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Aquafan#9Juan Francisco Casas

Bellice Magazine Magazine Cultural Digitalnu

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Juan Francisco Casas El maestro del boli Bic.pag. 8

Emilio Subirá Filosofía y plasticidad.pag. 26

Además: Reportaje “Gioconda Project”, webs de interes, galería...

Dirección creativa y editorial: Alberto Chao Redacción: Alberto Chao, Belén Moreno, Rafael Castaño Domínguez Asistencia de redacción: Alberto Chao, Belén Moreno, Isabel Carmona Burgos Publicidad: Alejandro Landero Fotografía: Isabel Carmona Burgos Maquetación: Alberto Chao, Avel Valls Muñoz, Belén Moreno, Portada: Fotografía cedida por Juan Francisco Casas, “Aquafan#9”. Agradecimientos: Francisco Javier Rodríguez Cuevas (Desarrollo y mantenimiento web), Oye Cerodoce (Diseño “Línea 1”) Editado por: Bellice Editorial. Virgen de las torres, 10. 41010. Sevilla, España. Bellice Magazine ISSN 2255-5927

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Nº02 Enero 2014 Revista On-line:

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Los artículos, anuncios u opiniones de los entrevistados o colaboradores, no expresan necesaria-mente la opinión de Bellice Editorial. Esta publicación no puede ser reproducida, ni en todo ni en parte, ni registrada en, o trasmitida por un sistema de recuperación de información, en ninguna forma, ni por ningún medio, sin autorización previa por escrito del editor, Alberto Chao. Todas las fotografías e ilustraciones que contiene el magazine, están publicadas con el permiso de sus res-pectivos autores.

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Webs de

interes n6

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Vide

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Hay muchas maneras de hacer un videoclip. Pero esta –creemos– es nueva: hacer un

videoclip infinito. Eso es lo que se ha hecho con una de las canciones más famosas de la historia: Like a Rolling Stone. El concepto es sencillo: la canción se emplea como banda sonora de diferentes escenas. Cada una de esas escenas, presentadas como hipotéticos canales de televisión, tiene la misma duración que la canción: un partido de tenis, un des-file de moda, un concurso, un documental, una comedia romántica, un telediario eco-nómico. Y todos los actores y presentadores mueven los labios al ritmo de la música. Con una sincronización perfecta. Dicen lo mismo que Dylan, con la voz de Dylan. Y lo mejor de todo: podemos cambiar de canal cuando queramos, sin que la canción sufra ningún tipo de corte. Pues eso: un videoclip infinito. Sin darnos cuenta, vamos escuchando una y otra vez un tema de casi siete minutos como si durara un instante. Y comprobamos que la música y la imagen generan un produc-

to nuevo. La misma letra suscita diferentes pensamientos y emociones si la escuchamos mientras vemos a unas compañeras de piso tirarse los trastos o si vemos un programa de cocina, o a dos vendedores intentando endosarnos una aspiradora portátil. Pero aún hay más: ¿es posible que si empleamos la misma combinación de imágenes en dos días distintos, las visiones no sean las mis-mas? Por supuesto. Ese es el principal logro de este experimento: que nos demos cuenta de que no importa lo que veamos o leamos o escuchamos; nunca se escucha la misma canción, aunque parezca siempre la misma. El mismo principio vale para el arte más fi-gurativo y el más abstracto. El verdadero sig-nificado de todo lo llevamos siempre dentro. video.bobdylan.com/desktop.html g

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Webs de interes

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Actualmente CGTextures, se esfuerza por ser el mejor sitio de texturas del mundo,

contando con una base de datos de más de 103.600 imágenes disponibles en descarga gratuita, que crece día a día. Lo cierto es, que lo sea o no, es una de las mejores elecciones, en lo que se refiere a descargas gratuitas de texturas y fondos de pantalla. Buena prue-ba de ello es, que sus texturas se han utiliza-do en creaciones graficas de alto perfil, como Assasins Creed, Quake Wars : Enemy Territory, Grand Theft Auto 4 y Killzone 2.La web, se caracteriza por ofrecer un material de alta calidad, ya que trabaja con un selecto grupo de fotógrafos que emplean los mejores equipos y veteranos ya, en el mundo de la fotografía de texturas. Todo esto se suma a una página con excelente navegación y orden, que nos permite encontrar fácilmente, el tipo de textura deseada. Estas se presentan en tres tamaños diferentes para su descarga: Small (800×600 px), Medium (1600×1200 px) y Large (2240×1680 px).Además, CGTextures, cuenta con una sección

galería en la que podemos contemplar la gran cantidad de trabajos de diseño 3D, ilustración…etc, realizados por los propios usuarios, con el material ofrecido por la web. Como colofón, la pagina se complementa con un completo apartado de tutoriales, que abar-can desde como tomar una buena captura, cambio de color de diferentes texturas, tipos de fusión, consejos para conservar mascaras alpha… y demás.Las formas de pago de CGTextures, se resumen en tres paquetes básicos: Normal, que tiene una limitación de descarga de 100 megas al día por un precio de 59€ al año. Extra, con una limita-ción de descarga de 250 megas al día, por un precio de 119€ el año y la Corporate, con una limitación de descarga de 750 megas al día y por un precio 249€ año. Se podría pensar que la página solo va des-tinada a los trabajadores del ámbito 3D, pero las imágenes que contiene, pueden ser em-pleadas en diferentes círculos del diseño y creación grafica. g

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Juan Francisco Casas. Likingvesalius#1.

Juan Francisco CasasEl maestro del boli Bic.Por: Alberto Chao, Isabel Carmona Burgos.

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Juan Francisco CasasEl maestro del boli Bic.

-En primer lugar, darte las gra-cias, por prestarte a realizar una entrevista para nosotros. Te agra-decemos, de veras, tu atención. Con-sideramos un privilegio el que nos concedas una porción de tu tiempo. En primer lugar comenzaremos con lo más llamativo al observar tu obra. El uso magistral del bolígrafo bic azul. Herramienta inusual en la creación ar-tística y en apariencia más relacionada con la escritura, que combinas con la inmediatez y espontaneidad de la foto-grafía. ¿Cómo surgió esta idea? En un ámbito más trascendental, el bolígrafo azul nos remite a la analogía del men-saje y la narración. Relacionándolo con lo permanente e indeleble de su tinta y la inmediatez de su ejecución, nos pre-guntamos ¿Esta relación hace referen-cia a una captura de instantes autobio-gráficos, como si de una narración de recuerdos se tratara?

Por supuesto. El uso del bolígrafo creo que constituye una relación de coherencia con lo representado, no sólo con lo autobiográfico, sino también con lo cotidiano, incluso lo do-méstico: mis fotos son espontáneas, rápidas, sin técnica ni preparación, tan inmediatas como el uso de un boli que tienes a mano siempre en casa. El bolígrafo Bic es el medio más cotidiano que todos usamos, igual que las fotos cutres de fiesta hechas con un flash a las tantas de la noche.

En realidad, la temática de mis obras empe-zó hace unos 15 años con obras de gran for-mato y de óleo sobre lienzo. En las que que-ría rescatar esos momentos de la banalidad, dotándolos de la importancia que merecen

a través del esfuerzo consciente de reali-zarlos pictóricamente y a un formato que inconscientemente nos retrotrae a la pintu-ra de historia. Mucho después vino el boli, a dar un plus de coherencia a la obra, pero en realidad, esos momentos, falsamente banales, al final constituyen lo que somos, no tanto por el hedonismo de la juerga en sí, si no porque lo que nos forma como personas son las relaciones y los recuerdos que tenemos de esos momentos efímeros y pasados de felicidad con las personas que algún momento amamos.

-En lo concerniente a la temática, sue-les decantarte por momentos cotidia-nos salpicados de felicidad y diversión pícara, en compañía de amigos. Como tú mismo mencionas, una magnifica-ción de la fotografía de aficionado. ¿Es posible que este tipo de temáticas, algo más banales, hagan las veces de puen-te hacia un acercamiento más directo con el espectador? De ser así, ¿Piensas que tu obra sirve tanto de canal de ex-presión del artista, como de reflejo de la realidad del propio espectador?

Hay sin duda una identificación empática con lo representado y eso es, creo lo que ha enlazado con el espectador en primer momento, más que el tema del uso del bo-lígrafo. De hecho, el bolígrafo es como el cebo, que llama la atención en un primer momento, pero es la temática la que es realmente el anzuelo que hace al especta-dor interesarse por la obra. De hecho, no creo que si pintara, por ejemplo, paisajes realistas a bolígrafo mi obra hubiera tenido tanta repercusión. En uno de los textos fa-voritos sobre mi obra, el periodista Daniel Capó se refiere a esa identificación califi-cando a mi obra como “la mirada de toda una época que, en cierto modo, también es la mía. […] La obra de Casas refleja la sole-dad metafísica de sus protagonistas a tra-

Por: Alberto Chao, Isabel Carmona Burgos.

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Juan Francisco Casas. ReadymadeIrene

vés del jadeo casi sexual de unos cuadros que quieren quebrar el silencio, fracturarlo para que, a través de sus grietas, penetre la luz. Son cuadros sobrecogedores por-que el nihilismo se encuentra allí como un gemido inconsciente, como un anhelo, a menudo truncado, de amor. El uso obsesi-vo de la tinta azul del Bic funciona también como una plancha nítida y depurada de la realidad; una realidad cotidiana, sucia, intrahistórica en el sentido que Benjamin le daba a los grandes relatos. Quiero decir

que para Casas no somos pobres en historias memorables, sino que los relatos de nuestro tiempo se narran en la soledad cotidiana: una noche de alcohol, un rostro desconocido en la barra de un bar, los ojos de una amante que quizás no volvamos a ver.” Creo que es un magnífico resumen.

-En “Ready made Irene (2012)” haces un claro guiño/ready-made a la obra “Fountain” de Marcel Duchamp. ¿Tie-ne algo que ver con la critica a la insti-tucionalidad y el fetichismo artístico, al que Duchamp hacía referencia en dicha obra?¿Qué significado tiene el versionar este trabajo para ti?

En mis obras es muy importante siem-pre el humor y la ironía, especialmente sobre el arte y todo lo que le rodea. Duchamp firmó un urinario y yo he fir-mado lo que orina; Duchamp usó una firma falsa y yo también usé una firma falsa, la suya; Manzoni firmó mujeres con su nombre y yo he firmado una mujer con el falso nombre que usó Du-champ; es todo un juergo irónico sobre la autoría de la obra de arte, la identi-dad y la autenticidad.

-En relación con la pregunta anterior, y como cuestión de rigor, ¿quiénes consideras que son los referentes ar-tísticos de tu trabajo?

Muchísimos. Fotógrafos, pintores, des-de Frans Hals hasta Wolfgang Tillmans, y Erwin Wurm, Luc Tuymans, Gerhard Ri-chter… La lista es interminable.

-Atendiendo a un aspecto más perso-nal e intimista, del propio autor, ¿po-drías desarrollar en más profundidad que es para ti tu obra?

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Juan Francisco Casas. Serie “Ishartobeananartist/TheDanishAbuse”

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Juan Francisco Casas. Serie “AftherTheArtFair”.

Me interesa el contraste entre la ortodoxia académica, que sólo existe en su carga mimé-tica, y el uso de medios como el bolígrafo; la elección de temas carentes de la menor trascendencia, entendida en términos con-vencionales; la imposibilidad de extrapolar ciertos conceptos desde la esfera de lo real a la esfera de lo artístico: lo banal se convier-te en trascendente dentro del espacio pinta-do; el “hedonismo doméstico” ; la ironía de la labor artística; los momentos puntuales, de manera separada e independiente del contexto en el que se produjeron; el retra-to entendido como un soporte y un medio, pero no un fin. Las caras y los cuerpos de otras personas como medios para contar mi

propia vida… Siempre me interesó la esté-tica de las imágenes que todos tomamos de casa, de nuestra vida, precisamente por esta falta de estética, de pretensiones, por la rapidez e inmediatez y por lo que tiene de real y de vivo, por lo que tiene de deseo de congelar para siempre un momento de felicidad, de tenerlo y detenerlo para siem-pre. Un fracaso irónico, pues ese momento siempre pertenecerá al pasado.

-Conceptos como el hiperrealismo, o al menos el realismo, son una pieza principal en el desarrollo de tu tra-bajo. Coméntanos, tu uso de los mo-delos y tu relación con los mismos.

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No me interesa el hiperrealismo especial-mente y creo que se abusa del término. Desde luego mis dibujos tienen una apa-riencia real y parto de fotografías, pero no me obsesiono con el resultado, para mí el realismo es un medio para expre-sarme, no un fin en sí mismo.

-Como tu bien dices, solo una pe-queña parte de tu obra se basa en el desnudo femenino, sin embargo, nos gustaría saber cómo empezaste a trabajar este tipo de temáticas ¿La inspiración fue repentina, o por el contrario corresponde a una esmera-do propósito?

Respecto al desnu-do, supongo que en-

lazo con una tradición clásica de representación

del desnudo femenino, tradición que por otra par-

te tiene unos 40.000 años, así a este respecto no creo que se

proponga nada nuevo. Me interesa la idea de representación pictórica tradicional de la mujer, el contraste que supone la nueva imagen de la mujer desde el punto de vista del hombre y cómo, a lo largo de la historia del arte, el sentido de ser de la mujer en su representación artística es suplantado por el hecho de ser apreciada como tal por otro. Evidentemente, las convenciones que han dado lugar a estos esque-mas representativos no están supe-radas, aunque sí están siendo quizá replanteadas. Hasta hace relativa-mente poco, nacer mujer ha sido na-

cer para vivir en un espacio, bajo unos comportamientos y una imagen asigna-

dos por el hombre y por ello las representa-ciones pictóricas de éstas también estaban codificadas y planteadas según dichos pa-rámetros. Así, en las obras de arte tradicio-nalmente el papel de los hombres era muy diferente al de las mujeres, así como su fin. Mientras que en la representación del hom-bre se plasma la imagen que éste quiere trasmitir, la representación de la mujer es la imagen que el hombre quiere que ésta ten-ga. Es una imagen subordinada: en palabras de John Berger, en las obras “los hombres actúan, las mujeres aparecen”. La imagen de la mujer ha sido continuamente examinada desde fuera. Su propio sentido de ser ella misma ha sido suplantado por el sentido de ser apreciada como mujer por otro. Las mu-jeres en mis obras no sólo actúan, sino que además actúan como ellas quieren, es de-cir, los parámetros de la representación de

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su imagen son establecidos completamente por ellas como definición de su propia iden-tidad y en relación a ser presentadas dentro de una obra de arte. También tiene mucho que ver lo que suponen dentro de mis pro-pias circunstancias biográficas. En muchas ocasiones, como parte de mi proceso, es la propia modelo la que elige cómo quiere ser representada e, incluso, la imagen final.

-Todas las modelos que intervienen en tus trabajos son atractivas, sin imper-fecciones en la piel, ajustándose al es-tereotipo de canon de belleza actual ¿Maquillas de alguna manera la reali-dad, o acaso eliges aquella que quieres representar?

Las personas que represento son mis ami-gos y la gente que me rodea, obviamente tienen mi edad, si son hermosas supongo que es mérito de sus padres y de que la suerte de que sean mis amigas, pero son personas normales, no hago castings ni trabajo con modelos profesionales ni nada parecido.

Respecto al canon de belleza que dices, no creo que sea así: si abres una revista de moda no creo que tenga que ver mucho con lo que represento. Yo creo que retrato las mujeres que me rodean, jóvenes y be-llas, por supuesto, pero ante todo norma-les. Hay que dejar de obsesionarse con las mujeres de photoshop y pasarela: la belleza real nos rodea, sólo hay que tener ojos para verla.

-En lo referente al desnudo femeni-no y a la carga erótica que este puede contener, tu obra ha sido clasificada, por algunos, de machista y ha recibi-do comentarios en redes sociales casi censores. ¿Qué opinión te merece, que ciertos espectadores, tengan esta visión de tu trabajo?

Es un tema delicado, por supuesto, pero en mi opinión, lo único verdaderamente ma-chista es pensar que las mujeres no son lo suficientemente adultas como para decidir salir en una obra de arte como les de la real gana. No creo que en el siglo XXI las muje-res necesiten ser tuteladas como si fueran menores de edad por los guardianes de la moral políticamente correcta o por un fe-minismo anticuado. En mis obras ellas son libres para hacer lo que quieren. Pretender que no lo sean es el verdadero machismo.

Como he dicho mis modelos son mis amigas, con las que tengo una muy especial relación de colaboración y de intercambio de ideas para las obras. Ellas en todo momento eli-gen como son representadas. No impongo mi visión y en muchas ocasiones ellas vienen ya con la idea bien clara de lo que vamos a hacer en la sesión fotográfica, que general-mente es un juego y es parte importantísi-

Juan Francisco Casas. Click #5.

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Juan Francisco Casas. Click #6.

ma de mi obra final. Una vez una amiga, al ver el resultado me dijo “gracias por dejarme expresarme” y creo que ese es el resumen y éxito, al menos para mí, de mi trabajo.

Respecto a la censura, pues resulta molesta, pero uno aprende a vivir con ello. Facebook me censura y bloquea constantemente, You-tube elimina sistemáticamente los videos que alguna gente cuelga sobre mi obra, mi web está bloqueada en Arabia Saudí, Omán, Yemen, Qatar, etc. y hasta en España, Cer-vezas Brabante se negó a patrocinar la pre-sentación de mi libro por considerar mi obra escandalosa. Es lo que hay, pero no voy a dejar de hacer lo que hago por eso.

-Repasando tu trayectoria, nos llama la atención la cantidad de concursos y becas con las que has sido favorecido. Esto demuestra el gran trabajo de difu-sión, que en un primer momento hacías

de tu obra. Actualmente, ya como artis-ta reconocido, ¿Continúa esta dinámica o son más las ofertas recibidas, que las buscadas?

La mayoría de los premios importantes fue-ron curiosamente con mi obra pictórica. Ahora es cierto que la dinámica es otra, ya no me presento a concursos desde hace muchos años; el trabajo no me deja mucho tiempo libre y desafortunadamente tengo que decir que no a muchas propuestas.

-Muchos de nuestros lectores, estudian o pertenecen al grupo de nuevos crea-dores. Como artista dedicado, aunque no lejano a las primeras incursiones, ¿darías algunos consejos a las personas que están dando sus primeros pasos en este mundo?

Son momentos difíciles para el arte espe-cialmente y más especialmente en España, dónde el coleccionismo es casi nulo, y no se puede aconsejar nada más que los típicos y tópicos: trabajo, confianza en lo que haces y no desfallecer.

-Para terminar, y agradeciéndote mu-cho tu colaboración, comentamos cuá-les son tus próximos proyectos y expo-siciones.

Aparte de ferias y demás exposiciones co-lectivas el próximo. El 10 de abril se inau-gura una exposición individual, la 12ª en mi carrera, en la Galería Fernando Pradilla de Madrid. Su título es (A)UTOPIC y será una especie de juego especular sobre la autorre-presentación y las redes sociales. g

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Bellice se presenta como un territorio común, una esfera en torno a la cual giran los traba-

jos y las propuestas de artistas y asociaciones que desean exponer su obra de forma gratui-ta para mostrar al mundo su talento, su técnica y sus capacidades. Esta es la razón por la que Bellice ha fundado una galería virtual, de la que podemos formar parte todos aquellos que dedi-camos nuestro esfuerzo y tiempo a la creación. un espacio nuevo para difundir las composicio-nes y acciones artísticas a las que nos venimos refiriendo.Un espacio expositivo en el que nosotros mis-mos, el equipo de Bellice, nos involucramos, participamos y compartimos. Nuestra iniciativa nace de una necesidad y una oportunidad, que

nosotros mismo hemos buscado y solicitado, y hoy por hoy, queremos ofrecerla a los demás. Queremos brindar nuestra galería, a modo de plataforma de promoción virtual, en la que im-pulsar el trabajo de jóvenes artistas, que se me-recen un reconocimiento, y una divulgación de la labor que llevan a cabo. Esta galería, formada por las colaboraciones de artistas de todo tipo, sin importar la disciplina ni el género que cultiven, tiene un carácter trimes-tral y un máximo de cuatro obras por usuario. Así pues, cada tres meses las imágenes de los trabajos de los creadores serán publicadas en los diferentes números de “Bellice Magazine”. Y no solo nos quedamos ahí, ésta es nuestra ma-nera de descubrir nuevos talentos, nuevos artis-

OYE CERODOCE LÍNEA 1

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tas, con los que no solo confeccionamos una de nuestras secciones, como es el caso de la “ga-lería”, a la vez buscamos nuevos protagonistas para nuestras entrevistas o demás publicaciones.Pretendemos, de esta manera, dar un sentido y una finalidad a las obras de los artistas cola-boradores, agrupándolas y mostrándolas a un público especifico interesado en ellas. Ofrecien-do el uso final al que esta predestinada la obra: La exhibición o la muestra de cara al público, en formato revista, como producto visual que al fin y al cabo es. De esta manera, tratamos que las obras, convivan tanto en nuestro magazine, como en nuestra galería, dando al proyecto un sentido social y de punto de encuentro de los interesados en la materia. Dando un sentido más

amplio a nuestra web, que el de un mero porfo-lio contenedor de obras de artistas.Bellice no se queda con los derechos de ninguna de las obras publicadas por los diferentes artis-tas que colaboran con nosotros, al igual que no nos beneficiamos de ninguna de éstas. Llevamos a cabo esta iniciativa para que tanto los artistas que están empezando o quieren colaborar se den a conocer en otros ámbitos, sea en la red, en nuestras publicaciones vía online o en un fu-turo impresas.Colaborar y aparecer en nuestra plataforma web, es tan fácil como registrase y una vez estés re-gistrado podrás subir los trabajos que quieras a nuestra Galería. No pierdas tiempo y regístrate ya en www.belliceeditorial.com g

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www.belliceeditorial.com

GIOCONDAp r o j e c t

“Gioconda Project” se presento al público en Octubre de 2012 y durante todo un año ha recogido la participación de más de 200 artistas de diferente índole, con proceden-cia de 51 países diferentes. La acogida del proyecto y la amplia difusión en el campo de las artes graficas y la ilustración ha sido espectacular, unas 220 obras componen esta afable propuesta. Por eso y en recom-pensa a la gran iniciativa llevada a cabo por su

promotor Pablo Jurado Ruiz, este mes Bellice Magazine quiere dedicarle este espacio con todo el respeto y admiración que se merece, por regalarnos a todos tanta belleza y talento bajo un mismo proyecto, del que nos senti-mos orgullosos de presentaros y hermanados por ese carácter colectivo y divulgativo, don-de el talento y la calidad se sobreponen a la ambición económica y el renombre personal.

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Por: Belén Moreno.

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Pablo Jurado Ruiz, natural de Málaga, reside desde hace años en Madrid donde trabaja

actualmente como director creativo. Tras dedi-car sus estudios y formación al marqueting y la publicidad, a día de hoy carga a su espalda una amplia experiencia profesional centrada en campañas, estrategias, concursos, deadlines...

Aun así, de forma paralela nos sorprende con su faceta como ilustrador, que teniendo presente su calidad, no podemos apartar a un segundo plano. El sentimiento y la sutileza invaden las composicio-nes de Pablo, donde sin florituras ni complicacio-nes nos habla sobre la sencillez del ser humano, sobre el amor, el desengaño o la infancia “como si se tratara de una metáfora de la vida” .A la hora de afrontar “Gioconda Project”, un proyecto donde aúna ambas facetas profesionales, su autor nos confiesa que pensó primero en el propósito y elaboró a posteriori el proyecto.

“Gioconda Project” se presenta como un experimento artístico, donde creadores de todo el mundo realizan su propia versión del famoso cuadro de Leonardo Da Vinci “La Gio-conda”.

La universalidad de esta obra en sí misma, casa a Project” considera ser solo el vehículo para poner en marcha el proyecto, un proyecto que cree y aboga por la colaboración.

Las nuevas tecnologías, la comunicación globali-zada y la accesibilidad y visibilidad de nuevos ta-lentos y creadores, ha sido un pilar fundamental. El propósito de Pablo era reunir bajo un mismo mo-tivo y experiencia, todo ese talento que día a día le sorprende al explorar la red “admiro a muchos artistas internacionales y con algunos tengo una relación (virtual) muy gratificante […] mi idea era romper todas las fronteras y juntar diferentes esti-los, nacionalidades, culturas... y demostrar que el arte no tiene fronteras”.

Es un acercamiento al mundo del arte contempo-ráneo. El arte contemporáneo visto desde la con-

temporaneidad del ahora, lejos de las pre-tensiones artísticas de estilos idolatrados por su modernidad, como la abstracción.

Este proyecto personifica realmente el ahora. Una era donde priman las influencias del arte urbano, el diseño y la ilustración. Donde la era digital se abre camino, cobrando esa catego-ría de obra artística que aun es tan difícil de defender entre algunos círculos. Sin desme-recer las técnicas tradicionales, también muy

presentes entre los colaboradores. La diversidad de artistas y disciplinas es una de las claves de su éxito.

Existen Giocondas para todos los gustos y colores, desde la pintura más clásica al oleo, pasado por el fotomontaje, la vectorización o la escultura, hasta la construcción icónica de la Gioconda, llevada a cabo a partir de elementos alimenticios, como macarrones, canela en rama o azúcar.

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L participación y colaboración ha estado abierta a todos los públicos, sin importar el

estilo o la disciplina, el objetivo principal era que los artistas representasen la esencia de la Gioconda. Los artistas podían presentar un máximo de tres obras en diferentes técnicas de su elección. Con el único requisito de que fuesen creadas por los mismos artistas. Des-cartando retoques simples con Photoshop o retoques fotográficos sobre la obra original de La Gioconda.

Se buscaba la multidisciplinaridad tanto técnica como estilística. Y así ha dado sus frutos, con una amplia diversidad en la que priman el talento, la creatividad y los contrastes. A demás de la satisfac-ción y el gozo de trabajar de forma colectiva “Gio-conda Project” ofrece a los jóvenes talentos una divulgación y promoción que no solo es gratuita, más importante aún, es internacional.

En la actualidad, y hablando desde nuestro país, esto se ha convertido en algo necesario. La in-dividualidad y el egocentrismo no aportan nada en una época en las que las oportunidades es-casean. Apostar por la unión y la cooperación es clave fundamental del progreso y el existo en ámbitos artístico-contemporáneo.

Entre los artistas colaboradores destacan perso-nalidades tanto del ámbito nacional como in-ternacional, donde vemos relucir nombres como Olivier DZO, Cheko, Sungwon, Bruno Vergauwen, Naranjalidad, Marta Bielsa, Ariana Pérez, Anto-nio rodrigues Jr, Rahaf Dk Albab, June Leeloo, Or-lando Arocena, Melody Newcomb, Vincent Roché, Dang Duc Viet, Lena Klyukina, Raiber González, Omar Shammah, Jonay Bacallado, Nicolás Cas-tell, Kerby Rosanes y un largo etcétera de artis-tas admirables, de los que más allá del reconoci-miento, destaca el talento que han ofrecido y que los ha unido bajo esta misma experiencia.

Sin embargo, las colaboraciones han traspasado el límite de la individualidad, sumándose a la inicia-N

tiva diferentes colectivos. Como es el caso de la galería de arte “Modern Eden Gallery” San Francisco (Estados Unidos), que ofreció y cola-boró con varios de sus artistas representados. Entre los que encontramos la participación de Paolo Petrangeli, Pascal Leo Cormier o Wendy Gadzuk entre otros.

Por otro lado contamos con la hermosa par-ticipación de dos escuelas. En primer lugar destacamos la iniciativa llevada a cabo por la maestra Andrea Delgue Arguello en la Escue-la Pública de Primaria South Street, Newark – New Jersey, USA. Andrea, amiga y seguidora de “Gioconda Project” decidió incluir en una de sus clases un proyecto creativo vinculado con La Gioconda.

En este los niños, al igual que los artistas que ya habían participado en el proyecto, realiza-rían su propia versión del famoso cuadro a partir de la utilización de diferentes materia-les como telas, pinturas, botones… además llevaron a cabo un sinfín de actividades en torno a la Dama, donde han estado involu-crados los alumnos, los padres y toda la co-munidad escolar.

En este tipo de contribución colectiva también cabe destacar la participación de la Escuela de Arte y Diseño Llotja de Barcelona, a través de la profesora Montse Noguera. En la cual se puso en marcha un ejerció de contribución masiva ligado a “Gioconda Project” donde los alumnos realizaron una serie de interpretacio-nes de La Gioconda partiendo y compartiendo como técnica, la ilustración vectorial.

Durante todo un año, desde octubre de 2012 a octubre de 2013, ha estado en marcha la recogida de obras. cada una de las colaboraciones han sido mostradas vía online, tanto en la web personal del pro-yecto www.giocondaproject.com como en las diferentes plataformas N

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sociales, twitter, pinterest o Facebook donde más de 2.500 seguidores han esta-do pendientes de cada nueva obra publi-cada, dando vida, apoyo y difusión a un proyecto tan cercano como admirable.

Pero esto, no ha terminado ahí, además de poder visualizar y disfrutar de cada una de estas colaboraciones en los diferente portales web anteriormente mencionados, “Gioconda Project” propone una exposición itinerante, fuera de la web, aun sin detallar y abierta a nuevas propuesta y ofertas, de la que pronto recibiremos más información.

La intención y el afán de su creador, está en la posibilidad de mostrar el proyecto en diferentes países del mundo, otorgando ese carácter internacional que el proyecto ya representa en sí mismo.

Lamentablemente no todo es dedicación e in-tención, el altruismo de la iniciativa reduce las oportunidades e impiden que los objetivos se desarrollen tan ágilmente como a Pablo y a

todas las personas involucradas en “Gioconda Project” les gustaría.

A pesar de ello, no es un imposible, todo depende de la participación e involucra-ción de más gente. Tanto es así, que gracias a la artista Lisa Moldau, participante del proyecto, se ha cerrado ya la primera expo-sición en Londres. Un punto de partida que esperamos que suponga el arranque hacia otros países.

En dicha muestra, que arrancará el 25 de Febrero de 2014 en W3 Gallery, Londres. Podremos ver lo que se ha denomina-do “The big mural”, que como su pro-

pio nombre indica, constituirá un gran mural que rodee la sala por completo construido a partir de las reproduccio-nes de las 220 obras de todos los artis-tas y autores que han participado en el proyecto.

El punto final o la guinda de este pastel es algo por determinar, sujeta al existo del proyecto, actualmente indudable. Pablo nos cuenta que inicialmente no podía ce-rrar acuerdo alguno con ningún tipo de espacio o galería, esto ha quedado para los últimos momentos, para esta fase fi-nal en la que se encuentra actualmente el proyecto, puesto que en sus inicios no sa-bía la aceptación y participación que este iba a tener.

“El proyecto desde el principio ha sido como una criatura desconocida que no tienes ni idea de cuánto puede crecer y si será más o menos bonita. Todos hemos hecho este proyecto juntos sin pedir nada a cambio. El difundir y exponer “Gioconda Project” por el mundo puede sonar complicado y soña-dor, pero cuando puse el proyecto en mar-cha también lo parecía”

Por otro lado está presente la idea de rea-lizar una publicación en torno al proyecto, donde se recoja todo el proceso de crea-ción, realización y organización, junto con citas y comentarios de los artistas cola-boradores, acompañando, como no, a las obras que han dado forma y envergadura a todo esto.

Este proyecto, ha nacido y crecido sin ánimo de lucro y desde el primer momento renun-ció a todos los beneficios que se pudieran obtener con la realización del mismo. Cre-ciendo y desarrollándose como iniciativa al-truista.

El éxito de “Gioconda Project” traspasa pueblos y fronteras, convertido en un símbolo de unión, que se hace presente en su relación con ACNUR. Actualmente se limita exclusivamente a ACNUR Espa-ña, tratando de recoger donaciones des-tinadas a la ayuda a refugiados a través de su web www.giocondaproject.com Con la que terminaremos de dibujar esa sonrisa con tanta controversia.

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EMILIO SUBIRÁFilosofía y plasticidad.

-Lo primero, agradecerte que hayas acce-dido a concedernos esta entrevista. Nos gustaría que comenzara con una peque-ña presentación. Lo que nos lleva a pre-guntar: ¿Quien es Emilio Subirá?¿Cómo fueron tus inicios en el mundo del arte?

Gracias a vosotros por confiar en mí para esta entrevista. Emilio subirá se presenta como un joven artista sevillano. Desde pequeño siem-pre me ha atraído el dibujo. Esta vocación vie-ne influenciada por la idea de querer hacerme dibujante de comic, figura por la que nunca me he sentido obsesionado, pero que me ser-vía de referente en mis inicios. Siempre me he decantado más por este mundo de viñetas y bocadillos, aunque siendo un niño, ya me de-dicaba a hacer mis figuras en plastilina o mate-riales semejantes y se me daba bastante bien. Hice Bachillerato Artístico, lo que me animó a matricularme en Bellas Artes, como desem-bocadura de esta creatividad intrínseca en mí desde que era un crio. Podría decirse que mi experiencia allí, no fue demasiado agraciada y la clasifico de regular tirando a mala. Bási-camente la hice por el título, que hasta ahora jamás he empleado, y rellenar currículo artísti-co, aunque no pienso que ninguno de los dos vayan a hablar por ti en el mundo del arte. Desde mi punto de vista, Bellas Artes, como muchas otras instituciones en este país, aun

sigue empleando un sistema no ya academicista, sino enchufista y chanchullero, que va en depri-mento de la calidad de la en-señanza y por supuesto, de la propia creatividad.

-Como pregunta de rigor, pero necesaria ¿Quien o quienes consideras que son tus referentes? Sabemos, que eres un enamorado del comic underground y la cultura punk ¿Hasta qué punto crees que influye esto en tu obra?

Mi manera de verlo es, que salvando las dis-tancias, en cuanto al estilo empleado, mi obra pueda tender al expresionismo. Por lo tanto, considero que este estilo es una influencia en mi trabajo. Si nos centramos en los artistas que considero mis referentes, te podría decir miles, pero resumiendo, Goya, Francis Bacon, Antonio Saura, Munch, James Ensor…

Indudablemente la cultura del comic under-ground y el punk-skate, influyen en mi obra y hasta pueden considerarse un pilar de la mis-ma, ya que he practicado y practico patinaje roller y por decirlo de alguna manera, me he criado en un skate park. Para mí el comic, ni

Texto: Alberto Chao. Fotografía: Isabel Carmona Burgos.

EMILIO SUBIRÁ Emilio Subirá: Que tu boca no firme cheques que no pueda pagar.

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que decir tiene que es mi influencia principal, a la que siempre he considerado arte mayor y de la que admiro su lenguaje plástico y su idio-ma metafórico. Pero esta misma influencia-re-ciprocidad, también la experimento con otras disciplinas. Por ponerte un ejemplo, siempre he pintado en mi estudio y nunca he pintado graffitis, sin embargo mi obra está muy vincu-lada al arte urbano. Tal vez la cercanía a este tipo de cultura haya impregnado de esta ma-nera mi obra.

-En tu caso, ¿Cómo se origina el proceso creativo de una nueva obra?. La curiosi-dad y el hambre de conocimiento, gene-ran un artista polifacético, que se nutre de la pintura, escultura o serigrafía ¿Sigues una ruta ya establecida como la “óptima” para cada disciplina, o dicha ruta, se ve doblegada a cada creación?¿A qué disci-plina das más importancia?.Observamos

que sueles decantarte por la elección de materiales muy inmediatos en su apli-cación, que dan lugar a creaciones más dinámicas y próximas a la improvisación ¿Hasta qué punto la experimentación se involucra en tu proceso de trabajo?

Por lo general, suelo supeditar la técnica ele-gida, a la obra y no reparo más en los ma-teriales empleados, que en el resultado que obtengo de ellos. Aquello de “el fin justifica los medios”. Intento que la técnica no le robe protagonismo a la obra en sí, sino que esta se adapte para hacerla crecer en calidad. Con la pintura, este proceso se invierte, pero no deja de ser consecuencia de lo anterior. En este caso, es posible que la técnica cobre más protagonismo, para justificar un trabajo más enfocado a las propiedades pictóricas carac-terísticas de la disciplina. Todo esto depende, en primer término, del tipo de idea y su adap-

1. Emilio Subirá: Here comes the Hydra. 2. Emilio Subirá: Hood boy.

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3. Emilio Subirá: Un mutante como los de antes. 4. Emilio Subirá: Dyonisos.

tación a un medio u otro. No tendría sentido que el medio para expresar una idea, no fue-se el optimo para la misma.

No sabría elegir una disciplina como “favorita”. La pintura me es necesaria y quizás disfrute mas con ella, en el sentido de que es más libre e ins-tantánea, frente a lo procesual de la escultura. Digamos que el trabajo de la pintura es mucho mas “intelectual”, en el que no hay porque tener un resultado tan claro, frente a la escultura, en la que siempre está la barrera de “el hay que lle-varlo a cabo” y la planificación que esto conlleva. Como anteriormente he mencionado, sue-lo emplear materiales rápidos en su modo de empleo, pasta de modelar o acrílico para mis pinturas. Es posible, que pudiera obtener mejores resultados con otros materiales, oleo, por ejemplo, pero mi manera de trabajar se ve marcada en gran medida por la inmediatez. Aun así, no sabría decir si eso está vinculado a

la improvisación, algo más allá de una impron-ta rápida. Por supuesto, sí que es cierto, que el aprendizaje es una máxima en mis obras y se ve reflejado en ellas, ya que este trabajo re-quiere de una investigación constante y como artista, también me gusta que las obras apor-ten por sí mismas ese “algo más” por encima de lo que yo haya aportado.

-En tu obra, son frecuentes los recursos cínicos, muy cercanos a la sátira de la ca-racterística tira cómica, haciendo uso del elemento “hombre” y sobre todo de su cabeza, como icono. Un icono que se re-presenta desfigurado y maltrecho, que sin duda nos remite a nuestro propio “yo” interior. ¿Podrías explicarnos más deteni-damente de donde surge la necesidad de expresar esta visión irónica del ser huma-no? ¿Por qué la mayoría de las interven-ciones se centran en la cabeza?

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Estamos completamente condicionados por nuestros sentidos. Que nos relacionan con el mundo recogiendo una información a to-das luces subjetiva y sesgada, que traducida por nuestro cerebro y tras atravesar el filtro de nuestra cultura y vivencias personales, se convierte en el universo de cada una de nues-tras experiencias vitales, como seres huma-nos. “Todo es según el color del cristal por el que se mira”. Cada uno de nosotros somos a lo largo de nuestra existencia, un conjunto de cristales, infinidad de visiones infinidad de opi-niones, compitiendo por determinar algo mí-nimamente veraz entre tanta incertidumbre. La duda que acompaña a nuestra especie des-de el principio de los tiempos, es la paradoja inherente a un ser con capacidad para razonar, para ordenar el caos en un entorno que mues-tra alternativamente destellos de inestabilidad y equilibrio, de sinrazón y lógica a partes iguales.

La lucha de los seres del “solo sé que no sé nada”, es la lucha por imponer una estructu-ra de sociedad sólida y ordenada, solo que la idea de “como debería ser esto” es particular en cada individuo y a todos les gustaría imponer-la sobre los demás. Así se genera el absurdo. El absurdo es el choque de lo ilógico en una men-te racional, es esa idea que te trastoca porque no coincide con la tuya, es el ideal de otro o la mezcolanza de ideales ajenos colisionando con tu propio ideal y la frustración que esto genera.

Emilio Subirá: La orla.

Todo se produce en la cabeza, en la mente, que lejos de ser algo inmutable está por el contrario en constante movimiento, recojiendo y desechando, construyéndose a si misma; es una pintura de matices y luces, de casualida-des y aciertos, de conocimientos e intuiciones. Si profundizamos en él, este pensamiento re-sulta algo desconcertante, turbador, retorcido tal vez, pero sobre todo muy irónico.

El “hombre”, el “ser humano”, es la temática porque soy un “ser humano”. Percibo como tal y trato de examinar nuestra condición. En cabeza se centra la temática y la interven-ción, porque toda idea surge y nace en ella. Empleo temáticas irónicas, como reflejo de la ironía de la propia vida.

-Conocemos tu gusto por la filosofía, considerada por ti, como una segunda pasión aplicada en tu obra. Tu mismo, te

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refieres a conceptos como “Filosofía Plás-tica”. ¿Nos hablarías un poco más acerca de ella?¿Hasta que punto, dicha “Filoso-fía Plástica” se ve reflejada o se vincula a tu trabajo?

Reflexionar, tratar de sacar conclusiones sobre nuestra naturaleza, nuestra forma de comportar-nos y las pasiones y ambiciones que nos mueven: Filosofar nace de una curiosidad trascendente, un impulso autocrítico y un espíritu reparador. A menudo la filosofía se sirve de metáforas, para hacer entender ciertos conceptos de un modo más profundo y universal. Estás metá-foras no son otra cosa que imágenes descritas con palabras, que nos llegan de una forma más profunda, porque de alguna manera estamos más ligados al lenguaje de la imagen, que a cualquier otra forma de lenguaje. Dicho esto, parece lógico que la forma más directa para llegar a conectar de una forma intima con una

idea inexplicable, sea a través de la imagen. A esto me refiero con el término “filosofía plásti-ca”, puesto que todo el impulso que motiva mi trabajo tiene un caracter filosófico-visual.

-Atendiendo a que nos centramos en un joven creador, en una situación como la que actualmente atravesamos, nos pa-rece inevitable tener que llegar a esta cuestión. ¿Qué visión te da el panorama artístico actual?¿Destacarías algo en con-creto, del mismo?

Creo que hoy en día la imagen del artista plástico no es en absoluto respetada. El hecho consabido de que el arte es la base de toda la cultura y clave en su desarrollo y maduración, es algo que parece no ser una idea interioriza-da en absoluto por la sociedad española.

Y digo esto con mucha pena, pero es así. Es solo una minoría, por desgracia, aquella que valora este trabajo como lo que realmente es. La mayoría, siguen estancados en una visión totalmente arcaica y tópica de lo que es o re-presenta un artista, viéndose este como un simple productor de cosas para decorar. Este país que vio nacer a artistas respetados a ni-vel mundial no hace aprecio del presente, me temo. Pero bueno, esto es España, somos el “hazmerreír” de la comunidad internacional, no descubro nada nuevo creo.

Emilio Subirá: (de Izquierda a derecha) Blanco y negro, Multi faced face, Wet paint, Ex pres, Hueso de manzana, Algo para mirar cara a cara a la vida,.La mirada de siempre, Fluyendo hacia la raiz en espiral, El gran circo universal, Johnny atrás..

Por otro lado, los tratos con las galerías y de-más entes de la esfera comercial artística, son a menudo desalentadores y a todas luces in-justos; porcentajes desorbitados y costes que siempre corren a cargo del artista. ¿En que negocio te prestan la mercancía (además mer-cancía cara) para que la vendas, sabiendo que si no la vendes, puedes devolverla (no corrien-do tu a veces, con los gastos de esa devolu-ción incluso)? ¿te imaginas que la fábrica de BMW te diera coches en depósito para que tu hicieras negocio con ellos y poder devolverlos sin coste alguno a fabrica, si no te sale bien la jugada? ¿Te imaginas que además al tratar con el dueño de la fábrica de BMW, le habla-ras condescendientemente como si además el favor se lo hicieras tu a él?

Esto es el mundo del mercado del arte y a esto es a lo que se enfrenta el artista, un pisoteo constante de su dignidad y una dificultad bru-tal para vivir de su trabajo en pleno siglo XXI.

-Revisando tus exposiciones, hemos obser-vado que sueles codearte entre círculos in-dependientes, como principal contexto. ¿Es posible, que exista algún tipo de relación con ese mundo underground que siempre englo-ba tu obra? ¿Te preocupa que la comerciali-zación o institucionalización del arte, pueda ligarse de algún modo, al éxito del mismo?

Son las versiones clandestinas las que com-pletan o desenmascaran la “version oficial”. Lo underground para mi, no es otra cosa que

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la verdad no oficial y por lo tanto más real. La llamada subcultura que no es otra cosa que cultura subversiva. La sabiduría de la calle y de los “locos”, que a menudo están más cuerdos que la “gente normal oficial”, es en realidad el germen de lo que tiene que imponerse, por na-cer de una verdad más pura del ser humano. Todo esto va en mi línea de pensamiento y por lo tanto me siento atraído hacia ello de forma totalmente natural.

En cuanto a lo segundo, nadie puede saber a que está ligado el éxito del arte, depende de muchos factores en cada caso particu-lar. Pero particularmente pienso que un arte auténtico, uno que hable de la realidad pro-funda de todos, siempre encontrará su sitio.

En cuanto al éxito ligado a las ventas o al mercado creo que con el arte plástico está sucediendo exactamente lo mismo que con la música desde la llegada de Internet. Se está democratizando y ya no es un crí-tico o un avieso galerista quien decide lo que es bueno y lo que es malo. Promoción millonaria en mano, ahora cualquier artista puede moverse y mostrar su obra al mundo

entero, a través de la red determinando así su propio éxito, saltando por encima de las antiguos raseros.

-Para terminar, y agradeciéndote mu-cho tu colaboración, ¿podrías comen-tarnos, para que lo conozcan nuestros lectores, cuáles son tus proyectos y ex-posiciones futuras?

En este momento, me encuentro inmerso en la exposición “Un mutante como los de antes”, en Espacio California. Lugar, al que recomiendo a los interesados en el arte que vayan, ya que este espacio resulta muy in-teresante y está más centrado en la como-didad y esparcimiento del artista, que en el beneficio que se obtenido del mismo.

Recientemente he ultimado, también, un proyecto en el que llevo trabajando desde el 2006. La edición de mi propio libro (Nuevo Habla). Repleto de reflexiones personales, metáforas e historias surrealistas que rozan el absurdo, que se ven complementadas con una serie de ilustraciones propias. Cada capítulo está centrado en una obra que pude haber realizado con materiales tangi-bles, pero, en este caso, se ven sustituidos por la propia palabra en si, como elemento constructor.

Además de lo anterior, por supuesto, con-tinuo trabajando con el colectivo artístico Sickstudio. Que componemos Rafael Ju-rado y yo. Con el que además de afición, comparto filosofía, curiosidad y gusto por el arte. Gracias a esta agrupación, de la que nos servimos de plataforma de lanzamien-to, conseguí realizar mis primeras exposicio-nes e incluso la publicación de libros y algún que otro fancine. A todo esto, se suma el uso de internet y nuestra página web… En la que compartimos noticias y pretendemos contribuir al impulso de iniciativas artísticas, aportando nuestro grano de arena. g

Mapache SaladoLorelai www.mapachesalado.blogspot.com

Miguel ScheroffFlesh autoportraitwww.scheroff.wix.com/scheroff

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