indiefermag nº 15. octubre 2012

OCTUBRE 2012 | Nº 15

REVIEWS THE JIM JONES REVUE * PAUL BANKS * CROCODILES GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR * ARIZONA BABY * MASERATIHOW TO DRESS WELL * THE SOFT PACK * BAT FOR LASHESCRÓNICA MUSE * BON IVER * LA HABITACIÓN ROJAICO TOP OCTUBRE. LOS MEJORES DISCOS DEL MES

Y MUCHOS MÁS

INDIEFERENCIAm a g a z i n e

T A M E I M P A L A

Review del mesTame Impala: Lonerism 3

Reviews

Arizona BabyThe truth, the whole truth and nothing but the truth 7

The Jim Jone Revue: The Savage Heart 9Paul Banks: Banks 11

Crocodiles: Endless Flowers 13

Crónicas

Muse, Madrid 15La Habitación Roja, Valladolid 17

Bon Iver, Madrid 19

Opinión: La Música y el Cine 21

Ico Top: Octubre 23

Indiespensables: Octubre 29

INDIEFERENCIA MAGAZINE

L O N E R I S M

4 INDIEFERENCIA MAGAZINE Octubre 2012

Por David G. Altarejos

Los australianos Tame Impala vuelven a la escena musical con susegundo álbum, “Lonerism”, que sirve de confirmación de lo que se podíaintuir en su anterior LP. Que son una banda muy a tener en cuenta.

Octubre 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 5

TAME IMPALA L O N E R I S M

Tame Impala irrumpió a media-dos de 2010 con un destacadoálbum de debut, “Innerspeaker”,el cual recibió muy buenas críti-cas. Y no fue para menos. Me-lodías que recordaban a otraépoca, a finales de los 60 y prin-cipio de los 70; un rock psicodé-lico muy marcado con clarasinfluencias de The Beatles, LedZeppelin, Pink Floyd y TheFlaming Lips. Palabras mayo-res. Aquel álbum fue una de lassorpresas de 2010, con cancio-nes como “Alter Ego”, “Soli-tude is Bliss” o “Lucidity”

como estandarte. Todo el discodejaba entrever un gran trabajoy una gran dedicación, sobretodo del frontman, Kevin Par-ker. Y no sólo las canciones delálbum; otras canciones que nopasaron el corte como “HalfFull Glass of Wine”, y que nofue incluida en el tracklist, la fir-marían muchos otros grupos.Tras dos años, nos llega estenuevo LP. Entre medias, con-ciertos por todo el mundo. Unservidor pudo disfrutar de su di-recto el verano pasado en elFIB, ya en el escenario princi-

pal. Eso sí, a las 8 de la tarde, ybajo un calor sofocante. Dieronbuena muestra de lo que soncapaces con un directo más quesatisfactorio, aunque breve(apenas llegó a la hora de dura-ción).

Como decía, ahora nos llega“Lonerism”, del cual ya pudimosescuchar varias canciones haceun par de meses: “ApocalypseDreams” y “Elephant”. La se-gunda sería el primer single, y laprimera fue un adelanto quemostró lo que iba a ser este


nuevo álbum: una continuación delo que venían haciendo los últimosaños, una extensión de aquellaprimera toma de contacto; eso sí,ahora más psicodélicos si cabe.La canción fluye con naturalidadhasta alcanzar la mitad de lamisma, y es ahí cuando rompe ydesata la locura con unas guita-rras y una distorsión imponentes.

“Be Above It” y “Endors Toi”son las encargadas de abrir lacaja de Pandora. Sintetizadores,distorsión y psicodelia para pararun tren. A todo esto se le ha desumar la voz impecable de KevinParker, que hace un gran trabajoen las voces, con una entonacióntranquila y pausada, a medida quenos lleva al mundo de colores de“Lonerism”. Después de la men-cionada “Apocalyprse Dreams”, letoca el turno para “Mind Michief”,

que recuerda a las canciones deldisco de debut, hasta que en suparte final sale a relucir el rock psi-codélico marca de la casa. Las si-guientes tres canciones son, paramí, las tres mejores. “Music ToWalk Home By”, “Why Won’tThey Talk To Me?” y “Feels LikeWe Only Go Backwards” formanun trío espectacular. La primeracontiene una gran cantidad de tex-turas, de sonidos y de mezclasque la hacen sencillamente sober-bia. La segunda es de las másmás accesibles. El disco en gene-ral es complejo, difícil de digerir.Uno de los temas que “entran”más fácil es este, con una bateríasencilla y un estribillo pegadizo. Elúltimo vértice de este triángulo,“Feels Like We Only Go Back-wards” es más pausada, rela-jante incluso. La canción sedesarrolla con un sonido de fondoque le da un aire dreamy, como unresplandor a lo largo de la pista.Además, esta es la canción desig-nada como segundo single. Des-pués, tenemos una canción que amí particularmente no me trans-mite nada; se trata de “Keep OnLying”. Quizás sea por estar ubi-cada entre las 3 joyas de la co-rona y el primer single, “Elephant”,la canción más rockera de las 12que forman el tracklist, con unbajo que recuerda a Black Sab-

bath. A partir de aquí, llega la úl-tima parte, donde la cosa decaeun poco. “She Just Won’t Be-lieve Me”, con sus 57 segundosde duración, es un interludio consabor a canción cortada. Des-pués, como penúltima canción te-nemos a “Nothing That HasHappened So Far Has BeenAnything That We Could Con-trol”, que consigue remontar unpoco y que hubiera sido un puntofinal excelso, pero los aussies es-timaron oportuno cerrar con“Sun’s Coming Up”, canción condos partes diferenciadas. La pri-mera, sólo formada por piano yvoz; y la segunda, un sólo de gui-tarra muy psicodélico. En mi hu-milde opinión hubiera funcionadomejor como introducción al disco,en vez de cierre, y así terminarcomo he comentado más arriba.De este modo, la parte final quedaun poco coja, y aún así, encontra-mos una gran canción a modo deoasis.

En resumen, estamos ante ungran disco. Continuación sublimedel debut de 2010, y una músicaque nos hará viajar a mundos decolores y paz, transportándonos aépocas pasadas. Un disco de tex-turas y sonidos nuevos que sedescubren a cada escucha. Unaexaltación de los sentidos.


TAME IMPALA LONERISM REVIEW

Después del exitoso matrimonioentre Arizona Baby y Los Coro-nas, ha llegado el momento en elque los primeros deben seguir sucamino. Y antes de embarcarse enla grabación de su segundo disco,tercero si contamos aquel primeroque autoeditaron, han decidido queera el momento de dar salida a seiscanciones a las que además acom-pañan una versión de Kraftwerk yun experimento psicodélico.

A estas alturas de la película, nohace falta contar de que rollo vanlos Arizona Baby. El desierto correpor sus venas y sus barbas han cre-cido bajo el castigo del sol, alimen-tadas sin una sola gota de agua. Sia eso le sumamos su estilismo y suactitud, estamos ante los represen-tantes mas puros del country-folkamericano en nuestro país. Y ade-más de todo esto, con este puñadode canciones se colocan comoabanderados de un sonido artesa-nal, lejano de la sobreproducción ala que últimamente estamos acos-tumbrando a nuestros oídos.

Con “Where the Sun Never Sets”abren fuego y disparan de formacertera guitarras y ritmos perfectospara una banda sonora de carreteray polvo en la cara, acompañadospor la carismática voz de JavierVielba, con ese tono a medio ca-mino entre Arkansas y Pucela.“Rock and Roll Messiah” es unblues que huele a bourbon con hielo

y se debe de saborear del mismomodo, deleitándonos en cada pun-teo de Rubén Marrón mientras de-jamos que el hielo se derrita yvenga la voz a quejarse amarga-mente bajo la atenta mirada de unbarman con cara de pocos amigos.“If I Could” podría pertenecer a“Babel”, último disco de Mumford &Sons y no desentonaría en abso-luto.

“The Ballad of Golden Valley” escanción de spaghetti western. Unostítulos de crédito con esta canciónde fondo serían la fantasía eróticafavorita de directores como SergioLeone. “Misty Morning Sun” es elsingle elegido para presentar esteEP y tal vez sea justo decir que co-quetean con el pop muy a su ma-nera, sin dejar de lado esos ritmoscaracterísticos de la banda, pero in-troduciendo unas armonías muy in-teresantes en los estribillos y con“The End Of The Line” ya no haydiscusión. La única ley que sirve ala hora de pelear por la valía de Ari-zona Baby es la de un par de pisto-las y unos dedos rápidos capacesde disparar a mayor velocidad queaquel que se encuentra a diezpasos, calzando unas botas conunas espuelas nuevas y relucientes.

Y aquí empieza lo divertido. Dostemas donde la banda ha disfrutadode lo lindo. La primera de las can-ciones es “The Model”, sorpren-dente versión del grupo alemán

Kraftwerk que jamás nos habríamosplanteado que Arizona Baby podíahacer, por lo diferentes que sonentre sí las dos bandas. No es ne-cesario decir que los vallisoletanoshan llevado la canción a su terrenoy se han adueñado de ella como sifuera un tema propio. “Chapeau”que dirían los más entendidos. “TheTruth Is On The Radio” es una re-mezcla de su tema original “TheTruth”, a cargo de bandas amigasy de ellos mismos, cambiando el gé-nero de la canción, llevándoladesde el surf hasta el pop más co-mercial, pasando incluso por laelectrónica y todo ello simulandouna radio que va cambiando deemisora, como si estuviéramos sin-tonizando la versión que más nosapetece en ese momento y termi-nando con los últimos segundos dela canción en su formato original.

Son sólo un buen puñado de can-ciones, pero todo agradecimiento espoco cuando está hecho de tanbuena manera. Ahora sólo falta quese decidan a entrar en el estudio yque no alarguen demasiado la es-pera hasta su siguiente disco. ¿Ele-girán alguno de los nuevos sonidosque han experimentado en este EPpara su nuevo disco o seguirán enla misma línea que tan bien les estáfuncionando? Tendremos que espe-rar, pero seguro que cuando vuel-van, estaremos al acecho parasacar nuestros revólveres.

ARIZONA BABY

Por Jesús Daniel Marín


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REVIEW

THE JIM JON


Cuando eres famoso por ser unaexcepcional banda de directo,¿cómo afrontas un álbum de es-tudio? Probablemente sea unadesagradable distracción deestar sobre el escenario, o unlugar donde no puedes sentirtetan libre y debes mostrar otra fa-ceta de ti mismo. Esa preguntaes a la que se enfrentan constan-temente The Jim Jones Revue,puesto que han desarrollado unareputación como una de las másferoces bandas de rock and rollde la actualidad sin haber dejadomarca en las colecciones de dis-cos de mucha gente. En “The Sa-vage Heart”, el tercer disco de labanda, Jones y sus colegas hanampliado su ámbito musical lige-ramente, añadiéndole a su frené-tico blues por el que sonconocidos, unas incursiones enel campo de las baladas “doo-

wop” estilo años 50 y las frasespregunta-respuesta en los estri-billos. Esto no quiere decir queno quede sitio para guitarras ace-leradas y pianos que echanfuego, pero nos hace pensar queThe Jim Jones Revue son algomás que una banda de revival delviejo rock and roll. Al igual que supredecesor, “The Savage Heart”ha sido producido por Jim Scla-vunos, batería de Grinderman yde The Bad Seeds, y es justodecir que hay algo del famosoaullido de Nick Cave en la voz deJim Jones. Puede que no sea tanexagerado como Cave, perotiene ese punto de locura asegu-rada que pertenece por completoa Jones. Sólo hay que escu-charle como desgarra su gar-ganta en “Where Da MoneyGo?” y os daréis cuenta quesigue siendo él mismo. Esta can-ción en particular es pura esenciade The Jim Jones Revue, car-gada de un piano incansable yduras guitarras que atraviesanlos tímpanos sin parar de bailar.En el momento en el que dejande lado su característico estilo escuando se ponen las cosas real-mente interesantes. “ChainGang” nos lleva hacia una at-mosfera cargada, como sucia,justo un momento antes del iniciode una pelea en un bar de carre-

tera. Sin embargo, “Eagle EyeBall” si que presenta una influen-cia clarísima del productor, to-mando forma alrededor de un riffde guitarra que se asemeja a unaalarma de un submarino hun-diéndose, elevando la voz dealarma. El momento más difícildel álbum viene con el cierre deldisco, “Midnight Oceans & TheSavage Heart”, que permite aJones sacar su lado más román-tico. Aquí, la tonalidad de voz nosrecuerda a Mark Lanegan, can-tando sobre un piano que suenaintermitentemente y guitarras quevienen de la distancia y nosvemos trasladados de nuevo aun escenario imaginario, comonavegando en dirección a lapuesta de sol, algo que volveríaloco al mismísimo Tarantino.

Es una buena forma de terminarun disco que empieza de unaforma tan agresiva y ademásayuda a mostrar que The JimJones Revue pueden llegar unpoquito más lejos de lo que sepodía esperar desde un principio.Si bien han sabido suavizar susonido en el estudio, sabemosque en directo van a seguir taneléctricos y atronadores comosiempre. Gracias por volver asonar a puro rock and roll.


T H E S A V A G E H E A R T

NES REVUE


Se dice que los artistas encuen-tran más fuente de inspiración enel desamor que en la felicidad.Que es en el dolor y la pérdidadonde la creación se encuentramás cómoda. El tópico se cum-ple con Paul Banks si entende-mos por desamor el divorcio conCarlos Dengler. Desde queaquella relación comenzara atambalearse, Banks, ese pintorinagotable, ha dado vida a dosdiscos en solitario. Y el segundogusta de placeres sencillos: sepresenta con un simple “Banks”como título y una ciudad griscomo portada.


Cuando en 2009 Paul Banks deci-dió verter sus necesidades creativasmás allá del seno de Interpol, lo hizotras una máscara: la de JulianPlenti. La llegada de aquel“Skyscraper” asustó al personal,¿se separaba Interpol? ¿No habríamás maniobras de Heinrich y men-tiras bajo sábanas de satén? No, aBanks simplemente le apetecíahacer algo fuera de la banda. Algopropio. Líder, compositor, voz prin-cipal y guitarra de Interpol, el britá-nico trotamundos necesitaba darrienda suelta a toda su inspira-cióny su ego sin tener que rendircuentas a nadie. No obstante, ya pesar de las promesas tranqui-lizadoras, un año después, Inter-pol estrenaba su cuarto trabajo y lopresentaba ya huérfano de bajo:aquel disco de nombre homónimofue una carta de despedida, lo queconvertía a “Julian Plenti is…Skyscraper” en la crónica de unamuerte anunciada. Y mientras elproyecto Interpol sigue en un ‘standby’ extraño y sin previsiones de fu-turo, ese culo inquieto que es Banksse niega a dejar la droga que lemantiene vivo: componer.

Este segundo disco en solitario es,a priori, más sincero que “JulianPlenti is… Skyscraper”. Banks sedespoja del disfraz y entierra el seu-dónimo del misterioso Plenti. Aun-que no por ello le priva de funeral asu alterego, así, el EP de presenta-ción lanzado este verano quedababautizado como “Julian PlentiLives…”. No obstante, Banks ya avi-saba firmando con su nombre aqueladelanto de cuatro temas, entreellos, el maravilloso single “Sum-mertime Is Coming”. La sinceridadno es únicamente cuestión de no-

menclatura: en este disco adivina-mos mucho más de Interpol que enel ecléctico “Skyscraper”. El inglésse desnuda por completo en losdiez temas que conforman este“Banks” y lo hace dejando atrás eljuego superficial al que nos tieneacostumbrados con Interpol. Ese enel que interpreta todas las facetasposibles del amante: enamorado,confidente o despechado. ‘Me di-vierte imaginarme esas situacionesque nada tienen que ver con mi re-alidad en pareja’, comentaba en una

entrevista con una traviesa sonrisa.Un juego que parece haber cansadoa Paul Banks que, en este álbum ensolitario, no teme a desnudar sualma. Quizá sea porque no tienetres compañeros como espectado-res. Quizá porque está cansado delteatro y el vodevil.

Repite en la producción PeterKatis, al igual que lo hiciera en“Turn On The Bright Lights”, “Antics”y “Julian Plenti is… Skyscraper”. Elsello del norteamericano se respiraen cada recodo del disco demos-trando una vez más que, mano amano con Paul Banks, se convier-ten en un tándem perfecto en aque-llo de la creación de atmósferas.Increíblemente pictórico es este se-gundo trabajo en solitario, lleno detexturas y colores pastel en el quese adivinan las pinceladas de Jo-seph Turner. Y, al igual que en laobra del pintor romántico, hay espa-cio para la calma y la tempestad: nosólo entre las diferentes cancionesque lo conforman, sino en sí mis-

mas. El alma de Paul Banks, comoun prisma imperfecto, muestra múl-tiples caras en este álbum, la dife-rencia es que en esta ocasión síparecen ser suyas. ¿O ha vuelto aengañarnos?

Muchas maravillas encontramos eneste decálogo, perfecto acompa-ñante para conducir una tarde llu-viosa o para distraerse yconcentrarse en cualquier tarea enla calidez del hogar. Con “Banks” tesientes agusto, al igual que lo hacescon esa vieja manta que te niegasa cambiar por una nueva. Algoasombroso en un disco que sólolleva contigo uno pocos días. “TheBase”, “Paid For That” o “Sum-mertime Is Coming” destacan quizápara los que llevamos años con In-terpol como banda sonora. Pero nose puede dejar de lado “AnotherChance”, la más cercana a“Skyscraper” pero llevada a otronivel y con ciertas reminiscencias alos inicios de Gotham Project, o,por supuesto “Lisbon”, la ciudadque tiene el honor de formar partede “Banks”, al igual que lo hicieraMadrid en el primer disco en solita-rio del cantante de Interpol.

Habrá quien mire con recelo estenuevo álbum. Habrá quien dude deque esta repentina sinceridad nosea más que otra nueva careta.Habrá quien se niegue a aceptarque Paul Banks lleva años funcio-nando mejor sólo que acompañado.Y habrá a quienes poco les importenada de todo esto y se dediquen asaborear “Banks” sin más pretensio-nes que disfrutar de un buen disco.Me sumo a estos últimos.

“Paul Banks se quita la más-cara en su segundo trabajo en

solitario”

Por Alejandra Otero


“Endless Flowers” escupe aCrocodiles de las telarañas psi-codélicas que los tenían atrapa-dos en sus dos primeros discosy nos entregan un nuevo lote dehimnos basados en guitarras ymezcla de géneros. Si “EndlessFlowers” fuera una atracción deun parque temático, sería unamontaña rusa. Es fuerte, vertigi-noso y enrevesado, con unasmelodías pop extremadamenteaceleradas que, como en la ma-yoría de parques temáticos, esalgo que todos pueden disfrutar,pero se aprecia mejor en dosispequeñas.

La nostalgia que impera en “En-dless Flowers” suena a My Blo-ody Valentine vestidos con unacamiseta estampada y coloca-dos de MDMA, a mugrientasguitarras que suenan más lim-pias conforme avanzamos enescuchas. Sin embargo, cuandoel disco arranca, las cancionesde “Endless Flowers” realmenteexplotan en nuestros oídos. Elrollo chulesco de “No BlackCloud for Dee Dee” (Dee Deees la mujer de Brandon Wel-chez y miembro de Dum Dum

Girls) es un ejemplo excelentede cómo Crocodiles han crecidocomo creadores de canciones,encontrando las palabras ade-cuadas para emparejar con lossonidos que han parido con an-terioridad.

“Sunday (Psychic Conversa-tion #9)” toma unas armoníassacadas del power pop y lasdesgarra en pedacitos bajo unchaparrón de distorsión y tecla-dos que se abren paso a golpeshasta el caos, sonando como sifuera una versión mutante del“Friday, I’m in Love” de TheCure. Otro de los grandes tema-zos, “My Surfing Lucifer”, pre-senta un carrusel de guitarrasshoegaze y un estribillo con can-tantes góspel femeninas que ha-rían morir de envidia almismísimo Jason Pierce deSpacemen 3. Uno de los mo-mentos más importantes en loque a psicodelia se refiere eneste disco llega con “Hung UpOn A Flower”, que empieza conuna especie de recuerdo a unosOasis algo perezosos y queacompañados de una voz quecuando termina de cantar, deja

paso a una especie de eco fe-menino de ultratumba que leresponde.

Crocodiles sobresalen en la cre-ación de pequeños momentosusando un amplio rango de gé-neros basados en guitarras,cosa que puede resultar muyatractiva. Pero del mismo modo,esto puede suponer su ruina, yaque la dificultad de encontraruna etiqueta para su músicapuede suponer problemas parael trio a la hora de encontrar unpúblico concreto. Es demasiadodenso como para empaparse degolpe, así que lo mejor es escu-char “Endless Flowers” poco apoco, interpretando las cancio-nes una a una en lugar de ha-cerlo como si fuera un discoentero. Crocodiles han querido irtan lejos que una escucha conti-nuada puede provocar ciertocansancio, pero aun tienen esetoque que hace que no seanuna simple banda de noise popde San Diego y evitando queesa identidad que se han creadoa base de tesón y trabajo ter-mine marchitándose.

CROCODILES



CRÓNICA

MUSE20 / 10 / 2012, MADRID

Que Matt Bellamy pasó de mú-sico a mesías lo sabíamos todosya desde hace tiempo. Como enla peregrinación a la Meca, milesde feligreses de un lejano planetallamado Cydonia pasaban el díabajo un inesperado sol, queacompañó desde el medio día yque desafío a las predicciones delluvia para el sábado 20 de octu-bre. Auguraba día perfecto paralos 16.000 afortunados que vol-verían a asistir a la misa oficiadapor Bellamy y los suyos. Las ex-pectativas se cumplieron una vezmás recordando porque Muselleva el título de mejor banda derock del siglo XXI. Cuando lagrandilocuencia forma parte delguión se corre el riesgo de no su-perarse y caer en la repetición.Después de las tres torres orwe-lianas y de la pirámide marciana,era complicado impresionar a lasmasas. Pero Muse lo ha hecho.Una vez más. Evidentemente, lode no reparar en gastos ayuda,

pero más lo hace la inagotablecreatividad del trío de Teign-mouth en lo que a puesta en es-cena se refiere. “The 2nd Law”aspiraba a mejorar a “The Resis-tance” en directo y lo hizo. Eldisco al completo estuvo pre-sente, repartido en un total deveintiún temas, con la excepciónde dos , a mi juicio, muy bien ex-cluidos: “Big Freeze” y “SaveMe”. Comenzaba la liturgia “Un-sustanaible”, inundando el Pa-lacio de los Deportes en un rojocon olor a revolución. El recién in-corporado dubstep frenético, conel trío de espaldas al público, de-jaba sin aliento a la pista quemontó el primer pogo con la es-quizofrenia como común denomi-nador. El principio fuedevastador: “Unsustanaible”,“Supremacy”, “Hysteria” y“Supermassive Black Hole”.Sin anestesia. Cuatro temas,quedaba más de hora y media deconcierto, y los allí presentes ya

no podíamos más. Seguía “Re-sistance”, que el Palacio de losDeportes recordaba con cariñopor protagonizar en la gira pa-sada el videoclip, y “Panic Sta-tion”. Ya auguré en su momentoque este tema de “The 2nd Law”iba a ser un dancefloor. La profe-cía se cumplió: el pabellón madri-leño se convirtió en una pista debaile; tanto, que hasta el trope-zón de Bellamy accediendo a lapasarela pasó casi desaperci-bido. Tocado por la gracia, estemesías del rock es capaz decaerse y seguir tocando sin des-peinarse. Y llegó el momento queservidora temía por que le em-bargaría la emoción y correría elpeligro de que las lágrimas trai-cionaran. Lo hicieron, como nopodía ser de otra manera. El Pa-lacio de los Deportes se habíaconvertido en un Wall Street mal-dito al son de “Animals” y todos,con Muse a la cabeza, recordá-bamos al mundo que no estamos


Por Alejandra Otero

dispuestos a ser peones en su ta-blero de ajedrez. Porque hay algoque nunca podrán quitarnos: elpoder disfrutar de esos pequeñosgrandes momentos.

La sorpresa de la noche estaba porllegar: “Falling Down” y nadamenos que una b-side, “Host”. Eltema de “Showbiz” desaparecidodesde hacía eones retornaba comotambién lo hacía esta cara B paradeleite de los museros doctorados.Así, los británicos consiguieron quela manida “Time Is Running Out”,para la que hizo de intro, fuera re-cibida de forma apoteósica. Y aúnhabía más trucos en la manga, por-que Chris Wonstelholme leechaba dos cojones y cambiaba lamás sencilla “Save Me” por su“Liquid State” dejando el listónmuy alto. Muchos corearon sunombre al acabar, sabedores delmal trago que supone para el re-cién estrenado compositor conver-tirse en frontman tras años en lassombras. No era para menos: fuede lo mejor del concierto.

Con “Liquid State” se cerraba el cír-culo y comenzaba el show del

popeo llevado al extremo: “Mad-ness”, “Follow Me” y “Undisclo-sed Desires”. Un buen descansotras tres cuartos de hora de locura.Personalmente, lo agradecí y medediqué a deleitarme con los vi-suals para coger un poco de aire,aunque, mirándolo fríamente, rezoa Mateo de Todos los Santos paraque esto no empiece a comer te-rreno a lo que es verdaderamenteMuse. Casi se te parte el corazónver a Matt Bellamy sin la guitarracolgada a la espalda y solo con mi-crófono en mano convertido en unChris Martin cualquiera con com-plejo de George Michael bailote-ando por el escenario. Y más lohace verle en el foso cogiendo lasmanos de los fans. En tres cancio-nes el arrollador espectáculo casise había convertido en parodia.Menos mal que duró sólo eso.

La fe la recuperamos rápido con ladistorsión infinita de la Manson deBellamy como preludio de esetema que nunca morirá en un di-recto de Muse: “Plug in Baby”. Ymientras volvía la sonrisa a las in-maculadas realidades, volvía Museal Palacio de los Deportes. Era mo-mento para el origen de la simetría,porque “New Born” fue la si-guiente y, aunque, Matt Bellamysigue empeñado en castigarnoscon no tocar la intro a piano, con-virtió 16.000 almas en una sola vozy una sola mente renaciendo unavez más. Lo que siguió a continua-ción fue una de las mejores expe-riencias que he tenido en toda mivida en un concierto. Toda una sor-presa que la mikeoldfieldiana “Iso-lated System”, que me enamoró aprimera escucha, formara parte delshow. Y más que lo hiciera así. Lapirámide invertida caía del techocon los últimos acordes de “NewBorn” para ingerir a Matt, Dom yChris, y dar paso al tema que cierrael disco, mientras mostraba, en pri-micia para los profanos, el vídeo a

lo 28 Días Después que se asociaal tema. Un paréntesis en esta oca-sión perfecto para “Uprising” y“Knights Of Cydonia”.

Si tengo que escoger una puestaen escena, y es complicado, mequedo con “Uprising” con Dom,cual Beatrix Kiddo, a baquetazoscontra ejecutivos mientras Bellamyincitaba a las masas, es decir, nos-otros, a dar un puñetazo encima dela mesa. Algo que precisamentellevamos haciendo desde hacetiempo aquí en este nuestro país.La épica de la perfecta “Knights OfCydonia” no cerraba el show enesta ocasión: el encore vino com-puesto por la perenne “Starlight”y el nuevo himno “Survival”. Unbis que se antoja algo flojo tras elarrollador espectáculo de los trestemas que finalizaron el directoantes de la falsa bajada del telón.

Cuando uno sale de un conciertode Muse se siente tan abrumadoque da la sensación que ha viajadoa una nueva dimensión. El rockcomo forma de vida y la experien-cia visual como afrodisíaco. Losojos brillan, la euforia invade elcuerpo. No hay Gran Hermano quevalga. No hay Papa enviado por elSantísimo. Simplemente una reli-gión en la que el individuo es porprimera vez miembro activo y nopasivo: Muse. Volveremos encan-tados a misa el año que viene.


La elección de “El Resplandor” como canciónde apertura del último disco de los valencianosno es arbitraria. A golpe de batería y guitarra co-mienza tanto su último disco, “Fue eléctrico”como sus conciertos desde la publicación deeste. La Habitación Roja es un grupo veteranoy eso se nota sobre las tablas.

Al resguardo de la fría noche pucelana, el teatroCervantes acogía su paso por la ciudad de me-seta y un público entregado les arropó con sucalor. Aunque las butacas del espacio podíanhaber resultado un molesto obstáculo, los asis-tentes permanecieron en los asientos que toma-ron desde el principio, sin formar barullo en elpoco espacio que existe entre el escenario y laprimera fila. Así pues, quien quiso sentado yquien no, bailando de pie, todos los asistentesdisfrutaron de casi dos horas del directo de labanda. Sin telonero alguno que caldease el am-biente, se encontraron con una asistencia que,si bien no llenaba hasta los topes la estancia fí-sicamente, sí lo hizo en ánimo.

Cuando un grupo lleva años sobre el escenariose deja notar en su puesta en escena. Sin nece-sidad de acudir a los detalles, las expresionesdel cantante mostraban que el sentimiento salíade dentro. Exactamente igual que en los momen-tos en que era el público quien ponía el acompa-ñamiento a los instrumentos. El movimientoconstante de Jorge Martí, no solo entre suscompañeros, sino en su propio rostro, eran elpuro reflejo de lo que la música es capaz de con-seguir: resucitar sentimientos propios, crearlosen otras almas que no los han vivido, asimilán-dolos y absorbiéndolos como si fueran propios.La acústica de la sala ayudó a que su ya impre-sionante directo llegase a las terminaciones ner-viosas de cada uno de los allí presentes,mientras repasaban su nuevo trabajo, pero tam-bién recorrían algunas de las míticas cancionesde su extensa trayectoria. “Siberia” y “Anna-purna” (ambas pertenecientes a “Fue eléctrico”)

terminaron el prólogo in crescendo para dar pasoa “Febrero” (de su anterior trabajo, “Universal”).En un momento de éxtasis, Jorge se equivocóen una parte de la letra de “Cajas Tristes”, errorque subsanó al terminar de tocarla, volviendo acantar la parte en la que había confundido las pa-labras. Tardaron en aparecer los himnos de labanda. “Van A Por Nosotros” y “Nunca Gana-remos El Mundial” vinieron de la mano desdelos “Nuevos Tiempos” (2005).

En este punto, el ritmo se había ralentizado, apesar de que el mensaje de las canciones esbastante similar entre sí. “Días De Vino yRosas” cuenta la realidad de las personas: “laspersonas no cambian; esa es la verdad”. Des-pués del momento romántico-pasteloso con “Lasegunda oportunidad”, siguió subiendo la inten-sidad del espectáculo, que cambiaría de terciocon la llegada del próximo single, que verá la luzen pocos días: “Indestructibles”. “El Eje DelMal” se dejó ver entonces, viajando de nuevo aldisco “Nuevos Tiempos” y acelerando luego unpoco hasta “Universal” y alcanzando “FueEléctrico“, a través de “Voy A Hacerte Recor-dar” y “Ayer”, respectivamente. Cada canciónera más coreada que la anterior, aunque el so-nido de la sala solo permitía visualizar las bocasde la gente moviéndose. El principio del estribillode “Indestructibles”, momento en el que Jorgedeja de cantar para escuchar, fue la mejor mues-tra de que, aunque no se oyese, el público can-taba con ellos. Para el bis se guardaron los asesde “Norge”, “Cielo Protector”, “Posidonia” y“Scandinavia”, con Jorge bajando a cantarentre el público, subido a una butaca.

Innegable el buen sabor de boca, reflejado enlas sonrisas con las que algunos salían, incenti-vadas por la posibilidad de hacerse una foto conellos mientras firmaban los discos y vinilos queestaban a la venta a la salida del teatro. Y es queel momento fan es inevitable, se tenga la edadque se tenga.

CRÓNICA

LA HABITACIÓN ROJA26 / 10 / 2012, VALLADOLID /


Por Maje M.S.

CRÓNICABON IVER26 / 10 / 2012, MADRID

La mañana del 28 de Octubre noslevantamos en la capital con unabajada de temperaturas más bienpropias del invierno. Casualidad ono, Justin Vernon y su banda demúsicos tenían una cita en el Pala-cio Vistalegre para presentar su úl-timo álbum titulado como el propiogrupo Bon Iver. Parecía como si sehubiesen traído el frío de Wisconsinpara hacernos sentir como en la ca-baña donde empezó su proyectoallá en 2007 con su debut “ForEmma, Forever Ago”.

Teníamos muchas ganas de recibir-les después de que visitaran nues-tro país tanto Bilbao comoBarcelona este verano. Y no decep-cionaron, ni mucho menos. Pero

empecemos por el principio. Losaledaños del Palacio Vistalegre es-taban tomados por los jerseis y go-rros de lana. Había mucho públicoextranjero. No hubo problemas paraacceder al recinto y nos pudimos si-tuar en pista, cerca de un escenariodel que colgaban ¿telas de saco an-tiguas? Muy bucólico todo. El fosono era para nada extenso así quese agradecía la cercanía del esce-nario.Al principio sólo había tres micrófo-nos esperando a que un trio de her-manas procedentes de Watford(Inglaterra) se subieran al escenarioa telonear a Bon Iver. Se llamabanThe Staves y tocaban folk utili-zando sus cálidas voces y apenasuna guitarra acústica o un ukelele

en alguna canción. Era la primeravez que visitaban nuestro país y nosagradecieron tímidamente que estu-viésemos escuchándolas atenta-mente. Y es que el público semostró muy respetuoso durante lostres cuartos de hora que duró su ac-tuación. Al final se despidieronanunciando que el 12 de Noviembresaldría su nuevo disco y que esta-rían encantadas de volver a Madrid.

Una vez The Staves abandonaronel escenario comenzaron a traer losinstrumentos y escenografía de BonIver. Farolillos verdes rodeaban alas baterías (dos), teclados, sinteti-zadores, trompetas, guitarras eléc-tricas, violines, xilófono... Parecíaque allí no podría entrar nadie más.


Por Jaime Mateo Herrero

Y vaya si entraron. A las 9 en punto comenzaron a subiral escenario los integrantes de la banda junto a JustinVernon. En total 9 músicos situados estratégicamentecon sus instrumentos para dar comienzo el recital. Sí,abrieron con “Perth”, pero no la “Perth” que da co-mienzo a su álbum homónimo. Pareció como si la can-ción hubiese mutado para dejarnos a todos en shock,con una fuerza al final que me recordó a los momentosmás explosivos de Sigur Rós o Arcade Fire. Unamuestra de lo que sería el resto del concierto. Quien seesperase una sucesión de temas tranquilos y fríos es-taba muy equivocado.

Cogimos aire, lo cogió Justin y se dispuso a cantar lasegunda canción de la noche. Muy mal por parte de lostécnicos de sonido que dejaron al cantante sin micró-fono durante los primeros segundos de canción. Encualquier caso Justin ni se inmutó y siguió interpretandoel tema con sus músicos. Cuando volvió la voz de Jus-tin, “Minnesota”, “WI” y sus “Never gonna break” re-tumbaron por todo el estadio. La dulce “Michicant”hizo que todos nuestros músculos se relajaran paradejar paso a una de las canciones más conocidas desu segundo álbum, “Towers”. Los instrumentos deviento destacaron en este tema junto con los violines ylos coros del público. Además el juego de luces de losfarolillos y proyecciones en las telas colgantes hicierondel escenario una cueva con una acústica impensable.Aunque muchos dudábamos de la capacidad de Vista-legre para este evento en concreto, nadie se acordabaya de que estábamos en una antigua plaza de toros.

El estribillo de “Creature Fear”, primera canción quetocaron de su primer álbum, fue demoledor. El final sim-plemente encumbró a Justin como estrella del folk-rock.Siguieron las melodías embaucadoras con las cancio-nes “Hinnon”, “TX” y “Wash”, ambas de su segundoálbum y más calmadas que las anteriores. Las carasde felicidad en el público eran notables. Había armoníay conexión con la banda. Y llegó uno de los momentosmás impresionantes de la noche. Los músicos abando-naron a Justin, que se quedó sólo en el escenario pro-bando varios tonos de voz con ayuda de unos pedales.Oscuridad y en medio la figura del bueno de Vernon,apenas iluminado por dos luces blancas que acabaronsiendo seis a medida que avanzaba el tema “Woods”con sus voces superpuestas.

Volvió la banda y con ella la mágica “Holocene”. Sinexagerar, pelos como escarpias entre el público y al-guna lágrima que otra. Le siguieron “Blood Blank”, desu EP del año 2009 y a continuación la que puede serla canción más famosa de Bon Iver, “Skinny Love”.

Justin se armó con su guitarra acústica y el público consu voz para hacer vibrar el Palacio Vistalegre con los“My, my, my...”. “Calgary” y “Beth/Rest” precedieronal bis y completaron la lista de temas que tocaron desu segundo álbum. Justin recordó que era su primeraactuación en Madrid y agradeció al público la asisten-cia.

A la vuelta del bis se nos pidió que coreáramos el “Whatmight i have been lost” del tema “The Wolves (Act Iand II)” y en ese momento, más si cabe, todo el estadioentró en comunión con la banda. Una imagen que senos grabó a fuego y uno de los momentos más espe-ciales que he vivido en un concierto. Al terminar,cuando ya no nos esperábamos más, la banda terminóla noche con el tema “For Emma”, de su primer álbum,quizás para recordar los inicios del grupo.

Quizás se echaron de menos temas como “Flume” o“Re: Stacks”, pero en definitiva fueron noventa minu-tos de concierto en los que quedó demostrado que ungrupo de folk puede llenar estadios y transmitir las pro-fundas sensaciones plasmadas en sus discos. Los mú-sicos se colocaron al frente para hacer las reverencias.En el centro, Justin levantó su Guiness con la manocomo deseándonos a todos un buen invierno.

BON IVER EN MADRID / 28/10/2012 CRÓNICA


Las bandas sonoras son una de las partes imprescin-dibles de una buena película. Tienen el poder de cam-biar por completo el sentido de una historia. Y, sinembargo, al mismo tiempo su papel es pasar total-mente desapercibida. El espectador ha de empatizarcon lo que ocurre en la pantalla a través de los diálo-gos, las actuaciones y la música.

Me vais a permitir que concrete algo más mis divaga-ciones. Durante la 57 edición de la Seminci tuvo lugaruna clase abierta a cargo de Alberto Iglesias, composi-tor de cine, en cuyas espaldas se cuentan títulos como“Todo sobre mi madre”, “Los amantes del círculo polar”o “También la lluvia”. Hablaba Iglesias con términoscomo “orquesta” o “sinfónica” a veces. Solo hay queabrir su página web para comprobar que sus melodíasson puramente clásicas, si entendemos clásico comoel uso de una orquesta para darle el ambiente a unaescena. Quizás no toda de golpe. Quizás un poco depiano primero, mientras los violines se baten en dueloen un segundo plano, a ritmo vertiginoso, avanzando,tal vez, un momento de intriga. Anticipando una tensión.Allanando el camino a nuestros sentidos, a veces conun final contrario al que anunciaban los acordes. Y en-tonces, a lo mejor, respiras de alivio. Sin embargo, notodo el fondo ambiental tiene porqué estar basado enuna armonía perfecta a base de cuerda y viento.

En el mismo festival de cine se encontraba la antítesisde esta metodología (ambas igual de válidas siempreque se usen con adecuación). Que Paco León ha rotomoldes con su ópera prima no se le escapa a nadie queconozca cómo ha funcionado la distribución de “Car-mina o revienta”, inspirada en su madre, Carmina Ba-rrios. La banda sonora no iba a ser menos. Escasapero puntual, corre a cuenta de los sevillanos PonyBravo. Algo ruidosa (tal vez por el hecho de que la granmayor parte de la cinta transcurre sin sonido extradie-gético) con aire country y muy acertada, una bandaindie demuestra que no siempre es necesario una pa-rafernalia instrumental al más puro estilo barroco paraconseguir el efecto deseado. El director respondía, du-rante el coloquio posterior al pase, que conocía a PonyBravo antes de hacer la película y que quiénes mejor

que unos treintañeros sevillanos para ponerle la músicaa su film. La labor de estas piezas consiste en no serdetectadas. Parece fácil, pero es exactamente loopuesto. Fotogramas y acordes componen una se-cuencia delicada hasta lograr su fin (cuando lo hacen)y los segundos suelen pasar sin pena ni gloria en lassalas. Por suerte, existen galardones cinematográficoscon sus correspondientes apartados para bandas so-noras.

LA MÚSICA Y EL CINEOPINIÓN

Por Maje M.S.


Ico Top: Octubre Por Quique Gómez

Aún recuerdo cuandoleí en Rockdelux laetiqueta con la quedefinieron el segundo

disco de los canadienses Godspeed You!Black Emperor y con el que los conocí. Aaquel celebrado doble disco, “Lift Your SkinnyFists Like Antennas To Heaven” (2000), lo ca-lificaron como post-rock- epic-ambient y sequedaron tan anchos. Si dentro del subgé-nero post del rock, nos metemos a matizar,ambiente épico es quedarse muy corto, perosí consiguieron llamar la atención de ingenuoscomo yo, que aún inocentes en ese crecientecampo modal llevábamos el “Young Team”(1997) de Mogwai por bandera. El post-rockpodía dar mucho más de sí, y GY!BE lo ibana demostrar.

El problema es que tras la quema por agota-miento de aquél y del también impresionantedebut, “F#A#” (1998), nos obsequiaron en2002 con el más que decepcionante “YanquiU.X.O.”, un disco que no hacía justicia a tanespecial carrera discográfica. De ahí en ade-lante, el silencio.

Muchos (entre los que me incluyo) daban pormuerto el género, donde o las ideas se carac-terizaban por su ausencia (Explosions InThe Sky y Mono sobreviviendo) o las espan-tadas a tiempo los recolocaban en otra ola (lareinvención de Mogwai). Y una polla, lo quepasaba es que Godspeed llevaban 10 añossin aparecer. Ya se sospechaba algo cuandohace casi dos años dieron una gira que in-cluso los trajo por España y en la que sonarontramos de lo que ahora analizamos. Pero lasorpresa fue mayúscula cuando tras anunciar

hace meses nueva gira para este mismo oc-tubre, a principios de mes confirman que tie-nen nuevo disco a punto de editar.

“Allelujah! Don’t Bend! Ascend!” es diferente.Tanto que les gusta simbolizar y geometrizarsus “canciones”, ahora ni triángulo, ni cua-drado, sino dos líneas paralelas. Paralelaspero de sentido opuesto. Si a lo que hacen seles puede llamar canciones, aquí únicamentehay dos (y sus respectivas outros). Dos sal-vajadas de veinte minutos que aun confor-mando el más homogéneo de sus discos, senos va a hacer cortísimo. Y volviendo a jugarcon la geometría, si hay gente a la que se lellena la boca calificándolos como caos-muerte-destrucción, “Mladic”, la primera, esdirectamente el apocalipsis. Lo más oscuro ybestia que te puedes echar a la cara, con unapotencia incluso nueva viniendo de ellosdonde distorsión y melodías orientales se danla mano a ritmo de reggaeton, tócate los hue-vos. Cacerolada incluida simbolizando vete túa saber qué. Lo otro, “We Drift Like WorriedFire”, la antónima, es pura luz al final deltúnel, post-rock más al uso, algo que nos vaa resultar más conocido, pero de una bellezaconseguida con anterioridad en contadas oca-siones y con un final que te deja comatoso.Ésta sí que es epic-ambient.

De las otras dos, poco que decir salvo que sir-ven de colchón a tanta tormenta eléctrica: unaamortigua (“Their Helicopter’s Sing”) y laotra (“Strung Like Lights At Thee Prin-temps Erable”), menos necesaria, nos des-pide de un disco que, insisto, te deja conganas de más. Os echábamos tantísimo demenos…

GODSPEED YOU! BLACK EMPERORAllelujah! Don’t Bend! Ascend!

INTERNACIONAL


TAME IMPALALonerism

¡Qué jodidamentebueno es el se-gundo disco deTame Impala! Olvi-démonos ya del

sensacional debut, “Innerspeaker” (2010),que los puso en boca de todos por la fres-cura que desprendían esas canciones decorte retro a la vez que psicodélico. Ahoraen “Lonerism” hay más de lo mismo peromejor, mucho mejor. Parece que handado en el clavo y consiguen equilibrarcon la sutileza del mejor pop cancionesque en principio pueden resultar difíciles.Ya nadie duda en meter a The Beatles enel saco cada vez que se habla de ellos,pero intentemos hilar más fino, que los deLiverpool, en menos de diez años le die-ron la vuelta a toda la música popular en-tera. Tanto y tan bien se habla de“Revolver” (1966) y “Sgt. Pepper’s LonelyHearts Club Band” (1967) que nos olvida-mos del sucesor e igual de importante“Magical Mystery Tour” (1967). Es ahídonde hay que emparentar el nuevo tra-bajo de los australianos: entre el pop másdulzón, inocente e inspirado y la psicode-lia más colorida y ácida.

El productor Dave Fridmann, todo un ex-perto en esto de los sonidos etéreos yque ya trabajó con The Flaming Lips (laotra banda más actual con la que se lesasocia), ha debido pasárselo pipa arre-glando las canciones de unos músicosque ofrecen tantísimo viaje psicótico.

El ritmo trotón con el que abren el discoen “Be Above It” empieza justo donde lodejaron los Beatles en “Tomorrow NeverKnows”, toda una declaración de inten-

ciones. Y lo que le sigue, “Endors Toi”es una golosina: un auténtico bofetónmulticolor que enseña, además, qué nivelde calidad tiene ese batería sacado delconservatorio. Un puto fenómeno que sepasa por el forro el tempo de unas can-ciones que, gracias a él, ganan hasta elinfinito. Canción tremenda sin estribillo yque te noquea para dar paso a otra perlitamuy en la onda de The Flaming Lips. Y sesuceden canciones chulísimas, como esa“Music To Walk Home By”, pero son lastres siguientes con las que tocan techo(“Why Won’t They Talk To Me”, “FeelsLike We Only Go Backwards” y “KeepOn Lying”), las que forman un tridenteque ríete tú de Messi, Villa y Pedrito. Laprimera, una de las canciones del año, estodo un homenaje al pop de estribillo re-petitivo pero nunca cansino; la siguiente,otra burrada beatleniana de melodía casiolvidada; y la tercera, una auténtica jamsession incisiva al más puro estilo TheDoors. Y todo esto antes del atípico sin-gle, “Elephant”, otro derroche de hueva-zos y de ritmo imposible que se hacetremendamente atractiva. Chocabamucho al principio, pero a cada escuchamejora.

Cierran el disco “Nothing That Has Hap-pened So Far Has Been Anything WeCould Control”, otro viaje por las auto-pistas de la hiriente psicodelia y “Sun’sComing Up”, un nuevo intento de pare-cerse un poquito más a los añorados FabFour con esa voz clavadita a la de Len-non. Ay John, qué lástima que no puedasdisfrutar de una banda como Tame Im-pala…


Más que post-rock, lo de Maserati es algo así como lo-que-les-dé-la-gana-rock. Son lo másalternativo dentro del subgénero, y aunque en la forma sí que actúan como unos post- roc-keros más, en el contenido están más cerca de sonidos como los de Tortoise, Trans Am o,por qué no, Delorean. Rock experimental al fin y al cabo, pero plagado de momentos épicosa la vez que sugerentes, y con una carga rítmica mucho más acentuada que la de sus com-petidores. En definitiva, unos nerviosos que en diez años de carrera llevan siete álbumes deestudio y algún que otro regalito más para los oídos. En “Maserati VII” hay momentos chulosy momentos brutales, y aunque donde se desenvuelven mejor es en los cortes de largo des-arrollo, aquí también vamos a encontrar pildorazos urgentes como esa burrada de 4 minutosllamada “The Eliminator” o la siguiente “Flashback”, que haciendo honor a su nombre,nos lleva directamente a los circuitos de Tron. Una puta delicia de disco.

Maserati / Maserati VII

Espectacular ejercicio de rock, donde todos los subgéneros del mismo se dan cita en un solodisco: desde el punk al math rock, pasando por el hardcore y el grunge. Un intensísimo viajecon el que, por fin, colocan su propio estatus donde no debieron abandonarlo tras el majes-tuoso “Source Tags & Codes” (2002). Esta sucesión de mejores discos en los últimos años(obviemos lo que ocurrió entre ese disco y 2009, cuando lanzaron “The Century Of Self” yque precedió al aún mejor “The Tao Of The Dead” del año pasado) dan como resultado unpepino que, si seguimos la línea ascendente de calidad que han recuperado, igual son capa-ces de ofrecernos algo mejor en el futuro. Difícil poder pensar así tras escuchar “Lost Songs”,donde canciones como las potentes “Catatonic”, “Open Doors”, “Opera Obscura” o “APlace To Rest” se dan la mano junto a otras de corte más melódico como “Heart Of Wires”,la que da nombre al disco o la espectacular “Awestruck”.

…And You Wiil Know Us By The Trail Of Dead / Lost Songs

Balmorhea son un seguro de vida. Su fiabilidad sólo es superada por su regularidad, queconsiste en lanzar un álbum cada año casi religiosamente. Año nuevo, disco nuevo de los te-janos. Y como el año pasado no editaron disco de estudio, pues nos obsequiaron con un di-recto para el recuerdo, “Live At Sint-Elisabethkerk”. “Stranger” es, otra vez, una finísimacolección de canciones exquisitas que injustamente se las mete en el saco del post-rock porser música instrumental y tocada, casi en su totalidad por instrumentos eléctricos. Aquí tam-bién hay muchos arreglos de cuerda, xilófonos y campanitas (además de guitarras, sí), ytodos ellos se suman para conformar deliciosas canciones llenas de texturas que te trasladandirectamente al más bucólico de los paisajes. Con el hándicap de poder caer en lo repetitivo,este disco se sitúa a la par de los también geniales “Balmorhea” (2007), “Rivers Arms” (2008)y “Constellations” (2010) pero sin llegar a las cotas de “All Is Wild, All Is Silent” (2009).

Balmorhea / Stranger

Difícil definir el estilo que practica Tom Krell pero que tanto gusta últimamente. Lo llaman demil maneras, como avant-garde, chill-wave o haunted r&b, pero lo fácil es describirlo mez-clando bandas: metiendo en la batidora a The xx, Bon Iver y James Blake nos saldría algoparecido a How To Dress Well. En cuanto suena “Cold Nites” ya estás sumido en esa mantade piel erizada que produce tanto susurro y falsete y de la que no te vas a querer deshacerhasta los últimos acordes de “Ocean Floor For Everything”. “Running Back” tiene algode The Weeknd y la siguiente “& It Was U” mucho de Frank Ocean. Parece mentira que unsonido, en principio, tan acotado dé tanta variedad, porque incluso hay un baladón instru-mental como “World I Need You, Won’t Be Without You (Proem)” y otra perla más con vio-lines como “Talking To You”. En su debut, “Love Remains” (2010), nos quitó las bragas;ahora nos la ha enchufado hasta el fondo.

How To Dress Well / Total Loss


Como si le cerrasen la puerta al pasado, el cambio de registro de The Soft Pack (antes co-nocidos como The Muslims) sorprende y mucho. Y tiene mucho sentido, pues el salto esuna evolución en sonido brutal. Como si quisiesen alejarse de esa otra rama punk más “fácil”,la de bandas más de “usar y tirar” como Male Bonding o Vivian Girls (no confundirse, gran-des bandas, ojo), ahora se acercan descaradamente a un sonido como el de The Drums,Beach Fossils o los nuevos DIIV. Y tiene narices, pero también se les ha dado bien el cambiode escenario, del garaje nocturno a la playita por la tarde. “Bobby Brown”, por ejemplo,sería impensable hace unos años, y aquí se les ve tan cómodos que confirman, a base debuenas canciones, lo buenos que son. Quién sabe, igual en el próximo álbum nos sorprendencon otra rotura de cintura similar. Van a seguir molando lo mismo.

The Soft Pack / Strapped

A Natasha Khan (nombre real) a veces se le va la fuerza por la boca. Y querer parecersetanto a su ídolo (Kate Bush en este caso) no es buena idea. Que se lo digan a Najwa Nimricon Björk. La diferencia entre Bat For Lashes y la pamplonica es que una de ellas se bastaella solita para sacar buenos discos sin ayuda de productores de renombre. Pero cuidado,en serio, con tender hacia una sola y evidente dirección porque no va a salir nunca de lacomparativa en la que, seguramente, acabe perdiendo. Tampoco hay motivo para preocu-parse tanto, porque mientras siga sacando discos así, la autora de “Fur And Gold” (2006) y“Two Suns” (2009) nos ha vuelto a entregar otro buen puñado de buenas canciones. Ahí estánlas emotivas “Laura”, “Marilyn”, “All Your Gold” o “A Wall”, una joya que, dentro de suestilo, se diferencia algo del resto gracias a esos sintetizadores. Otro paso más en firme.

Bat For Lashes / The Haunted Man

Los londinenses Piano Magic no sólo son raros sino que además, se lo hacen. Se debenencontrar la mar de a gusto en ese papel que los ha caracterizado siempre entre el pop devanguardia, el indie y la electrónica más minimalista. Música adulta y para adultos lo llamanalgunos. Esnobismo lo llaman otros. A mí siempre me han parecido como unos Low de se-gundo nivel, pero se me siguen cayendo los huevos al suelo cuando escucho “The TroubledSleep Of Piano Magic” (2003), “Disaffected” (2005) y, sobre todo, “Artists’ Rifles” (2000), unode esos discos que cautivan desde la primera escucha sin saber bien por qué. En “Life HasNot Finished With Me Yet” hay mucha de esa emoción contenida pero muy dosificada, oculta,como si fuese necesario un cursillo previo de aprendizaje. Por eso el disco es sólo recomen-dable para los que hayan empezado años atrás con ellos. El viaje en el tiempo, en realidad,merece la pena.

Piano Magic / Life Has Not Finished With Me Yet

No sé qué es lo que hace que The Mountain Goats no sean famosos como, por ejemplo ydentro de un registro similar, Spoon. Será que son feos, o que la voz (que a mí me encanta)del polifacético John Darnielle no gusta, pero llevan haciendo discos buenos o discos ge-niales desde que empezaron allá por mitad de los ’90. En más de 15 años no ha habido pa-rones como otras bandas similares, y se nota en la regularidad de una dilatada discografíaque tocó techo en 2009 con “The Life Of The World To Come”. Entre medios tiempos comola genial “Lakeside View Apartments Suite” o “Until I Am Whole” y los potenciales singlescomo “Harlem Roulette” o “Cry For Judas” se sucede un disco que se sitúa un pasito porencima del más que correcto “All Eternal Deck” (2011). Nunca es tarde, pero es que ya vasiendo hora de darles la fama que, por pesados, se merecen.

The Mountain Goats / Trascendental Youth


I N D I E Q U E TA S¿Tienes una banda?

Entonces estás en la sección adecuada. En este espacio tratamos de ayudar aesos grupos musicales que están comenzando y quieren darse a conocer, quie-ren que la música que han creado con tanta pasión sea escuchada por la mayorcantidad de personas posible.

¿Cuáles serán promocionadas?¿Qué sacan de beneficio lasbandas?

Una vez que escuchemos la maqueta en la redacción los discos autoproduci-dos/maquetas/EPs que recibamos en nuestro correo, elegiremos las que másnos gusten y serán promocionadas mediante una pequeña review que será pu-blicada en la web, como también en nuestra cuenta de twitter y Facebook de larevista. En esta review hablaremos sobre la banda y la maqueta. Además las5 mejores maquetas de cada mes saldrán en la revista del PDF mensual en susección correspondiente.

El estilo musical nos es indiferente, aunque debería encajar dentro de los quesolemos hablar en la revista: indie, rock, rock alternativo, post-rock, shoegaze,indietronica, dreampop, psicodélica,..etc.

¿Qué es necesario?

Tener un disco autoproducido/EP/Maqueta. Mínimo 2 canciones.Tener vuestro trabajo colgado en Soundcloud o Bandcamp.No tener sello discográfico.

¡Envíanos vuestro trabajo!

Las demos/maquetas/EPs nos las tenéis que enviar a esta dirección de correo:

[email protected]


INDIESPENSABLES: Octubre 2012Quique Gómez

1. Godspeed You! Black EmperorAllelujah! Don’t Bend! Ascend!

2. Tame Impala - Lonerism3. How To Dress Well - Total Loss4. Maserati - Maserati VII5. …And You Wiil Know Us By The Trail Of Dead

Lost Songs

1. Tame Impala – Why Won't They Talk To Me2. Godspeed You! Black Emperor – Mladic3. How To Dress Well – Cold Nites4. Maserati - The Eliminator5. The Soft Pack - Bobby Brown

Jesús D. Marín1. Tame Impala - Lonerism2. The Jim Jones Revue - Savage Heart3. Goose - Control Control Control4. Arizona Baby - The truth, the whole truth and...5. Errors - New Relics

1. The Rolling Stones - Doom and Gloom2. My Chemical Romance - Boy Division3. The Black Keys feat. RZA - The Baddest ManAlive4. Vitalic - Stamina5. Arizona Baby - Rock and Roll Messiah

Ander Simón1. Tame Impala - Lonerism2. How To Dress Well – Total Loss3. Hola A Todo El Mundo - Ultraviolet Catastrophe4. Errors - New Relics5. Paul Banks - Banks

1.Tame Impala - Why Won't They Talk To Me?2. The Black Keys feat. RZA - The Baddest Man..3. How To Dress Well – Cold Nites4. The Soft Pack – “Bobby Brown”5. Paul Banks - Paid For That

David G. Altarejos1. Tame Impala - Lonerism2. Vitalic - Rave Age3. Icona Pop - Econic EP4. Boys Noize - Out of the Black5. Paul Banks - Banks

1. Icona Pop - Ready For The Weekend (Club mix)2. Tame Impala - Why Won't They Talk To Me?3. Vitalic - Stamina4. Boys Noize - XTC5. Icona Pop - I Love It (Feat. Charli XCX)

F. Javier M. Bel1. Converge - All We Love We Leave Behind2. Paul Banks - Banks3. Goose - Control Control Control4. Vitalic - Rave Age5. Tame Impala - Lonerism

1. Converge - All We Love We Leave Behind2. Vitalic - Rave Kids Go3. My Chemical Romance - Boy Division4. Paul Banks - Paid For That5. Goose - United

Joaquín Ollero1. Bat For Lashes - The Haunted Man2. S-Type - Billboard EP3. Chad Valley - Young Hunger4. Kendrick Lamar - good kid, m.A.A.d city5. Titus Andronicus - Local Business

1. Bat For Lashes - Laura2. S-Type - Billboard3. Kanye West - White Dress4. Sky Ferreira - Everything is Embarrasing5. Neil Young and Crazy Horse - Ramada Inn

DISCOS CANCIONES

CANCIONESDISCOS

DISCOS CANCIONES

DISCOS CANCIONES

DISCOS

DISCOS

CANCIONES

CANCIONES


INDIESPENSABLES: Octubre 2012Alejandra Otero

1. Tame Impala - Lonerism2. Paul Banks - Banks3. Vitalic - Rave Age4. The Jim Jones Revue – The Savage Heart5. Arizona Baby – The truth, the whole truth and no-thing but the truth

1. The Black Keys feat. RZA - The Baddest Man Aliv2. Tame Impala - Apocalyse Dreams3. Paul Banks - Another Chance4. Vitalic - Stamina5. The Jim Jones Revue - Where Da Money Go

DISCOS CANCIONES

LISTAS SPOTIFYURL - http://open.spotify.com/user/1113679117

Maje M.S.1. Bat For Lashes - The Haunted Man2. Laetitia Sadier - Silencio3. Hola A Todo El Mundo - Ultraviolet Catastrophe4. Tame Impala – Lonerism5. Icona Pop - Econic EP

1. Fanfarlo - Replicate2. Extraperlo - Fieras3. My Blooody Valentine - Lose My Breath

(reedición)4. Hola A Todo El Mundo - Come To My Head.5. O Sisters - Dinah

DISCOS CANCIONES


INDIEFERMAG

REDACCIÓN

Ander Simón, Quique Gómez, Joaquín Ollero, F. Javier Moreno, JesúsDaniel Marín, David García Altarejos, Alejandra Otero, J.N. Carretero,Sergio Herguedas, Maje M.S., Jaime Mateo Herrero.

DISEÑO & MAQUETACIÓN

F. Javier Moreno

www.hrstudios.es

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En INDIEFERENCIA Magazine tenemos el fin de divulgar informaciónsobre la música que nos gusta. Desde los grupos más destacados de laescena hasta las nuevas bandas que aún son desconocidas por la mayoríadel público.

A todos nuestros lectores

AGRADECIMIENTOS

indiefermag nº 15. octubre 2012

Documents

the jim jone revue

the savage heart

the soft pack

este6 indieferencia

reviews the jim jones

paul banks

mestame impala

z i n et