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18 CHANTS

LIVRETPÉDAGOGIQUE

POUR DES ÉLÈVES DE CYCLES 1, 2 & 3REPÈRES PÉDAGOGIQUES

& ANALYSE MUSICALE

LIVRET RÉALISÉ PAR DESMUSICIEN·NE·S INTERVENANT·E·S CMR

N°2

3

Directeur de la publication : Frédéric Thomain

Rédaction : Élise Bourges, Cécile Branche, Julie Lewandowski, Émilie Mailly, Kim Parola, Fabrice Ramos

Conception et coordination : Arnaud Bourguignon, Frédéric Gonzalez, Christine de Goÿs, Cyrielle Léger, Séverine Maret

Iconographie : Freepik, Flaticon

Le programme Tous en musique est une initiative de la Fédération nationale des Cmr, soutenue par les ministères de l’Éducation nationale et de la Culture. L’intégralité des fiches qui composent ce livret a été réalisée avec le concours des musicien·ne·s intervenant·e·s Cmr et de musicien·nes invité·e·s.

Les œuvres décrites sont protégées par la loi n° 92-597 du 1er juillet 1992 relative au code de la propriété intellectuelle, publiée au Journal Officiel du 3 juillet 1992. À ce titre, l’utilisation à des fins pédagogiques des supports phonographiques présentés est soumise aux dispositions légales en vigueur et nécessite l’achat intégral des albums musicaux par l'établissement scolaire auprès de l’éditeur ou de l’artiste, sauf mention spécifique. La Fédération nationale des Cmr ne saurait être tenue responsable de l'utilisation illégale des œuvres.

Fédération nationale des Cmr | 2, place du Général Leclerc — 94130 Nogent-sur-MarneAssociation loi 1901, J.O. du 09/11/48 | SIRET 775 663 065 00040 | APE 8552Z01 48 73 06 72 | [email protected] | www.lescmr.fr

3

Sommaire

#15

#13

#17

#9

#16#7

#14

#18

ÉLÉMENTAIRE

#11

CYCLE 3

#10

P.42

Présentation du programme P.4

P.44

P.34

Lexique

P.30

#8

Projets Cmr #12

P.32

ÉLÉMENTAIRECYCLE 2

P.36

P.38

P.40

Stripsody Cathy Berberian

La Loi de la nature Alexandros Markéas & Gaël Lépingle

Sumer is icumen in Chant anonyme du XIIIe siècle

Un chien guide Fabrice Ramos

La Vidjiamé Étienne Perruchon

Le Petit Examen Darius Milhaud

#3

#1

#5

#4

#2

#6

MATERNELLECYCLE 1

P.6

P.8

P.10

P.22

P.12

P.18

P.14

P.20

P.16

P.24

P.26

P.28

La Java des couleurs

& Catherine VaniscotteHervé Suhubiette

Indian Train Alexis Louis-Lucas

Dans la forêt Mandarine

À dix heures dans la plaine Chant traditionnel breton

Berceuse bambara Chant traditionnel malien

Ce fu en mai Moniot d'Arras

Une poule bien élevée Isabelle Aboulker

La Chanson de la nuit Benjamin Britten

Toi et Moi Fabrice Ramos

Phaway uwiacha Chant traditionnel péruvien

Laudemus virginem Llibre vermell de Montserrat

Le Petit Lézard Hélène Bohy

Au sein des fiches, les termes suivis d’un nombre supérieur renvoient à leur définition dans le lexique.

mailto:federation%40lescmr.asso.fr?subject=http://www.lescmr.fr

4 5

Les ministères de la Culture et de l’Éducation nationale ont identifié la pratique artistique musicale comme étant une priorité nationale. Ils ont conjointement présenté le « Plan chorale » : un plan ambitieux qui a pour objectif de développer les chorales scolaires dans tous les établissements de France, de l’école primaire au lycée.

Avec la Rentrée en musique et la Fête de la musique, ce plan vise à renforcer la pratique musicale et l’éducation artistique en temps scolaire. Ainsi, dès septembre 2019, tous les établissements scolaires du 1er degré devront dédier des temps à la pratique vocale collective et au chant chorale. Pour y parvenir, ils pourront être soutenus par des structures d’éducation musicale. À ce titre, les conservatoires, les écoles de musique et le secteur associatif musical sont sollicités pour mettre en œuvre ce plan.

Les Cmr font partie des associations nationales identifiées et soutenues par les ministères de l'Éducation nationale et de la Culture pour accompagner les établissements dans le déploiement du « Plan chorale ».

Le « Plan chorale » : priorité à la musique

Depuis septembre 2018, les Cmr présentent le projet « Tous en musique — Chorales scolaires » : un programme d’ateliers de sensibilisation musicale qui a pour ambition d’organiser des chorales éphémères en temps scolaire pour les élèves du 1er degré.

Ce programme vise à soutenir le déploiement du « Plan chorale » en favorisant l’instauration de

chorales scolaires au sein d’établissements identifiés comme prioritaires et volontaires.

Le projet « Tous en musique — Chorales scolaires » est soutenu par les ministères de l'Éducation nationale et de la Culture et les directions régionales des affaires culturelles, en lien étroit avec les inspections académiques.

Le projet des Cmr

Présentation du programme

3 séances d’initiationProposées à plusieurs classes réunies en format chorale, elles comprennent :

des exercices d’échauffement et de techniques vocales ; un travail rythmique corporel et mélodique ; l’apprentissage d’un chant sélectionné dans le livret pédagogique ; une fiche pédagogique de préparation au chant pour l'enseignant.

À l’issu des trois séances dirigées et accompagnées par un·e musicien·ne intervenant·e et les professeur·e·s des écoles, une restitution est organisée.

Et après ?Les musicien·ne·s Cmr participant à cette opération ont tous pour ambition de permettre la création d’une chorale au sein de l’école, avec la possibilité :

d’intervenir régulièrement au sein de l’établissement scolaire pour la direction du projet chorale ;

d’accompagner les professeur·e·s des écoles par des actions de tutorat (aide à la conception, appui pédagogique et artistique...).

La méthode

Chaque atelier est constitué selon un cadre commun, et est ensuite personnalisé selon les choix des enseignant·e·s et des élèves :

Chaque séance dure 1 heure avec un maximum de 60 élèves et un minimum de 2 professeur·e·s des écoles.

Lors de la dernière séance, une restitution collective filmée est programmée en fin d’atelier. Les Cmr transmettent à l'établissement scolaire les autorisations de droit à l'image pour les élèves.

Un diagnostic est réalisé par la·le musicien·ne Cmr pour envisager les suites à donner à ce programme.

Conditions Être un établissement scolaire du 1er

degré identifié comme prioritaire par les inspections académiques ne portant pas à ce jour de projet chorale d’école à l’année, ou de cycle, et ne bénéficiant pas de musicien·e intervenant·e.

Avoir la volonté, en tant que professeur·e des écoles concernées, de s’inscrire dans le projet et de s’impliquer (co-intervention avec la·le musicien·ne intervenant·e, concertation préalable au démarrage du projet, souhait de créer une chorale pérenne au sein de l’école).

L'établissement scolaire s'engage à acheter l'album du chant étudié et assume la responsabilité légale de l'utilisation de l'œuvre.

Calendrier Les établissements scolaires intéressés

et remplissant les conditions doivent s’inscrire auprès des Cmr. Tenant compte des possibilités d’actions, les inspections académiques valideront les établissements retenus pour participer au programme durant l’année scolaire.

Les ateliers « Tous en musique — Chorales scolaires » se déroulent entre janvier et février de l'année scolaire en cours.

Fondée en 1948 sur les valeurs d’éducation populaire, la Fédération nationale des Cmr favorise l’accès aux pratiques musicales et à la culture artistique au plus grand nombre. En temps scolaire, son projet se traduit par des interventions musicales régulières menées en complémentarité avec les professeur·e·s des écoles. Elles sont adaptées au contexte scolaire et à la réalité culturelle des élèves, dans une perspective éducative forte et à long terme. La·le musicien·ne Cmr, artiste pédagogue confirmé·e, apporte ses compétences musicales et sa technicité dans le cadre du projet d’école ou d’établissement.

Créateurs du métier de musicien·ne intervenant·e, les Cmr proposent aujourd’hui bien plus qu’un accès à la pratique musicale : une véritable ouverture sur le monde.

Les Cmr sont soutenus par les ministères de l’Éducation nationale et de la Culture, les DRAC d’Auvergne-Rhône-Alpes, Haut-de-France, Région Sud et Nouvelle-Aquitaine, et agréés « association éducative complémentaire de l’enseignement public » et association nationale « jeunesse et éducation populaire ».

Qui sommes-nous ?

Le format

Conditionset calendrier

6

MATERNELLECYCLE 1

DIFFICULTÉ

Présentation

7

Analyse musicale

Clés de lecture

CHANT #1

Ass

ocia

tion

Man

darin

e

Cette ritournelle nous emmène en promenade dans la forêt. Elle invite à l’exploration émotionnelle, notamment celle de la peur, ainsi que l’écoute des bruits qui nous entourent et le silence.

Les interprètes : MandarineL’association Mandarine existe depuis 1983. Elle propose des spectacles participatifs, des bals, des albums et des recueils de chansons à destination d’un public d’enfants. Elle propose un répertoire original composé de chansons à danser, de comptines et jeux de doigts, et de chansons sur des thématiques adaptées à la petite enfance (le quotidien, l’imaginaire, la diversité, la nature, etc). Mandarine intervient régulièrement dans les crèches et les écoles, ainsi que dans des festivals pour enfants.

L’album : Bel OiseauL’album Bel Oiseau, sorti en 2014, est composé de chansons à danser, à mimer, à dessiner, à compter, de jeux de doigts. L’instrumentation est variée, et permet d’entendre un large panel d’instruments, ainsi que plusieurs chansons a cappella1 en quatuor vocal. L’album a obtenu le label « Coup de cœur Printemps 2015 » de l’Académie Charles Cros.

Dans la forêtMandarine

Ass

ocia

tion

Man

darin

e Pour travailler ce chant dans le cadre du programme Tous en musique, les établissements scolaires doivent obligatoirement acheter l’album dont il est issu. En luttant contre le piratage, nous participons tou·te·s au développement de la création musicale. Pour acheter l’album : assomandarine.fr/bel-oiseau/

Cette fiche pédagogique a été réalisée par Élise Bourges, musicienne intervenante Cmr.© Fédération nationale des Cmr

SonsLa deuxième partie de la chanson est un point de départ pour explorer des sons instrumentaux, des sons vocaux et corporels.

Les élèves peuvent proposer des sons, tout en faisant varier différents paramètres (des sons piano19/forte8, court/long, aigu/grave, etc). On peut demander avant cela aux élèves de détailler ce qu’on trouve dans une forêt, pour étoffer leurs idées.

ÉmotionsProposer un travail de déplacements dans l’espace, en incarnant ce qu’on peut rencontrer en forêt (les arbres, loups, fourmis, hiboux, etc). En racontant une histoire (un promeneur en forêt par exemple), demander aux enfants de vivre et mimer les rencontres et les émotions (promenade, se cacher, de jour ou de nuit, rencontres apaisantes ou effrayantes). Ce travail peut se faire en musique.

Mise en espaceChanter la chanson en se déplaçant dans l’espace, et s’arrêter, immobile, pour reproduire ou pour écouter les bruits de la forêt. La première partie peut être interprétée en remplaçant les paroles par « la, la, la » ou des onomatopées diverses pour bien entendre la mélodie13 et repérer l’arrêt. Le déplacement ne recommence que quand le silence est installé.

Pour aller plus loinCette chanson peut s’intégrer à un projet pédagogique sur les émotions, et plus particulièrement la peur. Elle peut s’accompagner d’écoutes comme St James Infirmary par Emile Parisien et Vincent Peirani, Danse macabre de Camille Saint-Saens ou encore Musique mécanique de Carla Bley.

On peut aussi l’associer à un projet sur les contes traditionnels et sur le loup. Ce chant peut également accompagner une sortie scolaire en forêt : écouter et classer les bruits entendus pendant la sortie, ramasser des branches, cailloux, feuilles, et s’en servir comme instruments pour créer des musiques d’objets (explorations sonores, reproduire des sons, jouer ensemble).

Structure du chantCette chanson est ternaire20 en 6/8, avec un début en anacrouse4. Elle est relativement rapide, mais peut être travaillée plus lentement pour la diction et l’articulation. Elle se divise en 2 parties : une première partie chantée (promenade légère et joyeuse dans la forêt), avec une fin nette (arrêt avec le piano), et une seconde partie d’écoute des bruits qui font peur, rythmiques ou arythmiques, et de durée variable. La chanson recommence au début lorsque le bruit s’est arrêté, après un court moment de silence.

Repères pédagogiques

Difficultés à repérerCette chanson est courte et ne présente pas de difficulté particulière d’apprentissage. Le début de la phrase « Dans la forêt » est répété 3 fois, avec une suite différente (litanie). Il faudra prendre garde à ne pas confondre les fins de phrases : la deuxième phrase est tenue, tandis que la troisième s’arrête brusquement sur le mot « soudain ». L’apprentissage peut se faire par imprégnation, en travaillant l’interprétation et les émotions des 2 parties pour bien faire ressentir les différentes ambiances, et en insistant sur l’importance du silence avant de reprendre la chanson.

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http://assomandarine.fr/bel-oiseau/

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DIFFICULTÉ

Présentation

9

Analyse musicale

Clés de lecture

CHANT #2

MATERNELLECYCLE 1

Ce chant est un hanter-dro, qui désigne une danse bretonne originaire du pays Vannetais. Il est commun de la danser en chantant. Il s’agit de l’histoire d’une rencontre, qui se déroule au pied d’une fontaine.

Ce chant fait référence au rossignol, symbole de l’amour et des amoureux·ses durant le Moyen-Âge, avec de nombreuses occurrences dans les textes et les chansons de cette période.

Les interprètes : Celtic KananCeltic Kanan est un groupe composé de six musicien·ne·s qui s’attache à revisiter la musique celtique en y intégrant de la pop et de la folk. Depuis sa création, le groupe puise son inspiration dans la musique bretonne et celtique traditionnelle. Il trouve son influence dans la musique d’artistes incontournables du genre, comme Alan Stivell, Glenmor ou Tri Yann, qui ont su moderniser et populariser ce qui a été longtemps apparenté à du folklore.

Le groupe utilise des instruments traditionnels comme la bombarde et le biniou, mêlés à la guitare sèche et électrique, la flûte, la batterie et le violon.

L’album : Le VoyageDans Le Voyage, Celtic Kanan propose des compositions et des reprises modernes de la musique traditionnelle, évoquant le paysage des nations celtiques. Il se compose d’un instrumentarium traditionnel et de musiques amplifiées, contribuant à la revisite de ce genre musical.

À dix heures dans la plaineChant traditionnel breton

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Pour rendre la chanson plus vivante, on peut ajouter les pas de danse : les enfants forment une ronde ou une chaine, se tiennent par la main, avant-bras droit par-dessus l’avant-bras gauche du voisin de droite.

Le pas est simple : trois petits pas vers la gauche en démarrant du gauche ; au temps 4 on ramène le pied droit à côté du pied gauche. Ce qui donne « 1, 2, 3 et 4 et... » ; soit sur la cinquième croche « gauche, droite, gauche et droite et... ». Au départ plutôt que de compter, remplacer par des paroles, par exemple : « trois p’tits pas et hop ». On peut démarrer cette danse à n’importe quel moment de la musique, à condition que ce soit au début d’une cellule (d’un pas).

Une vidéo pour découvrir les pas : youtu.be/ChJD-b3HX3o

Pour travailler ce chant dans le cadre du programme Tous en musique, les établissements scolaires doivent obligatoirement acheter l’album dont il est issu. En luttant contre le piratage, nous participons tou·te·s au développement de la création musicale. Pour acheter l’album : apple.co/2OshIvi

Cette fiche pédagogique a été réalisée par Cécile Branche, musicienne intervenante Cmr.© Fédération nationale des Cmr

ParolesExpliquer la petite scène décrite par la chanson et répéter lentement les phrases sans rythme.

Expliquer le vocabulaire original, puis ajouter la musique sur la première partie, avec un tempo23 très lent, pour que les enfants comprennent tout de suite où se placent les syllabes sur la musique. Puis continuer avec les deux premières phrases de la seconde partie de la même façon, puis les deux dernières.

Structure du chantL’hanter-dro est une danse à trois temps, le tempo23 se situe en général autour de 90 à la noire, mais il varie souvent en fonction du niveau des danseur·se·s — on peut bien entendu le ralentir pour travailler.

Cette chanson, comme beaucoup d’hanter-dro, est très répétitive. Elle est composée de deux phrases mélodiques (la première en 3 parties et la seconde en 4 parties). Elle est donc assez facile à mémoriser. Le rythme est également assez simple ; on pourra ajouter des appuis sur certains temps pour avoir le style voulu.


Difficultés à repérerLes paroles ne sont pas particulièrement complexes, mais font appel à quelques mots auxquels les enfants ne sont pas habitués (« ma mie », et « rossignolet »). Elles plongent néanmoins les enfants dans l’ambiance des musiques traditionnelles.

Enfin, le rythme croche–deux doubles peut gêner la diction.

Pour aller plus loin Découvrir un hanter-dro sans paroles, afin que

les enfants identifient le rythme, comme celui d’Ampouailh ou d’Alain Pennec, ou l’Hanter Kervignac de Pierric Lemou et Patrick Lefèvre. On peut également imaginer une séance d’expression corporelle dessus ;

Écouter d’autres chansons du folklore breton, comme un gwerz (« complainte » en breton), par exemple Gwerz ar vezhinerien de Denez Prigen ;

Écouter d’autres chansons régionales françaises, comme la bourrée auvergnate de Lou Belladaires, et relever les différences et les similitudes du rythme ;

Découvrir d’autres chansons à danser du monde, des plus simples aux plus complexes, comme par exemple l’Irish Step Dancing de Riverdance ;

RythmeLe rythme croche–deux doubles peut sembler trop rapide pour placer les mots. On peut déjà le taper dans les mains pour se familiariser avec. Puis ajouter les paroles toujours dans un tempo23 très lent. Travailler phrase par phrase.

On peut aussi faire deux groupes : l’un qui tape le rythme dans les mains, l’autre qui chante, et on in-verse les rôles.

https://youtu.be/ChJD-b3HX3ohttps://apple.co/2OshIvi

10

DIFFICULTÉ

Présentation

11

Analyse musicale

Clés de lecture

MATERNELLECYCLE 1

CHANT #3

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Cette chanson est une berceuse traditionnelle du Mali. Le bambara est une des principales langues du pays, et fait partie du groupe des langues mandingues présentes en Afrique de l’Ouest.

Ce chant nous parle d’un bébé en pleurs, et de sa mère qui le réconforte.

Les interprètes : Blouses NotesBlouses Notes est une association de la région de Tours qui intervient auprès d’enfants hospitalisé·e·s depuis 1998. Les musicien·ne·s sont issu·e·s du réseau Enfance et Musique ainsi que du Centre de Formation des Musiciens Intervenants (CFMI) de Tours. Les musicien·ne·s, qui interviennent en binôme, proposent un répertoire à la fois préparé et improvisé, adapté aux patients et à leur entourage. L’association travaille en lien étroit avec le personnel hospitalier.

L’album : Morceaux de soiParu en 2015, Morceaux de Soi rassemble des chansons originales et des reprises de berceuses et chansons pour enfants par les musicien·ne·s de Blouses Notes. Le répertoire puise dans des chants du monde, ainsi que dans les compositeurs actuels de musiques pour enfants. Les chansons sont interprétées avec délicatesse et mises en valeur avec des arrangements riches et soignés, des percussions corporelles et des chants polyphoniques19.

Berceuse bambaraChant traditionnel malien

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Pour travailler ce chant dans le cadre de programme Tous en musique, nous vous remercions d’effectuer un don d’un montant de 15 € à l’Association Blouses Notes, qui intervient auprès d’enfants hospitalisé·e·s.Pour faire un don de 15 € : blousesnotes.fr/donner


Structure du chantCette chanson est sur une rythmique ternaire20. Elle est accompagnée par les instruments traditionnels africains (djembé, doun-doun, balafon, shékéré). Elle est composée de 3 phrases ; chacune est chantée en questions-réponses par un soliste et un chœur qui lui répond. La chanson peut être interprétée plusieurs fois de suite, avec des intentions, nuances14 et questions-réponses qui varient.


Difficultés à repérerLa difficulté principale se trouve dans les paroles : réussir à prononcer et retenir des paroles dans une langue que l’on ne connait et ne comprend pas, et dont les sonorités ne nous sont pas familières. Quelques mots présentent des hiatus10 (« na-o na », « deni-o-oulika ») et des suites de consonnes difficiles à prononcer (« n’de »). Dans la troisième phrase, un travail de détail sur une variation de la mélodie13 de la dernière syllabe de « oulika » est nécessaire.

Pour rendre la production sonore riche, il faudra travailler l’interprétation de la chanson, avec des variations de nuances14 et de tempo23 par exemple.

Info

Tou

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ParolesCommencer par dire les paroles, syllabe par syllabe si besoin, en accumulation (une syllabe, puis deux, puis trois) ; les apprendre en parlé-rythmé, et enfin ajouter la mélodie13. La mélodie peut par ailleurs être apprise séparément, en remplaçant les paroles par une des syllabes de la chanson (tout chanter sur na par exemple).

Les hiatus peuvent être isolés et utilisés dans un échauffement vocal, pour travailler le chemin des voyelles et la précision du texte.

Pour aller plus loin On peut prolonger la découverte du répertoire africain avec

l’écoute de percussions traditionnelles du collectif Les Percussions de Kouroussa, et des chansons en bambara, comme Ka Moun Ké ou Ali Farka Touré de Rokia Traoré.

Pour aller plus loin, on peut aussi proposer des séances de découverte et d’exploration sonore et rythmique des instruments de musique traditionnels africains.

Cette chanson peut également être comparée à des berceuses traditionnelles françaises et du monde entier, comme celle du livre-disque Les plus belles berceuses du monde chez Didier Jeunesse.

Questions-réponsesLa notion de questions-réponses est souvent utilisée lors de l’apprentis-sage d’un chant, mais son intégra-tion peut être complétée avec des percussions corporelles et des sons vocaux.

On proposera aux élèves d’être tour à tour la·le questionneur·euse en in-ventant des cellules rythmiques ou mélodiques. La chanson peut d’abord être chantée en questions-réponses avec l’intervenant, puis en divisant le groupe en deux, et éventuellement avec un ou plusieurs élèves solistes.

InterprétationCette chanson étant une berceuse en bambara, il est important de donner aux élèves la traduction, afin de la chanter avec l’intention et l’interpré-tation qui conviennent (une mélodie13 douce et fluide, des notes liées).

Les élèves peuvent la chanter en se déplaçant doucement et sans à-coup, en imaginant qu’ils bercent un enfant. Leur demander à quoi ressemblent les berceuses qu’ils entendaient quand ils étaient plus petits, quelles sont leurs caractéristiques.

https://www.blousesnotes.fr/donner

12

DIFFICULTÉ

Présentation

13

Analyse musicale

Clés de lecture

CHANT #4

MATERNELLECYCLE 1

Le chant prévient un agneau du loup qui le guette pour le manger. Sur une ritournelle allègre, il est chanté comme un responsorial. Les paroles sont en quechua.

Une traduction en français existe et permet d’agrémenter l’interprétation pour illustrer l’histoire dans différentes langues.

L’auteur du projet : Francis CorpatauxFrancis Corpataux est professeur de pédagogie musicale et chercheur à l’Université de Sherbrooke (Québec). Il effectue depuis une vingtaine d’années un travail ethnomusicologique de collecte de chants d’enfants du monde entier. Par ce travail minutieux, il contribue à fournir des connaissances sur les contextes sociaux dans lesquels les enfants chantent. Mais il permet également d’interroger le lien des enfants aux chants, d’observer le rapport entre les adultes et les plus jeunes dans leur transmission musicale. Il œuvre à la conservation d’airs qui tendent à ne plus être transmis et nous permet ainsi d’aborder cette grande famille des « chants du monde », tout en nous les faisant connaître par celles·ceux qui en sont les légataires actuels.

La collection : Les Chants des enfants du mondeCe chant fait partie du 6e volume de la collection Les Chants des enfants du monde, qui compte 21 volets au total. Cet album, publié en 1998, est consacré aux musiques d’Amérique du sud. On peut y entendre différents titres d’Argentine, du Chili, du Pérou, de la Bolivie, du Brésil et de l’Équateur. Il y figure des jeux, des comptines, des chants enregistrés dans la rue, à l’école, à l’Église mais également des airs chantés par enfants et adultes et des morceaux uniquement instrumentaux.

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Pour travailler ce chant dans le cadre du programme Tous en musique, les établissements scolaires doivent obligatoirement acheter l’album dont il est issu. En luttant contre le piratage, nous participons tous au développement de la création musicale. Pour acheter l’album : fr.shopping.rakuten.com/s/3325480604386#xtatc=INT-601

Cette fiche pédagogique a été réalisée par Julie Lewandowski, musicienne intervenante Cmr.© Fédération nationale des Cmr

ArpègesOn peut tout d’abord imaginer un échauffement corporel autour de la construction du chant en arpèges. Partant de la première note du morceau que l’on symbolisera avec la main à mi-hauteur du corps, on peut demander aux enfants de monter ou descendre la main en fonction de la hauteur9 de la note jouée. On veillera à rester sur l’harmonie du morceau pour qu’ils commencent à enregistrer la mélodie13. Privilégier dans un premier temps une échelle courte sur laquelle s’amuser pendant un petit temps. Puis agrémenter cet exercice de la voix chantée tout en faisant évoluer le degré de complexité.

PrononciationPour la jota, il est nécessaire d’isoler les parties des mots la comprenant et de proposer aux enfants de la prononcer, suivie d’une syllabe simple (« uwi/x/acha »). Pour que l’exercice devienne ludique et comme le mot est « rebondi » dans sa prononciation (« ch » se prononce « tch »), on peut imaginer leur demander de se le lancer d’un camarade à l’autre en rajoutant un geste matérialisant la jota (une main partant du menton et allant vers la personne que l’on vise, par exemple).

Dans la même perspective, on pourra inventer des jeux autour du « r » roulé contenu dans certains mots, en privilégiant d’abord la prononciation via l’écoute de la musique ou de l’intervenant. Si la diction reste complexe, on peut penser le mot avec un « l » à la place du « r » pour se rapprocher du quechua.

Structure du chantL’air est accompagné à la guitare sur trois accords. Sur un tempo23 de marche modérée, la structure rythmique binaire20 soutient le chant étendu sur une octave11 et demi. Il comporte deux phrases dont chacune est répétée deux fois et dont l’air diffère légèrement la seconde fois. Le chant alterne entre un enfant qui chante seul et tout un groupe qui lui répond.


Difficultés à repérerLe chant est construit en arpèges. L’ambitus3 large peut représenter une difficulté, notamment pour le début de la chanson. Cela nécessitera quelques exercices préalables pour en comprendre la construction en escalier et en respecter autant que possible la forme.

Deuxième difficulté : la langue. Le quechua appris de manière phonétique est mémorisable pour les enfants ; les paroles sont répétitives. Cependant, certains mots sont constitués d’un son proche de la jota espagnole, notée /x/. Pour le mot « uwiacha », elle se situe entre le « uwi » et le « acha » tandis que pour le mot « paqtataq », c’est le « q » qui sera prononcé comme la jota.

ParolesAprès avoir expliqué aux enfants le sens du chant, diviser le groupe en quatre. Donner à chacun une phrase à apprendre. Une fois que chaque groupe l’a mémorisée, on leur demande de la réciter, d’abord dans l’ordre. Puis, mélanger aléatoirement la distribution des phrases. Enfin, demander aux groupes d’intervertir leurs places et jouer avec ce désordre jusqu’à leur demander de se remettre en place.

Pour aller plus loin Pour rester dans la thématique des animaux andins

et pour familiariser l’oreille des enfants aux instruments de ces régions, leur faire écouter l’histoire d’une petite vigogne dans La Vicuñita par Graciela Mendoza ;

Présenter les instruments andins par l’écoute de différents contes pour enfants, comme Cayetano et la baleine de B. Dubois, L. Rigou et P.-M. Beaude, Pedro et le Curupi par la Compagnie Ours Polar ou encore Le Secret de l’Achachila de J. Mendoza et C. Boisel ;

On pourra également plonger dans l’univers poético-loufoque de Maria Elena Walsh. Son œuvre regorge de chants et de contes imprégnés des musiques populaires argentines. Ayant elle-même effectué un travail de collecte dans son pays, cela donne l’occasion d’aborder la notion de conservation et d’enregistrement des musiques traditionnelles du monde.

Ce chant fait partie du répertoire du projet « Du sol au son », mené par les Cmr. Plus d’infos en page 53.

14

MATERNELLECYCLE 1

DIFFICULTÉ

Présentation

15

Analyse musicale

Clés de lecture

CHANT #5

Les dix textes des chansons louent la Vierge Marie ; ils étaient chantés à l’église durant les vigiles. Laudemus virginem est un très bon exemple de canon6 médiéval, les pèlerins pouvaient l‘apprendre facilement et rapidement.

Les interprètes : l’Ensemble ObsidienneCet ensemble vocal et instrumental s’attache à faire découvrir les répertoires inédits et méconnus du Moyen-Âge jusqu’aux premières polyphonies de la Renaissance. Il mêle volontiers l’interprétation et l’improvisation qu’il restitue dans la pratique du chant sur le livre. Remarqué pour la finesse et la poésie de son phrasé instrumental et vocal, Obsidienne est aujourd’hui l'un des ensembles incontournables dans l’interprétation des musiques médiévales. Il participe régulièrement aux plus prestigieuses programmations en France et à l'étranger. Obsidienne est également l’invité régulier des programmateurs de Radio France.

Le manuscrit : Llibre vermell de MontserratLlibre vermell de Montserrat doit son nom à la couleur de sa couverture — vermeil. Il est aujourd’hui conservé en Catalogne, d’où il est originaire. Il était destiné aux pèlerins se rendant à Montserrat qui voulaient danser et chanter. Il contient dix chansons para-liturgiques en catalan et en latin, qui furent compilées à la fin du XIVe siècle. Le succès et la grande popularité de ces chants tiennent à leur variété (plain-chant, monodies, polyphonies, canons, etc.), ainsi qu’à leur relative facilité de réalisation. Ce recueil, qui n’a pas d’équivalent, mêle l’inspiration populaire et les emprunts à une musique plus savante.

Laudemus virginemLlibre vermell de Montserrat

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Pour travailler ce chant dans le cadre du programme Tous en musique, les établissements scolaires doivent obligatoirement acheter le livre-CD dont il est issu. En luttant contre le piratage, nous participons tous au développement de la création musicale. Pour acheter le livre-CD : edition.lamuse.free.fr/obsidienne_monserrat.html


Mélodie et canonOn peut commencer par chanter la mélodie13 sur une voyelle avec toute la classe, puis former trois petits groupes, et donner une mesure à chanter à chaque groupe. On peut ensuite lancer la mélodie13 en boucle et faire nous-même la seconde voix en canon6. Le tempo23 étant très lent, on peut parler de berceuse pour faire comprendre l’attendu aux enfants.

Structure du chantLa mélodie13 et le rythme sont très faciles à retenir, puisqu’il s’agit de 3 mesures qui se répètent. L’ambitus3 n’est pas très étendu (une septième11), mais il faudra être vigilent à la justesse des intervalles (tierce11 et quarte11). On peut chanter ce canon6 à deux ou trois voix. Chacune des voix commence depuis le début alors que la précédente débute à la deuxième mesure. Il n’y a pas de difficulté particulière liée à la prosodie, puisqu’il y a systématiquement une syllabe par note.


Pour aller plus loin Faire découvrir les instruments de musique

médiévaux aux enfants (harpe, cornemuse, psaltérion, vièle, flûte, rebec, tympanon) ;

En arts visuels, découvrir le manuscrit disponible sur internet, ainsi que des miniatures représentant des musiciens ou des danseurs ;

Découvrir une autre chanson du Llibre Vermell de Montserrat, ou un autre morceau médiéval (cantigas de Santa Maria, chanson de trouvère ou de troubadour…).

Ce chant fait partie du répertoire de l’édition 2019 des Scoralies, projet mené par les Cmr. Plus d’infos en page 53.

Difficultés à repérerLes principales difficultés dans le travail de ce morceau seront la diction du latin et la mise en place du canon6.

ParolesPar la suite on ajoute les paroles, soit les paroles originales en latin (on peut d’ail-leurs faire tourner uni-quement la première phrase), ou bien en écrire de nouvelles avec les enfants sur le thème de notre choix, on peut par exemple écrire des haïkus.

DanseUne fois que les enfants sont à l’aise avec le chant, on peut ajouter la danse : on forme une chaîne fermée, les danseurs ont les mains en « W » à hauteur des épaules et les coudes à hauteur de la taille. Les mains sont posées à plat les unes contre les autres. La danse se déplace vers la gauche, et le pas se répète tout au long de la danse. Le pied droit croise devant le pied gauche, le pied gauche se déplace vers la gauche, le pied droit croise derrière le pied gauche, le pied gauche se déplace vers la gauche, et on recommence.

On peut simplifier en faisant passer le pied droit toujours devant le pied gauche, et en se tenant simplement la main.

http://edition.lamuse.free.fr/obsidienne_monserrat.html

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DIFFICULTÉ

Présentation

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Analyse musicale

Clés de lecture


CHANT #6

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La chanson, à travers l’histoire d’un petit lézard tombé dans un seau d’eau, évoque la paresse, l’effort et la persévérance.

Elle nous fait découvrir le tango argentin, et son instrument de prédilection : le bandonéon. La flûte à coulisse accompagne également l’aventure du petit lézard. La chanson est disponible en version instrumentale.

La compositrice : Hélène BohyHélène Bohy est autrice-compositrice-interprète et se produit en spectacle pour les enfants depuis plus de trente ans. Elle a co-fondé le label Enfance et Musique en 1981, qui travaille à promouvoir la place de la culture en petite enfance, propose des formations et la publication d’albums musicaux.

Hélène Bohy a participé à de nombreux albums pour enfants (Petits loups du jazz avec Olivier Caillard, par exemple), tout en gardant un pied dans l’éveil musical et la pédagogie de la musique.

L’album : TangoninoTangonino, album paru en 2000, est également le nom du spectacle composé des mêmes chansons. Accompagné par un bandonéon, une guitare, une contrebasse, ainsi que de nombreuses percussions et boîtes à musique, il fait la part belle au tango argentin avec des chansons et comptines en français et espagnol.

Le Petit LézardHélène Bohy

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Pour travailler ce chant dans le cadre du programme Tous en musique, les établissements scolaires doivent obligatoirement acheter l’album dont il est issu. En luttant contre le piratage, nous participons tous au développement de la création musicale. Pour acheter l’album : fnac.com/a10962184/Helene-Bohy-Tangonino-CD-album#omnsearchpos=1


Structure du chantCette chanson est composée de 3 couplets, mais n’a pas de refrain. Les couplets ont une structure linguistique proche, avec des morceaux de phrases ou mots répétés d’un couplet à l’autre (« À cinq, six, sept un quart, le petit lézard », « un bâton », « à tâtons »).

Entre chaque couplet, l’accompagnement s’arrête et une montée chromatique jouée au bandonéon évoque l’ascension du lézard. Les mouvements de montée et descente sont par ailleurs mis en évidence avec une flûte à coulisse (aigu ou grave).


Difficultés à repérerLa mélodie13 de cette chanson demande à être travaillée avec précision, car les intervalles ascendants et descendants sont mélangés. Les deux dernières phrases du couplet sont en revanche monocordes (sur une seule note). Elles sont séparées par une mesure de silence, après le mot « bâton ».

Les paroles de ces deux phrases se ressemblent, mais les formulations sont légèrement différentes dans chaque couplet, avec notamment des changements de pronoms.

MélodieEn guise d’échauffement vocal, sélectionner quelques passages mélodiques difficiles de la chanson (« le petit lézard », « tout le long du toit »), et les transformer en vocalise, afin de bien intégrer les intervalles. Pour cela, on peut modifier les paroles, en utilisant des consonnes fricatives (z, j, v) ou nasales (m, n). La mélodie13 de la chanson peut être jouée sur un instrument afin que les élèves l’entendent avec un autre timbre27.

BruitagesOn peut demander aux élèves de raconter l’histoire de la chanson en n’utilisant que des onomatopées (« tic tac », « zip », « plouf », etc). Celles-ci peuvent ensuite être intégrées à la chanson par quelques élèves pendant que les autres chantent, notamment dans les silences. Pour améliorer la musicalité de ces bruitages, les travailler avec des rythmes, leur donner une mélodie13, une intention, appuyer les nuances14 afin qu’ils s’insèrent avec justesse dans la chanson.

Aigu et graveLa montée chromatique du bandonéon, ainsi que les sons de flûte à coulisse, sont un point de départ pour travailler la notion de hauteur9. Ainsi, les élèves peuvent dessiner dans l’espace avec leur corps le mouvement de la mélodie13 (qui monte ou descend).

On peut jouer le déplacement du lézard avec une flûte à coulisse : le mouvement de la coulisse permet dans un premier temps d’aider à visualiser les sons aigus et graves, puis l’exercice peut se faire les yeux fermés. Les mots relatifs à la hauteur9 (aigu/grave) doivent bien être dissociés des notions de nuances14 (piano19/forte8), qui peuvent être travaillées par ailleurs.

Pour aller plus loin Pour découvrir le tango argen-

tin, on pourra écouter Libertango ou Cité Tango d’Astor Piazzola, ainsi que des tangos plus actuels et revisités, comme Epoca de Gotan Project.

Des chansons complémentaires apporteront un autre éclairage sur la thématique de la paresse et de l’effort : l’écoute de Faire des ronds dans l’eau d’Henri Salvador ou l’apprentissage de Un lion s’endort, paroles de Pascal Conrod, lui-même inspiré de La Marche royale du lion de Camille Saint-Saëns.

Cette chanson peut être accompagnée de la lecture du poème Le Lézard de Robert Desnos. Elle peut être utilisée dans le cadre d’un projet pédagogique sur les animaux, ou encore sur la narration et l’écriture d’histoires.

https://www.fnac.com/a10962184/Helene-Bohy-Tangonino-CD-album#omnsearchpos=1

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DIFFICULTÉ

Présentation

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Analyse musicale

Clés de lecture


CHANT #7

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La Java des couleurs aborde la thématique des émotions en les associant à des couleurs. Cette chanson touche également du doigt le thème du mélange et de la diversité.

Cette chanson métaphorique est enrichie d’un vocabulaire riche. Elle est — comme son nom l’indique — accompagnée dans le style de la java.

Le compositeur : Hervé SuhubietteHervé Suhubiette est auteur-compositeur-interprète, pour un public d’enfants ou d’adultes. Il propose de nombreux spectacles et contes musicaux, publie régulièrement des albums, ainsi que des livres-disques pour enfants avec ses compositions, la mise en musique de poèmes (Bernard Friot) ou des reprises (Claude Nougaro, Georges Brassens). Hervé Suhubiette intervient régulièrement auprès du public scolaire, dans le cadre de projets d’écriture et interprétation de chansons (sélection SACEM de La fabrique à chansons).

La compositrice : Catherine VaniscotteCatherine Vaniscotte est autrice-compositrice-interprète et compte également de nombreuses œuvres pour enfants. Metteuse en scène, elle écrit de nombreux spectacles ludiques pour lesquels elle donne des représentations dans toute la France, notamment Rue de la pomme qui bénéficie du prix « Coup de cœur » de l’Académie Charles Cros en 2012.

La Java des couleursHervé Suhubiette & Catherine Vaniscotte

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L’album éponymeLa Java des couleurs est extraite de l’album éponyme, et qui a suivi le premier spectacle pour enfants d’Hervé Suhubiette, sorti en 1995. Cet album propose des chansons balayant de nombreux styles musicaux (jazz, rap, java, funk, etc). Il a obtenu le « Coup de cœur » de l’Académie Charles Cros 2002, et nous emmène en voyage au pays des couleurs, de la peinture, des tableaux et des émotions.

Pour travailler ce chant dans le cadre du programme Tous en musique, les établissements scolaires doivent obligatoirement acheter l’album dont il est issu. En luttant contre le piratage, nous participons tous au développement de la création musicale. Pour acheter l’album : amzn.to/2ORM76t


Rythme et percussions corporellesLe travail du rythme est important sur cette chanson. Le rythme « croche pointée – double » peut être abordé par les percussions corporelles ou par un jeu de déplacement dans l’espace (en sautillant pour comprendre le rythme, et l’accélérer ensuite).

Le rythme d’accompagnement de la java (« poum ta ta poum ta ») peut être travaillé sur des onomatopées, en demandant aux élèves de choisir deux sons en percussions corporelles, en travaillant en demi-groupes qui se répondent (« poum » et « ta ») ou encore en accompagnant la chanson en percussions corporelles.

Inventions vocalesPour l’échauffement vocal, afin de mettre les élèves dans l’ambiance de la chanson, travailler sur l’improvisation vocale avec les noms des couleurs, explorer différentes manières de chanter les mots (sirènes, aigu/grave, parlé-rythmé, chuchoté, court ou long, etc). Demander à chaque élève de choisir une manière de chanter une couleur, et travailler sur des créations vocales à partir de leurs inventions.

Écrire les parolesLes couplets ayant une structure très précise, on peut demander aux classes d’inventer des nouveaux couplets, à partir de couleurs non utilisées dans la chanson (vert, gris, etc). Il faudra veiller à bien respecter la structure, les rimes, le nombre de pieds, ainsi que l’atmosphère de la chanson, le vocabulaire et la signification des couplets. Ces couplets pourront être rajoutés dans la version finale de la chanson.

Structure du chantLa Java des couleurs est composée de couplets et de refrains. Les couplets sont groupés par 2, et suivent tous une structure syntaxique identique : « Si on était complètement [...], on serait comme [...] ». Il s’agit d’une chanson « tableau », à l’inverse des chansons « histoire ». Les mesures sont à 3 temps, avec un tempo23 élevé (vivace29, noire ~ 150), plus rapide que celui de la valse. Ajouté à cela, le rythme « croche pointée – double » tout au long de la chanson apporte le côté java, dansant et dynamique.


Difficultés à repérerPour interpréter la chanson comme une java, avec un tempo23 relativement rapide, il faut travailler sur l’articulation, la précision des mots, et mettre l’accent sur le travail du rythme (sautillant avec les croches pointées-double, et la rythmique de la java sur 3 temps).

Concernant les paroles, bien noter certaines contractions de verbes qui ne sont pas toujours identiques suivant les couplets (« on serait » / « on s’rait »), ainsi qu’un refrain différent des autres.

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Pour aller plus loin Cette chanson peut s’intégrer dans un projet sur

les émotions et les couleurs, avec la lecture de l’album La couleur des émotions de Maria Antilogus et Anna Llenas, pour les plus jeunes, un travail en arts plastiques sur l’utilisation des couleurs et la représentation des émotions.

Pour approfondir la découverte de la java, on pourra écouter des javas instrumentales, par exemple Java à Maubert d’André Astier, ainsi que des chansons comme La java des bombes atomiques de Boris Vian.

Pour aller plus loin, Le jazz et la java de Claude Nougaro, adaptation de Three to get ready de Dave Brubeck, issu de l’album Time out.

https://amzn.to/2ORM76t

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DIFFICULTÉ

Présentation

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Analyse musicale

Clés de lecture


CHANT #8

Sug

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Indian train est une chanson dont les paroles sont uniquement composées d’onomatopées. Ceci a pour effet de nous emmener à faire un voyage en train, en reproduisant le bruit du roulement sur les rails, à travers 3 ostinati17 différents.

Il s’agit d’un canon6 rythmique et vocal, a capella1.

Le compositeur : Alexis Louis-LucasAlexis Louis-Lucas est acteur et percussionniste. Il fait partie de la Compagnie Taxi-Brousse, qui produit plusieurs spectacles qui mêlent théâtre et musique. Son dernier spectacle L’utopie des arbres, propose des monologues, dessins de sciure et musique vocale et corporelle. Il propose des interventions musicales en écoles primaires ou écoles de musique et a travaillé auprès de CPEM sur la batucada.

Le recueil : Danse, écoute, chante, vol. 14La chanson Indian Train de Alexis Louis Lucas est extraite de Danse, écoute et chante, vol. 14, publié en 2003. Cette série constitue un recueil de chants réalisé par l’association départementale PEP21 et les CPEM de l’Académie de Dijon, avec pour objectif d’aider les enseignants à mettre en œuvre l’éducation musicale dans leur classe via un répertoire adapté aux enfants. À chaque volume, différent·e·s musicien·ne·s apportent leur contribution, constituant un répertoire varié au fil des éditions.

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L’album dont ce chant est issu n’est malheureusement plus distribué par son éditeur. Il est donc librement utilisable dans le cadre du programme Tous en musique.


Gestes et canonAssocier des gestes à chaque partie A, B, C, pour diriger le canon6 et anticiper les parties à chanter. Les 2 temps de silence de la partie B peuvent être remplis dans un premier temps par un geste, un son corporel ou vocal, avant d’être intériorisés.

Lorsque le canon6 est installé, les « tchou-tchou » des parties A et B se répondent. On peut travailler cette mesure de questions-réponses en l’isolant et en la chantant à 2 groupes qui se répondent.

Structure du chantCette chanson est composée de trois parties : A, B, C. Les parties A et B sont en 4/4 et peuvent être chantées séparément à l’unisson28 ou se superposer en canon6. La partie C est indépendante, elle est en 3/4, elle constitue une transition, plus fluide et plus ronde, avant de revenir sur le A ou le B. Ces trois parties peuvent être chantées en faisant varier le tempo23 pour représenter différentes vitesses du train. On peut également modifier les nuances14 pour travailler l’éloignement et le rapprochement.

Indian Train est chantée a capella1, c’est une chanson uniquement rythmique, il n’y a pas de mélodie13.


Difficultés à repérerLe mélange des consonnes [t] et [k] constitue une difficulté de prononciation, elles risquent d’être interverties, notamment lorsqu’on accélère la chanson. Le travail du tempo23 doit permettre de faire varier progressivement la vitesse de la chanson (avec accelerando2 et decelerando7), tout en conservant l’intelligibilité des paroles. Il faudra travailler sur l’intention et l’objectif sonore de la chanson, pour que le rendu soit fidèle et de qualité. La partie B présente 2 temps de silence qui doivent être respectés.

Variations de tempoLes variations de tempo23 peuvent être travaillées en parallèle, avec des instruments à percussions ou des percussions corporelles, en suivant un·e chef·fe d’orchestre. Les élèves peuvent tour à tour prendre le rôle de chef·fe d’orchestre pour expérimenter la réactivité des musicien·ne·s et faire jouer leurs propres variations de tempo23.

Ce travail peut également être réalisé avec un jeu de déplacement dans l’espace tout en marchant sur une pulsation20 qui accélère ou ralentit, ou en écoutant une musique avec des variations de tempo23 (jouée en direct, ou dans les musiques traditionnelles folk, juive ou russe, ou par exemple Le bœuf sur le toit de Darius Milhaud).

Intention et renduIl est utile de faire écouter l’original de la chanson afin de réaliser le rendu attendu. L’intention apportée à la prononciation des syllabes est important, avec un accent mis sur les consonnes (quasi disparition des voyelles), et la précision du rythme.

On peut enregistrer la production sonore des élèves, pour qu’ils comparent leur version avec l’original, et trouver des solutions pour s’améliorer.

Pour aller plus loin Cette chanson peut étayer un projet pédagogique traitant du voyage

et des moyens de transports. On pourra proposer aux élèves d’inventer une chanson dans l’esprit d’Indian Train, avec des onomatopées et des ostinati17 adaptés à un autre moyen de transport (vélo, voiture).

Pour compléter la thématique ferroviaire, on peut écouter les musiques répétitives de Steve Reich comme Different Train ou America – Before the War, le morceau de jazz Night Train d’Oscar Peterson, et même des enregistrements de trains de différentes époques.

L’écoute de Story de John Cage ou Stripsody de Cathy Berberian permettra d’approfondir la connaissance des musiques contemporaines vocales, en écoutant la précision rythmique des interprètes.

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DIFFICULTÉ

Présentation

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Analyse musicale

Clés de lecture

CHANT #9


Ce chant raconte la rencontre d’un homme en désespoir amoureux avec un couple d'amoureux. La vision du bonheur des deux autres permet à l’homme d’exprimer ses propres douleurs. La chanson relève du genre de l'amour courtois spécifique au Moyen-Âge.

Cette chanson se trouve dans un chansonnier du XIIIe siècle. Les trouvères sont des poètes et compositeurs du Nord de la France qui s’expriment en langue d’oïl.

Le compositeur : Moniot d'ArrasAprès avoir composé des chansons en l’honneur de la vierge alors qu’il était « petit moine », ce trouvère, revenu à l’état laïc, fréquenta les plus grandes cours du Nord, dans la première moitié du XIIIe siècle (environ entre 1213 et 1219). Il laisse 14 compositions dont la moitié porte une musique notée. Son écriture est simple, sans ornements.

Les interprètes : Nóra & MoyNóra & Moy est né de la rencontre de Nóra Király, chanteuse traditionnelle hongroise et de Xavier Terrasa, interprète spécialisé en musiques médiévales.

L’ensemble se produit en concert dans différents festivals autour de la musique médiévale et lors de projets avec préparation de programme et direction de chœur.

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Pour travailler ce chant dans le cadre du programme Tous en musique, les établissements scolaires doivent obligatoirement acheter le livre-CD dont il est issu. En luttant contre le piratage, nous participons tous au développement de la création musicale. Pour acheter le livre-CD : lugdivine.com/productions-lugdvine/le-moyen-age-chants-danses-et-instruments-de-musique-detail


ParolesOn ne chante souvent que le premier couplet, qui est le plus facile à prononcer et à mémoriser. Il est judicieux de travailler le texte sans la mélodie13 pour commencer, puis l’ajouter par-dessus, et d'associer les syllabes aux notes.

Il y a toutefois parfois deux notes pour une syllabe, à des moments différents de la mélodie13.

Structure du chantLa langue d’oïl est très proche de notre français actuel, néanmoins un travail de pronon-ciation sera nécessaire. L’ambitus3 est assez large (une neuvième11), mais la mélo-die13 est très souvent conjointe16, ce qui facilite sa réalisation ainsi que sa mémorisation. Il s’agit d’une chanson à strophe.

Il y a deux parties dans les strophes : A A’ B B’, il faudra donc trouver un système de code avec les enfants pour qu’ils chantent la bonne fin de phrase sur chaque partie. Les lignes mélodiques commencent systématiquement en anacrouse4, il faudra être vigilent à donner un départ clair.


Difficultés à repérerLes principales difficultés résident dans les paroles en langue d'oïl, et le rythme avec l’anacrouse4.

Pour aller plus loin Faire découvrir les instruments médiévaux

aux enfants (harpe, cornemuse, psaltérion, vièle, flûte, rebec, tympanon, etc.) ;

En arts visuels découvrir le manuscrit disponible sur internet, ainsi que des miniatures représentant des musiciens ou des danseurs ;

Découvrir une chanson de troubadour, pour comprendre les différences dans la langue et dans la construction musicale ;

Écrire son propre couplet, sur le thème de son choix.

Ce chant fait partie du répertoire de l’édition 2019 des Scoralies, projet mené par les Cmr. Plus d’infos en page 53.

AnacrousePour que les enfants la respectent bien, on peut les faire taper des mains sur l’anacrouse4 et le premier temps de la me-sure suivante.

DanseOn peut ajouter une version simplifiée de la danse originale, qui est assez complexe, en proposant une farandole sur les quatre premières mesures. Puis la farandole s’arrête et on marque les temps en tapant des pieds (l’un puis l’autre) et la farandole repart.

https://www.lugdivine.com/productions-lugdvine/le-moyen-age-chants-danses-et-instruments-de-musique-detail

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DIFFICULTÉ

Présentation

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Analyse musicale

Clés de lecture

CHANT #10

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Ce conte nous fait le récit de l’histoire d’Antoinette, la poule savante. Cette dernière avait reçu une excellente éducation mais elle s’ennuyait. Un jour, elle croisa la route du Cirque Turluru qui l’embaucha pour le numéro des Poules Savantes. Elle devint célèbre et acclamée dans le monde entier.

Ce chant évoque son éducation et les nombreux avertissements qu’elle recevait chaque jour de sa mère. C’est un chant assez autoritaire.

La compositrice : Isabelle AboulkerIsabelle Aboulker est née en 1938. Artiste prolifique, elle compose pour l’opéra, le cinéma, le théâtre, la télévision. Accompagnatrice, chef de chant, puis professeur auprès des jeunes chanteurs au Centre National Supérieur de Musique et de Danse — dont elle est elle-même issue — elle dédie son activité à l’écriture autour de la voix et de l’opéra à partir de 1981.

Isabelle Aboulker a publié plusieurs ouvrages pédagogiques destinés aux chanteur·euse·s. Son nom est également indissociable d’opéras pour enfants comme Les Enfants du Levant, La Fontaine et le Corbeau ou encore Le Petit Poucet.

Le conte musical : Antoinette, la poule savanteCe chant est issu du conte musical pour chœur d’enfants, récitant et piano : Antoinette, la poule savante. Ce conte constitue le premier volet d’un recueil musical composé par l’artiste en 1978 : Quatre Contes Musicaux pour les Petits. Ces quatre œuvres, évoquant tous l’imaginaire de l’enfance, ont été très appréciées par les enseignants dès leur parution. L’enregistrement d’un CD en 2003 fut l’occasion pour Isabelle Aboulker de composer un cinquième conte.

Une poule bien élevéeIsabelle Aboulker


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Pour travailler ce chant dans le cadre du programme Tous en musique, les établissements scolaires doivent obligatoirement acheter l’album dont il est issu. En luttant contre le piratage, nous participons tous au développement de la création musicale. Pour acheter l’album : isabelle-aboulker.com/discographie.html

Cette fiche pédagogique a été réalisée par Émilie Mailly, musicienne intervenante Cmr.© Fédération nationale des Cmr

Structure du chantCette chanson, relativement courte et accompagnée au piano, comporte deux strophes et une troisième musicalement incomplète. La mélodie13 est identique dans chaque strophe et est basée sur la gamme de ré majeur.

Il y a un vrai jeu avec les intervalles mélodiques. Le tempo23 est rapide, allègre avec des noires, des croches et croches pointées double qui donnent un effet de rebond. Le texte est très articulé et chaque syllabe bien accentuée.

Difficultés à repérerLa difficulté réside dans l’articulation et la rapidité qui donnent l’impression d’une poule qui picore. Le chant permet d’aborder un vrai travail sur le rythme, le tempo23 et l’articulation.

La répétition de la mélodie13 peut rendre l’apprentissage des paroles plus difficile. Cette chanson est écrite autour d’intervalles précis qui se répètent. Il sera donc important de travailler la justesse.

Rythme Faire écouter la pièce plusieurs fois pour bien intégrer la

musique. Se déplacer sur le rythme de la musique en mimant la poule. Faire répéter en parlé-rythmé en installant une pulsation20

corporelle.

ArticulationS’amuser avec des virelangues : le but est de deviner ou de faire deviner le sens d’une phrase qui semble sans queue ni tête. Par exemple : « katreco kécokcro kékatrecro kanteco kille » (quatre coquets coqs croquaient quatre croquantes coquilles). L’apprentissage phrase par phrase devra se faire sur un tempo23 beaucoup plus lent afin de bien mettre en place l’articulation.

MémorisationLes rimes du chant vont aider à la mémorisation. L’apprentissage peut également se baser sur un jeu de questions-réponses. Par exemple le chef chante : « une poule bien élevée », le chœur lui répond : « ne pense pas à s’amuser » à la façon d’un puzzle à reconstituer. Cela développe le chant intérieur.

JustesseCe chant étant écrit avec des intervalles de quintes11 ascendantes, quartes11 descendantes et secondes11, il conviendra de s’y préparer pendant l’échauffement. On commence par chanter chaque intervalle11 en supprimant les paroles, par exemple sur « lou, lou, lou », et demander aux enfants de répéter.


Pour aller plus loin Découvrir la version bilingue français-

anglais par la Compagnie In-Sense ;

Écouter « Poules et coq » extrait du Carnaval des Animaux de Camille Saint-Saëns ;

Travail autour de la poule : décrire la poule, la dessiner, inventer un conte autour de cette poule et raconter ses aventures ;

Découvrir d’autres compositions d’Isabelle Aboulker, par exemple Les Fables de la Fontaine, Cendrillon, ou encore Le Petit Poucet ;

Découvrir les voix de l’opéra avec l’écoute de La Flûte Enchantée de Wolfgang Amadeus Mozart.

https://www.isabelle-aboulker.com/discographie.html

26

DIFFICULTÉ

Présentation

27

Analyse musicale

Clés de lecture

CHANT #11

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La nuit tombe, les enfants ont caché Sam des ramoneurs et de leur gouvernante. Avec l’obscurité, apparaissent les bruits de la nuit. Les oiseaux et leurs chants sont de sortie et avec eux.

L’ambiance est pesante, l’inconnu et la peur se mêlent. Les différents chants d’oiseaux apparaissent tour à tour pour, à la fin, créer une polyphonie19 ornithologique.

La Chanson de la nuitBenjamin Britten


Le compositeur : Benjamin BrittenBritten est un compositeur, chef d’orchestre, pianiste et altiste anglais du XXe siècle. Il est considéré comme un des compositeur·rice·s majeur·e·s de son époque. Son œuvre est essentiellement tournée vers la musique vocale, avec notamment Peter Grimes (1945), Billy Budd (1951) ou encore War Requiem (1962), requiem non liturgique en l’hommage de la cathédrale de Coventry en Angleterre à la suite des bombardements allemands durant la Seconde Guerre Mondiale. Il compose également des pièces instrumentales, comme Simple Symphony (1934), écrite pour orchestre à cordes. Parmi ses nombreuses influences, on peut citer Henry Purcell, qui lui inspire son goût pour la mise en musique de la langue anglaise.

L’opéra : Le petit ramoneurLe petit ramoneur (The Little Sweep) est un opéra pour enfants en trois scènes composé en 1949 dans le cadre du festival d’Aldeburgh. Le texte est d’ Eric Crozier. On y fait la rencontre de Sam, un petit ramoneur qui est forcé de nettoyer le conduit d’une nurserie. Il se retrouve bloqué dans le conduit et crie pour obtenir l’aide des enfants présents dans la maison. Les enfants vont le libérer et organiser son évasion de la maison pour qu’il ne retombe pas entre les griffes des méchants ramoneurs. L’œuvre est écrite pour quatuor à cordes, piano quatre mains et percussions. On retrouve huit enfants solistes, ainsi que trois adultes.

L’album dont ce chant est issu n’est malheureusement plus distribué par son éditeur. Il est donc librement utilisable dans le cadre du programme Tous en musique.

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Cette fiche pédagogique a été réalisée par Kim Parola, musicien intervenant Cmr.© Fédération nationale des Cmr

Structure du chantLe chant s’organise autour d’une mélodie13 qui revient à cinq reprises, ponctuée par l’apparition des chants d’oiseaux. Le tempo est largo23 sur une mesure ternaire20 à 6/8.

Le rythme de noire–croche est omniprésent et n’est cassé que par les interventions des oiseaux. Il en va de même pour les nuances14, la mélodie13 devant être chantée piano19 et de la manière la plus douce possible, et ce pour marquer le contraste entre le calme de la nuit et le chant des oiseaux.

Difficultés à repérerOn repère deux points délicats dans cette chanson.

Tout d’abord l’intonation. Les intervalles varient au sein de la mélodie13, celle-ci se mémorisent bien mais nécessite une grande attention quant à la justesse. L’autre difficulté réside en la réalisation de la petite polyphonie19 finale.

Intonation et rythmeSous forme de jeux vocaux, faire entendre et chanter aux enfants les intervalles de sixte11 mineur et de seconde11 mineur. Le faire à différentes hauteurs pour bien repérer la distance entre les notes. Les insérer avec le texte puis vérifier avec la polyphonie19 finale si les enfants tiennent bien leur voix.

Pour instaurer la rythmique noire croche régulière, faire marcher les enfants au son de la musique en cherchant ce balancement. Il doit être le plus précis, doux et naturel possible. Ajouter le chant en gardant la musique présente ou uniquement l’accompagnement instrumental. Enfin, les faire chanter de manière statique pour vérifier la qualité rythmique.

PolyphonieLa chanson se termine par une courte polyphonie19 à quatre voix. Il est important que chacune des voix soit assurée afin d’obtenir le rendu escompté.

Diviser le groupe en 4, en privilégiant les enfants à l’aise dans une tessiture24 aiguë pour chanter les parties 2 (« kaah ») et 4 (« pink pink pink ») afin qu’ils n’aient pas à forcer leur voix. Travailler les entrées communes : voix 3 et 4 qui s’enchaînent rapidement après la fin de la mélodie13. La voix 2 est la plus simple à mettre en place car sur le temps. Travailler les voix 1 et 2 ensemble en faisant attention à la justesse du do♯. Enfin, mettre en place les 4 voix — sans accompagnement au départ afin que chaque enfant puisse entendre toutes les autres voix.


Pour aller plus loinProlonger l’étude du chant par l’écoute d’œuvres qui peuvent se montrer complémentaires :

L’Opéra à la Lune de Jacques Mayoud sur un conte poétique de Jacques Prévert. Il s’agit d’un autre exemple d’opéra écrit pour les enfants ;

Découvrir War Requiem, un autre opéra de Benjamin Britten ;

Le cœur d’enfants Atchafalaya d’Isabelle Aboulker. L’opéra pour enfants est un univers souvent méconnu, mais qui regorge de très beaux morceaux. Travailler sur l’opéra et l’enfant permet d’en découvrir plusieurs extraits et, de fait, différents styles musicaux.

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DIFFICULTÉ

Présentation

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Analyse musicale

Clés de lecture

CHANT #12

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Le texte de la chanson Toi et Moi invite à deux lectures : l’apprentissage et les réponses qu’offre l’intergénérationnel d’une part, et la joie qui réside dans le partage avec des personnes différentes du fait de leur handicap.

Cet aspect de la chanson prend tout son sens quand on connait la différence de l’auteur-compositeur, étant lui-même aveugle.

Le compositeur : Fabrice RamosNé en 1969, Fabrice Ramos commence dès l’enfance des études de violoncelle. Après avoir été élève au conservatoire de Montpellier, il devient guide spécialisé dans la musique médiévale en pays cathare. Il anime des visites, des classes de découvertes et monte des spectacles autour du patrimoine médiéval dans le Midi de la France. C’est dans ce contexte que différentes rencontres avec des artistes locaux l’amène à composer ses premières chansons pour enfants.

C’est au Moulin des Sittelles qu’il se spécialise dans la création musicale. Ce centre d’accueil, affilié aux Cmr, gère toutes sortes de projets musicaux en direction des scolaires, publics en situation de handicap, séjours de découverte, etc. C’est au contact de ce large public que se confirme son goût pour la création de chansons.

Le spectacle : Drôles de famillesLa chanson Toi et Moi est extraite du spectacle musical Drôles de familles, donné pour la première fois au Moulin des Sittelles. Il met en scène la famille des Dac et celle des Pasdac, qui se distinguent par leurs différences. L’une est rieuse et souple, tandis que la seconde est nettement plus traditionnelle et souvent inflexible. On finira pourtant par leur découvrir de nombreux points communs.

Toi et MoiFabrice Ramos


Pour travailler ce chant dans le cadre de programme Tous en musique, l’artiste met à disposition ce chant contre un don d’un montant de 15 € à l’Association Valentin Haüy, qui visent à soutenir les personnes atteintes déficiences visuelles.Pour faire un don de 15 € : donner.avh.asso.fr/ponctuel/

Cette fiche pédagogique a été réalisée par Fabrice Ramos.© Fédération nationale des Cmr

Structure du chantLe chant est empreint d’une esthétique swing, invitant à la danse légère et, au petit balancement ou déhanchement.

L’aspect staccato22, détaché de chaque syllabe, permet à la pulsation20 assez allante et de division ternaire20 d’installer ce caractère dansant. Les formules rythmiques ne posent pas de difficultés sur l’attaque des temps, mais plutôt sur les finales qui parfois restent « en l’air ».

Les lignes mélodiques des refrains et

couplets ont un caractère différent. Le refrain évolue dans un petit ambitus3 alors que les couplets s’articulent autour d’une première partie arpégée et large d’ambitus3, et d’une seconde partie répétitive sur de tous petits intervalles.

Les instruments de la bande-son font partie de ceux que l’on rencontre souvent dans les musiques jazz : le piano au caractère rythmique, le violoncelle en pizz à la manière d’une contrebasse, l’accordéon propose des contrechants et la batterie distille un petit « chabada » discret et tonifiant.

Difficultés à repérerLe chant comporte deux difficultés principales :

le passage de la voix chantée à la voix parlée ;

la nécessaire mise en mouvements du texte, pour que le sens reste pleinement explicite.

ArticulationLors de l’échauffement vocal, on utilise des virelangues parlés pour stimuler l’articulation nécessaire aux couplets de la chanson. Par exemple : « Trois tortues trottaient sur trois toits très étroits ». Par la suite, inventer une vocalise mélodique sur le texte que l’on répétera assez rapidement au moins cinq fois : « papa, maman ». On pourra faire varier l’exercice en changeant la langue : « opa, oma » en allemand, « yaya, yayo » en catalan, « nonno, nonna » en italien.

Dans le prolongement de ces jeux, travailler le texte des couplets sur une voix parlée en exagérant volontairement le rythme sautillé. L’aspect nerveux et saccadé de l’exercice s’adoucira sans que l’on ait besoin de le demander, dès l’apprentissage de la mélodie13. Il faudra veiller à ce que l’aspect nerveux et sautillé du texte ne disparaisse pas à l’usage.

Expression scénique Demander aux enfants d’illustrer corporellement

le côté dansant et léger du swing, au travers d’at-titudes souples et respectueuses de la pulsation20.

À la fin des phrases musicales, notamment après les points d’interrogation, le chœur peut brièvement se figer à la manière de statues.


Justesse et interprétation des coupletsUtiliser les cinq premières notes du couplet pour en faire une vocalise à transposer 4 fois en montant. L’arpège demande une certaine habileté dans la restitution d’intervalles répartis dans un ambitus3 assez large. La vocalise peut aussi être chantée à l’envers, puis à l’endroit et à l’envers.

Les notes 6, 7, 8 et 9 de la mélodie13 des couplets forment un motif qui peut également devenir une petite vocalise. Les deux vocalises présentées sont les seules zones de la chanson où le phrasé legato12 doit primer. La seconde partie des couplets doit contraster avec le legato12 de la première partie en étant presque scandée. Il est possible de présenter aux enfants les deux symboles qui, sur une partition, préciseront les articulations musicales à interpréter : le point du staccato22 et la liaison du legato12.

Pour aller plus loin Identifier 3 œuvres ou plus qui peuvent se montrer

complémentaires à l’étude du chant :

• Pinetops boogie du BBC Big Band (pour illustrer le swing) ;• Boogie down de Al Jarreau (pour la voix très rythmique) ;• un album des P’tits loups du jazz (pour la couleur sonore).

Citer quelques idées de projets artistiques plus globaux dans lesquels l’apprentissage du chant peut s’insérer (l’écologie, la solidarité, le rêve, la danse, etc.).

https://donner.avh.asso.fr/ponctuel/

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DIFFICULTÉ

Présentation

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Analyse musicale

Clés de lecture

CHANT #13


L’opéra débute avec cette première chanson, qui impose aux hommes, aux animaux, aux éléments même, de se mener une guerre impitoyable. Puis survient une trêve : une harmonie nouvelle se fait entendre. Les animaux réconciliés se rassemblent autour du jeune Orphée.

Ils restent toutefois divisés en deux camps : les optimistes qui narrent ses succès futurs, et les pessimistes qui pressentent déjà la triste histoire d’Eurydice et sa fin tragique.

Le compositeur : Alexandros MarkéasAlexandros Markéas est un compositeur franco-grec de musique contemporaine instrumentale. Issu d’un brillant parcours musical au Conservatoire de Paris et à la Villa Médicis à Rome, son travail se situe au cœur de la musique dite processuelle. Sa musique est une exploration du son à travers la pratique instrumentale, jouant sur la dialectique de l’harmonique et de l’inharmonique, de la périodicité et de l’apériodicité. Artiste résolument contemporain, il inclut dans ses productions musicales des recours au genre théâtral et au multimédia.

L’auteur : Gaël LépingleGaël Lépingle est réalisateur de documentaires, de longs-métrages et metteur en scène. Parmi ses réalisations, il écrit de nombreux opéras, mis en musique par Julien Joubert. C’est avec Alexandros Markéas qu’il collabore pour composer le conte musical Orphée aux animaux.

La Loi de la natureAlexandros Markéas & Gaël Lépingle

Le manuscrit : Orphée aux animauxCette chanson est tirée de l’opéra pour enfant Orphée aux animaux, commande de l’Académie musicale de Villecroze. Il s’inspire du mythe d’Orphée, héros grec qui partit chercher Eurydice aux enfers. Mais ce n’est pas cette histoire que l’opéra raconte ; il parle plutôt des animaux qui entourent souvent Orphée, dans de nombreuses illustrations, et qui semblent subjugués par son chant. L’opéra est composé de plusieurs poèmes mis en musique, et formant des tableaux.

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Pour travailler ce chant dans le cadre de programme Tous en musique, l’artiste met gracieusement à disposition un kit d’écoute et des partitions sur Musique prim : reseau-canope.fr/notice/orphee-aux-animaux.html

Cette fiche pédagogique a été réalisée par Cécile Branche, musicienne intervenante Cmr, à l’appui de l’analyse d’Alexandros Markéas, compositeur de l’œuvre / © Fédération nationale des Cmr

Structure du chantIl s’agit d’un morceau à 3 temps rapide, rythmé et énergique. Le rythme ternaire20 noire–croche donne un aspect sautillant et léger à la mélodie13. La forme du chant : A – B – C (refrain) – A – B – C – D – B – C – E – B – F. La dernière phrase (F), très courte, change de caractère ; elle est plus douce et discrète. Quelques notes au début du morceau donnent le tempo23 et permettent de trouver la note de départ. Par la suite, cet ostinato17 rythmique perdure, en passant par divers instruments, ce qui permet de garder le tempo23 et de respecter le rythme noire–croche.


Difficultés à repérerLe rythme du thème26 est assez répétitif, et facile à retenir, mais il faudra toutefois veiller à ne pas écourter la noire. En revanche, certains mots chantés sur la croche sont écourtés pour permettre de laisser la place à une respiration. Par ailleurs l’ambitus3 est très large, et monte surtout dans les aigus (du do médium au mi bémol aigus) ; il faudra veiller à bien échauffer les voix des enfants grâce à des vocalises. La structure est assez complexe, il faut plusieurs écoutes pour bien la repérer.

Parlé-rythméCommencer par dire le texte en rythme, en insistant sur l’articulation. Pour garder le côté sautillant du thème26, il convient de mettre en valeur la première syllabe de chaque mot, correspondant à la noire du rythme noire–croche. On peut aussi passer par le corps pour ressentir le rythme. Par exemple, les enfants peuvent frapper le rythme dans leur main, et marcher au tempo23. On peut également diviser la classe en deux groupes : l’un qui dit le texte, l’autre qui frappe le rythme.

Préparation vocaleReprendre le rythme noire–croche sur des « sss », ce qui permettra de réveiller le soutien. Travailler sur différents intervalles présents dans la chanson, sur différentes voyelles. Par exemple : ré – mi – ré – do sur « mo », puis do – la – sol (mélodie13 descendante) sur « vi », puis do – sol sur « za ». Pour chaque vocalise, monter progressivement du do médium au mi aigu, ton par ton.

ApprentissageÉcouter plusieurs fois le morceau, et en repérer la structure. L’apprentissage peut se faire dans l’ordre des parties : A – B – C – D – E – F. Une fois les premières parties A et B apprises, on peut les rechanter avec les textes des parties A et B suivantes. La dernière phrase (F), arrive après un pont instrumental, on peut écouter le pont pour repérer le changement de caractère et travailler la phrase dans un tempo23 lent.

Pour aller plus loin Découvrir le mythe d’Orphée et ses

représentations dans l’art, tel que Paysage avec Orphée et Eurydice de Nicolas Poussin, Orphée descendu aux enfers pour demander Eurydice ou la musique de Jean II Restout ou Lamentation d’Orphée d’Alexandre Séon ;

Travailler sur des paysages sonores d’éléments de la nature :• le vent : variation du souffle, pots en plastique

frottés à l’envers sur la table,• la pluie : bâton de pluie, toute la classe dit le mot

« dep » en chuchotant, son index droit dans sa main gauche, plus ou moins fort,

• l’orage : boite à tonnerre, plaque de métal souple qu’on ondule au sol.

https://www.reseau-canope.fr/notice/orphee-aux-animaux.html

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DIFFICULTÉ

Présentation

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Analyse musicale

Clés de lecture

CHANT #14

Edi

tion

Pet

ers

Rob

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rem

et

L’œuvre est pensée comme un sketch musical où la partition est représentée sous forme de bande dessinée. Ainsi, c’est sans note de musique qu’il est possible de suivre l’histoire chantée.

Toute l’étendue vocale est exploitée, passant du grave à l’aigu. Il en va de même pour l’intensité sonore (du murmure au cri). Son objectif : donner l’impression d’être plongé dans une planche de comics américain.

StripsodyCathy Berberian


La compositrice : Cathy BerberianCathy Berberian est une célèbre cantatrice américaine. Née dans le Massachusetts en 1923 de parents arméniens, elle montre très jeune un intérêt pour la musique et la danse traditionnelle arménienne, mais également pour l’opéra. Elle poursuit ses études à Paris, puis Milan, où elle rencontre Luciano Berio, compositeur italien avec qui elle se marie en 1950. Berio écrira plusieurs œuvres pour elle, telles que Folk Songs, Sequenza III. En 1967, Cathy Berberian crée Beatles Arias, une retranscription de douze musiques des Beatles dont l’accompagnement change afin d’intégrer les codes musicaux de l’époque baroque.

Outre Stripsody, la cantatrice compose Morsicat(h)y, une œuvre pour piano à une main qui utilise le code morse. D’autres compositeurs tels qu’Igor Stravinsky et John Cage écriront pour la voix de Cathy Berberian, faisant de la mezzo-soprano une des plus grandes figures du chant de son époque.

L’œuvre : StripsodyDécrivant son œuvre, Catherine Berberian déclare : « Stripsody est un collage d’onomatopées qui sont dans les bandes dessinées auxquelles j’ai redonné leur son ». Il s’agit de la première composition de l’artiste, qui nous plonge dans son enfance et ses lectures. L’univers qui en ressort est haut en couleur et d’une richesse vocale et sonore sans égal.

Pour travailler ce chant dans le cadre du programme Tous en musique, les établissements scolaires doivent obligatoirement acheter l’album dont il est issu. En luttant contre le piratage, nous participons tou·te·s au développement de la création musicale. Pour acheter l’album : fr.schott-music.com/shop/magnificathy-no93341.html

Edi

tion

Pet

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Cette fiche pédagogique a été réalisée par Kim Parola, musicien intervenant Cmr.© Fédération nationale des Cmr

Structure du chantLe chant, tel qu’interprété par l’artiste, est a capella1. Sans paroles à proprement parlé, le texte est constitué d’onomatopées et d’imitations : des animaux (vache, poule, chat, moustique, etc.), des objets mécaniques (pendule, avion, radio, mobylette, etc.), des personnages (Tarzan, petite fille, etc.) ou encore des gestes et actions (marcher, chanter, soupirer, crier, etc.). Sur la portée, la ligne du bas représente les graves, celle du milieu les médiums et celle du haut les aigus.

Le chant est ainsi dans une forme libre. Les vitesses, les hauteurs9, les rythmiques sont propres à chaque interprète suivant son ressenti.

Difficultés à repérerLa difficulté majeure de cette œuvre vient du fait de sa grande richesse vocale. Il est important de varier les hauteurs9, les tempi23, les rythmiques, les techniques vocales utilisées (voix parlée, chuchotée, d’opéra, criée). Un jeu entre la voix de poitrine29 et de tête30 est également nécessaire.

Explorer sa voixMettre les enfants en cercle et faire passer un son représentant une des illustrations de la bande dessinée accompagnant le chant.

Il est possible de jouer par principe d’imitation ou de les inciter à varier les hauteurs9 des sons, la vitesse ou encore l’intensité. Il est intéressant de transmettre un témoin (un crayon par exemple) afin de transmettre la parole au voisin. Suivant l’effectif de la classe, ne pas hésiter à faire deux ou trois cercles afin de réduire les temps d’attente.

Faire vivre l’histoireUn enfant propose une interprétation d’un son et tous les autres le répètent à l’identique. Puis, un autre enfant le propose avec une vocalité, une vitesse, une manière de chanter différente et est repris par le groupe. Chaque enfant pourra ainsi s’approprier une manière de chanter le son.

On pourra par la suite choisir la façon qui convient le mieux au groupe afin de chanter ensemble une succession de sons.

Bande dessinéePour compléter le travail du chant, il est intéressant de s’attarder à l’écriture et l’interprétation d’une bande dessinée en classe, sur le modèle de celle qui accompagne le chant.

Pour ce faire, choisir une thématique proche des enfants (les sons de la forêt, les bruits de l’école, etc.) et l’écrire à la manière de Stripsody. Définir les sons avec les enfants, les dessiner et chercher comment les mettre en musique. Il faut veiller à garder la richesse vocale de la pièce originelle.


Pour aller plus loinProlonger l’étude du chant par l’écoute d’œuvres qui peuvent se montrer complémentaires :

Folk Songs de Luciano Berio, pour la richesse culturelle des musiques traditionnelles ;

Circlesongs 5 de Bobby Mcferrin, pour repérer les sons qui apparaissent, disparaissent et s’étendent progressivement à l’ensemble du groupe de chanteurs ;

Beatles Aria de Cathy Berberian, pour comparer les différences musicales (rythmiques, instrumentales) entre les versions originales et les retranscriptions.

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DIFFICULTÉ

Présentation

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Analyse musicale

Clés de lecture

CHANT #15


Slip

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Jack

Cette chanson célèbre la spécificité du printemps : le renouveau, la croissance, le retour à la vie après la période hivernale. On peut imaginer qu’elle est interprétée au solstice d’été, période où les jours sont les plus longs.

La gaieté et l’enthousiasme sont suggérés par le rythme, par la formule « Sing cuccu » sans cesse répétée. Il s’agit du premier double canon6 connu de l’histoire de la musique.

Les interprètes : The Hilliard EnsembleThe Hilliard Ensemble est un quatuor vocal britannique spécialisé dans l'interprétation de la musique ancienne et contemporaine fondé en 1973 par Paul Hillier, Paul Elliott, et David James. Le nom du quatuor est un hommage à Nicholas Hilliard, un peintre miniaturiste de l'époque élisabéthaine.

Le manuscrit : Harley 978Ce manuscrit vient de l'abbaye de Reading, bien qu'il ait pu être écrit ailleurs. Son compositeur est inconnu (des soupçons se portent sur la personne de W. de Wycombe, compositeur et copiste médiéval anglais) et l'on estime que le document date d'environ 1260.

Le manuscrit se trouve de nos jours à la British Library, à Londres. Il est écrit en moyen-anglais, plus précisément en dialecte du Wessex. Il contient d

pour des ÉlÈves de cycles 1, 2 & 3 repÈres ......carla bley. on peut aussi l’associer à un...

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