Розділ I. Мистецтво в просторі культури

Тема 4. Театр як синтез мистецтв

Урок 9. Театр як синтез мистецтв

Театр - це така кафедра, з якою можна багато сказати миру добра.Н.В. Гоголь

За двадцять п'ять століть свого існування театр пройшов шлях від ритуального дійства до спектаклів, які трактують складні духовні питання. Мистецтво сцени народилося в далекій давнині. В різні часи воно було покликане розважати, виховувати, проповідувати. І з цими задачами театр справлявся - його можливості різноманітні, а сила впливу велика, тому театральне мистецтво прагнули підкорити собі королі і князі, імператори і міністри, революціонери і консерватори.

Сценічний простір мислили як модель світобудови, де потрібно було розіграти таїнство створення Всесвіту. В епоху Відродження на театр отримав призначення - виправлення пороків. Засуджуючи «низькі вдачі й омани, варто закликати людей до гідного життя», - говорилося в одному з творів того часу. В епоху Просвітництва мистецтво сцени оцінювалося дуже високо - як таке, що «очищає» і заохочує чесноти. Ці ідеї пізніше розвинув російський письменник, драматург М.В.Гоголь. Теза «театр — університет» зберігає свою актуальність і донині. Міркуючи про театр, О.С.Пушкін писав, що «дух часу вимагає змін на драматичній сцені». Кращі театральні добутки завжди чутливо реагували на певні історичних події. Театр був дзеркалом, у якому відбивалися події, людина. Майстри театру - творці, тому здатні не тільки зрозуміти сьогодення, але також передбачати майбутнє. Неодноразово в історії людства збувалися пророцтва, вимовлені зі сцени. Театру не раз пророкували загибель, але він щоразу виживав, витримував конкуренцію з кінематографом, телебаченням, комп'ютером. Мистецтву, яке створюється на очах у глядачів, призначене довге життя. Переборюючи кордони, мовні бар'єри, воно дарує світу нові відкриття.

Як будь-який інший вид мистецтва (музика, живопис, література), театр володіє своїми, особливими ознаками. Це мистецтво синтетичне: театральний твір (спектакль) складається з тексту п'єси, роботи режисера, актора, художника, композитора. В опері і балеті вирішальна роль належить музиці. Спектакль - це результат діяльності багатьох людей, не тільки тих, які з'являються на сцені, але і тих, хто шиє костюми, майструє предмети реквізиту, установлює світло, зустрічає глядачів. Недарма існує визначення «працівники театрального цеху». Спектакль - це особлива дія, розіграна в просторі сцени, специфічне образне мислення.

Люди, як і багато століть тому назад, приходять у театр. Зі сцени звучить текст п'єси, перетворений силами і почуттями виконавців. Артисти ведуть свій діалог і не тільки словесний, йде бесіда жестів, поз, поглядів, міміки. Фантазія художника-декоратора за допомогою кольору, світла, архітектурних споруджень на площадці змушує простір сцени «заговорити».

Все разом укладено в строгі рамки режисерського задуму, що додає різнорідним елементам завершеність і цілісність. Глядач свідомо (а часом і несвідомо) оцінює гру акторів, режисуру, відповідність рішення театрального простору до загальному задуму. Але головне — він, глядач, прилучається до мистецтва. Осягаючи зміст спектаклю, глядач осягає сенс життя.

В основі театрального дійства лежить текст, наприклад п'єса для драматичного спектаклю. Навіть у тих сценічних постановках, де слово як таке відсутнє, текст буває необхідний; зокрема, балет, а іноді пантоміма має сценарій (лібрето). Процес роботи над спектаклем складається в перенесенні драматургічного тексту на сцену - це свого роду «переклад» з однієї мови на іншу. В результаті літературне слово стає словом сценічним.

Перше, що бачить глядач після того, як відкриється завіса, - це сценічний простір, у якому розташовані декорації. Вони вказують місце дії, історичний час, відбивають національний колорит. За допомогою просторових побудов можна передати навіть настрій персонажів. Під час дії за допомогою спеціальної техніки декорації змінюються: день перетворюється на ніч, зима змінює літо, вулиця стає кімнатою... Ця техніка розвивалася разом з науковими винаходами людства. Піднімальні механізми, щити і люки за давніх часів приводилися в дію вручну, а тепер їх піднімає й опускає електроніка. Свічки та газові ліхтарі нині замінені на електролампи, до того ж використовуються лазери.

Ще за античних часів сформувалися два типи сцени з глядацькою залою: сцена-коробка та сцена-амфітеатр. Сцена-коробка передбачає яруси і партер, а в сцені-амфітеатрі глядачі оточують її з трьох сторін. Зараз використовують обидва типи, оскільки сучасна техніка дозволяє змінювати театральний простір, влаштовувати підмостки посередині партеру, саджати глядача на сцену, а спектакль грати в залі.

Велике значення завжди додавали театральній будівлі. Театри зазвичай будувалися на центральній площі міста; архітектори прагнули, щоб будинки були гарними, привертали увагу. Приходячи в театр, глядач відокремлюється від повсякденного життя, ніби піднімається над реальністю. Тому не випадково в зал часто ведуть прикрашені дзеркалами сходи. Підсилити емоційний вплив драматичного спектаклю допомагає музика. Іноді вона звучить не тільки під час дії, але й в антракті - щоб підтримати інтерес публіки. Головна особа в спектаклі - актор. Глядач бачить перед собою людину, яка таємничим способом перевтілюється в художній образ - своєрідний твір мистецтва. Звичайно, твір мистецтва - не сам виконавець, а його роль. Вона - витвір актора, створений голосом, нервами і чимось невловимим - духом, душею. Для того, щоб дія на сцені сприймалася як ціле, необхідно її продумати, послідовно організувати. Ці обов'язки в сучасному театрі виконує режисер. Від таланта акторів у спектаклі залежить, звичайно, багато чого, але актори підпорядковані волі керівника - режисера. Перед тим, як поставити спектакль, його творці спочатку вибирають п'єсу, тобто неодмінно звертаються до драматургії. Особливий текст, призначений для показу публіці, називається драмою або п'єсою. Слово «драма»

давньогрецького походження, означає «дію», «дійство». Цьому слову понад двадцяти п'яти століть. Термін «п'єса» (франц. - «шматок») народився значно пізніше. У XVI-XVII ст. цим словом називали будь-який фрагмент, що представляли актори, або виконували музиканти. Лише в XVIII сторіччі так стали називати текст, написаний для сцени.

У IV ст. до н.е. давньогрецький філософ Аристотель (384—322 до н.е.) визначив драму як один з видів літератури поряд з епосом і лірикою. Відповідно до Аристотеля, драма поєднує ці ознаки. Багато століть пізніше, у XVIII столітті, драмою почали називати не тільки рід літератури, але і жанр драматургії. Поняття жанру виникло в античні часи, але Аристотель визначив його як «вид». Термін жанр (фр.) затвердився у Франції в XVII ст., як спосіб зображення, форма опису різних явищ і подій. Аристотель розглянув тільки два жанри: трагедію (грец.) і комедію (грец.). У трактаті «Поетичне мистецтво («Поетика») він писав, що драма наслідує дію. Вона не описує події, а показує їх через вчинки дійових осіб. Центральне поняття в античній поетиці - мімесис (грец. «наслідування») зберегло своє значення і по цей день. Трагедія наслідує (тепер частіше говорять: зображує чи відображає) щось жахливе, страшне, але обов'язково значне. Основа комедії - безглузді події, вчинки смішних і кумедних людей. Таким чином, трагедія і комедія — два полюси драматургії. В XVIII сторіччі з'явилися п'єси, де ознаки трагедії і комедії поєднані. Цей новий жанр одержав назву «драма».

Отже, поняття «драма» має подвійне значення: це один з трьох видів літератури, і в той же час жанр однойменного роду. А драматургією іменують літературні тексти, що відрізняються особливими рисами. У драматичних творах автор зображує відносини між людьми, їхні переживання, помилки й удачі за допомогою діалогу. Драматичні персонажі іменуються діючими особами. Їхній список завжди розміщують перед текстом п'єси. Іноді автор просто перелічує персонажів, іноді описує докладніше - вказує вік, характер одягу, навіть колір волосся, очі. Багато подій, що згадуються в п'єсі на сцені не відбуваються - про них розповідають самі персонажі. Про появу діючих осіб читачі довідуються з ремарок (франц.) - пояснень автора, призначених для читача, постановника й актора. Ремарки визначають побудову сценічного простору - вказують переміщення героїв п'єси по сцені («Підійшов до столу»), інші дії («Запалив свічу», «Надягає рукавички»). Іноді вони коротко описують стан діючих облич, інтонацію, з якою вимовляються репліки (нервово; тихим голосом; з розпачем; плачучи і т.п.). В різні періоди розвитку театрального мистецтва ремарки бували різними. У деяких драматургів вони перетворювалися в розгорнуті, докладні описи.

Перші драматичні твори, що з'явилися в епоху Античності, призначалися винятково для сценічного втілення. Протягом довгого часу ( в епоху Відродження, в XVII ст.) драматург міг побачити свій добуток тільки на сцені. Про те, що драма - рід літератури, як учив Аристотель, ніби забули. Великі драматурги Жан Батист Мольєр, Вільям Шекспір та інші не прагнули опублікувати тексти п’єс. Працюючи над п'єсою, вони уявляли собі акторів,

їхній голос, вигляд. У XVIII сторіччі відношення до драматургії і взагалі до театрального мистецтва змінилося. Століття Просвіти вимагало, щоб зі сцени звучали піднесені слова, а постановки служили виховним цілям. Відповідно до цього підвищилися вимоги до театральних текстів. П'єса оцінювалася не тільки як матеріал для сцени, але як повноцінний літературний твір. З'явилося поняття «драма для читання». У Німеччину кінця XVIII ст. драма прийшла з Древнього Рима: в ті далекі часи твори драматурга і філософа Луція Аннея Сенеки також призначалися для читання. Однак ця традиція в історії театру не мала продовження аж до XVIII сторіччя, коли почали друкуватися збірники п'єс. Протягом XIX і XX ст. письменники і люди театру не раз намагалися розділити сцену і драму. Сцена часто була не готова зрозуміти сучасну драматургію і віддавала перевагу старим п'єсам, які були перевірені часом. Проте драма (п'єса) повинна бути поставлена на сцені - такий закон театрального мистецтва. Персонажі драми, тобто дійові особи, згідно сюжету(послідовність подій) грають сценічну дію. П'єса розкривається повною мірою тільки в просторі сцени, під час спектаклю.

Крім трагедії, комедії і «середнього» жанру, драми, віддавна гралися пантоміми - короткі сценки найчастіше комічного змісту, у яких поєднувався імпровізований діалог, спів і танці. Пізніше, наприкінці епохи Відродження, з'явилася трагікомедія - в ній поєднувалися ознаки трагедії і комедії. Однак від драми цей жанр відрізнявся тим, що в трагікомедії завжди в наявності двояке відношення до життя, поняття добра і зла чітко не визначені, чорне і біле можуть мінятися місцями. В XVIII столітті виник ще один вид п'єс - мелодрама (від грец. «мелос» — «пісня», «мелодія» і «драма»). Спочатку такі спектаклі дійсно супроводжувалися музикою. Пізніше мелодрамами стали називати п'єси, де зображувалися жахливі події, але все завершувалося, як правило, добре. Добрі люди, переживши горе і потрясіння, знаходять щастя і статок, а лиходії або вмирають страшною смертю, або закінчують своє життя за ґратами. Персонажі мелодрами завжди говорили один з одним на підвищених тонах, супроводжуючи мову різкими жестами, гірким плачем чи риданнями. На відміну від трагікомедії зло і добро, чорне і біле різко розділені. Сюжети і прийоми мелодрами широко використовують творці сучасних телесеріалів (наприклад, «Багаті теж плачуть», «Ті, що співають у терені»). На рубежі XIX—XX ст. з’явилася монодрами (від греч. — «один», «єдиний» і «драма»). Це твір для сцени (драма, чи комедія навіть водевіль), написаний для одного актора.

Акторське майстерство. За двадцять п'ять століть існування театру його служителі пережили гоніння і тріумфи, любов і ненависть. Довгий час на тих, хто носив маску, личину дивилися з недовірою і навіть побоюванням. Лякала сама сутність акторського ремесла - уміння ставати іншою людиною, сьогодні - веселим і добрим, а завтра - похмурим і злим. Акторське мистецтво має обрядове походження. Першими акторами можна вважати жерців: виконуючи ритуали, вони, по суті, грали роль і повинні були виконувати її без запинки. Жерці надягали спеціальні костюми, іноді маски.

У сучасних акторів є й інші попередники - блазні. Вони з'явилися в історії людства дуже рано. Блазень, як і жрець, обравши собі роль, не відмовлявся від неї протягом усього життя. Такий «родовід» пояснює двояке відношення до акторів. Існували дві крайні точки зору. Актор часто сприймався глядачами як обранець - служитель високого мистецтва, що розмовляє з богами, чи як легковажний і грубий потішник. У першому випадку його прирівнювали до жерця, а в іншому - до блазня.

У Давній Греції акторів, які виконували короткі побутові сценки, називали мімами, тобто наслідувачами. В античному світі народилося інше поняття – актор (лат. «вчинок», «дія»). Так іменували тих, хто грав в трагедіях і комедіях. Актор на сцені повинен діяти відповідно до сюжету п'єси і грати роль - бути не самим собою, а іншою людиною. Ігровий початок підкреслено в німецькому найменуванні середньовічного актора - шпільман (нем.«гра»). Виконавцю необхідно випробовувати почуття свого героя. До кінця XX сторіччя склалися різні стилі акторського мистецтва. Стиль складений з окремих елементів, як мозаїка, але глядачі не бачать «цеглинок». Для них актор на сцені - жива людина, що діє, думає, страждає і радіє. Аналізувати і зауважувати - справа театральної критики. Головна задача виконавця - змусити публіку переживати, переконувати глядача. В античну епоху театральні представлення були частиною громадського життя: трагедії і комедії грали на святах, присвячених богу Діонису. Виконання п'єс, особливо трагедій, вимагало майстерності, однак учасники спектаклів не вважали це заняття професією і після закінчення свят поверталися до повсякденних справ. Древні греки дуже цінували акторські успіхи співгромадян, кращих нагороджували.

Першим професійним театром стали спектаклі італійської комедії дель арте, що виникла в XIV ст. Власне, поняття «комико дель арте» означає «професійний актор». В цей період в Італії загострилися розбіжності між церквою і театром, що існували завжди. Християнська церква вважала акторів «слугами диявола». Однак вже на рубежі XVI-XVII ст. з'явилися твори, в яких театральне мистецтво визнавалося заняттям корисним, а актори - вихователями. В епоху Просвіти зав'язалася суперечка про те, що таке гра актора: видовище чи переживання. XVIII сторіччя - час значних змін у театральному мистецтві. До сцени стали відноситися серйозно, тому цілком природно виникло запитання про сутність акторської майстерності. Один з видатних мислителів епохи Просвіти, драматург і прозаїк Дені Дідро написав трактат «Парадокс про актора». На думку Дідро, актору слід виступати з холодною, навіть «крижаною» головою, «чутливість» до сцені протипоказане. Сильні почуття варто показувати, а не випробувати, «Чутливість аж ніяк не є властивістю генія», — писав Дени Дідро, - «усім відає не серце, а голова».

Після появи «Парадокса про актора» розгорнулася полеміка про природу акторської творчості. Питання обговорювалося дуже бурхливо і широко в театральних колах і серед глядачів. З'явилися прихильники «школи представлення» (Дідро) і «школи переживання». Згодом ці розбіжності так і

не зникли. На рубежі XVIII-XIX ст. представники романтизму підтримали «школу переживання». Вони вважали, що актору необхідно жити пристрастями героя і тоді глядач осягне вищу правду життя. З'явився твір, в якому висловлювалася інша точка зору. В книзі «Правила для акторів» (1803 р.) Ґете затверджував, що актору варто не тільки наслідувати природу, а й навчитися впливати ідеалом, тобто «поліпшувати», «підправляти» природу за законами краси. Виконавець, міркував Ґете, знаходиться на сцені, на його дивляться, тому він повинен виявляти собою зразок незалежно від того, яку роль грає. Актори - найноровливіші і непередбачені учасники театрального процесу. Вони завжди хотіли подобатися публіці, і дуже часто залишившись на підмостках сцени один на один із глядачем, забували про правила, засвоєні у процесі репетицій, і грали на свій страх і ризик. До кінця XIX ст. у європейських країнах склалися національні стилі акторського мистецтва. В Італії, частково в Австрії любили імпровізацію (лат. «несподіваний», «раптовий»), тобто спосіб гри, при якому в момент представлення може народитися новий пластичний прийом чи інтонація. Французи звикли дотримуватися правил, вироблених ще в XVII ст. Головним у театрі вважалося слово, тому актори багато працювали над текстом і на спектаклях демонстрували красу мови. На російській сцені грали всупереч Дідро - слухаючи серце. На той час у багатьох європейських країнах діяли навчальні заклади, що готували акторів. Найстарший з них - Паризька консерваторія (мала драматичні класи).

XX століття подарувало мистецтву театру стільки теорій акторської майстерності, скільки жодне інше сторіччя. Актори, режисери, драматурги прагнули розробити власні системи. Одна з найвідоміших належить Костянтинові Сергійовичу Станіславському, одному з творців Московського Художнього театру. Труди Станіславського - «Робота актора над собою» і «Робота актора над роллю» стали своєрідною біблією для акторів. Інтерес до методики, що з'явився в перші десятиліття XX ст., не зник і наприкінці сторіччя. Нові теорії, навіть спростовували положення Станіславського, так чи інакше спираються на ті воістину епохальні твори. К.С.Станіславський сам був актором, з ранніх років виступав в аматорських, в професійних спектаклях. Його захоплювали загадки професії, зміст і форма існування артиста на сцені. Досягти правди почуттів актор може, якщо цілком перевтілиться, «влізе в шкіру» свого героя. Цю думку висловив ще великий російський артист Михайло Семенович Щепкин, а Станіславський розробив прийоми, за допомогою яких можна вжитися в роль. Він вважав важливим виховання актора - служитель театру повинен володіти особливою етикою, знати, для чого потрібно виходити на сцену, що говорити глядачам. «Роль актора не закінчується з опусканням завіси - він зобов'язаний і в житті бути шукачем і провідником прекрасного», - писав Станіславський.

Довгий час у мистецтві сцени не була вирішена проблема акторського ансамблю. В спектаклях театру романтизму часто виділявся один актор, виконавець головної ролі. Іноді глядачі стежили за парою акторів, особливо якщо вони грали любовний дует. У театрі XX ст. завдяки Станіславському

став важливий саме ансамбль акторів. Про значимість такого ансамблю писав видатний режисер Всеволод Емильевич Мейєрхольд. Саме «група осіб» повинна розгорнути перед глядачем картину життя, а не один актор-соліст.

У сучасному театральному мистецтві поступово складається новий тип актора драматичного театру. Такий артист знайомий з ведучими національними школами, знає роботи Станіславського, Гротовського, Арго, Брехта, цікавиться і зовсім новими ідеями. Він може вибирати, але частіше в його творчості цілком логічно поєднані елементи різних шкіл, запозичені з різних теорій прийоми акторської техніки. Актор кінця XX ст., український, західний, повинен освоїти прийоми вживання в образ персонажа, принципи відсторонення, імпровізацію. Для досягнення свободи існування на сцені працювали великі актори і режисери минулого - сумнівалися, розчаровувалися, на їхню долю випадали і приголомшливий успіх, і великі невдачі.

Театральний простір. Всесвіт. Термін сценографія (від греч. «намет» і «графо») з'явився порівняно недавно. Колись прийнято було говорити про театрально-декораційне мистецтво. Сюди включалося оформлення сцени, позначення місця дії, стиль костюмів персонажів, особливості реквізиту. Поняття «сценографія» значно ширше. Художник-сценограф будує театральний простір з огляду на взаємодію сцени і глядацької зали.

В античному театрі амфітеатр (грец. «амфі» - «по обидва боки», «навкруги», «місце видовищ») з місцями, що піднімалися уступами, охоплював з трьох сторін невелику круглу площадку - орхестру (грец. «танцюю») на яку виходили актори і хор. Вони з'являлися з будинку сцени, де зберігалися костюми, маски, проходили через просценіум - площадку перед стіною сцени і по невеликих драбинках спускалися на орхестру. Глядачу, що дивився зверху і збоку з амфітеатру, порожня кругла площина орхестри здавалася тлом для фігури актора. Антична драматургія не припускала зображення конкретного місця дії. Сидячи у величезному амфітеатрі, глядач відчував себе частиною єдиного театрального цілого. Коли він піднімав голову, відводив погляд від орхестри він бачив за низьким будинком сцени нескінченно триваючий простір, в якому людина-світ лише частина театру-світу і частина Всесвіту.

Поступово з'явилися більш складні рішення (організація) місця дії. Напівкруглий амфітеатр «присунули» до ігрової площадки. За спинами акторів тепер піднімалася висока стіна, що відгородила театр від навколишнього світу. Потім придумали навіс - стелю, що захищала акторів від яскравого сонця чи від дощу. Виникло запитання про будівлю театрального приміщення. Ця задача була вирішена в епоху еллінізму (IV-I ст. до н.е.). У Давньому Римі вже зводили кам'яні і дерев'яні будинки. З'явилися нові, чисто технічні проблеми. У приміщенні було потрібно спеціальне світло, потрібно дати «картинку» тла, що буде перед очима глядачів протягом декількох годин дії. У реальну архітектурну композицію вставляли рами з полотнами - на них зображувалися інші будинки, інтер'єри,

і тим самим на ігровій площадці створювалася ілюзія іншого простору. Часом на полотні писали пейзаж, ніби «проламуючи» стіну, вириваючись у світ загороджений архітектором. У Середньовіччя спектаклі стали знову грати під відкритим небом. Форми середньовічного народного, вуличного театру збереглися і в епоху Відродження в конструкції шекспірівської сцени. Ім'ям великого англійського драматурга називали тип побудови театрального простору, що існував в період правління королеви Єлизавети Тюдор. Особливістю Єлизаветинської сцени був її розподіл на три ігрові площадки.

Така сцена (розміщувалась майже у глядацькій залі) була готова прийняти все, що буде породжено фантазією драматурга. Вона дозволяла легко переносити дію п'єси з однієї країни в іншу, вільно переміщувати події в часі. Іноді подробиці обстановки, про які йшлося в тексті, озвучувалися зі сцени. У п'єсах Шекспіра і його сучасників можна не тільки знайти докладні ремарки, але й довідатися від самих героїв, як виглядав той чи інший пейзаж. Дивом врятувавшись після аварії корабля герої п'єси «Буря», говорили з подивом: «Наш одяг вимокнув у морі, але не втратив ні свіжості, ні фарб» чи: «По-моєму, наше плаття виглядає новісіньким...» і т.п. Театр сам встановлював умовності і правила, якими будуть пов'язані дві частини єдиного театрального цілого - ігрова і глядацька. Усе, що попадало в ігровий простір, на сцену, перетворювалося: дерево в діжці ставало лісом, крісло - королівським троном,

Чарівний світ закулісся. Пролунав третій дзвоник. Зал повільно занурюється в темряву, безшумно розкривається завіса, і перед очима глядачів з мороку поступово виникає картина: сонячний осінній ранок, старий зарослий парк, ліворуч невелика дерев'яна альтанка, в центрі — лавка; удалині - пагорбок, стежина, а за стовбурами - дерева, крізь їхні поріділі крони видно ліс і чисте блакитне небо. Зал змовкає. Починається спектакль.

Цей майже реальний світ придумали режисер і художник. Засобами театру вони зуміли правдиво і поетично передати принадність осінньої природи, настроїти глядача на потрібний лад. А допомагали їм люди, яких глядач не бачить, але яким поряд з акторами, режисером і художником адресує оплески. Театральні лаштунки - дивний світ. Тут завжди панує дух колективної творчості. Безліч людей, різних, часом навіть незвичайних і рідких спеціальностей беруть участь у створенні спектаклю. Спочатку художник-постановник, протягом тривалого часу працює разом з режисером над художніми рішеннями спектаклю, приносить в театр ескізи декорацій. Але ескізи - плоскі, двомірні зображення, а сцена - простір тривимірний. Тому результати своєї праці театральний художник може правильно оцінити, тільки виконавши макет декорацій. На цьому необхідному і вкрай важливому етапі на допомогу художнику приходить макетник.

Макет, а також ескізи декорацій, костюмів, меблів, реквізиту представляються художньої раді театру. Ведучі актори, режисери, інші авторитетні співробітники обговорюють і затверджують запропоноване рішення. Серед присутніх на засіданні художньої ради завжди буває завідувач художньо-постановочною частиною, тобто групою художньо-

технічних працівників, що займаються оформленням спектаклю. Використовують декорації декількох видів. Тверді, чи строєні, виготовляють з дерева (дощок, брусків, фанери), металу. Меблі, освітлювальна арматура (люстри, настільні лампи, настінні та інші світильники), реквізит, костюми, декорації, театральні костюми, бутафорія - все це необхідно для театру. Кожен спектакль має свою світлову партитуру, у який записане, як змінюється світло в картинах. Освітлювач працює під час спектаклю за пультом-регулятором. Не менш важливе значення, ніж світло, має звукооформлення. У фонотеці театру можна знайти все що завгодно: і шум морського прибою, свист хуртовини, гавкіт собаки. Готові записи монтують. Пульт звукооператора звичайно знаходиться в ложі перед сценою. У реквізиторському цеху виготовляють дрібні деталі обстановки, предмети з якими працює актор. Майстри-костюмери допомагають артистам одягтися. У майстернях і за кулісами спільною творчою працею професіоналів і ентузіастів своєї справи створюється живе мистецтво театру.

Глядачі не бачать режисера на сцені під час дії, він може з'явитися тільки після спектаклю - щоб поклонитися разом з акторами і привітати зал. У театрі завжди була людина, що займалася з акторами, художниками, вирішувала різні задачі - творчі і технічні. Але довгий час цей «персонаж» залишався в тіні, навіть визначення для нього відшукали не відразу. На рубежі XVIII-XIX ст. на сторінках німецьких театральних видань з'явилося нове поняття - «режисура». Однак у різних країнах нову фігуру театрального процесу називали по-різному, а вже від найменування залежали задачі і форми роботи.

Режисер (нім. «керувати»), «майстер мізансцени» (фр.) керує. Мізансцена - це розташування акторів на сценічній площадці в кожен момент спектаклю. Чергування мізансцен йде в такому порядку, в якому вимагає п'єса, і народжує сценічна дія. В Англії режисером називали того, хто «робить» спектакль, виконує організаційну роботу, яка передує творчій. З появою кіно творців театрального спектаклю стали називати тих, хто направляє дію і відповідає за все. Іноді застосовують ще один термін - постановник. Походження цієї назви теж має пояснення. Процес роботи над спектаклем передбачає перекладання літературного тексту на особливу мову сцени. Режисер відтворює, тобто ставить, п'єсу на сцені за допомогою акторів, художника-декоратора, композитора та ін.

У режисера багато задач: він повинний бути організатором, педагогом, тлумачем тексту п'єси - свого роду вождем, «хазяїном» спектаклю. Головну роль режисера діячі театру і публіка усвідомили не відразу, а поступово. Протягом XIX ст. саме існування нової професії піддавалося сумніву: як автори, так і актори іноді не хотіли підкорятися режисеру. Творці спектаклів часто розподіляли обов'язки. Один працював з акторами, другий вирішував як буде оформлена сцена, третій пояснював трупі задум драматурга і т.п. Не випадково в XIX сторіччі виникли такі поняття, як образотворча режисура (постановники займалися рішенням сценічного простору) і словесна режисура (перетворення слова написаного в

слово вимовлене). Режисура виникла лише з появою особливого типу драматургії, що зажадала складної побудови сценічної дії, роботи з ансамблем (фр. - «разом») акторів, створення сценічної атмосфери. Така драма з'явилася в останній чверті XIX ст., вона так і називалася: нова драма. Спектакль розумівся як щось цільне, він повинен був підтвердити єдність задуму режисера та акторської гри. Російський письменник і драматург Микола Васильович Гоголь вважав, що в театрі хтось має «завідувати» і трагедією, і комедією. Режисер відтворює спектакль - особливий театральний добуток: така думка укоренилася у свідомості теоретиків і практиків театру на рубежі XIX-XX ст.

Кінець XIX — початок XX ст. - час появи великих режисерів. Тепер саме від режисерського задуму, розуміння п'єси починає залежати успіх спектаклю. Актори зрештою визнають свою підлеглу роль. З початку XX ст. повсюди, за винятком Італії і Сполучених Штатів Америки, де становлення театру відрізнялося від загальноєвропейського, шлях розвитку мистецтва сцени стали визначати режисери. Дуже швидко суперечки про необхідність режисури майже припинилися, але виникла інша полеміка: про задачі режисерського мистецтва. В тім, що це мистецтво, вже ніхто не сумнівався. Один із творців Московського Художнього театру - Володимир Іванович Немирович-Данченко вважав: режисер повинний вмерти в акторі, тобто свій задум режисер повинний вкласти у свідомість актора, саме через нього виразити все, що має намір сказати сам. Режисер п'єси зобов'язаний знайти особливу форму життя на сцені, глибоко проникнути в задум автора і зрозуміти форми його мислення. З таким підходом сперечався знаменитий експериментатор в області театрального мистецтва Всеволод Емильович Мейерхольд. Він вважав, що режисер - це «автор спектаклю» і тому повинний почувати себе вільним.

Коли режисура затвердилася як сценічна професія, й особа форма театрального мислення, повстало питання про стиль режисури. Яку роль у творчості того чи іншого режисера грають принципи життєподібності, коли сцена стає «виразом життя»? Як часто і широко постановник використовує метафори? Як він відноситься до театральної традиції? Поняття метафори в сценічному мистецтві досить складне, а подекуди і заплутане. Режисерське мистецтво, як і будь-яке інше, - це, насамперед, образне мислення. В спектаклі образи складаються з акторської гри, ритму, темпу, залежать від побудови сценічного простору. Історія сценічного мистецтва XX ст. знає вражаючі режисерські образи світу, що відбили особливості художнього світогляду різних майстрів. Визнаними творцями сценічних метафор стали Генрі Едуард Гордон Крэг, Всеволод Емильович Мейерхольд, Джорджо Стрелер, Юрій Петрович Любимов, балетмейстери Моріс Бежар, Маті Егк, а також успішно працюючих на оперних сценах Роберт Уїлсон і Люк Бонді.

Як тільки режисер зайняв відповідне місце у театрі, важливою стала проблема взаєморозуміння між учасниками спектаклю. На сценічній площадці можуть зіштовхуватися різні стилі, різні творчі пристрасті. Режисер-постановник покликаний з'єднати всі елементи в одне ціле з огляду

на особливості характерів акторів і смаки художника, розуміючи подвійність їхньої ролі в підготовці спектаклю. Актори і художник-сценограф одночасно самостійні і підлеглі волі режисера-постановника. Він же у своїй роботі повинен пам'ятати про подвійне, точніше, навіть потрійне підпорядкування актора. Учасник сценічної дії повинний керуватися текстом п'єси (у всякому разі, вимовляти слова, написані драматургом), відповідати режисерським вказівкам і освоювати простір, побудований сценографом.

Історія театру XX ст. показала, що за бажанням режисера і за допомогою акторів, що втілюють його задум на сценічних підмостках, може бути змінений навіть жанр п'єси, що лежить в основі спектаклю. Комедійний текст по волі постановника здобуває риси трагедії, трагічний сюжет трактується як сатиричний, а драматичний персонаж виглядає смішним. Справжній твір театрального мистецтва народжується тільки у творчої співдружності всіх учасників сценічної дії, але ведуча роль режисера повинна зберігатися.

Історія театру продовжується.

За двадцять п'ять століть свого існування театр пройшов шлях від ритуального дійства до спектаклів, що трактують складні духовні питання. Мистецтво сцени народилося в далекій давнині. У різні часи воно було покликане розважати, виховувати, проповідувати. І з цими задачами театр справлявся. Його можливості різноманітні, а сила впливу велика, тому театральне мистецтво прагнули поставити собі на службу королі і князі, імператори і міністри, революціонери і консерватори.

Сценічний простір мислили як модель світобудови, де була єдина можливість розіграти, повторити таїнство утвору Всесвіту.

В епоху Відродження на театр усе частіше стали покладати задачі виправлення пороків. «Засуджуючи низькі вдачі й омани, варто спонукувати людей до життя гідного», — говорилося в одному з творів того часу. А в епоху Просвітництва мистецтво сцени оцінювалося дуже високо — як те, що «очищає» і заохочує чесноти. Ці ідеї пізніше розвив російський письменник і драматург М.В.Гоголь. Теза «театр — університет» зберігає значення донині. Розмислюючи над явищем театру, О.С.Пушкін писав, що «дух часу вимагає змін на сцені драматичної». Кращі театральні добутки завжди виявлялися чуйними до історичних змін. Театрознавець:

Історія театру йде своїм корінням далеко в минуле людства. Перші сценічні дійства можна було побачити в релігійних обрядах, святкуваннях на честь Богів, яким поклонялися стародавні люди. Класичний театр в його розумінні як виду мистецтва починає свою історію із стародавньої Греції.Специфіка театру як виду мистецтваЯк будь-який інший вид мистецтва (музика, живопис, література), театр володіє своїми, особливими ознаками.

1. Це мистецтво синтетичне: театральна твір (спектакль) складається з тексту п'єси, роботи режисера, актора, художника і композитора.

2. В опері і балеті вирішальна роль належить музиці.3. Театр — мистецтво колективне. Спектакль — це результат

діяльності багатьох людей, не тільки тих, (хто з'являється на сцені, але і тих, хто шиє костюми, майструє предмети реквізиту, установлює світло, (зустрічає глядачів). Недарма існує визначення «працівники театрального цеху».

4. Театр пропонує власний спосіб пізнання навколишнього світу і, відповідно, власний набір художніх засобів. Спектакль — це й особлива дія, розіграна в просторі сцени, і особливе, відмінне, скажемо, від музики образне мислення.

Люди, як і багато століть назад, приходять до театру. Зі сцени звучить текст п'єс, перетворений силами і почуттями виконавців. Артисти ведуть свій діалог — і не тільки словесний. Це бесіда жестів, поз, поглядів, міміки. Фантазія художника-декоратора за допомогою кольору, світла, архітектурних споруджень на сценічному майданчику змушує простір сцени «заговорити». І усе разом укладено в тісні рамки режисерського задуму, що додає різнорідним елементам завершеність і цілісність. Глядач свідомо (а часом і несвідомо) оцінює гру акторів і режисуру, відповідність рішення театрального простору загальному задуму. Але головне — він, глядач, прилучається до мистецтва, яке несхоже на інші, що діється тут і зараз. Осягаючи зміст спектаклю, він осягає і сенс життя.Режисер:

В основі театральної вистави лежить текст, наприклад, п'єса для драматичного спектаклю. Навіть у тих сценічних постановках, де слово як таке відсутнє, текст буває необхідний; зокрема, балет, а іноді і пантоміма має сценарій — лібрето. Процес роботи над спектаклем складається в перенесенні драматургічного тексту на сцену — це свого роду «переклад» з однієї мови на іншу. В результаті літературне слово стає словом сценічним.

Перше, що бачить глядач після того, як відкриється завіса, — це сценічний простір, у якому розміщені декорації. Вони вказують на місце дії, історичний час, відбивають національний колорит. За допомогою просторових побудов можна передати навіть настрій персонажів. Під час дії за допомогою спеціальної техніки декорації змінюють: день перетворюють у ніч, зиму — у літо, вулицю — у кімнату. Ця техніка розвивалася разом з науковою думкою людства. Піднімальні механізми, щити і люки, що за давніх часів приводилися в дію вручну, тепер піднімає й опускає електроніка. Свічі і газові ліхтарі замінені на електролампи; часто використовують і лазери.

Ще в античності сформувалося два типи сцени і глядацького залу: сцени-коробки і сцена-амфітеатр.

1. Сцена-коробка передбачає яруси і партер;2. Сцену-амфітеатр глядачі оточують із трьох сторін. Зараз у світі використовують обидва типи. Сучасна техніка дозволяє

змінювати театральний простір — влаштовувати поміст посередині партеру, саджати глядача на сцену, а спектакль грати в залі.

Велике значення завжди додавали театральній будівлі. Театри звичайно будувалися на центральній площі міста; архітектори прагнули, щоб будинки були красивими, привертали увагу. Приходячи в театр, глядач відокремлюється від повсякденного життя, якби піднімається над реальністю. Тому не випадково в зал часто ведуть прикрашені дзеркалами сходи. Підсилити емоційний вплив драматичного спектаклю допомагає музика. Іноді вона звучить не тільки під час дії, але й в антракті — щоб підтримати інтерес публіки.Актор:

Головна особа в спектаклі — актор. Глядач бачить перед собою людину, що таємничим способом перевтілилася в художній образ — своєрідний твір мистецтва. Звичайно, твір мистецтва - не сам виконавець, а його роль. Вона витвір актора, створений голосом, нервами і чимось невловимим — духом, душею.Режисер:

Аби дія на сцені сприймалося як цільне, необхідно її продумати і послідовно організувати. Ці обов'язки в сучасному театрі виконує режисер. Від таланту акторів у спектаклі залежить, звичайно, багато чого, але проте вони підлеглі волі керівника — режисера. Драматург:

Збираючись поставити спектакль, його творці спочатку вибирають п'єсу, тобто неодмінно звертаються до драматургії. Особливий текст, призначений для показу публіці, називається драмою чи п'єсою.Аристотель:

У IV в. до н.е. я, давньогрецький філософ Аристотель (384—322 до н.е.) визначив драму як один з видів літератури поряд з епосом і лірикою. Драма - з давньогрецького «дію», «дійство». Цьому слову понад двадцяти п'яти століть. Поняття жанру виникло в античні часи, але називали його - «вид».

Розглядаючи тільки два жанри - трагедію (гр.) і комедію, у трактаті «Поетичне мистецтво («Поетика») затверджую, що драма наслідує дію. Вона не описує події, а показує їх через вчинки дійових осіб.

Центральне поняття в античній поетиці - мімесис (гр. «наслідування») збереже ще довго своє значення. Трагедія наслідує (можна сказати говорить чи зображує, відображає) щось жахливе, страшне, але обов'язково значне. Стрижень комедії — безглузді події, учинки смішних і забавних людей. Таким чином, трагедія і комедія — два полюси драматургії. Театрознавець:

Багато століть пізніше, у XVIII столітті, драмою почали називати не тільки рід літератури, але і жанр драматургії.

Термін «п'єса» (франц. -«шматок») народився значно пізніше. У XVI-XVII ст. цім словом називали будь-який фрагмент, що представляли актори, або виконували музиканти. Лише в XVIII сторіччі так стали іменувати текст, написаний для сцени.

Термін жанр (фран.) затвердився у Франції у XVII ст., як спосіб зображення, форму опису різних явищ і подій.

У XVIII сторіччі з'явилися п'єси, де ознаки трагедії і комедії сусідять. Цей новий жанр і одержав назву «драма». Отже, поняття «драма» має подвійне значення: це й один з трьох видів літератури, і в той же час жанр усередині однойменного роду. Драматург:Драматургією іменують літературні тексти, що відрізняються особливими рисами. У драматичних творах автор зображує відносини між людьми, їхнього переживання, помилки й удачі за допомогою діалогу.

Драматичні персонажі іменуються діючими особами. Їхній склад завжди міститься перед текстом п'єси. Іноді автор просто вказує персонажів, іноді описує їх менш докладно — називаючи вік, характер одягу, навіть колір волосся й очі. Багато подій, що згадуються в п'єсі, на сцені не відбуваються — про їх розповідають самі персонажі. Про появу діючих осіб читачі довідаються з ремарок (фр.) — пояснень автора, призначених для читача, постановника й актора. Ремарки визначають побудову сценічного простору — позначають переміщення героїв п'єси по сцені («Підійшов до столу»), інші дії («Запалив свічу», «Надягає рукавички»). Іноді вони коротко описують стан діючих облич, інтонацію, з який вимовляються репліки (нервово, тихим голосом, з розпачем, плачучи і т.п.). У різні періоди розвитку театрального мистецтва ремарки бували різними; у деяких драматургів вони перетворювалися в розгорнуті, докладні описи.Ведучий:З історії театрального мистецтва

Перші драматичні твори, що з'явилися в епоху античності, призначалися винятково для сценічного втілення. Протягом довгого часу (і в епоху Відродження, і в XVII в.) драматург міг побачити свій твір тільки на сцені.

Про те, що драма — рід літератури, як учив Аристотель, немов забули. Великі драматурги: Жан Батист Мольєр, Вільям Шекспір і інші — не прагнули, щоб текст був опублікований. Працюючи над п'єсою, вони уявляли собі акторів, їхнього голосу, вигляд.

У XVIII сторіччі ставлення до драматургії і взагалі до театрального мистецтва змінилося. Століття Просвіти вимагало, щоб зі сцени звучали піднесені слова, а постановки служили виховним цілям. Відповідно підвищилися вимоги до театральних текстів. П'єса стала оцінюватися не тільки як матеріал для сцени, але і як літературний твір. З'явилося поняття «драма для читання».

До Німеччини кінця XVIII в. воно прийшло з Давнього Риму: у ті далекі часи твори драматурга і філософа Луція Аннея Сенеки (близько 4 до н.е. — близько 65 н.е.) теж призначалися для читання. Однак ця традиція в історії театру не мала продовження аж до XVIII сторіччя, коли почали

друкуватися збірники п'єс. Протягом XIX і XX ст. письменники і люди театру не раз намагалися розділити сцену і драму. Сцена часто була не готова зрозуміти сучасну драматургію і віддавала перевагу новим п'єсам, які перевірені часом.

Проте драма (п'єса) повинна бути поставлена на сцені — такі закони театрального мистецтва.

Персонажі драми - тобто дійові особи згідно з сюжетом (послідовність подій), грають сценічну дію. П'єса розкривається повною мірою тільки в просторі сцени, під час спектаклю.

Крім трагедії, комедії і «середнього» жанру — драми — віддавна гралися пантоміми — короткі сценки найчастіше комічного змісту, що сполучать імпровізований діалог, спів і танці. Пізніше, наприкінці епохи Відродження, з'явилася трагікомедія — у ній сусідили ознаки трагедії і комедії. Однак від драми цей жанр відрізняється тим, що в трагікомедії завжди в наявності двоїсте ставлення до життя, поняття добра і зла чітко не визначені, чорне і біле можуть мінятися місцями.

У XVIII сторіччі виник ще один вид п'єс - мелодрама (з грецьк. «мелос» — «пісня», «мелодія» і «драма»). Спочатку такі спектаклі дійсно супроводжувалися музикою. Пізніше мелодрамами стали називати п'єси, де зображуються жахливі події, але усі завершується, як правило, добре. Добрі люди, переживши горе і потрясіння, знаходять щастя і статок, а лиходії або вмирають страшною смертю, або закінчують своє життя за ґратами. Персонажі мелодрами завжди говорять один з одним на підвищених тонах, супроводжуючи мову різкими жестами, гірко плачуть чи ридають. На відміну від трагікомедії зло і добро, чорне і біле різко розділені. Моральні висновки не терплять різночитань. Сюжети і прийоми мелодрами широко використовують творці сучасних телесеріалів (наприклад, «Багаті теж плачуть». «Співаючі в тернику»).

До рубежу XIX—XX вв. відноситься поява монодрами (від грецьк. — «один», «єдиний» і «драма»). Це твір для сцени (драма, чи комедія навіть водевіль), написаний для одного актора.ПРОФЕСІЯ - АКТОР. За двадцять п'ять століть існування театру його служителі пережили гоніння і тріумфи, любов і ненависть. Довгий час на тих, хто носив маску, личину, дивилися з недовірою і навіть побоюванням. Залякувала сама сутність акторського ремесла — уміння стати іншою людиною, сьогодні — веселим і добрим, а завтра — похмурим і злим. З історії акторської майстерності

Акторське мистецтво має обрядове походження. Першими акторами можна вважати жерців: виконуючи ритуали, вони, по суті, відігравали роль і повинні були знати її без запинки. Жерці надягали спеціальні костюми, іноді маски.

У сучасних акторів є й інші попередники — блазні. Вони з'явилися в історії людства дуже рано. Блазень, як і жрець, прийнявши на себе роль, не відмовлявся від неї протягом усього життя. Такий «родовід» пояснює двоїсте ставлення до акторів. Існували дві крайні точки зору.

Актор часто сприймався глядачами як обранець — служитель високого мистецтва, що розмовляє з богами, чи як легковажний і грубий потішник. У першому випадку його дорівнювали до жерця, а в другому — до блазня.

У Древній Греції акторів, що виконували короткі побутові сценки, називали мімами, тобто наслідувачами.

В античному світі народилося й інше поняття — актор (лат. «вчинок», «дія»). Так іменували тих, хто грав у трагедіях і комедіях.

Актор на сцені повинен діяти відповідно до сюжету п'єси, і відігравати роль — бути не самим собою, а іншою людиною.

Ігровий початок підкреслено в німецькому найменуванні середньовічного актора - шпільман (нім. «гра»). Виконавцю необхідно випробувати почуття свого героя.

До кінця XX сторіччя склалися різні стилі акторського мистецтва. Стиль складений з окремих елементів, як мозаїка, але глядачі не бачать «цеглинок". Для них актор на сцені - жива людина, що діє, думаючий, страждаючий і радіючий. Театральний критик:

Аналізувати і зауважувати - справа театральної критики. Головна задача виконавця — змусити публіку переживати, переконати глядача. В античну епоху театральні вистави були частиною громадського життя: трагедії і комедії грали на святах, присвячених богу Діонису. Виконання п'єс, особливо трагедій, вимагало майстерності, однак учасники спектаклів не вважали це заняття професією і після закінчення свят поверталися до повсякденних справ. Древні греки дуже цінували акторські успіхи співгромадян і кращих удостоювали нагород.Актор:Становлення професійного театру, становлення акторської професії

Першим професійним театром стали спектаклі італійської комедії дель арте, що виник в XIV ст. Власне, поняття «комико дель арте» і означає «професійний актор». В цей період в Італії загострилися розбіжності між Церквою і театром, що існували завжди. Християнська церква вважала акторів «слугами диявола». Однак уже на рубежі XVI-XVII ст. з'явилися твори, у яких театральне мистецтво визнавалося заняттям корисним, а актори — вихователями.

В епоху Просвіти зав'язалася суперечка про те, що таке гра актора: вистава чи переживання?

XVIII сторіччя — час значних змін у театральному мистецтві. До сцени стали ставитися серйозно, і цілком природно, що виникло запитання про сутність акторської майстерності. Один з видатних мислителів епохи Просвіти — драматург і прозаїк Дені Дідро (1713—1784) написав трактат «Парадокс про актора» (1770 р.).

На думку Дідро, актору слід виступати з холодною, навіть «крижаною» головою, «чутливість» же сцені протипоказана. Сильні почуття

варто показувати, а не випробувати, «Чутливість аж ніяк не є властивістю генія, — писав Дени Дідро, - " на усьому знається не серце, а голова".

Після появи «Парадокса про актора» розгорнулася полеміка про природу акторської творчості.

Питання обговорювалося дуже бурхливо і широко — і в театральних колах, і серед глядачів. З'явилися прихильники «школи вистави» (за Дідро) і «школи переживання».

Згодом розбіжності не зникли. На рубежі XVIII-XIX ст. представники романтизму підтримали «школу переживання». Вони вважали, що актору необхідно жити пристрастями героя - і тоді глядач осягне вищу правду життя.

З'явився твір, у якому висловлювалася інша точка зору. У книзі «Правила для акторів» (1803 р.) Ґете стверджував, що актору варто не тільки наслідувати природи, по також навчитися ідеальному, тобто «поліпшувати», «підправляти» природу за законами краси. Виконавець, міркував Ґете, знаходиться на сцені, на його дивляться — тому він повинний виявляти собою зразок незалежно від того, яку роль грає.

Актори — норовливі і непередбачені учасники театрального процесу. Вони завжди хотіли подобатися публіці, і дуже часто, залишившись на авансцені один на один із глядачем, забували про правила, засвоєних у процесі репетицій, і грали на свій страх і ризик.Театрознавець:

До кінця XIX в. у європейських країнах склалися національні стилі акторського мистецтва.

В Італії і почасти в Австрії любили імпровізацію (лат. «несподіваний», «раптовий»), тобто спосіб гри, при якому в момент представлення може народитися новий пластичний прийом чи інтонація. Французи звикли дотримуватися правилам, виробленим ще в XVII ст. Головним у театрі вважалося слово, тому актори багато працювали над текстом і на спектаклях демонстрували красу мови. На російській сцені грали всупереч Дідро — слухаючи серце. На той час у багатьох європейських країнах діяли навчальні заклади, що готували акторів. Найстарший з них — Паризька консерваторія (включала драматичні класи).Режисер:Професія – режисер. XX століття подарувало мистецтву театру стільки теорій акторської майстерності, скільки жодне інше сторіччя. Актори, режисери, драматурги прагнули розробити власні системи. Одна з найвідоміших належить Костянтинові Сергійовичу Станіславському (1863—1938), одному з творців Московського Художнього театру.

Праці Станіславського — «Робота актора над собою» і «Робота актора над роллю» стала своєрідною біблією для акторів. Інтерес до методики, що з'явився в перші десятиліття XX в, не слабшає і наприкінці сторіччя. Нові теорії, навіть спростовуючи положення Станіславського, так чи інакше спираються на ті воістину епохальні твори.

К.С.Станіславський сам був актором, з раннього років виступав і в аматорських, і в професійних спектаклях. Його захоплювали загадки професії, зміст і форма існування артиста на сцені. Досягти правди почуттів актор може, якщо цілком перевтілиться, «що влізе в шкіру» свого героя. Цю думку висловив ще великий російський артист Михайло Семенович Щепкін, а Станіславський розробив прийоми, за допомогою яких можна вжитися в роль. Важливим режисер вважав виховання актора — служитель театру повинний володіти особою етикою, знати, заради чого виходить на сцену і що хоче сказати глядачам.

«Роль актора не кінчається з опусканням завіси — він зобов'язаний і в житті бути шукачем і провідником прекрасного», - писав Станіславський.

Довгий час у мистецтві сцени не була вирішена проблема акторського ансамблю.

У спектаклях театру романтизму часто виділявся один актор, виконавець головної ролі. Іноді глядачі стежили за парою акторів, особливо якщо вони грали любовний дует. У театрі XX в. — багато в чому завдяки Станіславському — став важливий саме ансамбль акторів.

Про значимість такого ансамблю писав і інший видатний режисер - Всеволод Емільович Мейєрхольд (1874—1940). Саме « група осіб» повинна розгорнути перед глядачем картину життя, а не один актор-соліст. Авторський текст, за Мейєрхольдом, накладає певні рамки на волю режисерського задуму, але рабом тексту постановник не може і не повинний бути ні в якому разі.

Подібні суперечки продовжуються донині, тому що з появою фігури режисера в театральному процесі велику роль стала грати інтерпретація, тобто розуміння, пояснення п'єси постановником. Звичайно, усі залежить від індивідуальності режисера, його волі, його розуміння сутнісних проблем буття - отже, від його світогляду.

Коли режисура затвердилася як сценічна професія й особлива форма театрального мислення, неминуче постало питання про стиль режисури.Запитання до учнів

- Яку роль у творчості того чи іншого режисера грають принципи життєвої подібності, коли сцена стає «виразом життя»?

- Як часто і широко постановник використовує метафори? - Як він ставиться до театральної традиції?

Ведучий:Поняття метафори в сценічному мистецтві досить складне, почасти заплутане. Однак мова сцени — це мова мистецтва; отже, режисер повинний освоїти форми саме художнього мислення, створити власний образ світу. Режисерське мистецтво, як і будь-яке інше, — це, насамперед, образне мислення. У спектаклі образи складаються з акторської гри, ритму, темпу, залежать від побудови сценічного простору. Історія сценічного мистецтва XX в. знає вражаючі режисерські образи світу, що відбили особливості художнього світогляду різних майстрів.

Театральний критик:Видатні режисери

- Генрі Едуард Гордон Крег (1872—1966);- Всеволод Емильович Мейєрхольд; - Джорджо Стрелер (1921 — 1997);- Юрій Петрович Любимов (народився в 1917 р.),- балетмейстери Моріс Бежар (дійсне прізвище Берже,

народився в 1927 р.) і Маті Эгк, а також успішно працюючі на оперних сценах Роберт Уилсон і Люк Бонди.Театрознавець:

Як тільки режисер зайняв одне з головних місць в театрі, важливою стала проблема взаєморозуміння між учасниками спектаклю. На сценічному майданчику можуть зіштовхуватися різні стилі, різні творчі пристрасті. Режисер-постановник покликаний з'єднати всі елементи в одне ціле, з огляду на при цьому особливості характерів акторів і смаки художника, розуміючи подвійність їхньої ролі в підготовці спектаклю. Актори і художник-сценограф одночасно самостійні і підлеглі волі режисера-постановника. Він же у своїй роботі повинний пам'ятати про подвійний, точніше, навіть потрійному підпорядкуванні актора. Учасник сценічної дії повинний керуватися текстом п'єси (у всякому разі, вимовляти слова, написані драматургом), випливати режисерським вказівкам і освоїти простір, побудований сценографом.

Історія театру XX в. показала, що за бажанням режисера і за допомогою акторів, що втілюють його задум на сценічних підмостках, може бути змінений навіть жанр п'єси, покладеної в основу спектаклю. Комедійний текст із волі постановника здобуває риси трагедії, трагічний сюжет трактується як сатиричний, а драматичний персонаж виглядає смішним.Справжній твір театрального мистецтва народжується тільки у творчій співдружності всіх учасників сценічної дії, але ведуча роль режисера неодмінно повинна зберігатися.

У сучасному театральному мистецтві поступово складається новий тип актора драматичного театру. Такий артист ознамомлений з ведучими національними школами, читав Станіславського, Гротовського, Арго, Брехта, цікавиться і зовсім новими ідеями. Він може вибирати, але частіше в його творчості цілком мирно уживаються елементи різних шкіл, прийоми акторської техніки, запозичені з різних теорій.Сценограф:

Термін сценографія (від греч. «намет» і «графо») з'явився порівняно недавно. Колись прийнято було говорити про театрально-декораційне мистецтво. Сюди включалося оформлення сцени, позначення місця дії, стиль костюмів персонажів, особливості реквізиту. Поняття «сценографія» значно ширше. Художник-сценограф будує театральний простір, з огляду на взаємодію сцени і глядацької зали.

В античному театрі амфітеатр (греч. «амфі» — «по обидва боки», «навкруги», «місце видовищ») з місцями, що піднімалися уступами,

охоплював із трьох сторін невелику круглу площадку — орхестру ( з грецьк. «танцюю»), на яку виходили актори і хор.

Вони з'являлися з будинку сцени, де зберігалися костюми і маски, проходили через проскеніум — майданчик перед стіною сцени — і невеликими драбинками спускалися на орхестру. Глядачу, що дивився зверху і збоку з амфітеатру, порожня кругла площина орхестри здавалася тлом для фігури актора.

Антична драматургія не припускала зображення конкретного місця дії. Сидячи у величезному амфітеатрі, глядач відчував себе частиною єдиного театрального цілого. Коли він піднімав голову і відводив погляд від орхестри, та бачив за низьким будинком сцени нескінченно триваючий простір, у якому людина-світ лише частина театру-мира і частина Всесвіту.

Поступово з'явилися більш складні рішення (організація) місця дії. Напівкруглий амфітеатр «присунули» до ігрової площадки. За спинами акторів тепер піднімалася висока стіна, що відгородила театр від навколишнього світу. Потім придумали навіс — потовк, що захищає акторів від яскравого сонця чи від дощу. Виникло запитання про будівлю театрального приміщення.

Ця задача була вирішена в епоху еллінізму (IV-I ст. до н.е.). У Давньому Римі вже зводили кам'яні і дерев'яні будинки. З'явилися нові, чисто технічні проблеми. У приміщенні було потрібний спеціальне світло, було потрібно дати «картинку» тла, що буде перед очима глядачів протягом декількох годин дії. У реальну архітектурну композицію вставляли рами з полотнами — на них зображувалися інші чи будинки інтер'єри, і тим самим на ігровому майданчику створювалася ілюзія іншого простору.

Часом на полотні писали пейзаж, якби «проламуючи» стіну і відкриваючи у світ, загороджений архітектором.

У Середньовіччя спектаклі стали знову грати просто неба. Форми середньовічного народного, вуличного театру збереглися в епоху Відродження — у конструкції шекспірівської сцени. Ім'ям великого англійського драматурга називають тип побудови театрального простору, що існував у період правління королеви Єлизавети Тюдор (1558—1603 р.) Особливістю Єлизаветинської сцени був її розподіл на три ігрових майданчика.Ведучий:

Історія театру продовжується.Театр - дзеркало, у якому відбиваються події і людина. Але майстри

театру — творці, і тому здатні не тільки зрозуміти сьогодення, але також передбачати майбутнє. Не раз в історії людства збувалися пророцтва, вимовлені зі сцени. Театру не один раз пророкували загибель, але він щораз виживав - витримав конкуренцію з кінематографом, з телебаченням, з комп'ютером. Мистецтву, що створюється на очах у глядачів, призначене довге життя. Переборюючи усілякі кордони і мовні бар'єри, воно дарує світу нові відкриття.

Література

Филимонова С.В. История мировой художественной культуры. - Мозырь: Белый ветер, 1997.Власов В.Г. Стили в искусстве: Словарь. Спб., 1995.Культурология. История и теория культуры: Учебное пособие.- М., 1996.Барг М.А. Эпохи и идеи. М., 1977.Аникст А.А. Теория драмы от Аристотеля до Лессинга-. М., 1967. .Современная драматургия. 1990. № 6. История зарубежного театра: В 4 т. /Под ред. Г.Н. Бояджиева и др. 2-е изд.- М., 1981-1987. .Бояджиев Г.«От Софокла до Брехта за 40 театральных вечеров».М., 1987.http://www.nihon.ru/culture/theaters.asphttp://www.satire.ru/ http://tmn.fio.ru/works/57x/302/8/3.htm