but which unfortunately threatened its eco-nomical survival) had the political change andexecution of dictators in Romania for a back-drop. In this way the world pushed its wayinto the background of many performances invarious ways and gave them a dramatic feel.

In 1991 Dark Love received the annualPro-Theatre award on the grounds that “…

the worldview in both classic and moderntexts combines multiple and controversialviews of the modern world and the tensionbetween the individual and collectivemind.” Korhonen had reason to be pleasedthat she had achieved her goals.

The director’sposition in crisis

Korhonen is unhappy about the fact that,in today’s theatre and theatre politics, thedirector’s position is in crisis; their work isundermined and she is afraid that their im-portance is diminishing. Professional de-marcation lines are being eroded and thedirector’s work can be combined as a side-

line into the writer’s, actor’s or chorographer’sworkload. This kind of development suffo-cates the director’s work as its own art form,which Korhonen sees as almost holy. “The di-rector’s point of view covers everything, per-meating every aspect of the script and turningtext into subject matter.”

The director has an ethically bindingand artistic job and must shoulder a lot ofresponsibility; direction is creative actionthrough which the performance receivescharacter and spirit. “Socialism of theheart” has been Korhonen’s career’s guidingprinciple, and she recently expressed howmuch this means to her when she referredto her late colleague in an obituary as“someone who continued to carry on thebest traditions of the 1960s.”

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The writer is a professor, theatre researcher and critic

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● Uncle Vanya by Anton Chekhov, directed by KaisaKorhonen at Hämeenlinna Municipal Theatre. On thephoto Ville Sandqvist and Eeva-Maija Haukinen.● Oncle Vania d’Anton Tchekhov, mise en scène par KaisaKorhonen au Théâtre municipal d’Hämeenlinna. Sur laphoto Ville Sandqvist et Eeva-Maija Haukinen.

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...province ces derniers temps. Ce sont tou-jours des événements où le savoir-faire et leprofessionnalisme ressortent fortement. Lepassage d’un théâtre à l’autre n’affaiblit pasles objectifs visés ni les résultats, car KaisaKorhonen est dotée d’un excellent sens psy-chologique et d’une grande capacité decompréhension des acteurs aussi bien entant que créateurs de rôles que comme indi-vidus. C’est pourquoi les acteurs parlent deson « œil de radiologue ».

Le sujet de la pièce à mettre en scènenécessite qu’il y ait un contact personnel,une volonté basée sur la réalité et quipermette à l’imagination de s’envoler, deparler des gens aux gens et de réfléchir sapropre pensée à travers les autres. Ce que lemetteur en scène ressent dans son forintérieur ne peut toutefois pas être porté àla scène comme une vérité toute faite ; celaprend la forme d’une interactionpersonnelle et générale, cachée et publique,d’une communication à la recherche d’unemotivation intérieure.

La réussite de la collaboration entre lemetteur en scène et les acteurs commencepar la distribution des rôles. KaisaKorhonen a ses propres acteurs avec lesquelsle travail est basé sur l’ancienneté desrelations et la confiance. Ayant trouvé unebonne dynamique de travail, la troupe s’estcomportée comme un ensemble demusiciens. Une idée intuitive communecontribue à opérer un rapprochement nonconformiste, par exemple pour trouver unemusique adéquate comme méthoded’entraînement. Les acteurs qui répétaientLe long voyage vers la nuit ont acceptécomme un seul homme La pavane de Ravelcomme interprète de leur moi intérieur. Laconscience de former un ensemble étaitgratifiante tant pour la metteuse en scèneque pour les acteurs.

Les faiblessesengendrent des forces

Il est essentiel de créer un climat de con-fiance, y compris lorsqu’il s’agit d’un projetde formation ou d’une nouvelle troupe. Lesplus solides de ces rencontres ont eu lieudans le cadre de l’enseignement à l’Ecoled’art dramatique, à l’Ecole supérieure d’Artdramatique et à l’Université de Tampere.Kaisa Korhonen a été nommée à ce dernierposte de professeur d’art dramatique et deformatrice d’acteurs pour une période decinq ans malgré une forte opposition quin’était pas exempte de traits de persécutionpolitique.

Il est facile de comprendre que la rigi-dité et la solennité du monde universitaire dela dernière partie des années 80 ne permet-tait pas que le nouveau professeur se sente àl’aise. Peut-être cela lui rappelait-il le trau-matisme des classes moyennes, dont KaisaKorhonen s’était efforcée de s’éloigner enmême temps que ses convictions prenaientforme. Elle a donné à sa leçon inaugurale la

forme d’un poème dans lequel le théâtre estmis poétiquement en valeur comme art dela présence et de l’éphémère tout en consti-tuant une expérience collective. Le théâtredoit avoir un effet salutaire pour les senti-ments, il doit faire prendre conscience auspectateur, provoquer une catharsis.

Kaisa Korhonen se plaisait toutefoisbien dans l’enseignement après avoird’abord appris à fermer les yeux sur larigidité du monde universitaire.L’enseignement l’a amenée à rencontrer àTampere et par la suite à l’Ecole supérieured’Art dramatique à Helsinki une nouvellegénération dont le monde réel et le mondeimaginaire s’étaient formés devant l’écrande télévision. Un bon moyen est alors pourle professeur la capacité d’utiliser sa propreexpérience et ainsi d’aider l’étudiant à seretrouver, non seulement dans ce qu’il a depositif, mais aussi en utilisant ses faiblesses.Kaisa Korhonen a découvert et a concrétisésur la scène que c’est précisément dans lafaiblesse de l’homme que peut se cacher saforce.

Musta rakkaus –L’expérience réussied’un ensemble

La troupe Musta rakkaus (Amour noir) aété une étape importante de théâtreprofessionnel après les années passées àTampere comme professeur. La coopérationentre acteurs et metteur en scène s’y estaccomplie dans des productions de petitesdimensions. L’idée était qu’il était possiblede modifier les structures rigides du théâtreinstitutionnel et de rénover de l’intérieurson mode de travail. Ce théâtre fut l’amourcommun d’une troupe de huit personnesdétachées d’une scène principale et l’un desprincipes qui ont régi l’expérience de deuxans était de créer dans les répétitions, enplus d’une proximité et d’une ouverture,une ambiance empreinte du sens de laresponsabilité et de prise de conscience.

Les représentations étaient préparéesune par une, bien que l’ont se fût misd’accord sur le répertoire et même sur lesrôles dès le début. Il était ainsi possible delibérer les acteurs du théâtre institutionnelde l’exploitation, du passage perpétuel d’unrôle à l’autre. Le répertoire de la saisoncomprenait des œuvres d’auteurs classiquesfinlandaises et étrangers, Shakespeare, Dos-toïevski, Strindberg. Le but était d’amenerles spectateurs, l’homme de la rue ordinaireà se sentir concerné et convié dans unmonde de pièces de théâtre n’excluant per-sonne en raison de son haut niveau.

Durant cette expérimentation qui s’estétendue sur trois ans, Kaisa Korhonen a misen scène pour sa troupe dix pièces. Lesbouleversements historiques, l’esprit dutemps, mais aussi les problèmes économi-ques du théâtre ont accompagné le passaged’une pièce à l’autre en en faisant ressortirdes thèmes actuels. Musta rakkaus a débuté

à l’époque de la chute du mur de Berlin,durant les répétitions d’Othello retentissaitl’écho de la révolution non violente de laTchécoslovaquie. Le sentier du gibier deKroetz, une des pièces les plus touchantesde la troupe qui menaçait malheureusementson existence économiquement, avaitcomme fond de tableau les bouleversementspolitiques de la Roumanie et l’exécution destyrans. Le monde a fait irruption de diffé-rentes manières sur le fond de tableau despièces et leur a donné une charge dramati-que.

En 1991, Musta rakkaus a reçu le prixVuoden teatteriteko 1990, dont l’octroiétait motivé en ces termes « - - la vision dumonde de textes aussi bien classiques quecontemporains se fond dans le mondeactuel sous des formes multiples etcontradictoires – dans les tensions entrel’esprit individuel et social. » KaisaKorhonen pouvait avec raison être satisfaitede la réalisation des objectifs qu’elle s’étaitfixés.

La position du metteuren scène dans la crise

Ce qui ne satisfait pas Kaisa Korhonen dansle théâtre d’aujourd’hui et dans la politiquedu théâtre, c’est que la crise menace laposition du metteur en scène enminimisant l’importance de son travail. Ellecraint que le rôle du metteur en scène nediminue. Les limites entre les professionsliées au théâtre se défont et le travail dumetteur en scène peut rejoindre accessoire-ment celui de l’écrivain, de l’acteur ou duchorégraphe. Une telle évolution tendrait àétouffer le travail du metteur en scène entant qu’activité artistique propre que Kor-honen estime presque sacré. « Le regard dumetteur en scène est global, il survole etcontourne le texte de la pièce et il transformele texte en thème »

Pour Korhonen, le travail du metteuren scène est une tâche artistique quidemande un engagement éthique et uneprise de responsabilité entière, une activitécréative qui a pour effet de donner à lareprésentation une forme et un esprit. « Legauchisme du cœur » a été dans sa carrièreune règle de conduite dont elle a récemmentexprimé avec force l’importance qu’elle avaitpour elle-même dans l’éloge funèbre d’uncollègue « qui a perpétué et mis en pratiqueune tradition remontant aux années 60 ».

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L’auteur est professeur, chercheurdramatique et critique.

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KARI HEISKANENPLAYS IN THEBORDER ZONEBETWEENRECKLESSNESSAND ORDERFinns know Kari Heiskanen(b.1955) best as a brillianttheatre, film and televisionactor, although nowadays heworks mainly as a freelancedirector and dramatist. Hisartistic language and meansof expression vary radicallyfrom one work to another,and he says that he wantshis works to be as stylisti-cally diverse as possible.– This way I’m trying to avoiddrifting towards the samekinds of solutions. I’m tryingto work against myself.

Intelligent, hotheaded, energetic, severe,humorous, ambitious, persistent, funny,surprising and inspiring were some of thereplies colleagues gave when they were askedto describe Heiskanen, who has become oneof the most importantdirectors in Finland.Ordinary Finns knowhim best from television,where he became knownto a wider audience as askilled young comicfrom the cult series Veli-puolikuu (1983) and Mu-tapainin ystävät (1984),which attracted verylarge audiences.

As a director Heis-kanen’s terrain coverseverything from theFinnish National Operato small theatre groups,and he has directed bothclassic dramas andmodern plays for thebig institutional thea-tres. His own playshave brought new ele-ments to the male perspective in Finnishdrama and reflected changing male values.

Heiskanen’s newest work is his direc-tion of Ivan Turgenev’s novel Fathers andSons, which was adapted by Brian Friel andperformed on the Helsinki City Theatre’s

large stage. He is responsible for the Finnishtranslation and also appears in the impor-tant role of Nikolai Petrovitsh Kirsanov, thefather of the main character.

In autumn 2004 he was simultane-ously directing two productions. Rivosuinenprinsessa (The foulmouthed princess) came tolife in Helsinki’s Q Theatre through an‘empty-head’ aesthetic, i.e. on the basis ofan original idea and group improvisation,while the other work, Pyhäin miesten päivä(All Saints’ Day), which he also wrote, wasperformed in Ryhmäteatteri Theatre, hisold home stage. His direction of Leo Janaceki’sopera Katja Kabanova, in which the leadingrole was originally sung by the Finnish so-prano star Karita Mattila, still features inthe Finnish National Opera’s repertoire.

Having graduated as an actor, Heiska-nen’s career as a director began while he wasworking as a professor of acting at the Finn-ish Theatre Academy (1988-96), and he got

his start as a writer do-ing television sketcheswhile he was acting ina comedy programme.

Do you work with clearly‘different heads’ whenyou are directing, actingand writing?How would you comparethese working processes?

– An actor canand must concentrateon the present, but di-recting is more aboutthe past and the fu-ture. As an actor I’mreckless, I fool aroundand even assume theright to fall over in re-hearsals, but as a di-rector I’m more disci-plined. I like to create

order, rhythm and choreography. With op-era I enjoy moving a big choir, but I put anequal amount of thought into the choreog-raphy for two-person scenes as well. WhenI’m writing I get no peace from an aware-ness of the structure and its demands. Writ-

ing demands the most analytical approach.– Various approaches to my work enrich

each other. As an actor it is easy for me toaccept direction because I can see what’s com-ing, or I’m able to step outside myself. WhenI’m acting I enjoy the fact that someone elseknows better, and I want to trust that.

– The few times that I’ve been actinglately I’ve felt an enormous and relievingsense of freedom and irresponsibility.Unprofitability is a term that came up dur-ing the making of the radio play Hiljaisuudenmeri (Sea Of Silence) with Esko Salervo at theend of the 1990s. I sat at the microphone andad-libbed a story which was an embroideredversion of events from my own childhood.Salervo then cut it and spliced it together. Itwas one of my most beautiful acting experi-ences. Esko was reminding me all the timethat I wasn’t responsible for anything thathappened to my character and that thereshould be no thought about the structure ordirection or anything like that, although astrong dramatic tension was built into eachpart. Empty-head direction means searchingfor the same kind of space for free flow.

When you started directing you said that youfelt that you had gone as far as you could withacting. What kind of role, situation or offercould lure you back again?

– I’m contemplating a rest from direct-ing, although that’s the kind of work I’moffered now. I’ve started missing acting andI envy good actors as they seem to enjoytheir work. I would grab any good role withboth hands. George in Virginia Woolf (Hel-sinki City Theatre 2001) was very enjoy-

Kari Heiskanen and Sanna Majuri in Faters and Sons at theHelsinki City Theatre.Kari Heiskanen et Sanna Majuri dans Pères et fils auThéâtre Municipal d’Helsinki.

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All Saints Day / La Toussaint.On the photo / sur la photo Tommi Eronen.

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KARI HEISKANENJOUE DANS UNEZONE FRONTIÈREENTREL’INDISCIPLINEET L’ORDRECe sont le théâtre, la télévision et le cinéma qui ont surtoutfait connaître aux Finlandais Kari Heiskanen comme un acteurbrillant. Heiskanen travaille toutefois aujourd’hui principale-ment comme metteur en scène et comme dramaturge dont lelangage artistique et les moyens d’expression varient radicale-ment d’une œuvre à l’autre. Heiskanen qui a rejoint le cercledes metteurs en scène finlandais les plus importants dit vou-loir faire des œuvres de styles aussi différents que possible.– Je cherche ainsi à éviter de me retrouver avec des solutionssemblables. J’essaie de m’opposer à moi-même.

est arrivé à la connaissance du grand publiccomme jeune comique talentueux dans lesséries de télévision cultes et d’un niveaud’audimat élevé Velipuolikuu (1983) etMutapainin ystävät (1984).

Le territoire du metteur en scèneHeiskanen s’étend de l’Opéra National de

Finlande aux petites troupes de théâtre. Il amis en scène pour les grands théâtres insti-tutionnels aussi bien des drames classiquesque des pièces modernes. De plus, les piècesdont il est lui-même l’auteur ont apportéune veine intéressante à la vision masculineet à la modification de l’échelle des valeursmasculine dans le théâtre finlandais.

La dernière œuvre de Heiskanen estune mise en scène d’époque d’une adapta-tion par Brian Friel du roman d’Ivan Tour-gueniev Pères et fils pour la grande scène duThéâtre Municipal de Helsinki. Il répondégalement de la traduction en finnois decette version de la pièce et il joue le rôle –central dans l’œuvre - de Nikolaï PetrovitshKirsanov, père du personnage principal. Enautomne 2004, il a mis en scène, en partiesimultanément, deux pièces : Rivosuinenprinsessa (La princesse grossière) créée pour leThéâtre Q de Helsinki sur une idée initiale etles improvisations d’un groupe de travail « se-lon une esthétique de cerveau vide ». Pyhäinmiesten päivä (La Toussaint) quant à elle estune pièce écrite par Heiskanen et présentée auRyhmäteatteri, son ancienne scène. Le réper-toire de l’Opéra National de Finlande a tou-jours à son répertoire la mise en scène de

● All Saints’ Day (Pyhäin miesten päivä) by Kari Heiskanen dealswith the question of what makes people become terrorists.Kari Heiskanen directed his play for Ryhmäteatteri. On thephoto Minna Suuronen, Tommi Eronen and Pertti Sveholm.● Pyhäin miesten päivä (La Toussaint) de Kari Heiskanenétudie la question « Qu’est-ce qui fait d’un homme unterroriste ? ». Kari Heiskanen a mis en scène sa pièce authéâtre Ryhmäteatteri. Sur la photo Minna Suuronen, TommiEronen et Pertti Sveholm.

Intelligent, passionné, assidu, stricte, hu-moristique. Ambitieux, tenace, amusant.Surprenant, inspirant. C’est ainsi que sescollègues répondent lorsqu’on leur de-mande comment définir Kari Heiskanen.

C’est la télévision qui a le mieux faitconnaître Kari Heiskanen (né en 1955). Il

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able. I enjoy the small stage – you can bemore precise and use softer innuendos.

In both your own play All Saints’ Day andyour direction of the classic Fathers And Sons youwere dealing with issues concerning male genera-tions - did you intentionally work on this themein subsequent works so that you could study itand view it from different angles?

– The idea behind All Saints’ Day, com-paring the ideals and actions of three genera-tions, was something I’d had years ago. I wasespecially interested in male ideals, whichmy childhood in an army base growing up asa soldier’s son emphasized. I was also observ-ing what it is to be a man inmy 1996 play Jumalainenlahja (Divine gift).

– My recent directionswere certainly thematicallyconnected right from thebeginning. The text wasaiming to comment on thesubject from a contempo-rary perspective. The grand-father in All Saints’ Day rep-resents my father’s genera-tion while the son’s representsmine to a certain extent; heis a former left-wing radicalwhose idealism has lostsome of its fire. The grand-son was a nazi in earlier ver-sions but now he’s a terroristor someone who is thinkingabout becoming one. Thenazi character found a homein the grandson’s friend Leo.

I enjoyed writing theplay, for which I interviewedpersonnel from the Ministryof Foreign Affairs, the policeanti-terrorist unit and mem-bers of the university depart-ment of psychology amongothers. I read up on globalis-ation and terrorism andcame to the conclusion thatterrorism is not in the end aproduct of religious funda-mentalism but the unequaldistribution of the world’sassets, which is made visible by the phe-nomenon known as globalisation.

– All the three generations in the playhave an inherent need to say something aboutthe world, a need to take an ethical stand orjustify their existence through action. Fromsuch an angle the world starts to seem totallyback-and-white, which leads to catastrophe.

How come the reckless Foulmouthed Princesswas performed at almost at the same time asAll Saints’ Day?

– For a long time we were wonderingwhat to do with the people from Q Thea-tre. From my experience of institutionaltheatre I know that it is much harder forthem to take risks - no institutional theatre

does anything through improvisation andthey always start with a finished text. Thisalone tempted us to do it differently, espe-cially as the team was interested and had anexceptional talent for improvisation.

– We started rehearsals with the idea ofa nurse who climbs through the ranks of ahospital to attain a position of supremepower and then turns the stage into an 18thcentury court and the events into the per-versions of an absolute dictatorship. Themain character is a Polish migrant workerwho becomes a despotic restaurant owner.

– The choice of subject matter and es-pecially the working method were affected

by what I was going on to do after TheFoulmouthed Princess, which was going tobe a different kind of challenge. I believethat the fact that I also direct without ascript, in which case you must have all yoursenses alert to what is happening, makes mebetter when I direct with a script. You have toevaluate everything in the here and now, trustmoments, and above all be ready to produce

many times more material and solutions thanyou do when directing with a script.

You are capable of many different workingmethods, signatures and genres. Is the controlof many styles and working with them a con-scious challenge, or do the works assume theirown form as part of the creative process?

– I want my work to be as stylisticallyvaried as possible in an attempt to avoidending up with the same kind of solutions.I’m working against myself. Nevertheless, Inotice that I repeat myself in many situa-tions. In small theatre productions there ismore chance of searching for something

new and doing things in altogether differ-ent ways. Opera, whose production is theslowest and stiffest by nature, requires fin-ished ideas from the performance. My ownflow of ideas is from small to big: what I doin opera has often already been tested insome way or another on the smaller stage.

– In the theatre I particularly enjoy theway the actors and the whole team natu-rally start looking for a style in which toperform the task at hand. Actually it’s thecore of creation: what can I as an actor doto make the role special, or how does mydirection succeed in creating its own world?Of course the aesthetic has to be of thekind that will interpret the text in an inter-esting way and bolster its main claims.

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● Kari Heiskanen, Sami Hokkanen, Jyrki Nousiainen andKari-Pekka Toivonen in Fathers and Sons by Brian Friel,directed by Kari Heiskanen, at the Helsinki City Theatre.● Kari Heiskanen, Sami Hokkanen, Jyrki Nousiainen et Kari-Pekka Toivonen dans Pères et fils de Brian Friel, mise enscène par Kari Heiskanen, au Théâtre Municipal d’Helsinki.

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Heiskanen de l’opéra de Leos Janacek KatjaKabanova, dont Karita Mattila, soprano étoilefinlandaise, a tenu au début le rôle principal.

La carrière de metteur en scène de KariHeiskanen, qui avait une formation d’ac-teur, a commencé lorsqu’il était professeurd’art dramatique à l’Ecole supérieure d’Artdramatique (1988-96) et celle d’écrivainavec des sketchs pour la télévision lorsqu’ilétait lui-même acteur dans une équiped’émission de variétés.

Est-ce que vous fonctionnez avec « une têtetrès différente » selon que vous êtes metteur enscène, écrivain ou acteur ? Comment compa-

rez-vous ces pro-cessus ?

– Dans lejeu d’acteur ilfaut se concen-trer sur le mo-ment actuel.Dans la miseen scène le passéet le futur sontdavantage pré-sents. Commeacteur, je suisindiscipliné, jefais l’idiot et jeprends la liberté,dans les répé-titions, de fairedes chutes. Com-me metteur enscène, je suis plusdiscipliné, j’aimecréer de l’ordre,du rythme, de lachorégraphiedans les mouve-ments. A l’opéra,il me plait beau-coup de faire sedéplacer unchœur. Dans lesscènes qui necomportent quedeux ou troispersonnages, jecrée égalementune chorégra-

phie. Quand j’écris, la conscience de la struc-ture et de ses exigences ne laisse guère de re-pos. C’est l’écriture qui demande le plusgrand esprit analytique.

- Les différentes optiques sur la créations’enrichissent mutuellement. Comme acteuril m’est facile d’accepter une mise en scène,car je devine ou je sais voir de l’extérieur demoi-même. J’aime en tant qu’acteur qu’unautre sache et je veux pouvoir m’y fier.

– Les rares fois que j’ai joué ces dernierstemps, j’ai éprouvé une grande sensationapaisante de liberté et de non-responsabi-lité. La non-exigence de productivité est unterme qui est apparu lorsque, à la fin desannées 90, j’ai réalisé avec Esko Salervo lasérie radiophonique Hiljaisuuden meri (La

mer silencieuse). Je me suis assis devant lemicro et je me suis mis à raconter une his-toire basée sur ma propre enfance en y ajou-tant des faits imaginaires, donc sans texte.Salervo a ensuite effectué le montage et lescoupures sur les matériaux rassemblés.Cette expérience est pour moi l’une des plusbelles en tant qu’acteur. Esko m’a rappelésans cesse que je n’étais pas responsable dece qui arrivait à mes personnages, qu’il nefallait pas penser à la structure, à l’orienta-tion de l’histoire ou à d’autres choses sem-blables. Chaque épisode a toutefois été mar-qué par une forte tension dramatique. Dansmes mises en scène selon la méthode de la« tête vide », je recherche un semblable étatde flux libre.

Lorsque vous avez commencé à faire de lamise en scène, vous avez dit que vous aviez eule sentiment que vous aviez fait une expé-rience exhaustive du jeu de l’acteur. Quel rôle,quelle situation ou quelle offre peuvent vousinciter à jouer ?

– J’envisage de faire une pause dans lamise en scène. Mais il s’avère cependant qu’ily a une plus grande offre pour ce travail. J’aicommencé à ressentir de la nostalgie pour lejeu d’acteur, j’envie les bons acteurs, ils sem-blent jouir de leur travail. J’accepterais n’im-porte quel bon rôle. Le rôle de George dansVirginia Woolf (Théâtre Municipal de la villede Helsinki, 2001) était très agréable. J’aimela petite scène. On peut y jouer avec plus deprécision et de nuances.

On ne trouve jamais un acteur aussi fa-cilement qu’un metteur en scène.

Tant propre pièce Pyhäin miesten päivä (LaToussaint) que votre mise en scène classiquePères et fils traitaient de questions masculinesconcernant les générations ; avez-vous construitsur ce thème un continuum pour vous, quipermette d’étudier et de présenter le même sujetsous des angles différents ?

– J’avais depuis des années le sujet dePyhäin miesten päivä (La Toussaint), la com-paraison entre l’idéal et les actes de trois géné-rations. Et en particulier ceux des hommes,car le milieu dans lequel j’ai grandi, étant filsde militaire, dans une zone de garnison, étaitfortement masculin. J’ai aussi étudié la condi-tion d’être un homme dans ma pièceJumalainen lahja (Un cadeau divin) en 96.

– Mes mises en scène de la saison écou-lée avaient bien dès le début un lien entreelles. Je cherchais à faire de mon texte uneversion actuelle. Le grand-père de Pyhäinmiesten päivä (La Toussaint) représente lagénération de mon propre père. La visiondu monde du fils correspond en quelquesorte à la mienne, le fils étant un ancien ra-dical de gauche qui a renoncé à l’extré-misme de son idéalisme. Dans une précé-dente ébauche, le petit-fils était un nazi, ilest maintenant un terroriste ou du moinsquelqu’un qui envisage la possibilité de de-venir un terroriste. L’image du nazi est de-meurée dans le personnage de Leo, le cama-

rade du petit-fils.Cela m’a été un grand plaisir d’écrire

cette pièce. J’ai interviewé entre autres despersonnes du ministère des Affaires étrangè-res, de l’unité antiterroriste de la police etde l’institut de psychologie. J’ai pas mal lusur la mondialisation et le terrorisme et j’ensuis arrivé à l’idée que la cause du terro-risme n’était finalement pas le fondamenta-lisme religieux, mais l’injustice dans la ré-partition des ressources mondiales que lephénomène connu sous le terme de mon-dialisation fait apparaître.

– Dans la pièce, les hommes des troisgénérations ont un besoin intérieur de direquelque chose sur le monde, un besoin deprise de position éthique ou de justificationde leur existence par l’action. Sous cet anglede vue, le monde apparaît sous un jour ab-solu et est entraîné vers le naufrage.

– Je souffre peut-être d’une dépendanceà l’égard des systèmes clos et des contraintes,extérieures et créées par l’homme lui-même.Dans mes mises en scène, je remarque que,parmi les différentes contradictions, celle quim’attire le plus est la tension entre le chaos etl’ordre. La combinaison de l’extravagance, dela liberté et de la discipline stricte.

Quel est le processus qui a engendré lareprésentation presque aberrante de Rivo-suinen prinsessa (La Princesse grossière) pres-que simultanément ?

– Nous nous sommes longtemps de-mandé avec la troupe Q quoi faire. Ma pro-pre expérience du théâtre institutionnel estqu’il est plus difficile d’y prendre des ris-ques. Dans la pratique, aucun théâtre insti-tutionnel ne fait rien par improvisation. Onpart toujours d’un texte prêt. Cela a suffipour être tenté de faire autrement. En parti-culier parce que l’équipe était intéressée parl’improvisation et elle avait pour cela un ta-lent exceptionnel.

– Au début des répétitions, il y avaitune position de départ dans laquelle une in-firmière montait dans la hiérarchie de l’hô-pital jusqu’à y exercer une autorité totale etelle transformait la scène en cour du dix-huitième siècle et les événements en perver-sion du pouvoir absolu. Dans la pièce re-présentée, le personnage principal est unouvrier polonais immigré qui devient pro-priétaire d’un restaurant où il exerce unpouvoir despotique.

– Le choix du sujet et surtout du modede travail a été grandement influencé par laperspective de ce que je ferai moi-mêmeaprès Rivosuinen prinsessa (La princessegrossière). Ce devait être un défi différent.Je pense pouvoir profiter dans les mises enscène sur un texte prêt du fait que j’ai créédes pièces sans texte. Le manque de texteoblige à avoir des sens éveillés par tout cequi se passe. On est obligé d’évaluer l’im-portance de tout ici et maintenant, de sefier au moment présent et surtout d’êtreprêt à produire énormément plus de maté-riaux et de solutions que si l’on a un texte.

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...When you compare your approach and work-ing process as a director of classic drama toworking on opera or one of your own plays,what are the main differences?

– With classic drama I put most faithin the script – I don’t try to bring any otherelements to it. I like to think of opera as amore poetic art form, which I think re-quires and can bear a grander style. In operaI set the acting a more choreographic chal-lenge than I do in spoken drama.

My own scripts free me to find arbi-trary solutions because I don’t need to an-swer to the tradition of the performance. Idon’t have a dialogue with the tradition oroppose it because I consider my own scriptsso new that I don’t place them into a genrewhich would limit my choices.

Your dream as a young man to direct at theHelsinki City Theatre has come true manytimes over. Was the National Opera the nextchallenge and arena that you wanted to con-quer? Why opera?

– I actually got into opera rather byaccident. Pekka Kähkönen, the opera singerand manager of Vantaa Opera, asked me todirect a condensed version of The MagicFlute called The Little Magic Flute. I wasinitially against but I gave in and went onto direct four operas for them. SavonlinnaOpera Festival was next, followed by Mos-cow’s Novaja Opera and the Finnish Na-tional Opera.

Opera works within stricter limits thantheatre. The score sets the tempo, thelength and the atmosphere. It’s been a pleas-urable challenge to take on, and after thatthe theatre feels so much freer. Of course it’sfascinating and rewarding to work with mu-sic playing all the time – it’s the startingpoint for everything, although the script,visuals, or even the action assume the lead-ing role from time to time. The vibration ofthe music no doubt takes away some of theangst, for music itself creates inner peaceand a feeling of happiness. You feel it ineveryday work.

You’ve wanted to introduce new, even radicalelements to opera direction. What kind ofaims do you have in this vein at the moment?

– I have been and still am interested inmodern dance, and I’d like to bring ele-ments of that to opera. I even have a ready-made concept for a performance, just no-where to do it at the moment.

What do you think is the most interestingthing in the performing arts and theatre at themoment? Do you even use the term perform-ing arts or are you expressly a theatremaker?What is your relationship with modern theatre?

– I’m not interested in performance assuch. It’s too coincidental and representsloose thinking. The intensity of the per-formances I’ve seen was amateurishly lame.I’m a theatremaker, although my un-theatri-cal spectacle Drive Or Die still excites me.

● Karkurit by Aleksis Kivi, directed by Kari Heiskanen atthe Lahti Municipal Theatre.● Karkurit d’Aleksis Kivi, mise en scène parKari Heiskanen au Théâtre Municipal de Lahti.

I’m automatically allfor contemporary thea-tre, which is probablyinfluenced by my in-terest in contemporarydance because theyhave a lot in common.

Do you see any Finnishfeatures in yourself asan artist?How do you see yourselfas a part of the Finnishtheatre tradition?

– I’m not con-sciously searching forany particular connec-tion to the Finnishtheatre tradition orany relationship withFinnishness. We allhave a nationality, butI would prefer to getrid of any signs ofFinnishness ratherthan explore it.

Finnish theatre anddrama have travelled toforeign stages. Have youany plans or aims foran international career?

– I’m dreamingabout it but not doinganything to encourageit. It will happen if it’smeant to.

You have often madeextreme experiments inunknown areas, such asthe Drive Or Die per-formance in the hugeMerikaapelihalli indus-trial building that featured a 200-strongworkgroup, horses and cars.What will be your next leap into the unknown,and what work do you have in the pipeline?

– I have ended up directing for the bigstage, and that is where my future works inLahti, Tampere and Helsinki will be per-formed. National themes are part of the pic-ture, at least at the moment. I would like touse the big stage in a more experimental way.

I am acting in a twelve-hour twelve-part television series, which is pretty ex-treme, with eleven-hour days until the endof August. This kind of production is ex-ceptional, but I wanted to bring my actingat least a little bit more up to date andshake the mothballs off this run-down oldinstrument.

You have been 30 years in the business. What isyour understanding of the artist’s task and ethic?Has it changed along the way?

– An artist has to be a teller of the truth.Making ethical statements is the most im-portant task, but theatre must also reflect

the whole spectrum of life. It’s no use ob-jecting to light-hearted performances be-cause they are necessary and important. It’sa question of skill and depth of thinking.Without enthusiasm, hard work and inter-action with other living people and piecesof work you can’t reach the core of yoursubject; you can’t find the important lines.In this respect the years have failed tochange me.

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A N N U K K A R U U S K A N E N

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...Vous maîtrisez desmodes de travail, desécritures et des genresmultiples. Est-ce quela maîtrise de nom-breux styles et de leuremploi constitue pourvous des défis cons-cients ou bien est-ceque les œuvres reçoi-vent leur propreforme durant le pro-cessus de création ?

– Je veux créerdes œuvres de stylesaussi différents quepossible. Je chercheainsi à éviter de meretrouver avec dessolutions sembla-bles. J’essaie dem’opposer à moi-même. Malgré cela,je remarque main-tes fois que je merépète. Les produc-tions des petitsthéâtres offrent deplus grandes possi-bilités de rechercherdu nouveau, defaire du théâtre dif-féremment dans satotalité. L’opéra,qui est en ce quiconcerne la produc-tion le plus lent etle plus lourd, exigedes idées élaboréespour sa réalisation.Le courant de mespropres idées passedonc du petit augrand : ce que je

fais à l’opéra a souvent été déjà expérimentésur une plus petite scène sous une forme ouune autre.

– Dans le théâtre, j’aime particulière-ment le fait que les acteurs et toute l’équipecommencent évidemment par chercher unstyle dans lequel on produira la pièce enquestion.

C’est en fait le noyau de l’œuvre : com-ment, en tant qu’acteur, je donne au rôle saparticularité à travers moi-même, ou biencomment ma mise en scène réussit à créerson propre univers.

L’esthétique doit évidemment être tellequ’elle relève originalement la significationdu texte.

Si vous comparez votre approche et votre mé-thode de travail en tant que metteur en scènede drames classiques, de vos propres pièces et del’opéra, quelles sont les différences essentielles ?

– En ce qui concerne le drame classi-que, je me fie au texte, je ne cherche pas à yintroduire d’autres éléments. Je veux consi-dérer l’opéra comme une forme d’art plus

poétique. Il supporte et implique à monavis une plus grande stylisation. A l’opéra jelance plus de défis chorégraphiques quedans un drame parlé.

– Mon propre texte donne la liberté detrouver des solutions arbitraires, car je n’aipas à respecter une tradition de spectacle, jene dialogue pas avec elle ou bien je ne m’yoppose pas, étant donné que je considèremon propre texte comme tellement nou-veau que je ne le classe dans aucun genrequi limiterait mes choix.

Le rêve de votre jeunesse était d’être metteuren scène au Théâtre Municipal de Helsinki, etcela s’est déjà produit plusieurs fois. Est-ce quel’Opéra National de Finlande constituait legrand défi suivant et l’arène que vous vouliezposséder ? Pourquoi l’opéra ?

– C’est par hasard que je me suis retrou-ver à l’opéra. Pekka Kähkönen, chanteurd’opéra et directeur de l’opéra de Vantaa,m’avait demandé de mettre en scène une ver-sion abrégée de la Flûte enchantée, Pikkutaikahuilu (La petite flûte enchantée). J’y aid’abord résisté, mais j’ai finalement acceptéet j’ai par la suite mis en scène pour Vantaaquatre opéras. Le Festival d’Opéra deSavonlinna a été l’étape suivante, puis estvenu le Novaja Opera de Moscou et enfinl’Opéra National de Finlande.

A l’opéra, les limites sont plus rigidesqu’au théâtre. La partition définit le tempo,la durée et l’ambiance. Il a été opportun derelever ce défi. Le théâtre semble ensuitebeaucoup plus libre. Il est bien sûr fascinantet stimulant de travailler au son ininter-rompu de la musique. C’est le point de dé-part de tout, bien que le texte, la vision oul’action puisse de temps en temps occuperle premier rôle. Il est incontestable que lesvibrations musicales enlèvent également unepartie de l’angoisse. La musique crée parelle-même une paix intérieure et une sensa-tion de bonheur. Cela se ressent dans le tra-vail quotidien.

Vous avez voulu apporter de nouvelles vues, par-fois radicales, à la mise en scène de l’opéra. Quelssont vos objectifs actuels dans ce domaine ?

– J’ai été et suis toujours passionné dedanse moderne. Je voudrais en introduiredes éléments dans l’opéra. J’ai même déjàun concept de représentation tout prêt.Sans connaître, il est vrai, jusqu’à nouvel or-dre, de pièce où il puisse être réalisé.

Qu’est-ce qui est actuellement, selon vous, leplus intéressant, dans l’art de la représentationet au théâtre ? Est-ce que vous employez en gé-néral le terme art de la représentation ou bienêtes-vous vraiment un homme de théâtre ?Quelle relation entretenez-vous avec le théâtremoderne ?

– La performance ne m’intéresse pas.Elle est trop aléatoire et représente un modede pensée mou. L’intensité des spectaclesque j’ai vus est fade comme l’amateurisme.Je suis un homme de théâtre, bien que je

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IUS sois toujours attiré par l’antithéâtre dans le

genre de mon spectacle Drive or Die. Je suisautomatiquement du côté du théâtre mo-derne. Mon intérêt pour la danse moderney est certainement pour quelque chose. L’unet l’autre ont beaucoup en commun.

Est-ce que vous voyez en vous-même des traitsnationaux comme artiste ?Comment vous voyez-vous par rapport à latradition finlandaise de théâtre ?

– Je ne cherche consciemment aucuncontinuum par rapport au théâtre finlan-dais ni aucun caractère culturel finlandais.Etant donné que je suis en tout cas Finlan-dais, je cherche à me détacher de toutes lescaractéristiques finnoises.Le théâtre et le drame finlandais ont faitquelques pas en direction des scènes étrangères.Avez-vous des projets ou des objectifs concer-nant une carrière internationale ?

– J’en rêve, mais je ne fais rien pour yparvenir. Cela se fera si cela doit se faire.

Vous avez souvent fait des expériences extrê-mes dans des domaines non conquis. Parexemple la représentation de Drive or Diedans un espace industriel gigantesque deMerikaapelihalli avec une équipe de 200 per-sonnes, des chevaux et des voitures était l’unede ces expériences. Quels sont ces domaines ex-trêmes aujourd’hui ? Quelles pièces envisagez-vous maintenant ?

– J’ai été amené à faire des mises enscène pour de grands théâtres. Mes futuresœuvres à Lahti, à Tampere et à Helsinki sontdes pièces pour de grandes scènes. Les sujetsnationaux sont bien présents, du moins à cestade. J’aimerais utiliser la grande scèned’une manière plus expérimentale.

L’extrême est représenté par une sérietélévisée pour une saison, 12 épisodes d’uneheure seront filmés avant le mois d’août.Mes journées de travail sont de 11 heures.Une telle cadence est extrême, mais je cher-che à actualiser au moins dans une certainemesure mon interprétation théâtrale, à dé-poussiérer cet instrument terni.

Vous êtes dans la branche depuis 30 ans. Quelest aujourd’hui votre conception de la missionet de l’éthique de l’artiste ? A-t-elle changé encours de route ?

- L’artiste doit parler vrai. La prise deposition éthique est essentielle, mais les re-présentations doivent refléter tout ce qu’estla vie. Il est inutile de s’opposer aux specta-cles légers. Ils sont nécessaires et impor-tants. Il s’agit d’un savoir-faire et de la pro-fondeur de la pensée. Sans enthousiasme,sans dur labeur et sans interaction entre lespersonnes vivantes et les œuvres, on n’at-teint pas l’essence des choses, on ne trouvepas de phrases importantes. A cet égard jen’ai pas changé au cours des ans.

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A N N U K K A R U U S K A N E N

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Kokkola – A portrait of Arctic Finland

NEW FINNISH PRODUCTIONSDES NOVEAUTÉSFINLANDAISES

Kokkola, Klemola’s hometown, lies onthe west coast of Finland on the same latitudeas Greenland’s capital Nuuk, and this Arcticconnection - people living in cold dark placesdreaming of faraway lives and looking for inti-macy and ways to express their emotions –was the starting point of the play.

Kokkola is a wildly absurd play; the

characters include a group of men, thebouncers and bar staff of a small pub and apoliceman, who have founded a “people-shipping agency”. Onstage activities includeswearing, drinking, undressing and fight-ing, but despite all the characters’ faults onestarts to become quite fond of them as theyare depicted with great tenderness. Littleeveryday incidents are seen from surprisingand changing perspectives.

Kokkola offers all its actors very chal-lenging roles, but the star of this joint pro-duction between Tampere Theatre andAurinkoteatteri is without a doubt one ofFinland’s best known actors HeikkiKinnunen, who plays Marja-Terttu, awoman whose longing for Greenland is sopowerful that she turns into a seal.

Kokkola visited the New Drama festivalin Moscow in September and will soon betranslated into English and Lallans, the lan-guage of lowland Scotland.

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A N N E L I K U R K I

Kokkola – une image de la Finlande arctique

Heikki Kinnunen and/et Raimo Grönberg.

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est vu sous un angle surprenant en perpé-tuelle évolution.

Kokkola offre aux acteurs des rôles fas-cinants. La vedette de la production com-mune des théâtres Tampereen Teatteri etAurinkoteatteri est incontestablementHeikki Kinnunen, qui interprète le rôle deMarja-Terttu dont la nostalgie de son pays,

le Groenland, la transforme en phoque.Kokkola a été jouée sur invitation au

Festival New Drama de Moscou en septem-bre. Une traduction en anglais de la pièceest en préparation.

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A N N E L I K U R K I

Leea Klemola est actrice, auteur dramati-que et metteuse en scène. Elle est connuepar le public tant pour ses rôles audacieuxque pour ses opinions de jeune femme encolère.

Cette année a apporté le succès enabondance à Leea Klemola. Sa pièceKokkola a d’abord été primée au Festival In-ternational de Théâtre de Tampere et elle aen outre été choisie vers la fin de l’annéecomme pièce de l’année 2005.

Kokkola est la ville natale de LeeaKlemola. Elle se trouve sur la côte ouest dela Finlande, à la même latitude que Nuuk,la capitale du Groenland. Cette correspon-dance arctique a été le point de départ de lapièce. Les gens vivent dans le froid et l’obs-curité avec la nostalgie d’un quelque partlointain tout en recherchant une proximitéet des moyens d’exprimer leurs sentiments.

Kokkola est une pièce d’une folle absur-dité. Parmi ses personnages il y a entreautres une bande de copains, fondateursd’une petite “entreprise de service des per-sonnes”, les portiers et serveuses d’un petitbar, la police. Sur la scène, on profère desjurons, on boit, on se déshabille, on se bat.Malgré cela, on s’attache à ces personnes –avec tous leurs défauts ils sont décrits avecune grande tendresse. Le quotidien de la vie

Leea Klemola is an actress, playwright anddirector who is well known in Finland forher daring roles and as an angry youngwoman with radical opinions.

She has had a very successful year, withher play Kokkola winning an award at theTampere Theatre Festival and being namedthe best play of 2005.

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Poets’ destinies

Q Theatre celebrated its 15th anniversarylast spring with Falling Angels, which waswritten by Heikki Kujanpää, SamiParkkinen and Heikki Huttu-Hiltunen.The play, which depicts the dramatic rela-tionship between two great Finnish poets,Lauri Viita and Aila Meriluoto, is a storyof passionate and binding love, the stormyrelationship between two artists, and men-tal collapse.

Two different periods of time run con-currently: the play starts with Aila returningto Finland from her years in Sweden towrite her deceased husband’s biography, buttheir relationship was so traumatic that she

can only really remember how things wereby interviewing their mutual friends. Lauriand Aila’s relationship was an encounter be-tween a larger than life working class geniusand a sensitive poetic bourgeois girl, andAila soon began to feel so suffocated byLauri’s powerful character that the onlything she felt capable of was typing out hispoems. His overwhelming creative madnesseventually turned into a serious case ofschizophrenia, which took Aila to the limitsof her endurance.

Even though all the characters arebased on real and well known Finnish cul-tural figures, the play takes artistic liberties

with their story, and the drama is as power-ful an experience for those who knew thecharacters behind it as it is for those withno previous knowledge of their real lives.Finnish viewers can witness how skilfullyViita’s and Meriluoto’s poems have been in-tegrated into the dialogue; it is as if poemsgrow out of the play’s impressive scenes.

Falling Angels was directed for Q thea-tre by Heikki Kujanpää, and the leadingroles were played by Elina Knihtilä (Aila)and Tommi Korpela (Lauri). It has beentranslated into English.

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A N N E L I K U R K I

Destins de poètes

traumatisante de la relation a effacé les sou-venirs de sa mémoire et ils ne commencentà revenir qu’après qu’elle eut fait une en-quête auprès de ses amis.

Dans Lauri et Aila se rencontrent le gé-nie colossal d’une famille ouvrière et unejeune fille poète sensible, qui a grandi dansune famille bourgeoise. La forte personna-lité de Lauri a rapidement commencé àétouffer celle d’Aila, de sorte qu’elle n’estplus bonne qu’à la mise au propre des poè-mes de Lauri. La folie créatrice incompara-ble de Lauri est devenue une grave schi-zophrénie et a poussé en même temps Ailaau bout de sa résistance.

Bien que tous les personnages de lapièce soient réels et connus dans le monde

culturel finlandais, la pièce n’est cependantpas liée à eux. Même sans rien connaîtrepréalablement des personnages, le drame at-teint les spectateurs avec la même puis-sance. Ce qui constitue par ailleurs un élé-ment positif pour le public finlandais, c’estque les poèmes de Viita et de Meriluoto aientété utilisés, et avec quel talent, comme unepartie du dialogue. La poésie semble commeressurgir des scènes concentrées de la pièce.

La pièce a été mise en scène au ThéâtreQ par Heikki Kujanpää, les rôles princi-paux étaient joués par Elina Knihtilä (Aila)et Tommi Korpela (Lauri). La pièce est tra-duite en anglais.

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A N N E L I K U R K I

Tommi Korpela and/et Elina Knihtilä.

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15 ans d’activité s’étaient écoulés pour lethéâtre Q au printemps dernier. La pièce degala donnée à cette occasion, Putoaviaenkeleitä (Falling Angels) avait été écrite partrois écrivains, Heikki Kujanpää, SamiParkkinen et Heikki Huttu-Hiltunen. Lapièce décrit la relation fatale entre deuxgrands poètes finlandais Lauri Viita et AilaMeriluoto. C’est l’histoire d’un amour pas-sionné, contraignant, de la tumultueuse vieen commun de deux personnes créatrices,d’une cassure spirituelle.

Dans la pièce, on avance sur deux ni-veaux temporels. La pièce commencelorsqu’Aila, après des années passées enSuède, revient en Finlande pour écrire unebiographie de son époux défunt. La nature

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A comedy about faith and the lack of it

ductor’s wage, but everything changes whenthe question of faith drives him into an in-ternal crisis.

Pekka’s entire family is affected by hischaotic transformation - his brother Seppoloses his share of the proceeds from theicons which he was saving to start a new lifewhen Pekka gives his contraband away topassengers on the train, while his wifeElina, who is dreaming of adopting a child,loses her patience when Pekka wants to in-troduce a new member to the family rightin the middle of the adoption process.Pekka’s mother Helmi and stepsister Katja,the product of his father’s secret affair, arealso affected, and the local minister Marttihas a hard time answering Pekka’s questionsabout the strength of his faith.

The main theme of the play is faith inall its forms; Pekka claims that he believesin God but is unable to articulate what hemeans by this or complete the good deedshe tries to perform, while the other charac-ters struggle with their faith in fellow hu-man beings.

The humour is also targeted at rela-tions between Russians and Finns, whichare burdened by mutual prejudices andmyths.

Hotakainen’s previous play, the chil-dren’s’ musical Hukassa on hyvä paikka (Lostis a good place to b) has been translated intoGerman, and an English translation ofLupus is in the pipeline.

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Une comédie sur la foi et l’absence de foi

avait été une marche sur une voie large, lacontrebande des icônes avait apporté unerallonge rondelette au salaire de contrôleurde chemins de fer. Tout va changer cepen-dant, lorsque les questions de foi provo-quent chez l’homme une tempête inté-rieure.

Tout l’entourage est entraîné dans lechaos du changement, le frère Seppo, com-plice dans la contrebande, dont le fonds deroulement pour une nouvelle vie, que devaitconstituer le dernier transport de contre-bande, est distribué aux passagers du trainpar Pekka, son épouse Elina qui rêved’adopter un enfant, sa mère Helmi et sademi-sœur Katja née d’une liaison secrète

de son père. Le seuil detolérance d’Elina est at-teint, lorsque Pekkaveut introduire dans lafamille un nouveaumembre en plein milieudu processus d’adop-tion. Le pasteur localMartti se trouve égale-ment dans une situa-tion difficile lorsquePekka lui demande derendre compte de la so-lidité de sa foi.

La pièce a pourthèse centrale la foi soustoutes ses formes. Pekkaclame sa foi en Dieu,

mais sans pouvoir dire ce que cela signifieconcrètement. Les bonnes actions restentdonc à mi-chemin. Pour d’autres, il s’agitsurtout de la foi en l’homme.

Dans la pièce, on examine aussi avechumour les relations russo-finlandaises descitoyens avec leurs préjugés et leurs croyan-ces mutuelles.

Parmi les précédentes pièces de KariHotakainen, la comédie musicale pour en-fants Hukassa on hyvä paikka (Une bonneplace perdue) vient d’être traduite en alle-mand. La traduction en anglais de Puna-hukka est en préparation.

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Rauno Ahonen, Sari Mällinen,Pekka Valkeejärvi, Ritva Valkama,Hannu-Pekka Björkman,Matleena Kuusniemi, and/etMarja Packalén.

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Kari Hotakainen (1957) is a diverse writerwho started out as a poet and children’s au-thor before publishing several award-win-ning novels, e.g. The Trench Road, whichwon the prestigious Finlandia Prize in2003. His most recent play Punahukka(punahukka is a disease which is calledSLE, Lupus) which was first premiered atthe Kom Theatre in spring 2005, is an ex-tremely funny comedy, despite its seriousthemes of mercy, faith and lack of faith.

The lives of a Finnish couple Pekkaand Elina are turned upside down whenPekka sees God at the Vainikkala train sta-tion on his way home from St Petersburg.Pekka’s life has until then been nothing outof the ordinary; smuggling icons over theborder provides a welcome boost to his con-

Kari Hotakainen (né 1957) est un écrivainpolyvalent. Il a commencé sa carrière commepoète et auteur de livres pour enfants. Puis ila écrit de nombreux romans primés, dontJuoksuhaudantie (La rue de la tranchée) a ob-tenu l’éminent prix Finlandia 2003.

La nouvelle pièce de Kari HotakainenPunahukka (Le loup du Chaperon rouge) aété créée au théâtre KOM au printemps 2005.La pièce examine la grâce, la foi et l’absencede foi, mais malgré la gravité du sujet, c’estune comédie extrêmement amusante.

La vie d’un couple finlandais, Pekka etElina, est bouleversée lorsque le mari voitDieu près de la gare de Vainikkala à son re-tour de Saint-Pétersbourg. Sa vie antérieure

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Men in a panic

Group Theatre director Mika Myllyahomade his debut as a playwright this autumnwith Paniikki (Panic – men on the verge of anervous breakdown), a wonderfully funnyand at the same time deadly serious com-edy. Of the three men on the stage, none ofthem are doing very well. Lift engineer Leohas been challenged by his wife just beforeleaving for a business trip, but what doesshe mean by saying that they should thinkthings through? Is she wanting a divorce orwhat? All puzzled, Leo forgets about histrip and takes refuge in truly Finnish malestyle in a bar, where he looks for supportfrom his old pal Max, a graphic designerwho has become a hermit in his flat sincehis girlfriend left him. Max’s brother, a well-known television show presenter, looks afterhim despite his own work and the pressures

Hommes en panique

Le directeur du Ryhmäteatteri MikaMyllyaho s’est également fait connaître cetautomne aussi comme auteur dramatique.

Paniikki – miehiä hermoromahduksenpartaalla (La panique – des hommes aubord de la dépression) est une comédie ex-trêmement amusante et en même tempstrès grave. Trois hommes sont en scène, celane va bien pour aucun d’entre eux. Avantson départ pour un voyage de travail, Leo,ingénieur spécialisé dans les ascenseurs, areçu de sa femme un défi: nous devrions unpeu réfléchir aux choses. Qu’est-ce qu’elleveut, sa femme: le divorce? Le départ envoyage est oublié, selon une manière defaire caractéristique de l’homme finlandais,

appartement. Le frère de Max, animateurde télévision à succès, s’occupe de Max,bien que les tensions dues à son travail et àsa vie publique le harcèlent. Durant une se-maine, les hommes cherchent à démêlerleurs phobies d’une manière imprévue etamusante.

La pièce ironise sur la mode actuelledes tendances et donne sa juste place à lavanité des pressions créées par la réussite.Les séances de thérapie entre copains déga-gent aussi la chaleur de l’attention portéeaux autres.

La panique offre de magnifiques rôlesaux acteurs. Au Ryhmäteatteri, l’interpréta-tion était assurée par trois brillants acteurs,Petteri Summanen comme ingénieur pourascenseurs attendrissant dans sa franchise,Jani Volanen comme créateur graphiquedont la vie est organisée avec une précisionmillimétrique et Tommi Korpela commejournaliste de télévision hyperénergique.

La mise en scène était de MikaMyllyaho.

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A N N E L I K U R K I

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Jani Volanen, Tommi Korpela and/et Petteri Summanen

of fame. The men spend a week or so in theflat, coming to terms with their phobias ina surprising and funny manner.

Panic takes an ironic look at today’s ri-diculous emphasis on being cool and theunnecessary pressure that people are underto succeed. The three friends’ therapeuticencounter reveals a warmth and concern forone another.

The wonderful roles that Panic offersthe actors were played at Group Theatre bythree marvellous men; Petri Summanen wasthe touchingly earnest Leo, Jani Volanenplayed Max, who tries to control every inchof his life, and Tommi Korpela was theover-energetic TV journalist. The play wasdirected by Mika Myllyaho.

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A N N E L I K U R K I

Leo se réfugie au bistrot et de là chez sonvieux camarade Max en guise de thérapie.Max est un créateur graphique qui, après ledépart de son amie, vit en ermite dans son

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Jani Volanen, Tommi Korpela and/et Petteri Summanen

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